Lundi 4 décembre 2006
14 heures
Institut des Etudes Slaves, Salle de Conférence
9, rue Michelet 75006 Paris

 Mme SVETLANA ANISSIMOVA SEVILLE soutient sa thèse de Doctorat :

 "Aspect de l’infinitif dépendant des auxiliaires de vouloir, pouvoir et devoir en russe moderne"

 En présence du Jury :

Mme BONNOT (INALCO)
M. BREUILLARD (PARIS 4)
Mme GUIRAUD-WEBER (AIX-MARSEILLE 1)
M. ROUDET (LYON 3)
M. SEMON (PARIS 4)
M. THOMAS (PARIS 4)

 Résumés :

En attente...

Mardi 14 novembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, salle D116
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Patrizia D’ANDREA soutient sa thèse de Doctorat :

 Littérature et spiritisme au tournant du siècle (1865-1913). Etudes des formes narratives d’inspiration spirite : France, Italie et Angleterre

 En présence du Jury :

M. DE PALACIO (PARSI 4)
M. DUFIEF (BREST)
M. FAIVRE (EPHE)
M. LIVI (PARIS 4)

 Résumés

Notre perspective d’analyse est axée sur le langage et l’écriture : quelle est l’incidence de l’inspiration spirite sur la constitution du texte ? Cinq thématiques majeures, qui constituent les cinq parties de notre travail, nous permettent de rendre compte des stratégies narratives issues de l’interaction entre les deux domaines. Dans la première partie, la thématique fantastique, définie par le modèle de référence Spirite de Théophile Gautier (1865), montre le rôle poétique du spiritisme en tant que pratique d’écriture avec l’au-delà. La deuxième est centrée sur la thématique de l’amour spirite, constituée par un réseau d’influences intertextuelles, esthétiques et philosophiques que nous mettons en évidence. La troisième traite de l’influence des sciences occultes et des procédés d’amalgame propres à ce type de discours. La quatrième considère le traitement du spiritisme en littérature par le biais du genre comique. La cinquième partie analyse les tentatives de définir le spiritisme dans une approche psychophysiologique et les mêmes diagnostics portés sur l’écriture. Les conséquences seront décisives pour la remise en question de la littérature elle-même.

Our field of analysis focussed on language and literary writings : What was the impact of spiritualist influences on how texts were constituted ? The five major thematics making up the five sections of our work, enabled us to grasp the strategies employed in narratives arising from interactions between the two fields. The first section, named the “ Fantastique” (Uncanny Thematic) was defined by the reference model, Spirite by Théophile Gautier (1865). It demonstrates the poetic role played by spiritualism in the practice of writing with respect to the hereafter. The second focussed on the “Amour Spirite” (Spiritualism & Love) thematic. It comprises of a network of inter-textual, aesthetic and philosophical influences that we have highlighted. The third deals with the influence of occult science and the processes through which amalgams are made by this type of treatise. The fourth considered how spiritualism was treated via the comic literary genre. Finally, the fifth section analysed the attempts made to define spiritualism in a psycho-psychological approach and how the same diagnostics were applied to writings. The consequences were to play a decisive role when questioning the literature itself.

Position de thèse

« Littérature et spiritisme au tournant du siècle (1865-1913) » indique que l’objet d’étude choisi est celui de la littérature de la deuxième moitié du XIXe siècle et par “littérature” nous désignons principalement les œuvres de fiction d’écrivains déclarés comme tels. Ainsi, il sera possible de parler de « littérature et spiritisme » et nous utiliserons la formule « littérature spirite » ou « littérature du spiritisme » pour indiquer que dans une œuvre littéraire se trouvent des éléments empruntés au corpus référentiel du spiritisme. Nous excluons les œuvres des médiums, même si elles se présentent comme “littéraires” et les textes “médiumniques” d’écrivains, sauf quelques exceptions qui nous permettront de montrer comment le spiritisme remet précisément en question la littérature dans la perspective de la production du texte. Notre étude littéraire se focalise sur un genre particulier qui est celui du récit de fiction, qu’il soit la nouvelle, le conte ou le roman. La deuxième partie du titre « Etude des formes narratives d’inspiration spirite : France, Italie et Angleterre » voudrait à la fois délimiter le genre, le sujet et les lieux de production des textes choisis. Dans notre perspective, le spiritisme se définit comme un phénomène culturel qui embrasse une pluralité de domaines et dont l’interaction avec la littérature s’avère déterminante dans la définition même de cette dernière. Le spiritisme n’a pas de définition univoque dans l’axe diachronique proposé et ce n’est pas le cas non plus dans une perspective synchronique. En effet, selon la doctrine codifiée par Allan Kardec (le fondateur de la philosophie spirite en France), nous pouvons le cerner à plusieurs niveaux : métaphysique, moral, esthétique et pratique. Ce phénomène est ainsi assimilable à une forme de mythe moderne, dont la poétique est indissociable de ses présupposés philosophiques et qui ne saurait se réduire à des éléments strictement stylistiques ou esthétiques. C’est pourquoi une définition trop rigoureuse du spiritisme au sein du corpus littéraire nuirait à l’analyse que nous proposons, c’est-à-dire celle de l’interaction entre ce phénomène culturel et les modes d’expression mis en place par les textes fictionnels qui s’en inspirent.
La littérature de fiction, qui est à proprement parler notre objet de réflexion, exploite de manière dynamique les thèmes et les motifs du spiritisme, mais celui-ci ne représente pas toujours le seul sujet du texte. Il se crée donc, dans le corps des textes, un rapport à son tour complexe, protéiforme ou indéfini entre le spiritisme et les diverses formes narratives. Ce caractère évanescent et insaisissable donne la mesure de son importance. Il est toutefois possible de délimiter les contours dans lesquels s’inscrit la dynamique entre spiritisme et littérature en considérant certains aspects récurrents que nous allons éclairer. Il ne s’agit pas encore une fois de vouloir donner une définition stricte, étant donné que le corpus littéraire qui se revendique stricto sensu d’une appartenance au spiritisme ne saurait s’étendre au-delà de la littérature de propagande et de vulgarisation. Ainsi, le choix des textes de notre corpus dépend des aspects récurrents, mais aussi d’une définition élargie du spiritisme, en tant que mouvement d’idées représentatif de la culture du XIXe siècle. Nous avons donc choisi de le présenter de sorte qu’il soit possible de rendre compte aussi bien du syncrétisme doctrinaire qui caractérise son histoire durant la deuxième moitié du XIXe siècle que des amalgames et des emplois multiples qu’il recouvre dans les textes de fiction.
Le spiritisme, en tant que phénomène culturel protéiforme dont la durée de vie dépasse et précède de peu les dates imparties par le corpus littéraire choisi (1865-1913), relève d’une mythologie à part entière qui oscille incessamment entre la littérature, la philosophie et les sciences occultes. Par ailleurs, la littérature de la deuxième moitié du XIXe siècle est elle-même en quête d’identité à l’issue des grands mouvements en “-isme” qui la caractérisent : romantisme, réalisme, symbolisme, naturalisme. Après une esthétique du morcellement et de la « vaporisation et de la centralisation du Moi » définie par Baudelaire et après les derniers retranchements du roman vers lesquels Flaubert a porté l’écriture avec l’idéal du « livre sur rien », la déconstruction du romanesque est à l’œuvre. La littérature se percevant comme malade d’elle-même et l’écriture n’ayant plus affaire à autre chose qu’à elle-même, tels sont les aboutissements des divers courants qui ont tenté de redéfinir une unité du corps littéraire selon les idéologies dominantes. De ces tentatives artificielles est issue la tendance fin-de-siècle à explorer toutes les formes et les modalités d’expression littéraire. À Rebours est l’exemple le plus accompli de cette esthétique “hybride”. Ainsi, l’interaction du spiritisme et de la littérature se trouve amplifiée par l’évolution de la littérature elle-même entre 1865 et 1913. Notre perspective d’analyse, compte tenu de cette situation esthétique et poétique de la littérature, est axée sur le langage et l’écriture : quelle est l’incidence de l’inspiration spirite sur la constitution du texte ? La problématique est ainsi celle de la “forme” et du “contenu” dans le sens d’une redéfinition de l’écriture et de l’art. Le but des analyses que nous proposons consiste à cerner, dans une perspective comparatiste, les rapports et les échanges entre la littérature et le spiritisme, interaction qui aura tendance à embrasser tous les domaines de la culture.
Les formes narratives engendrées par cette rencontre étant la plupart du temps protéiformes, il serait inexact de parler de « genre littéraire spirite ». Il sera donc question de mettre en lumière les stratégies narratives les plus récurrentes qui peuvent rendre compte au mieux de cette interaction. La complexité d’un tel sujet lance un défi non seulement aux savoirs de l’époque mais aussi à l’écrivain et à la création artistique. C’est donc par le biais de cinq thématiques majeures propres à l’“isme” spirite que nous allons analyser les rapports de celui-ci avec les formes narratives.
La thèse se divise par conséquent en cinq parties, selon les thématiques suivantes : la première est celle du fantastique, telle qu’elle est définie par le modèle de référence Spirite. Nouvelle Fantastique de Théophile Gautier (1865). Nous soulignons, dans le premier chapitre, le rôle du spiritisme en tant que pratique langagière avec l’au-delà, ainsi que d’écriture par l’intermédiaire des dictées spirites. La remise en question de l’inspiration poétique en découle directement, car c’est le personnage du poète qui est représenté par l’Esprit qui se communique à lui et qui écrit à travers lui. La thématique fantastique aborde plus particulièrement la question des rapports entre fiction et réalité. Les trois auteurs les plus représentatifs de la littérature fantastique - Villiers de l’Isle-Adam, Arthur Conan Doyle et Luigi Capuana -, que nous traitons dans le deuxième chapitre, problématisent l’interaction entre fiction et réalité dans une perspective spirite. L’enjeu plus général de notre recherche est de cerner le lien entre la pratique spirite dans son contexte social et historique - que cette pratique soit scientifique, esthétique ou psychologique - et ses représentations dans l’imaginaire. Luigi Capuana a explicitement posé cette ambivalence : « Il y a autour de nous et à l’intérieur de nous de telles forces, dont peu de personnes soupçonnent l’existence, et qui ramènent loin en arrière, à une très grande distance, tout ce que peut inventer de plus fou, de plus incroyable, un conteur, un écrivain, ou un poète inspiré à l’excès par les fictions les plus folles » . Cette affirmation représente une attitude constante dans le panorama littéraire de la deuxième moitié du XIXe siècle dont nous analyserons les conséquences.

La deuxième partie est centrée sur la thématique de l’amour spirite. L’imaginaire littéraire des rapports amoureux est constitué par un réseau d’influences intertextuelles : références mythologiques, philosophiques, religieuses et, bien entendu, littéraires. Le spiritisme s’inspire de toutes ces références tout en les redéfinissant dans la perspective de ses propres présupposés théoriques. Ce procédé donne lieu à deux stratégies significatives dans le corps des textes : l’incorporation par l’incidence des nouveaux termes propres à la doctrine spirite et la perversion de la doctrine dans une esthétique de Décadence que nous analysons dans les deux chapitres de cette partie. La troisième partie traite de l’influence des sciences occultes auxquelles la littérature fait systématiquement référence lorsqu’elle aborde le spiritisme. Les listes et les énumérations savantes, qui tentent d’appuyer la doctrine spirite par des preuves positives, à l’instar des méthodes scientifiques, interfèrent dans le corps du texte comme des excroissances sans fin. Nous montrerons que ce procédé fondé sur l’extrapolation est aussi le propre de tout discours de type mythique à visée totalisante. La quatrième partie considère le traitement du spiritisme en littérature par le biais du genre comique. En effet, dans un contexte culturel dominé par le rationalisme et le positivisme, le sujet prête à la dérision et donne lieu à une abondance de formes parodiques et caricaturales. Enfin, la cinquième partie analyse le lien entre les tentatives de définir le spiritisme dans une approche psychophysiologique et les mêmes diagnostics portés sur l’écriture. Les conséquences seront décisives pour la remise en question de la littérature elle-même. Du fait qu’il n’existe pas une définition constante et unitaire du spiritisme, celui-ci ne saurait faire l’objet d’une recherche thématique classique. Dès lors, il nous faut cerner la spécificité de ce sujet en fonction des auteurs qui l’abordent sur l’axe chronologique proposé.

Notre étude comparatiste s’appuie sur un corpus de textes français, à partir desquels nous avons tenté d’établir certains critères récurrents que nous avons vérifiés principalement dans le domaine de la littérature italienne. L’Angleterre ne sera représentée dans cette étude que par quelques cas particuliers. Nous avons en outre inclus dans nos analyses le cas d’Alfred Kubin, qui relève du domaine littéraire allemand. Notre travail se propose de commencer l’analyse des textes de fiction d’inspiration spirite avec le texte de Gautier, Spirite (1865). Le choix de cette date et de cet auteur s’explique par le fait qu’il s’agit d’un écrivain confirmé et reconnu dans le monde littéraire français de l’époque, mais surtout en raison du mode d’écriture et de l’univers esthétique qu’il y définit. Mais, à proprement parler, ce n’est pas le premier texte du genre. En effet, il est possible de trouver auparavant des productions diverses inspirées de la vague des tables tournantes, dans différents genres, notamment un nombre considérable de vaudevilles, mais aussi des romans et des contes. C’est le cas en Angleterre avec le roman de Sir Edward Bulwer Lytton A Strange story (1862), bien qu’il soit plus proche de certaines techniques magiques des occultistes anglais et la nouvelle The Haunted and the Haunters, (1859). En France, plusieurs romans spirites sont publiés dès les années 1850, grâce aussi à la profusion des revues spirites qui seront le lieu de publication de nombreux romans-feuilletons. Au début des années 1860, une littérature fictionnelle du spiritisme est déjà constituée de plus d’une dizaine de titres.
À partir de 1865, surtout dans la veine fantastique, la production des récits d’inspiration spirite connaît une croissance qui se multipliera dans les années 1870. Il s’agit de l’époque du procès des photographies spirites et de la création de la Société de Théosophie. Les influences psychologiques seront déterminantes notamment à partir de 1885, après la publication de l’ouvrage fondateur de Pierre Janet L’Automatisme psychologique et le renouveau de l’hypnotisme par Bernheim, Hypnotisme, suggestion, psychothérapie. Etudes nouvelles (1891). La représentation de la pièce de Victorien Sardou, Spiritisme (1897), interprétée par Sarah Bernhardt, occasionne un regain d’intérêt pour la littérature d’inspiration spirite. Notre corpus s’arrête en 1913, date de la publication du roman de Marc Saunier, Au-delà du Capricorne, Roman spirite. La guerre a certes interrompu la production littéraire sur ce sujet, mais elle relancé l’intérêt sur les manifestations et témoignages de communications de défunts autour des années 1920, avec les travaux de Charles Richet et de Conan Doyle.

L’enjeu majeur et l’intérêt de la littérature spirite ne sont pas exclusivement d’ordre stylistique, mais consistent principalement, à notre avis, à remettre en question et à reconsidérer la définition même de la littérature en tant qu’activité spécifique de l’esprit. En effet, la littérature spirite s’interroge sur la véritable nature du dédoublement que suppose l’acte littéraire où l’on est en même temps auteur et narrateur, à la fois extérieur et intérieur au récit, à la fois visible en tant que personnage et invisible en tant qu’auteur. L’inspiration serait-elle une manifestation d’un Esprit qui s’incarne ? Cette possibilité apparaît à l’époque assez plausible pour nourrir la réflexion des hommes de lettres les plus éminents tels que Gautier, Pirandello, Capuana ou Conan Doyle. La nouvelle Spirite de Gautier est consacrée explicitement à cette supposée “muse spirite”. L’œuvre serait alors le lieu de rencontre des “esprits” et le trait d’union entre l’au-delà et ce monde-ci, entre l’auteur et son lecteur, autrement dit, selon Gautier, un moyen privilégié de « se mettre en communication d’âme ». Il s’agirait en somme d’une réhabilitation de l’espace imaginaire - ce que Michaux appelle L’Espace du dedans -, considéré en tant que réalité à part entière au même titre que la réalité matérielle : les surréalistes s’en souviendront. En d’autres termes, en estompant les frontières souvent trop contraignantes et artificielles entre fiction et réalité, l’imaginaire spirite remet en question la notion même de réalité.

Vendredi 21 septembre 2007
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D116
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. JE-CHUL BAK soutient sa thèse de doctorat :

 La structure et l’identité des êtres chez Leibniz

 En présence du Jury :

M. DE BUZON (STRASBOURG 2)
M. FICHANT (PARIS 4)
M. RAUZY (AIX-MARSL 1)

 Résumés :

Cette thèse concerne le système et l’histoire de la philosophie leibnizienne. Le système de la philosophie leibnizienne est lié à l’interprétation de la structure de la substance individuelle leibnizienne. Contre l’opinion de Russel et Clatterbaugh, la substance individuelle leibnizienne est un faisceau d’attributs. Cette thèse le démontre et cette démonstration révèle le système de la philosophie leibnizienne, c’est-à-dire, la totalité de la relation des doctrines leibniziennes : doctrine de la structure du concept, de la structure de la substance individuelle, de l’identité transmondiale de la substance individuelle et de l’identité transtemporelle de la substance individuelle.

Contre l’opinion de Couturat, la philosophie leibnizienne change même après 1686. Pour le démontrer, cette thèse considère le changement doctrinal de la substance corporelle leibnizienne. Cette thèse démontre que la philosophie leibnizienne est non seulement systématique mais aussi historique.

This thesis is an exploration of the system and history of Leibniz’s philosophy. We hypothesize that our interpretation of the individual substance is relevant to his philosophical system. Different from the opinions of Russel and Clatterbaugh, we speculate that for Leibniz the individual substance is a bundle of its attributes. We endeavour to demonstrate the view and it shows the system of Leibniz’s philosophy, that is, the totality of the relations of the Leibnizian doctrines : the structure of concepts and individuals ; the trans-world identity and the diachronic identity of the individual substance.

Leibniz’s philosophy, unlike Couturat suggested, has changed even after 1686. To demonstrate it, this thesis considers his doctrinal changes of the corporeal substance. It is to show that Leibniz’s philosophy is not only systematic but also historical.

 Position de thèse :

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Samedi 20 octobre 2007
9 heures 30
Maison de la Recherche, Salle D116
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Langfafa DAMPHA soutient sa thèse de doctorat :

 L’Afrique de l’Ouest anglophone entre mémoire et réparation à l’époque post coloniale : une question de développement ?

 En présence du Jury :

Mme AZUELOS (PARIS 3)
M. GARBAYE (PARIS 4)
M. REDONNET (PARIS 4)
M. REVAUGER (BORDEAUX 3)

 Résumés :

En attente...

 Position de thèse :

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Samedi 3 novembre 2007
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Michelet
46, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 M. Matthieu LAHURE soutient sa thèse de doctorat :

 "La formulation moderne et contemporaine du problème de l’égalité des sexes et de la différence des genres comme question de justice appliquée"

 En présence du Jury :

M. BESNIER (PARIS 4)
Mme FRAISSE (CNRS)
M. OGIEN (CNRS)
M. RENAUT (PARIS 4)

 Résumés :

Cette thèse décrit comment la philosophie politique reformule l’exigence démocratique d’égalité entre les hommes et les femmes comme une question de justice appliquée. Les relations entre les hommes et les femmes occasionnent des distributions de droits, de pouvoirs et de biens qui avantagent les hommes, y compris dans le contexte égalitaire des sociétés démocratiques. Cette thèse décrit les mécanismes par lesquels cette injustice persiste, et puise dans la philosophie moderne (Locke, Rousseau, Tocqueville, Mill) et contemporaine (Rawls, Walzer, Okin, Kymlicka) des ressources théoriques et des procédures distributives pour évaluer et corriger cette injustice dans ses diverses déclinaisons. Il s’agit d’envisager la possibilité pour la dynamique démocratique de procéder à un nouvel approfondissement de ses principes afin de faire face au défi que représentent pour elle la différence sexuelle et plus encore la différenciation sociale inégalitaire des genres. Notre conclusion est que l’égalité entre les sexes passe par un libéralisme politique critique qui réaffirme la valeur de l’autonomie individuelle tout en convenant que la promotion de celle-ci passe par des interventions de l’Etat qui dépassent le simple principe de non-discrimination et prennent en compte la spécificité des biens que les individus convoitent, ainsi que la situation sociale qui les caractérise.

In this work I show how the democratic claim for equality between men and women is formulated in political philosophy as a question of applied justice. The relationships between men and women involve distributions of rights, powers and goods which are to men’s advantage, even within the equalitarian context of democratic societies. The aims of this research have been to measure up this unequal treatment and analyse the mechanisms through which it persists, as well as to offer solutions to correct its various manifestations. With this in view, I have chosen to rely on the theoretical tools and to develop the perspectives on distributive procedures provided by the works of modern philosophers such as Locke, Rousseau, Tocqueville and Mill, and by the contemporary reflections of Rawls, Walzer, Okin, and Kymlicka. What is at stake here is the possibility for democracy to re- examine the very principles of its dynamics so as to face the challenge of sexual difference and to correct the inequality of socially grounded gender differentiation. I have reached the conclusion that to achieve equality between the sexes, there has to be a critical political liberalism reaffirming the value of individual autonomy. But for the promotion of such autonomy State intervention needs to go beyond the mere principle of no- discrimination and to take into account the specific nature of the goods which the individuals are after as well as the social situations by which they are characterised.

 Position de thèse :

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Jeudi 6 décembre 2007
9 heures 30
En Sorbonne, centre Administratif de Paris IV, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 M. Michel CHELINI soutient son habilitation à diriger des recherches :

 Inflation, pouvoir d’achat et salaires en France de 1944 à 1967

 En présence du Jury :

M. BARJOT (PARIS 4)
M. BUSSIÈRE (PARIS 4)
M. DARD (METZ)
M. HAU (STRASBOURG 2)
M. PRAT (CNRS)
M. VARASCHIN (ARRAS)

Samedi 24 novembre 2007
14 heures
INHA, Galerie Colbert, Salle Ingres
4-6 rue des Petits-Champs 75002 Paris

 Mme Delphine BURLOT soutient sa thèse de doctorat :

 Peintures romaines antiques et faussaires. Sources et techniques

 En présence du jury :

M. BARATTE (PARIS 4)
Mme de CHAINSEMARTIN (PARIS 4)
Mme DE VOS (TRENTO)
Mme ERISTOV (CNRS)
Mme GALLO (GRENOBLE 1)

 Résumés :

Dès leur découverte au XVIIe siècle, les peintures antiques ont suscité la fabrication de faux. Les premières publications sur les peintures antiques se firent simultanément à la diffusion des copies en couleur et l’ouvrage de G. P. Bellori et de P. S. Bartoli sur les peintures du tombeau des Nasonii connut un grand succès dans toute l’Europe. Au XVIIIe siècle, les fouilles entreprises par le roi de Naples à Herculanum mirent au jour un grand nombre de peintures et suscitèrent la curiosité des voyageurs européens. Or, l’accès au site était limité et la diffusion des découvertes interdite. Cependant des fragments provenant de ce site étaient en vente clandestinement à Rome. Il apparut rapidement qu’il s’agissait de contrefaçons, réalisées par Giuseppe Guerra, l’artiste qui prétendait les restaurer. Après la découverte de la supercherie, l’affaire fut relatée par Caylus, Winckelmann et le père Piaggio. Les théoriciens qui s’intéressaient à la peinture antique tentèrent de retrouver la technique de l’encaustique, oubliée des artistes modernes. Ces recherches eurent pour conséquence l’emploi de la cire dans les matériaux utilisés pour la restauration des peintures antiques. L’étude de la technologie des faux permet de comprendre le contexte dans lequel évoluait le faussaire : en effet, celui-ci adapte son discours et sa technique au goût de ses contemporains, le but étant de rendre son oeuvre attrayante et … authentique. La connaissance des truchements du faussaire, ainsi que des analyses scientifiques permettent de détecter plus sûrement les faux.

Since their discovery in the 17th century, antique paintings resulted in creation of forgeries. First publication of books on antique painting took place when colored drawings were made and spread. Bellori and Bartoli’s book on paintings from Nasonii’s tomb had a great success in whole Europe. In the 18th century a lot of paintings were discovered during the excavations made for the king of Naples at Herculaneum. European travellers were very curious about these discoveries, but could not visit the site because of restriction ordered by the napoletan governement. However, some painted fragments said to be taken from Herculaneum could be bought in Rome. In reality these paintings were forgeries made by Giuseppe Guerra, who pretend to restore them. After the whole story was discovered, it was told by Caylus, Winckelmann and Padre Piaggio in their corrispondence. Antiquarians tried to understand why the colors of antique paintings lasted so long. They made some researches upon wax-painting technique. This work had some repercussions on the choice of products used in the conservation of antique painted plasters. The study of the making of forgeries helps in understanding the context in wich evolved the forger. In fact, forgers tried to make their paintings look pleasant and … genuine. The knowledge of forgers’tricks and the scientific analyses makes easier the detection of forgeries.

 Position de thèse :

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samedi 10 décembre 2011
à 9h
Bibliothèque Ascoli - UFR de
littérature française et comparée, 17 rue
de la Sorbonne, escalier C, 2ème étage

Mme HELOISE LECHEVALLIER PARENT soutient sa thèse de doctorat :

Défini, indéfini et générique en anglais contemporain.

En présence

M. COTTE ( PARIS 4 )
MME DE MATTIA VIVIES ( AIX-MARSL1 )
M. DELMAS ( PARIS 3 )
M. QUAYLE ( CENTRA LIL )

Samedi 1er décembre 2007
9 heures
Institut des Etudes Ibériques, Salle Delpy
31, rue Gay-Lussac 75005 Paris

  Mme Sarah PECH soutient sa thèse de doctorat :

 Etre domestique à Madrid au Siècle d’Or

 En présence du Jury :

M. BERGER (ROUEN)
M. CARRASCO (MONTPEL 3)
Mme ESCAMILLA (PARIS 10)
Mme FAUVE-CHAMOUX (EHESS)
Mme MOLINIÉ (PARIS 4)

 Résumés :

Cette thèse analyse les conditions de vie et de travail des domestiques à Madrid au Siècle d’Or. À partir de recensements de paroissiens, d’actes notariés, de livres d’hôpitaux, de registres paroissiaux, de traités d’organisation des maisons, de manuels de confesseurs, de récits de fêtes ou de faits divers, la vie quotidienne des gens de service, dans ses aspects matériels (gages, patrimoine, logement) et personnels (situation matrimoniale, entourage familial et amical, réseaux de sociabilité), est envisagée. Le regard que la société espagnole porte sur les domestiques et sur la relation de dépendance est également abordé, ainsi que le décalage entre l’image que l’on donne des criados, en tant que groupe social dangereux, et la réalité des archives judiciaires.

The present research deals with the work and life conditions of servants in sixteenth-and seventeenth-century Madrid. All the aspects of their daily lives, both material (wages, possessions, lodgings) and personal (marital status, social life and networks, family relations) are tackled in this work. The in-depth study of this social category is the synthesis of a wealth of information provided by the parish censuses of the time, but also from solicitors’ and hospitals’ official documents and registers, treatises on housekeeping, textbooks for priests, and various other narratives of celebrations and miscellaneous events. What is also under scrutiny in this research is how servants and their relations with their masters were then considered and represented by Spanish society. What is even more of interest is the gap between the negative picture that the average man had of the allegedly dangerous criados as a social group and the facts registered in the judicial documents of the period under study.

 Position de thèse :

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Samedi 25 novembre 2006
14 heures
Centre Administratif, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme François-Xavier GIUDICELLI soutient sa thèse de Doctorat :

 Oscar Wilde et les paradoxes de la représentation : étude des éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray

 En présence du Jury :

_ M. AQUIEN (PARIS 4)
Mme CACHIN (PARIS 7)
M. JUMEAU (PARIS 4)
Mme LOUVEL (POITIERS)

 Résumés :

The Picture of Dorian Gray d’Oscar Wilde peut se lire comme l’histoire d’un portrait irreprésentable. Pourtant, ce roman a été illustré à plusieurs reprises. Ce travail se propose d’analyser dix-huit éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray, publiées en Grande-Bretagne, aux Etats-Unis et en France entre 1908 et 2003. L’étude de ces illustrations conduit d’abord à souligner le fait qu’un texte est peut-être avant tout un livre : la première partie de cette thèse a pour but de replacer ces diverses éditions illustrées dans leur contexte éditorial, ainsi que dans l’évolution des techniques d’illustration et dans la carrière des artistes qui les ont réalisées. La deuxième partie est une réflexion sur les opérations que suppose le passage du texte à l’image : les choix opérés par les illustrateurs s’apparentent à une « réduction » du texte, mais aussi à une mise en lumière de deux moments-clefs : le début et la fin de l’œuvre. D’autre part, la transposition du texte à l’image se fait à travers le filtre de constructions idéologiques et de codes esthétiques. La troisième partie se concentre sur l’effet « en retour » de l’illustration sur le sens même du texte. Traitant de la question du portrait et de l’inscription du temps dans le cadre de l’image, je me propose d’aller au-delà de la simple opposition entre texte et image, de faire jouer leurs convergences et leurs différences afin de mettre au jour les éclairages respectifs qu’ils suggèrent. En fin de compte, derrière ces Portraits de Dorian Gray illustrés s’inscrit souvent en filigrane un portrait d’Oscar Wilde.

The Picture of Dorian Gray by Oscar Wilde can be read as the story of a portrait that defies representation. And yet that novel has repeatedly been illustrated. This thesis examines eighteen illustrated editions of this work, published in Great Britain, the United States and France between 1908 and 2003. The analysis of these illustrations first leads one to underscore the fact that a text is first and foremost a book : the aim of the first part of this study is to recontextualise the various illustrated editions of The Picture of Dorian Gray, from an editorial and technical point of view, as well as within the careers of the artists who illustrated them. The second part examines the modalities of the transpostion of text into image : the choices made by the illustrators are tantamount to a ‘reduction’ of the text, as well as to underlining two key-moments : the beginning and the end of the novel. It is also argued that the transposition from text to image is achieved through the prism of ideological constructs and aesthetic references. The third part focuses on the ‘boomerang effect’ of illustration on the very meaning of the text. Dealing with the themes of the relationship between visual and literary portraits and of the inscription of time within images, my purpose is to go beyond the clear-cut opposition between text and image, to underline their points of convergence and of divergence, so as to bring to the fore the fact that they shed light on each other. Eventually what often lies hidden behind these illustrated Pictures of Dorian Gray is a portrait of Oscar Wilde.

 Position de thèse :

Dans la lettre enthousiaste qu’il adresse à Oscar Wilde après avoir terminé la lecture de The Picture of Dorian Gray, Stéphane Mallarmé met au jour ce qui est au cœur même de cette œuvre : le rapport entre portrait peint et portrait écrit, entre le texte et l’image : « "It was the portrait that had done everything." Ce portrait en pied, inquiétant, d’un Dorian Gray, hantera, mais écrit, étant devenu devenu livre lui-même. »
Le poète français invite ici à considérer le charme, au sens fort du terme, le pouvoir de fascination que ce roman exerce, et esquisse un élément d’explication : ce qui séduit tant, fait tant travailler l’imaginaire dans cette œuvre, c’est le portrait même ; ce sont les rapports qui se tissent dans le texte entre le visible, le lisible et peut-être le dicible. Dans The Picture of Dorian Gray l’image est à l’origine du texte et sa problématique inscription dans le cadre de la fiction a donné lieu à de nombreux commentaires. Ce travail se propose d’inverser cette question et d’envisager la manière dont ce texte a donné naissance à des images. Les illustrations que The Picture of Dorian Gray a inspirées constituent en effet le point de départ de ce parcours « à rebours ».
Illustrer The Picture of Dorian Gray constitue sans doute une entreprise séduisante, mais aussi une véritable gageure, pour un artiste : c’est une œuvre qui, par certains aspects, appelle l’illustration, mais qui, dans le même temps, se prête difficilement à une tentative de représentation. Le portrait qui figure au centre du récit s’inscrit dans le texte sous le mode de l’absence. L’un des enjeux de l’illustration de ce texte est ainsi la représentation d’un tableau imaginaire : il s’agit de rendre visible une œuvre d’art allusivement décrite et qui touche aux limites de la représentation. En ce sens, l’illustrateur se trouve placé dans la même position que le lecteur du roman, invité, comme le lecteur, à combler cette lacune centrale du récit. L’illustration se trouve ainsi dotée du pouvoir herméneutique que son sens originel de « mise en lumière » lui confère : elle éclaire le texte sous un jour différent, qui varie en fonction de la perspective adoptée par les artistes tentant de relever les défis lancés par The Picture of Dorian Gray. L’écart qui par définition existe entre le texte et les images qu’il a suscitées crée un jeu (au sens physique d’écart entre les rouages d’un mécanisme) et active ainsi un dialogue entre les deux systèmes sémiotiques. L’étude de l’illustration conduit à explorer les rapports complexes qui se tissent entre le texte et l’image et à interroger ce que produit cette juxtaposition, cette rencontre de deux subjectivités et de deux systèmes de signes au sein d’une édition illustrée. Illustrer The Picture of Dorian Gray revient à tendre un miroir à ce roman - un miroir où se reflètent, se redoublent les dualités et les paradoxes, inhérents à la notion de représentation, que l’œuvre écrite met en lumière. Re-présenter, c’est tout d’abord présenter une seconde fois - duplication à l’œuvre dans une illustration qui figure de nouveau ce qu’il y a dans le texte. La notion de représentation se fonde en outres ur la double métaphore du théâtre et de la diplomatie. La dimension spectaculaire de la représentation est clairement révélée par l’illustration, qui « met en scène(s) » le texte : elle le découpe, certes, mais elle exploite souvent également le potentiel dramatique du roman pour mettre le récit en image. La représentation a également pour fondement l’oxymore de la présence absente : tel un ambassadeur, la représentation supplée une absence par une présence ; paradoxalement, elle dit l’absence et, dans le même temps, la comble . Dans The Picture of Dorian Gray, le portrait du héros - allusivement évoqué tant dans sa beauté initiale que dans ses avatars monstrueux - , fonctionne en définitive comme un signe vide, un blanc, et creuse ainsi une béance que lecteur, et illustrateur, sont invités à combler. Pour ceux-ci, le portrait se mue en surface réfléchissante, en écran de projection des désirs et des fantasmes, témoignant ainsi de la dimension réflexive de toute représentation, notée par Louis Marin : « représenter signifie se présenter représentant quelque chose » . Enfin, le roman de Wilde accomplit ce fantasme pictural d’inscrire la peinture sur l’axe temporel, brouillant ainsi la distinction établie par G. E. Lessing dans le Laokoon entre la peinture, art de l’espace, et la poésie, art du temps . Dans The Picture of Dorian Gray, le portrait se fait récit, tandis que le récit prend la forme d’un portrait. L’étude de l’illustration invitera ici encore à retourner la question et à s’interroger sur ce paradoxe pictural que constitue la figuration du temps dans le cadre de l’image. Certes, l’illustration revêt une fonction de « représentation », selon la terminologie d’Edward Hodnett : elle donne corps à ce qui figure dans le texte, elle est transposition de certains moments du texte . Cependant, dans la mesure où il y a transposition, il ne peut y avoir de simple duplication. Si l’illustration est un « double » du texte, elle en est nécessairement aussi un miroir déformant. On envisage souvent l’illustration comme une sorte de distraction, au sens fort du terme : agréable ornement ou point de repos dans la lecture, elle détournerait du texte. Or précisément ce détour de l’image me semble valoir la peine d’être analysé et emprunté. On ne saurait en effet négliger le phénomène « en retour » de l’illustration sur le sens même du texte : illustrer, c’est représenter une représentation, et cela ne peut se faire de manière totalement neutre ou fidèle. Le regard de biais que l’illustration pose sur le texte recèle un potentiel herméneutique qu’il est intéressant d’exploiter. Dans ce travail, je place l’accent sur les rapports dialectiques qui se tissent entre le texte et l’image qui, dans le cadre d’une édition illustrée, se complètent et s’éclairent. J’essaie de rendre compte du dialogue qui se noue entre les deux systèmes de signes, convaincu du fait que l’analyse de l’image enrichit celle du texte, de la même manière que l’étude du texte enrichit celle de l’image. En somme, ce travail se propose d’aller au-delà de la simple opposition ou du constat d’inadéquation entre le texte et l’image, et a pour ambition de faire jouer leurs différences et leurs convergences afin de mettre au jour les éclairages respectifs qu’ils suggèrent.

Composée à la fin du XIXe siècle, l’œuvre d’Oscar Wilde offre à mon sens un point de départ intéressant pour envisager les questions de l’illustration et des rapports entre le texte et l’image. The Picture of Dorian Gray - histoire d’un portrait irreprésentable qui cesse de ressembler à son modèle - peut se lire comme un symptôme de la « crise de la représentation » qui affecte la littérature de la fin de siècle. De nombreux textes de cette époque attestent en effet une perte de confiance en la stabilité des référents et témoignent d’une remise en cause du caractère référentiel de l’œuvre d’art. Dans ce contexte, faute d’être en mesure de dire le monde, la littérature « se recourbe » et se fait de plus en plus autoréférentielle, comme le rappelle Michel Foucault dans Les Mots et les Choses . Un autre effet de ce trouble de la mimèsis apparaît dans le recours de plus en plus fréquent aux parallèles inter-sémiotiques et aux « passages » d’une forme artistique à une autre, participant de cette construction d’un espace clos où les représentations renvoient à d’autres représentations, et ce à l’infini. Wilde lui-même s’est intéressé de près à l’illustration de ses textes, attitude exprimant le désir de faire du livre un objet où fond et forme se répondent et forment un ensemble harmonieux. Cet intérêt pour la décoration du livre et cette utilisation croissante d’intertextualités artistiques constitue une première invitation à s’intéresser aux illustrations auxquelles The Picture of Dorian Gray a donné lieu : comment, à partir de ce moment de trouble de la mimèsis, va se redéfinir la relation qui unit les images au texte qu’elles représentent ?
D’autre part, de nombreux textes de Wilde mettent en scène une interrogation sur la notion de représentation et la dissociation du signifié et du signifiant, comme l’attestent les motifs récurrents du masque, du double et du miroir. Du faux portrait de Mr W. H à la double identité de Jack Worthing dans The Importance of Being Earnest, l’œuvre de Wilde développe les thèmes du caractère trompeur des apparences, du mensonge, des limites poreuses entre fiction et réalité. Sous les scintillements d’une écriture volontiers décorative et émaillée d’épigrammes affleure souvent une idée de profonde inadéquation des mots et des choses. Le corpus retenu pour cette étude se compose de dix-huit éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray : celles d’Eugène Dété et Paul Thiriat (1908-1910), de S. A. Moss (1909), de Fernand Siméon (1920), d’André Hofer (1925), d’Henry Keen (1925), de Jean-Emile Laboureur (1928), de Majeska (1930), de Donia Nachsen (1930), de Lui Trugo (1931), de Reynold Arnould (1946), de Leo Manso (1946), de Michael Ayrton (1948), de MacAvoy (1957), de Lucille Corcos (1958), de Graham Byfield (1968), de David Cuzik (1994), de Tony Ross (2000) et de Zaïtchick (2003). Ce qui confère une spécificité aux versions illustrées de The Picture of Dorian Gray est le fait que, à la différence d’autres textes de Wilde, comme par exemple ses recueils de contes, Salomé ou The Sphinx, aucune de ces éditions n’a été publiée du vivant de l’auteur : la plus ancienne date de 1908, soit huit ans après sa mort. J’ai opté pour une perspective diachronique dans la constitution de ce corpus : celui-ci inclut des éditions illustrées publiées entre 1908 et 2003. Un peu plus du tiers de celles-ci ont paru entre 1920 et 1931 : il s’agit pour la plupart d’entre elles d’éditions de luxe ; elles correspondent donc à l’essor de la bibliophilie qui caractérise cette époque. Couvrir ainsi quasiment un siècle d’illustrations de ce roman permet à mon sens de rendre compte au mieux de l’évolution des techniques et des styles de gravures, mais aussi de la perception changeante dont Wilde et son œuvre ont fait l’objet au fil du XXe siècle, perception dont l’illustration offre un témoignage L’étude de l’illustration se trouve au carrefour de plusieurs disciplines : la littérature, l’histoire du livre et l’histoire des formes artistiques. C’est en croisant ces différents regards que j’espère mettre en lumière le caractère à la fois exemplaire et atypique des illustrations de The Picture of Dorian Gray, rendre compte du fonctionnement d’une édition illustrée, tout en dégageant ce qui fait la spécificité de l’illustration de ce roman de Wilde.

En premier lieu, l’étude de l’illustration invite à accomplir un parcours de l’abstrait au concret, à envisager le livre dans sa matérialité même et à analyser la manière dont un texte s’incarne en un objet. La première partie de ce travail se propose ainsi de replacer les éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray dans leur contexte éditorial et esthétique. Le premier chapitre s’emploie à retracer l’histoire des éditions illustrées du roman et à étudier les conditions matérielles qui ont présidé à ces publications illustrées. Pour ce faire, après avoir souligné l’importance du livre - en tant que principe poétique et objet matériel - dans le roman de Wilde, j’évoquerai le contexte éditorial dont The Picture of Dorian Gray est le produit : époque de bouleversement dans le monde de l’édition, la fin du XIXe siècle se caractérise par une multiplication des imprimés, de qualité inégale, à laquelle répond une réaction esthétique, incarnée en Grande-Bretagne par The Arts and Crafts Movement et par la bibliophilie en France. Une étude de cet arrière-plan permet de recontextualiser le récit de Wilde et, ainsi, de mieux évaluer les transformations de ce roman au gré de ses versions illustrées. C’est à une histoire de ces métamorphoses qu’est consacrée la deuxième partie de ce chapitre. Prenant appui à la fois sur des critères d’ordre matériel (le chiffre des tirages, le format des ouvrages, le paratexte dont ils sont dotés) et sur des critères d’ordre éditorial (qui sont les éditeurs publiant des versions illustrées du roman de Wilde ? quels autres ouvrages publient-ils ?), je tenterai de mettre au jour le lien qui existe entre illustration et réception, dans les trois aires géographiques retenues pour cette étude (la Grande-Bretagne, les Etats-Unis et la France). Le deuxième chapitre a pour objet l’étude des relations entre le livre et l’image, dans une perspective historique. On débutera ce parcours par un rapide retour en arrière : on se penchera sur l’attitude de Wilde face à l’illustration de ses textes, question qui le passionne et à laquelle il accorde la plus grande attention, comme l’atteste sa correspondance. On poursuivra cette histoire des liens entre le le livre et l’image en s’intéressant à la manière dont les éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray s’inscrivent dans l’évolution des techniques de gravure au fil du XXe siècle. Enfin, on replacera ces diverses versions illustrées dans la carrière des artistes qui les ont réalisées, et on s’interrogera sur la relation problématique qui se tisse entre histoire du livre illustré et histoire des styles artistiques. Quelles sont les modalités du passage du texte à l’image ? La deuxième partie de ce travail a pour objet l’étude de cette opération de transposition. Toute illustration est lecture du texte et repose sur un ensemble de choix indicateurs de celle-ci. Le troisième chapitre de cette thèse constitue une analyse de ces choix : le choix des passages représentés, tout d’abord (en partie conditionné par le nombre d’illustrations réalisées par l’artiste), mais aussi le choix de l’emplacement des images. Ces deux critères contribuent en effet à modifier les rapports qui se nouent entre le texte et l’image au sein d’une édition, à créer un nouveau parcours de l’œuvre. Dans un deuxième temps, je mettrai l’accent sur deux emplacements privilégiés alloués à l’illustration, qui sont également deux moments forts de toute lecture : le début et la fin du livre ; je proposerai une analyse croisée des éléments textuels et visuels situés en ces espaces-charnières du livre : la page de couverture, la page de titre, l’incipit et le frontispice, d’une part ; et, d’autre part, la clausule et les illustrations venant apporter une conclusion visuelle au texte. La transposition du texte à l’image se fait également par le recours à d’autres codes. Le quatrième chapitre de la thèse met l’accent sur ces différents « filtres » utilisés pour représenter The Picture of Dorian Gray. Les illustrateurs mettent souvent en images les passages les plus mélodramatiques du texte, et, pour ce faire, utilisent les codes mêmes qui caractérisent ce genre théâtral populaire au XIXe siècle : beaucoup de gravures reposent sur des stéréotypes et des clichés, tant dans la représentation qui est faite de l’East End londonien que dans la peinture de personnages, comme Mr Isaacs, James Vane, Lord Henry ou Sibyl Vane. L’analyse de la représentation du personnage de l’actrice, créature de l’artifice et de la transformation, est utilisée pour mettre en lumière les questions autour du genre sexué que le roman soulève et conduit à envisager l’illustration comme « théâtralisation » du roman. Les créations visuelles reposent, d’une part, sur une « mise en scène » du texte, comme dans le cas des scènes de meurtre ; mais, à travers leur utilisation de ces objets éminemment théâtraux que sont les rideaux, les voiles et les tentures, les illustrateurs matérialisent aussi ce qui fait le « plaisir » du texte wildien : le battement entre le montré et le caché, le visible et l’invisible. Comment l’illustration éclaire-t-elle le texte ? C’est à cette question que tente de répondre la troisième partie de ce travail, consacrée à ce qu’Alain Montandon appelle « l’effet en retour » de l’illustration sur le texte . Il s’agit de faire jouer les éclairages respectifs que suggèrent le texte et l’image et d’évaluer, à l’aune des illustrations qu’ils ont inspirées, des aspects essentiels du récit de Wilde, qui touchent à la question de la représentation et à la relation entre le texte et l’image. Le cinquième chapitre de cette thèse traite de la question du portrait, du rapport entre portrait écrit et portrait peint. Dans sa beauté première comme dans ses transformations monstrueuses, le portrait de Dorian Gray semble toucher aux limites de la représentation. Il s’agit ici de montrer comment se négocie le passage de la suggestion du texte à la monstration de l’image, et par quels détours l’image parvient à représenter un portrait a priori irreprésentable. Le dernier chapitre envisage la question du rapport entre image et temps, sous deux angles différents. Tout d’abord, je m’intéresse à la manière dont les illustrateurs relèvent le défi lancé par un texte où l’image s’inscrit sur la chaîne temporelle, aux différentes stratégies que les artistes emploient pour représenter la succession temporelle dans le cadre de l’image fixe. J’aborde ensuite le rôle essentiel du récepteur, du lecteur - spectateur, dans la « mise en tension » des deux systèmes de signes qui coexistent dans une édition illustrée : la lecture, mise en mouvement, crée un rythme et active le dialogue entre le texte et l’image. D’autre part, l’illustration paraît se faire également miroir du temps, et cumulativement, les éditions illustrées de The Picture of Dorian Gray offrent un témoignage des différentes lectures dont cette œuvre a fait l’objet au fil du XXe siècle, ainsi que de la perception de son auteur : derrière ces Portraits de Dorian Gray illustrés semble se dessiner en filigrane un portrait, ou une image fantasmée, d’Oscar Wilde.

Samedi 5 mars 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes, centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Georges FRIGNET soutient sa thèse de doctorat :

 Rouvres, la Chatellenie, le château, au temps des deux premiers ducs valois de Bourgogne ( vers 1360 - vers 1420)

En présence du Jury :

M. CHAPELOT (EHESS)
M. CONTAMINE (Paris 4)
M. RICHARD (Institut)
M. SCHNERB (Lille 3)

Lundi 15 décembre
9 h
Centre Malesherbes, salle 322
108, bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Roger MARMUS soutient sa thèse de doctorat :

 "...seule la nature est belle...". Réflexions sur la nature et descriptions artialisantes des paysages dans l’oeuvre d’August Strindberg

 en présence du Jury :

Mme AHLSTEDT (GÖTEBORG)
M. AUCHET (PARIS IV)
M. BOYER (PARIS IV)
M. MAILLEFER (LILLE III)

Samedi 9 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, salle F368, Esc. F, 2ème étage
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Maria Victoria LLORT LLOPART soutient sa thèse de Doctorat :

 "Aux sources de l’image musicale : intersection des arts et naissance de l’esthétique comparée au XVIIIe siècle"

 En présence du Jury :

Mme BARBE (PARIS 4)
Mme CIZERON (LYON 2)
M. GUIOMAR (PARIS 4)
M. LACOMBE (RENNES 2)

 Résumés :

Afin de comprendre l’image musicale à ses origines, nous étudions ce qui entoure le concept : sa définition, sa pertinence et son évolution, ainsi que ses représentations ; d’un côté, les fondements esthétiques, et de l’autre, les créations artistiques selon leurs supports et leurs interactions. Bien qu’une esquisse du concept d’image musicale puisse paraître paradoxale, nous démontrons que le lien entre l’image et l’idée, le sensoriel et l’intellectuel s’avère fondamental pour l’analyse de ce binôme synesthésique. En outre, l’image joue un rôle « crucial dans les discours sur la musique qui se trouvent au coeur de la naissance de l’esthétique comparée des arts. L’image devient l’intersection des idées esthétiques. Le rapport de la mimèsis et de l’image est une constante qui parcourt le siècle. Mais l’idée de mimèsis évolue et les objets d’imitation se déplacent : d’abord la nature, ensuite le langage et la rhétorique, puis les passions - soigneusement répertoriées et rationalisées, pour devenir expression de la subjectivité -, et finalement, la consolidation du sentiment du sublimé, qui ouvre une voie d’analyse cruciale pour l’art des générations suivantes.

Our objectif is the comprehension of the musical image at its engines. We analyse the definition, the evolution and the representations of the concept. With this purpose, we undertake a detailed analysis of the role of the image in the writings on music hi the 18th century, which are placed at the heart of the birth of comparative aesthetics. The relations between music and image are constant throughout the century. However, the idea of mimesis evolves and the objects that are supposed to be imitated change : nature, language, rhetoric, passions and finally, the sublime that opens a new path of analysis for the next generations.

 Position de thèse :

Notre volonté d’étudier un sujet aussi vaste que la genèse du rapport du visuel et du sonore dans l’oeuvre d’art, surgit à partir d’une expérience concrète : une audition du poème pour piano Vers la flamme du compositeur russe Alexandre Scriabine. C’est donc à partir du concret que nous envisageons le sujet général. Cette expérience déclencha une réflexion à partir de l’oeuvre de Scriabine, et nous avons alors voulu refaire le chemin jusqu’à l’origine de ce phénomène d’association du visuel au sonore, jusqu’à ses sources.
Les études sur les rapports entre musique et arts plastiques ont apporté des contributions très importantes afin de mieux comprendre le système des beaux-arts et de fournir des instruments d’analyse très raffinés. Or, si nous regardons de près la bibliographie sur l’imaginaire et l’image - des études sur l’imaginaire dans les bestiaires médiévaux jusqu’à l’actuelle culture audiovisuelle, nous trouvons un intérêt qui se déploie sur des sujets aussi divers que la faune ou l’architecture, sur les aspects anthropologiques, religieux, politiques, sociaux, et selon les époques, pays et cultures de l’Antiquité à nos jours -, nous constatons que la musique est un élément presque toujours absent dans le cadre de la réflexion, sauf quelques exceptions. Il y a en effet une longue tradition des études sur l’image et l’imaginaire. Notre apport consistera donc dans l’application de cette méthodologie à l’image musicale.
Notre objectif est de comprendre l’image musicale à ses origines. Pour cela, nous étudions ce qui entoure le concept, c’est-à-dire, sa définition, sa pertinence et son évolution, ainsi que ses représentations : d’un côté, les fondements esthétiques, et de l’autre, les créations artistiques selon leurs supports et leurs interactions. Nous nous proposons alors de parcourir ce qui nous semble essentiel : la généalogie du rapport entre le visuel et le sonore autour de l’idée de la vision artistique et de ses différentes réalisations et, plus concrètement, de l’image musicale. Cette généalogie nous aidera à mieux comprendre les différentes expressions de l’image musicale et les rapports qu’elles tissent entre elles au sein de leurs intersections. Notre analyse de l’image musicale s’intègre dans une esthétique comparée évolutive, qui inclut philosophie et littérature, peinture, et musique, c’est-à-dire, les trois axes qui servent de support à l’image musicale. L’objet d’étude étant très large, nous l’avons limité chronologiquement au XVIIIe siècle. La succession du Baroque, du Classicisme et des Lumières jusqu’au Romantisme marque un cadre temporel particulièrement favorable, car les passages de chaque époque modèlent l’évolution des concepts analysés et permettent d’approfondir les complexités culturelles. La limitation géographique prend comme point de repère la France, mais en établissant des comparaisons fréquentes avec l’Angleterre, l’Allemagne et l’Italie. Deux raisons justifient ce choix : les contraintes pratiques d’une recherche développée principalement en France, et l’intérêt concret qu’elle présente à cette époque. Afin de maintenir la pluralité des discours et des interprétations, nous parcourons le chemin de l’image musicale, en ne perdant pas de vue que le sujet traité ne s’y épuise pas et qu’il réunit des approches ou des méthodologies diverses. Ainsi, nous nous servirons de l’esthétique comparée et aussi de la littérature comparée : la traduction des arts est aussi une question sémantique, chaque artiste, ainsi que chaque art, a son langage. D’un côté, les procédés littéraires peuvent s’appliquer aussi à l’art en tant que langage. D’un autre côté, tout discours sur l’art étant littéraire, nous pouvons y avoir recours pour son analyse. Gaston Bachelard, Etienne Souriau, Michel Guiomar, Michel Butor ou Gérard Genette ouvrent cette piste par des nuances différentes. Or, tenant compte de notre objectif, une méthode s’avère insuffisante si nous ne prenons pas compte d’autres perspectives. C’est ici que l’herméneutique et les théories de la réception s’avéreront utiles, car l’image artistique est ce qui se reçoit, ce qui se comprend et ce qui se transforme. Quelle est donc l’essence de l’image ? L’image s’exprime par le langage, elle a besoin de mots : elle a recours à la rhétorique, à la métaphore ; le langage devient ainsi ekphrastique. Mais elle est aussi une vision, un sens, une forme, une perception. Elle est psychologique, mystique, comporte un désir de communication entre celui qui la représente et celui qui la perçoit, ce dernier devenant lui-même un potentiel re-créateur d’images. L’image est, sans doute, tout cela et beaucoup plus.
Pour Paul Valéry, la plus grande partie des désespoirs des artistes est liée à la difficulté ou à l’impossibilité de reproduire par les moyens de leur art, une image qui leur semble se décolorer et se faner en la saisissant dans une phrase, une toile ou une portée. Sa Théorie poétique et esthétique, son Idée fixe ou ses Variétés révèlent souvent ce désir de saisir l’instant créateur. Ainsi, nous essayons de parcourir les difficultés et les impossibilités de reproduire cette image fuyante, qui d’ailleurs est commune à tous les arts. Nous recherchons les chemins de l’intersection des idées, des voix, des manifestations créatrices... Cette opération mathématique de l’intersection d’ensembles permet aussi une richesse de champ pour se concentrer sur la spécificité de ce qui est commun à chaque art, l’essentiel. Voici notre objet d’étude : l’image qui appartient simultanément au logos, au visuel et au sonore. Cette question nous oblige à nous interroger d’abord sur les plans où l’image se déploie pour chaque art. La première partie de notre thèse pose une introduction méthodologique sur l’image et l’élargissement du concept vers l’image musicale. Dans un premier temps, nous passons des définitions de l’image aux définitions de l’image musicale et nous établissons aussi une typologie de celle-ci. Dans cette perspective, il est nécessaire d’approfondir les sources de l’image musicale, cette partie étant forcément guidée par les orientations esthétiques du concept. L’expression synesthésique « image musicale » se déploie verbalement (laissant sa trace perdurable dans les écrits), dans les expériences physiques pour parvenir à une musique oculaire, et tout au long de nombreux écrits à propos de l’esthétique naissante. Ce contexte nous permet d’examiner de près quelques caractéristiques de l’image, et d’en esquisser une typologie que nous extrapolons à la musique.

Dans le premier chapitre, nous analysons comment l’image musicale se comprend et se configure au XVIIIe siècle : la place que la musique occupe dans l’esprit des Lumières, l’irruption de l’image musicale dans les écrits, c’est-à-dire, dans la pensée et dans la littérature, le rôle que l’esthétique joue dans ce processus et comment la pensée sur le beau évolue jusqu’à une esthétique nécessairement comparée. Car, c’est précisément au moment de la naissance de l’esthétique, que les discours sur la musique foisonnent. _ Or, ces essais et écrits de toute sorte, ont - la plus grande partie d’eux - une caractéristique fondamentale : la réflexion sur un art, s’appuie très souvent sur un autre art. L’esthétique s’avère donc, à ses origines, de caractère comparatif et comparatiste. Les arts tissent leur langage autour d’un autre art soeur ; et l’emprunt de termes et l’usage des métaphores, rappels et comparaisons deviennent indispensables. En allant un peu plus loin, on peut dire que les mots-clés de ces discours sont imitation, nature, langage, rhétorique, passions, expression, sentiments et le sublime. Et c’est justement l’analyse des rapports et de l’évolution de ces axes de pensée qui va nous permettre de mieux comprendre comment le XVIIIe siècle envisage le visuel et le sonore dans l’art.
Les trois premières sections du chapitre sont consacrées à la recherche de l’expression de l’« image musicale », en tant que binôme synesthésique ; les essais pour aboutir à une image musicale physique et l’orientation esthétique du concept. Les trois dernières sections se structurent symétriquement : les caractéristiques communes à l’image sont analysées afin de proposer une typologie des images transposable à l’image musicale. Nous consacrons le deuxième chapitre à l’analyse du rôle de l’image dans les discours sur la musique qui se trouvent au coeur de la naissance de l’esthétique comparée des arts. De nouvelles perspectives sont abordées dans les écrits sur la musique au XVIIIe siècle. Or, le rapport de la mimèsis et de l’image est une constante qui parcourt le siècle. L’idée de mimèsis évolue et les objets d’imitation se déplacent : d’abord la nature, ensuite le langage et la rhétorique, puis les passions - d’abord soigneusement répertoriées et rationalisées, pour devenir expression de la subjectivité -, et finalement, la consolidation de sentiment du sublime, qui ouvre une voie d’analyse cruciale pour l’art des générations suivantes.

Dans la deuxième partie nous abordons la transartisticité de l’image musicale : c’est-à-dire, son approche à partir de la peinture (du côté visuel) et de la musique (du côté sonore). Le troisième chapitre visite quelques salons pittoresques et musicaux, car ces endroits privilégiés de rencontre et de dialogue sont le berceau des oeuvres d’art qui parviendront à refléter l’idée de rapport, telle qu’elle est conçue par Leibniz, Diderot et qui influencera les artistes postérieurs. L’image musicale nous est montrée du côté de la peinture et du côté de la musique.
Le quatrième chapitre approfondit l’analyse comparée d’un choix d’oeuvres de notre période d’étude. Même si parfois les motifs peuvent paraître éloignés, leur analyse montre une profonde unité et cohérence des différentes images -littéraires, visuelles et sonores- et leur lien intrinsèque. Le concert et les interprètes offrent les images de l’occasion musicale et les visages des musiciens. La leçon de musique reflète l’atmosphère pédagogique de l’époque mêlée aux sujets galants ou plus philosophiques. La danse montre une intersection parfaite des arts : textes (plus ou moins littéraires), figures, portées
 les mots, les images et les sons - s’accordent de façon unitaire afin de parvenir à fixer le mouvement et le son du geste. Le temps et le mouvement éphémère dans l’espace trouvent leur écho dans les musiques qui ne sortiraient jamais des partitions sans la médiation des interprètes. Or, ces idées sont parfaitement fixées dans les traités de danse parus en France et qui influenceront toute l’Europe et dans l’iconographie propre à la danse. Jamais l’intersection des arts ne trouvera une expression graphique plus précise, plus juste de leur « âme assimilée ». Mais l’opéra, qui met sur la scène tous les débats de l’époque, devient la merveilleuse illusion d’un espace humain et d’un espace sublime, en déployant toutes les ressources à sa portée. La nature, dont les rapports avec les arts centrent toujours les théories et les débats, nous offre deux motifs d’analyse : la pastorale et les sujets champêtres, qui trouvent une correspondance, voire des traductions dans les images propres à chaque art ; et la représentation des saisons, qui constitue en même temps une esthétique du temps qui passe, une iconographie des attributs de la nature et un répertoire d’images musicales étroitement liées. La célébration de la nature ne nous empêche pas de tenir compte des natures mortes qui, au XVIIe siècle prônaient avec pessimisme et mélancolie la fugacité de la vie et la futilité de l’humain, alors qu’au XVIIIe siècle, elles prennent une tournure opposée et montrent la confiance dans les ouvrages de l’homme, déployant avec optimisme, fierté et virtuosité les attributs des arts et des sciences, le perdurable au-delà de la page, de la portée ou de la toile : le progrès de la connaissance. La dernière étape de ce parcours imaginal est la représentation du sublime : somme et synthèse du siècle, il regroupe les motifs révisés et les mène plus loin. La nature emportée, les éléments redoutables qui provoquent le delightful horror, les expériences issues de la limite au seuil de l’infini et de la solitude, ainsi qu’une nouvelle poétique de la lumière, des nuances et des fragments, trouvent leur triple expression littéraire, musicale et pittoresque et couronnent l’évolution de la mimèsis à l’expression.
C’est à la fin de ce parcours que nous voyons la prééminence de l’« idée esthétique » kantienne, - cette représentation de l’imagination, qui donne beaucoup à penser, sans qu’aucune pensée déterminée, c’est-à-dire de concept, puisse lui être adéquate et que par conséquent aucune langue ne peut complètement exprimer et rendre intelligible - et qui exprime l’essence de l’image musicale. Or, une entreprise telle que la tentative de comprendre le coeur du processus artistique, de la création n’est jamais vaine. Nous nous en rapprochons sans prétentions, mais avec humilité. C’est le processus, le parcours que nous faisons qui nous apprend quelque chose de plus, l’essence étant toujours inaccessible. Il s’agit d’ouvrir des voies : d’analyse, de commentaire, pistes de recherche qui ne mènent pas seulement à ce qu’il y ait plus de livres sur les livres, mais qui révèlent aussi des aspects moins remarqués ou plus inaperçus de la tradition. Notre réflexion devrait contribuer à la meilleure compréhension des rapports des arts autour de l’évolution des concepts-clé de l’esthétique, pleinement consciente qu’il n’y a pas de fin à notre enquête...

Samedi 2 avril 2005
14 heures 30
En Sorbonne, Salles des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75230 Paris

 Mme Marie-Luce COLATRELLA KIERLIK soutient sa thèse de doctorat :

 "Ce hideux chef-d’oeuvre". Lectures, traductions, illustrations des "liaisons dangereuses". France, Allemagne, Angleterre, 1860-1914

En présence du Jury :

M. CRONK (Oxford)
M. DE PALACIO (Paris 4)
M. DELON (Paris 4)
M. MICHAUD (Paris 3)
Mme THOREL (Lille 3)

Vendredi 25 novembre 2005
14 heures 30
Centre Malesherbes
Amphithéâtre A 122
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Anne QUINCHON CAUDAL soutient sa thèse de doctorat :

 "Ceci est ton sang", ou l’anthropologie nationale-socialiste entre mysticisme et sciences aryennes

En présence du Jury :

M. MERLIO (Paris 4)
M. CAHN (Paris 4)
M. TAGUIEFF (CNRS)
M. CLUET (Rennes 2)

Position de thèse

Tout l’édifice philosophique national-socialiste fut forgé à partir d’un unique axiome : celui de l’inégalité fondamentale et indépassable des races humaines. Mais comment les nationaux-socialistes définissaient-ils la race ? La concevaient-ils comme une substance plutôt corporelle ou plutôt spirituelle ? Y-eut-il seulement un dogme racial unanimement accepté au sein de l’Etat et du Parti ? Le discours racial national-socialiste fut plus complexe qu’on ne le suppose généralement, en raison même de la difficulté qu’il y a à saisir l’essence de la race. Lorsqu’elle fut objet de réflexion pour les philosophes et autres penseurs « racialistes », la race fut définie de manière essentiellement métaphysique, à partir de prémisses indémontrables souvent teintées de mysticisme. Et pourtant, cette anthropologie philosophique eut la prétention d’être aussi rationnelle et objective qu’un discours scientifique. Lorsqu’elle fut objet de recherche pour les anthropologues et les généticiens, qui s’attachaient alors davantage à sa matérialité, la race ne put jamais être définie de manière suffisamment objective pour s’élever au-dessus du niveau du simple préjugé et de la conviction personnelle du chercheur. Il manqua donc toujours au discours racial à prétention scientifique ce critère de démarcation essentiel qu’est la « falsifiabilité » (Karl R. Popper). Si de nombreuses études ont été consacrées à l’un ou à l’autre type de discours, presque aucune ne s’est risquée à mettre en évidence leur imbrication. Il est vrai que la part de religiosité qui imprègne les croyances relatives au sang est souvent difficile à saisir, et qu’elle n’est ni spécifiquement allemande, ni spécifiquement fasciste. Il n’est pas un écrit patriotique qui ne contienne une allusion au sang des ancêtres ou à celui versé pour la patrie. Mais la mystique nazie du sang va plus loin, dans la mesure où c’est le sang lui-même qu’elle élève au rang de valeur suprême (avant la patrie, donc, et même avant les ancêtres, qui ne sont plus que des vecteurs du sang). Il faut toutefois savoir distinguer, dans la démarche des chercheurs du Troisième Reich, entre le calcul opportuniste et l’adhésion réelle à ce qui fut une religion politique. Aussi une large partie de ce travail est-il consacré à ceux des plus grands savants de l’époque qui, par une démarche de foi, contredirent sciemment leurs propres thèses, choisissant d’oublier ce qu’ils savaient des lois de l’hérédité pour adapter leur « découvertes » à l’idéologie nationale-socialiste, toujours première. Pour rendre compte de ce culte du sang, si présent sous le Troisième Reich et quasi absent du franquisme et du fascisme italien, il faut commencer par s’attacher à ses racines et à son évolution jusqu’à la naissance du NSDAP, avant de déterminer quelles étaient les conceptions anthropologiques des principaux dirigeants du Troisième Reich. Enfin, puisque cette anthropologique théorique nationale-socialiste eut aussi de sinistres applications pratiques, il faut voir de quelle manière les dirigeants du Reich et les biologistes collaborèrent pour conférer une aura scientifique à ce qui n’était que des fantasmes raciaux.

Le patriotisme culturel des Allemands se distingue de celui de ses voisins européens par son insistance sur le thème de la primitivité (Ursprünglichkeit). Ainsi, après la redécouverte des œuvres de Tacite, les anciens Germains furent-ils présentés comme formant une nation « pure de tout mélange ». De même, les nationalistes allemands du XIXe siècle débutant, et en particulier Fichte, définirent-ils le peuple allemand comme le peuple par excellence en raison de sa fidélité à ses origines. L’universalisme missionnaire de Herder ou de Fichte cèda progressivement la place à une pensée ethnique, si bien que le nationalisme allemand devint plus xénophobe. Les premières allusions à la race et au sang apparurent, notamment chez Josef Görres, soucieux de protéger le peuple contre cette cause de maladie que seraient les influences étrangères. De même, les propos antisémites se firent plus nombreux, en particulier chez Adam Müller, Ernst Moritz Arndt et Friedrich Ludwig Jahn. Dans le même temps, un autre courant de pensée se fit jour, qui aboutit lui aussi à une définition essentialiste de l’appartenance ethnique, mais cette fois-ci sur une base nettement plus raciale : le mythe de l’ascendance aryenne de l’homme blanc. Herder ayant fait de la langue la manifestation de l’esprit d’un peuple, on déduisit de l’existence, nouvellement prouvée par la linguistique, de langues aryennes et de langues sémitiques, l’existence de deux âmes raciales correspondantes. L’altérité religieuse et culturelle se mua en une altérité de nature. Sous l’influence de Joseph Arthur de Gobineau, que Ludwig Schemann fit connaître aux Allemands dans les années 1880, la race put accéder pour la première fois au rang de seul facteur explicatif de l’histoire universelle comme de toutes les manifestations de l’esprit, et les « Arians » à celui de race supérieure de l’humanité. Si les wagnériens des Bayreuther Blätter prêtèrent à cet Aryen des traits nordiques, c’est que l’Allemagne de la fin du XIXe siècle se passionnait toujours pour le vieux mythe des origines nordiques des Allemands. On rendit alors les différents mythes compatibles en situant l’origine des Aryens à la fois dans les terres germaniques et dans les terres scandinaves. Mais ce qui explique que la fascination pour le monde septentrional n’ait pas entamé l’admiration des Allemands pour la civilisation grecque antique, c’est que, avec Nietzsche, ils sont passés d’une vision essentiellement géographique du Nordique à une conception idéologique de celui-ci : l’Hyperboréen se distingue désormais bien davantage par son aptitude culturelle que par ses traits somatiques. Alors que les philosophes tendaient de plus en plus à définir la race de manière spirituelle, la biologie moderne ouvrit la voie à une vision très matérialiste des faits humains. Le biologiste Ernst Haeckel fut ainsi l’un des premiers grands scientifiques de son temps à tenter d’établir une classification systématique des différentes races humaines en tenant compte des lois de l’évolution. Parmi les darwinistes sociaux, on peut citer Ludwig Gumplowicz, qui était convaincu que les processus sociaux se déroulent de la même manière que les processus naturels ; Otto Georg Ammon, qui admirait le « chef d’oeuvre » que constituait la société si inégalitaire de son époque ; et l’ « aristocrate social » Alexander Tille, pour qui Nietzsche aurait été le premier à porter la morale évolutionniste à son terme par sa glorification de la volonté de puissance. Les Archives de biologie raciale et sociale de l’eugéniste Alfred Ploetz et les écrits de Wilhelm Schallmayer proposaient un programme de « service racial » qui évoque terriblement celui du Troisième Reich : politique résolument nataliste, stérilisation des êtres dangereux pour le patrimoine héréditaire de la nation, primat de l’intérêt commun sur le souci des malades. Quant à la théorie du plasma germinatif, développée par le zoologue et médecin August Weismann, elle fit apparaître de manière criante la nécessité de choisir son partenaire sexuel avec la plus grande prudence. Dans les années 1870-1890, les courants de l’historisme relativiste et de la biologie humaine se rejoignirent pour nourrir le débat sur la nature du sang et de la race. Mais alors que, durant les décennies précédentes, l’on cherchait prioritairement à définir l’identité allemande, c’est maintenant la quête d’une essence juive qui mobilise les énergies. On voit s’effectuer le passage de l’antijudaïsme traditionnel à l’antisémitisme moderne : la supposée différence de nature des Juifs devient un facteur explicatif de l’ensemble des maux de l’univers, si bien que le sang se met à jouer chez les penseurs racistes le rôle de clé de compréhension du monde, un peu comme le matérialisme historique chez les marxistes. Les écrits consacrés à la possibilité de l’assimilation des Juifs fleurirent (pensons à ceux de Paul de Lagarde, Richard Wagner, Adolf Stoecker, Heinrich von Treitschke, August Julius Langbehn, ou encore des groupuscules völkisch). Nombre de penseurs hésitèrent au cours des décennies entre une conception plus spirituelle et une définition plus biologique de la race. Pour Wilhelm Marr et Eugen Dühring, en revanche, il fallait résolument cesser de considérer la question juive comme une question religieuse pour l’aborder selon une approche purement scientifique, afin qu’elle devienne une véritable idéologie. Plus riche et plus néfaste, la réflexion de Theodor Fritsch aboutit à la conviction que le Juif aurait été créé pour contraindre les Allemands à lutter pour leur survie en préservant leur patrimoine spirituel et biologique. L’importance de l’apport de Houston Stewart Chamberlain réside quant à lui dans le fait que l’Anglais parvint à rendre compatibles deux des principaux courants de pensée de son siècle : l’idéalisme et le darwinisme. Disciple de Gobineau, Chamberlain fit opérer aux thèses du comte une « révolution copernicienne » en affirmant que la race pure était encore à créer. Mais la race de Chamberlain est une race ressentie, de sorte que la race idéale à créer n’est autre qu’une race essentiellement mystique.

Les principaux théoriciens de l’idéologie nationale-socialiste constituèrent leur anthropologie sur cet arrière-plan philosophique, mais on ne peut qu’être frappé de la distance qui les sépare sur des questions aussi essentielles que celles de l’identité de leurs ancêtres, ou encore de la fonction historique des nomades. En fait, l’idéologie nationale-socialiste s’est davantage définie de manière négative, par la désignation de ses ennemis, qu’en précisant la nature de la race d’élite, comme si celle-ci allait de soi. Alfred Rosenberg fut sans nul doute le plus mystique d’entre eux. Esquissant dans son Mythe du XXe siècle un tableau de l’histoire universelle depuis les origines de la civilisation humaine, il affirme que toute création culturelle de l’histoire mondiale ne serait l’œuvre que de la seule race nordique. En une lecture très hérétique des textes de Maître Eckhart, Rosenberg affirme que l’ « étincelle » dont parle le mystique rhénan, cette part de l’homme qui est en Dieu, serait l’expression même de la nature nordique : un sens inné, divin, de l’honneur et de la liberté. Face à cet homme nordique rêvé dans le Mythe se dresse le Juif, être statique et dominateur, que son mythe de l’élection divine pousse à la domination mondiale. Assimilant les Juifs à Satan même, Rosenberg prétendit que la seule présence des Juifs serait responsable de l’impossibilité pour les Allemands de réaliser l’union mystique avec Dieu et entre eux à laquelle leur sang les prédispose pourtant. Comme Rosenberg, Adolf Hitler ne cessa jamais de situer l’opposition entre Juifs et Aryens au cœur de sa vision du monde, et, comme Rosenberg, il conçut cette opposition essentiellement sur le mode religieux. Face à l’Aryen, être prométhéen et miraculeux auquel Dieu aurait confié sa création, se dresserait son antithèse la plus complète, le Juif, parasite dépourvu de toute vie spirituelle. Pour lutter contre l’ennemi par excellence, Hitler prétendit vouloir se dégager de la tradition antijuive séculaire pour pratiquer un « antisémitisme scientifique ». Mais cet antisémitisme ne parvint en fait jamais à s’élever au-dessus du niveau d’un darwinisme social primaire. Il faut surtout remarquer que le darwinisme de Hitler s’accommode très bien avec un véritable panthéisme, au point qu’on peut se demander si le vocabulaire darwiniste de Hitler ne recouvre pas en fait de pures croyances religieuses. L’idéologie hitlérienne pose la question fondamentale de l’origine et de la signification du Mal, et montre que la mission historique et téléologique des Allemands consiste à sauver les Aryens afin de préserver la Création du chaos. Beaucoup moins métaphysique, l’antisémitisme de Julius Streicher a pour particularité de reposer sur une vision pornographique des relations entre Juifs et non-Juifs, comme si la lutte des races devait presque toujours se jouer sur le terrain de la sexualité. Le sang constitua un thème obsessionnel de la pensée de Streicher. On le retrouve décliné sous ses différentes formes (sang du meurtre, sang du sacrifice rituel, sang symbole de vie au même titre que le sperme, etc.) dans le Stürmer. Les innombrables crimes sexuels attribués aux Juifs y sont invariablement expliqués par deux facteurs : l’obéissance à la loi talmudique et l’hérédité. Attaquer les non-Juifs serait un commandement religieux, fruit de l’esprit de la race juive, ayant pour objectif d’anéantir les « goys » physiquement et moralement. Adepte de la croyance (alors très controversée) en la prépotence du sang juif, Streicher affirmait qu’en ayant des rapports avec de jeunes Allemandes, les Juifs condamnaient leurs victimes à être souillées à tout jamais. Le Reichsführer SS fut l’homme le plus représentatif de la tension permanente entre rationalité et irrationalité au sein de l’idéologie et de la pratique nationales-socialistes. Bien que Himmler n’ait jamais douté de sa capacité à contribuer au triomphe de la science, et notamment au savoir de la race qu’il considérait comme l’ « évangile allemand », on constate que sa conception du monde ne reposait en définitive que sur un ensemble de croyances généralement sans fondement, et que son anthropologie se caractérisait avant tout par sa grande imprécision conceptuelle. En dehors des « Germains », Himmler ne semble connaître l’existence de quasiment aucun autre groupe ethnique que les « Slaves » et les « Juifs », les premiers représentant avant tout un ennemi politique, et les seconds incarnant un ennemi métaphysique. A l’antithèse hitlérienne Aryens-Juifs, Himmler substitue donc l’opposition Europe-Asie. Souvent assimilés aux bolcheviques, les Slaves non assimilables se confondent à terme avec les Juifs, pour ne plus constituer qu’un seul et même principe négatif. Himmler ne décrit jamais le phénotype juif, comme si l’ennemi était totalement désincarné. Son seul trait distinctif est sa volonté de destruction et de domination. Caste de prêtres unis par le sang et par l’esprit, la S.S. n’eut quant à elle pas le sang aussi pur qu’on le dit. Après une période de recrutement des plus strictes dans les années 1930, l’Ordre noir s’ouvrit à tous les Européens d’origine nordique, puis, après la défaite de Stalingrad, aux Européens de l’Est, et même aux Tsiganes ! Richard Walther Darré partageait avec le Reichsführer SS le rêve de mettre en place un élevage d’hommes supérieurs. Le mysticisme de Himmler lui était toutefois étranger, car il concevait la race d’une manière résolument matérialiste. Il distingua deux catégories d’individus, « deux contraires absolus et insurmontables » : le sédentaire d’une part, qui cultive un sol et qui est à l’origine de toute création culturelle, et le nomade d’autre part, homme qui n’est lié à aucun sol, n’a pas d’histoire, et se repaît des biens créés par d’autres. Ce qui serait responsable du déclin de la plus noble des races sédentaires, ce ne serait que secondairement le mélange des races, comme chez Hitler ou Rosenberg, ou l’effet dysgénique des guerres, mais ce serait essentiellement la séparation d’avec le sol. Le programme de Darré pour le Reich allemand à venir repose donc sur l’ancrage du paysan dans sa terre, et sur la création, grâce à des pratiques eugénistes strictes inspirées des récents enseignements de la biologie, d’une élite de paysans nordiques destinés à former une « nouvelle noblesse issue du sang et du sol ». Cet attachement au sol distingue Darré des autres idéologues nationaux-socialistes. Mais on ne peut comprendre l’union sang-sol qu’en acceptant de considérer que le sol idéalisé du paysan de Darré est un sol métaphorique, une image de la continuité sur laquelle les vicissitudes de l’histoire n’ont pas prise. En ce lieu situé hors du temps, le sang pourrait se transmettre inchangé, et garantir ainsi l’éternité de l’homme vivant sur ce sol. Cette sortie de l’histoire est renforcée par le fait que Darré examine tous les événements avec le regard du biologiste, si bien que seul le sang, porteur de vie, accède au statut de valeur.

Sous le Troisième Reich, théorie et pratique se nourrirent mutuellement. Les dirigeants nazis encouragèrent les recherches raciologiques de grands savants, qui s’efforcèrent à leur tour de fonder rationnellement la politique irrationnelle des nouveaux maîtres de l’Allemagne. Aussi la « science aryenne » ― science des Aryens pour les seuls Aryens ― fut-elle à la fois complice et complexe (R.N.Proctor). Dès les années 1930, le postulat de l’inégalité des hommes devant la constitution du savoir fut appliqué aux sciences exactes elles-mêmes, comme l’illustrent les thèses des physiciens Philipp Lenard et Johannes Stark, et du mathématicien Ludwig Bieberbach. De nombreux anthropologues et généticiens de renom décidèrent eux aussi d’apporter une caution scientifique à des principes dont ils connaissaient l’origine pour le moins douteuse. L’un des plus importants fut l’anthropologue Eugen Fischer, qui affirma le premier que les lois mendeliennes de transmission héréditaire dans les cas d’hybridation s’appliquent à l’homme, mais qui, dans le même temps, ne cessa pas de défendre les typologies raciales fixistes et la quête du sang pur du Reich hitlérien. Autre brillant scientifique, le généticien eugéniste Fritz Lenz assimila groupes sociaux et groupes raciaux, défendit la thèse de la supériorité nordique, et collabora à la politique d’ « évacuation » des territoires de l’Est en triant les hommes d’après les critères des typologies raciales qu’il dénonçait par ailleurs. L’officier de la S.S. et spécialiste d’hématologie Otto Reche tenta pour sa part de distinguer les différentes races dont le peuple allemand serait constitué et de déterminer un groupe sanguin propre à la race juive. Il faut évoquer également le généticien Otmar von Verschuer, qui s’attacha à l’étude des prédispositions héréditaires de maladies et de la criminalité, et qui défendit la thèse totalement dépassée de l’existence du plasma germinatif. Curieusement, l’homme qui imposa ses vues aux plus grands scientifiques de l’époque, Hans Friedrich Karl Günther, n’était qu’un anthropologue amateur, un disciple de Vacher de Lapouge sachant se réclamer avec habileté des connaissances scientifiques les plus modernes pour confirmer des croyances totalement infondées. Les distinctions qu’il établit, à l’aide de critères anthropométriques et psychologiques, entre sept races européennes principales servirent de fondement théorique au racisme du Troisième Reich. Un autre fervent défenseur de l’idée nordique, Ludwig Ferdinand Clauß, séduisit une partie de l’élite intellectuelle nationale-socialiste par sa « psychologie raciale ». Il voulut saisir le mouvement propre à chaque âme raciale à l’aide de sa « méthode mimique », mais cette méthode ne reposait en définitive que sur l’intuition du chercheur, qui devait posséder un talent inné pour percevoir en quoi des traits de caractère universellement répandus se manifestent de manières différentes dans les différentes races. Tous ces biologistes allemands ne parvinrent que rarement à préconiser unaniment les mêmes mesures raciales ou eugénistes. Trois thèmes en particulier suscitèrent de nombreux débats : la race nordique, l’eugénisme et la race juive. Le Parti choisit d’insister sur l’idée que la race nordique est de nature plus spirituelle que physique, qu’elle constitue même une race idéale. La race nordique originelle ne pouvant être recréée, la renordification devrait passer par le choix judicieux du conjoint et l’exclusion des indésirables. Indésirables entre tous, les Juifs furent finalement définis comme un peuple hybride ayant tant pratiqué l’endogamie qu’il serait en passe de constituer une race, mais avant tout une « race mentale » (Hitler), dont l’esprit plus que le corps est immédiatement ressenti comme étranger par tout Allemand encore sain. Modèle pour le programme eugéniste de la race nordique, la race juive en fut la principale victime, et en tout premier lieu dans le domaine « médical ». L’essentiel étant de préserver la vie digne d’être vécue, les éléments pathogènes du corps du peuple furent parfois utilisés comme cobayes humains. Une première catégorie d’expériences était destinée à accroître la puissance de l’Allemagne par l’augmentation de la fécondité des femmes dignes de procréer, mais aussi en donnant aux soldats allemands un maximum de chances de survie. La seconde catégorie d’expériences était destinée à lutter contre les ennemis de la race élue : les principales maladies bien sûr, mais aussi le sang étranger, dont la propagation devait être stoppée grâce aux progrès des méthodes de stérilisation et de castration. La médecine aryenne fut donc la science « aryanocentrique » par excellence. Cependant, si les médecins nazis avaient vraiment cru à l’altérité des races, ils n’auraient pas songé à tester sur des races étrangères des médicaments destinés à la seule race aryenne. Le lien entre le travail des scientifiques et celui des législateurs du Troisième Reich fut étroit, ces derniers ayant cherché à créer un système juridique nouveau, d’inspiration purement germanique, conforme aux découvertes scientifiques les plus récentes. Cette « biologie appliquée » (Rudolf Heß) à la société concerna en premier lieu la famille : adoption des lois raciales au sein du Parti, puis de l’Etat, nécessitant une classification des parentèles ; législation relative au mariage et au divorce ; incitation à l’union libre entre personnes de bon sang, etc. A cette eugénique positive a correspondu l’eugénique négative qui toucha en premier lieu les « asociaux », c’est-à-dire les citoyens allemands qui montraient par leur comportement qu’ils ne voulaient pas s’intégrer à la communauté. Ils formèrent « l’antirace concentrationnaire » (Joseph Billig), le pendant négatif de l’élite S.S.. Mais ces mauvais Allemands étaient-ils en définitive de véritables Allemands ? La trahison des conjurés du 20 juillet 1944 conforta Hitler et ses proches dans la certitude que la race est bien plus un mode de pensée et d’être qu’un ensemble de traits somatiques. Convaincu que l’anormalité est largement conditionnée par l’hérédité, l’Etat hitlérien lança son programme de stérilisation en 1933, puis d’euthanasie dès le début de la guerre. Le fait que les Juifs internés en hôpitaux psychiatriques aient reçu un traitement particulier met en évidence le lien existant entre l’eugénisme négatif du Reich et le génocide. Des « traitements » meurtriers furent également appliqués, sous la direction de psychiatres, aux détenus des camps devenus inaptes au travail. Le meurtre médical, pratiqué pour des raisons « sanitaires », devint alors véritablement un meurtre médicalisé, c’est-à-dire un meurtre auquel était conférée une aura médicale, mais dont tout homme pouvait être victime. Les mesures spécifiquement racistes du Troisième Reich relevaient de la même logique eugéniste et darwiniste. Entre le pôle aryen et le pôle juif se trouvait toute une nébuleuse de races, qu’il est parfois malaisé de situer sur une échelle allant de l’animalité à la divinité. Ainsi les catégories de « sang allemand » et de « sang étranger à l’espèce » ne furent-elles jamais clairement définies. C’est la détermination de l’appartenance à la race juive ― cette race qui n’était pas tant une race inférieure qu’une anti-race ― qui fut la plus problématique. Conformément à son programme de 1920, le NSDAP exclut d’emblée les Juifs de la vie allemande afin de permettre la renaissance de l’ « esprit » allemand et de protéger le sang allemand contre toute souillure. Or, c’est avec l’adoption des lois de Nuremberg que la politique antijuive nationale-socialiste prit toute sa dimension pseudo-scientifique, car les rédacteurs de ces lois prétendirent se référer aux lois de Mendel pour distinguer les Juifs des métis au premier ou au second degré, alors que le critère de l’appartenance religieuse des grands-parents demeura en tout état de cause le critère ultime.

C’est pour cette raison que l’historien Michael Ley nie l’authenticité des considérations raciales nationales-socialistes, ne voyant dans les les lois « raciales » du Reich que des lois religieuses. De même, pour Raul Hilberg, les crimes du Troisième Reich contre les Juifs relèveraient de la même motivation que ceux de l’Eglise, et ne s’en distingueraient que par leur ampleur. Il ne faut toutefois pas négliger l’importance fondamentale de la pensée et du vocabulaire biologisants à l’œuvre sous le Troisième Reich. En fait, cet Etat fut une biocratie à l’aura médicale perverse, et l’extermination des indésirables conçue comme une mesure sanitaire et rationnelle. En outre, c’était la voix du sang, double biologique de l’Esprit saint, qui seule enseignait à distinguer l’homme sain du dégénéré, le bien du mal. La dimension spécifiquement religieuse du racisme nazi est donc sans doute à chercher davantage du côté de sa fonction que de son origine : phénomène indiscutablement moderne, ce racisme posséda la puissance mobilisatrice et éventuellement assassine des grandes fois religieuses.

Samedi 5 février
9 h
En Sorbonne, Galerie Richelieu, salle G366, 2e étage
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 Mme Rachel OG MONTEIL soutient sa thèse de doctorat :

 "CHI SONO ?" Aldo Palazzeschi (1885-1974) : une vie entre prose et poésie

 En présence du Jury :

Mme BUFFARIA (POITIERS)
M. GENOT (PARIS X)
M. LIVI (PARIS IV)
M. TELLINI (FLORENCE)

Jeudi 23 juin
10 heures
Institut National d’Histoire de l’Art
Carré Colbert, Salles Ingres
4-6, rue des petits champs
Paris 2e

 Mme Simone PAPIN VELTER soutient sa thèse de doctorat :

 "De l’atelier de David au Romantisme" : les "primitifs" et leur destin

En présence du Jury :

M. JOBERT (Paris 4)
M. THUILLIER (Paris 4)
M. MEROT (Paris 4)
M. GAEHTGENS (Berlin)
Mme PELTRE (Strasbourg 2)

Samedi 2 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Milne Edwards, Esc. B., 2ème étage
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 M. Férdéric CALAS soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "De la grammaire à la stylistique : phénomènes de circulation de la parole dans quelques fictions du XVIIIe siècle"

 En présence du Jury :

Mme BERLAN (PARIS 4)
M. BONHOMME (Université)
Mme JAUBERT (NICE)
M. MOLINIÉ (PARIS 4)
Mme ROSIER (BRUXELLES)
M. SOUTET (PARIS 4)

vendredi 24 novembre 2006
14 heures 30
Au CELSA, Amphithéâtre M-C. Praudel
77, rue de Villiers 92200 Neuilly/Seine

 Mme Béatrice JALENQUES VIGOUROUX soutient sa thèse de Doctorat

 "Dire l’environnement : le métarécit environnemental en question"

 En présence du Jury :

Mme BONNAFOUS (PARIS 12)
M. BOURG (LAUSANNE)
Mme D’ALMEIDA (PARIS 4)
M. GRAMACCIA (BORDEAUX 3)
Mme RICHARD (PARIS 4)

 Résumés :

La thèse interroge la façon dont des organisations construisent l’environnement au sein de leurs discours et comment le narratif intervient dans cette construction. Notre point de vue repose sur le fait que la pensée environnementale participe à la crise de l’« idéologie économique ». Nous avons étudié trois types d’organisation : une entreprise, SITA France (SUEZ), une institution, l’Agence de l’environnement et de la Maîtrise de l’Energie (ADEME), une association, France Nature Environnement (FNE). En outre, nous avons examiné un dispositif de concertation rassemblant ces trois catégories d’organisation. Le critère de sélection de ces entités est qu’elles revendiquent elles-mêmes l’identité d’acteur de l’environnement. Plutôt que l’exhaustivité, notre objet nous permet d’approcher l’amplitude de diversité des discours construisant l’environnement. L’étude des ces organisations en France permet de comprendre que l’environnement est construit sous au moins deux types de discours, le type de discours économique et le type de discours environnementaliste. L’étude des représentations sociales associées à des termes récurrents au sein du type de discours environnementaliste permet l’observation de ferments de narrativité. Ces ferments de narrativité permettent de reconstruire les différentes composantes d’un récit potentiel particulier, le métarécit, en en modifiant certaines : incitation à l’action, héros anonymes, grand but, grand péril, et valeur suprême composent ainsi le métarécit environnemental.

This thesis analyses how organisations build the environment into their discourses and how the narrative participates in this construction. Our position is that environment thinking is understood as a part of the crisis in “economic ideology”. It studies three kinds of organisations : a firm, SITA France (SUEZ) ; a public institution, Agence de l’Environnement et de la Maîtrise de l’Energie (ADEME) ; and a non-profit organisation, France Nature Environnement (FNE). In addition, it examines a communication organ constituted by these three types of organisations. The criteria used to select these organisations were that they identified themselves as environmental players. More than exhaustivity, our object permits us to measure the amplitude of the discourse used to construct the environment. The study of these French organisations uncovers the fact that the environment is constructed via two distinct types of discourse, the economic type and the environmental type. The study of the social representations associated with frequently-used words within the environmental type of discourse brings to light certain “fermenting agents in a developing narrative”. These “fermenting agents in a developing narrative” allow us to reconstitute the components of a particular potential story, the “meta narrative” : “action”, “anonymous heroes”, “a great peril”, “a lofty ideal”, and “supreme value”, all of which constitute the environmental “meta narrative”.

 Position de thèse :

Au sein de cette recherche, nous avons voulu savoir comment les organisations construisent les préoccupations environnementales au sein de leurs discours, et comment le narratif intervient dans cette construction. Une hypothèse a consisté à penser qu’il existe un type de discours spécifique qui construit l’environnement, que nous nous nommerons le type de discours environnementaliste. Ce type de discours repose sur la combinaison de thèmes, de lexiques et d’une logique spécifique. Une autre hypothèse concerne la forme de cette construction : elle s’opère selon un processus narratif, à travers des récits. Nous avons donc étudié différents discours d’organisation construisant les préoccupations environnementales.

Pour les étudier, nous sommes parties du fait que l’environnement s’est construit en grande partie sur une critique de l’économique. Différents auteurs s’accordent pour considérer que les mouvements de l’écologie et les discours qui les accompagnent participent à ce que Dominique Bourg nomme précisément la crise de l’idéologie économique. Cette idée repose sur le fait que les sociétés occidentales sont individualistes (et non holistes). A l’opposé, l’écologie met l’accent sur les interdépendances entre les êtres vivants. Cela a pour effet que écologie et économie doivent être étudiés ensemble. Du point de vue de l’analyse de discours que nous avons mené, cela implique que nous tenions compte de cette caractéristique pour considérer la construction de l’environnement. Considérant donc que les rapports entre environnement et économie sont anciens, dynamiques et prépondérants, nous avons centré notre travail sur cette tension. Nous avons cherché si l’« environnement » était élaboré au sein d’un type de discours spécifique ou non, reposant sur la combinaison d’une logique, de thèmes et de lexiques. Nous voulions déterminer si ces discours spécifiques constituaient juste une critique des discours économiques. Les organisations que nous étudions appartiennent au monde économique : nous avons pris soin qu’elles recouvrent l’ensemble de la sphère économique, c’est-à-dire la sphère marchande (entreprise), mais aussi la sphère non-marchande (institution), et la sphère non monétaire (association). Un dispositif de concertation a aussi été étudiée dans le but d’étudier les discours construit par les organisations en interaction. Puisque que c’est l’ensemble de l’économie qui reçoit une critique de la part de l’environnement, il est important de considérer l’ensemble des organisations recouvrant la sphère économique. Nous avons montré, en partie 2 mais aussi en début de partie 3, que les discours des organisations étudiées correspondaient soit au type de discours économique, soit au type de discours environnementaliste. Il en ressort que deux types de discours sont bien présents au sein de ces organisations, et qu’un continuum est repérable allant de l’entreprise vers l’association. Le corpus de la CLIS présente également deux types de discours. Une même remarque pour tous : le type de discours économique est présent de façon privilégiée dans les corpus écrits, le type de discours environnementaliste dans les corpus oraux, et cela est encore plus vrai pour le corpus de la CLIS, comme le montre la comparaison entre un compte-rendu officiel et un compte-rendu ethnographique. Un certain nombre d’extraits figurent également au sein d’énoncés juxtaposant les éléments de chacun des deux types mobilisés, utilisant les lexiques de l’un avec les thèmes de l’autre, ou encore avec la logique de discours contenu par l’un ou l’autre. Mais ces énoncés ne permettent pas d’envisager un troisième type de discours. Cela nous a permis d’affirmer la présence de discours économiques, de discours environnementalistes, parfois mélangés au sein des corpus étudiés (discours hybride), et construisant tous l’« environnement ».

D’autres phénomènes ont également émergé, comme le processus de lissage du discours de la CLIS, effectué par l’administration, au sein du compte-rendu officiel. Nous avons montré que cette opération consistait essentiellement en l’effacement, plus ou moins conscient, des éléments propres au type de discours environnementaliste. Ceci est également vrai pour le corpus des Lettres Ademe, distinctes des autres éléments étudiés au sein de l’institution ; leur inscription intégrale dans le type de discours économique a pour corollaire l’élaboration d’un discours particulier de l’institution, spécifiquement pour ce média. Il se trouve que ce phénomène de lissage s’opère selon la même sélection d’éléments du type de discours économique au sein de la CLIS de Vert le Grand et au sein de l’ADEME : on observe une focalisation sur les aspects techniques de l’environnement. Ce travail de lissage, effectué par la DRIRE ou par l’ADEME, conduit à présenter une situation pacifiée, voire consensuelle entre les acteurs de l’environnement évoqués. Il en ressort que l’intention de ces deux organisations repose sur la volonté de présenter des dispositifs de communication pacifiés, en omettant volontairement toute évocation des conflits en cours. Les points de conflits « lissés », c’est-à-dire évincés par la DRIRE au sein du compte-rendu officiel de la CLIS de Vert le Grand concernent systématiquement les représentants des associations, qui constituent de ce fait le pivot stratégique de la CLIS de Vert le Grand en terme de production de discours. Les administrations membres apparaissent finalement peu affectées par la tenue de la CLIS. Les représentants des exploitants le sont davantage puisque la CLIS constitue pour eux un lieu privilégié d’accès aux arguments des associations de riverains, mais pas le seul. Pour les élus, la réunion de la CLIS fait l’objet de discussions lors de conseils municipaux, peu diffusé vers le citoyen ordinaire. La CLIS de Vert le Grand paraît alors contredire l’esprit de la circulaire de 1983 et de la loi de 1992, pour lesquelles les CLIS apparaissent comme une expérience de mise en place du « bon dialogue » entre des adversaires, au sein de la mise en œuvre plus vaste d’une démocratie de proximité ou d’une démocratie participative. Par sa matérialisation physique, la CLIS de Vert le Grand ravive l’intensité du rapport de force en présence. Mais par ses pratiques de communication, elle construit un discours homogène évinçant cette dimension conflictuelle. C’est pourquoi nous en avons conclu que s’effectuait l’élaboration d’un discours collectif axé sur les responsabilités partagées, environnementales et sanitaires, soulevées par l’exploitation du complexe de traitement des déchets de Vert Le Grand, au sein de la CLIS de Vert le Grand.

A partir de là, nous avons décidé d’approfondir l’étude sur les discours environnementalistes. Nous avons alors bâti une étude basée sur le concept de métarécit, reposant sur un positionnement théorique prudent en narratologie. De façon synthétique, dans ce cadre, nous assimilons le récit à un type de discours organisé sur le mode narratif ayant pour particularité de posséder des éléments de sens concernant à la fois l’expérience humaine, la temporalité et la pluralité de l’humanité. Il s’agit d’un récit attesté. Pour identifier ce mode narratif, nous avons retenu, comme critères exclusifs, les constituants de narrativité énoncés par Jean-Michel Adam. Cependant, la plupart des énoncés étudiés dans les corpus ne présentent pas l’ensemble de ces critères, ne présentent ni récit ni « séquences narratives ». Nous avons alors choisi de nous tourner vers la notion de « ferment de narrativité », plus pointue, définie par Philippe Marion, indiquant qu’un énoncé, mais aussi une image, et a fortiori une représentation sociale, peut présenter des prédispositions narratives, peut susciter un récit. Dans ce cadre, le récit dont il est question est un récit potentiel. Il permet une approche interprétative, herméneutique. Nous définissons ainsi le métarécit comme un récit potentiel reposant sur l’articulation entre cinq composantes (Incitation à l’action, Grand héros, Grand but, Grand péril, Valeur suprême) élaborées par le chercheur à partir de l’observation de constituants de narrativité (ou ferments de narrativité) au sein de représentations sociales. Cette définition fait que la recomposition du métarécit environnemental repose sur l’analyse de discours précédente. Cette analyse de discours basé sur les types de discours a permis de repérer autant les divergences que les convergences au sein des corpus observés, indiquant les logiques de discours animant les organisations étudiées. Elle nous a conduit à mettre au jour des éléments récurrents au sein du type de discours environnementaliste. Nous avons alors mené la deuxième analyse effectuée dans cette partie de la thèse, basée sur le repérage de cinq éléments récurrents observées au sein des corpus : « environnement » / « nature », « développement durable », sujet de l’actions, « vie » / « survie », « morale ». Ces éléments récurrents comprennent à la fois des termes uniquement identifiés comme appartenant au type de discours environnementaliste, mais aussi des termes inscrits sous un régime hybride (ne permettant pas d’identifier totalement l’un ou l’autre des deux types de discours choisis), comme la notion de « développement durable » par exemple. Cette analyse possède une double dimension : premièrement une identification des représentations sociales associées au éléments récurrents puis une analyse narratologique, traduisant notre intention de repérer une trame narrative spécifique aux discours environnementalistes. Ainsi, nous avons constaté que les éléments récurrents analysés au sein du discours environnementaliste mis au jour dans les corpus possédaient des affinités avec les constituants de narrativité indiqués par Jean-Michel Adam, en particulier avec celui du procès, renvoyant à la notion d’action. Trois de ces éléments, sur cinq, s’inscrivent en effet dans le constituant de narrativité du procès. Et les représentations sociales associées aux termes « environnement » / « nature » sont en correspondance avec trois constituants de narrativité : succession d’événements, prédicats transformés et causalité narrative, ce qui positionne ces deux termes comme particulièrement aptes à s’inscrire au sein d’une « séquence narrative ». Si le discours environnementaliste constitue un objet tout à fait fécond dans le cadre d’une recherche narratologique, certains de ces éléments le sont donc plus particulièrement, notamment le terme « environnement ». A lui seul, ce terme suscite un récit et représente un ferment de narrativité majeure. Il n’est pas anodin qu’il soit véritablement le plus fréquemment observé au sein du corpus. Si nous n’avons pas observé de récits, nous pouvons néanmoins conclure que dire l’environnement s’effectue donc selon un processus narratif au sein des organisations étudiées. A partir des ferments de narrativité repérées au sein des représentations sociales indiquées ci-dessus, nous avons ainsi reconstitué le récit potentiel que constitue le métarécit environnemental. Nous avons indiqué chacune de ses composantes. Il en ressort que l‘incitation à l’action porte sur le monde approché en tant qu’objet scientifique, et qu’elle encourage une action collective et gratuite, reposant sur la définition du contexte de la mise en œuvre de la décision menant à l’action. Les grands héros des métarécits s’effacent ici derrière la figure de héros anonymes, ajustant leurs actes quotidiens à leur souci de maîtrise des impacts environnementaux, en passant par l’action politique mais de façon non exclusive, et demeurant discret. Le grand but propose à la fois l’éradication de l’irréversibilité des phénomènes menaçant la vie et l’approfondissement de la connaissance de la responsabilité humaine sur la vie. Le grand péril concerne à la fois la fin de la vie (de l’homme et des espèces en général) et la non-conscience de l’homme de ses responsabilités sur la vie. La valeur suprême, enfin, correspond à la croyance en la possiblité de prolonger la vie, dans la double acception du terme renvoyant à la vie des différentes espèces (zoé) et à la vie spécifiquement humaine (bios), encourageant la croyance dans le « progrès » scientifique et éthique de la vie, tout en gardant une position anthropocentrée. Le métarécit environnemental propose une profonde dimension émancipatrice, à la mesure de l’enjeu visible dans le grand péril. De plus, malgré le fait que science et métarécit, ou que science et environnement, puissent parfois s’opposer, le métarécit environnemental participe efficacement à un questionnement de la science, sur le niveau de son implication au sein de la société. Différentes significations sociales portant sur l’action du héros anonyme et plusieurs sens du monde, concernant l’ensemble de l’humanité, émergent alors au sein du métarécit environnemental à travers les notions de temps, territoire, éthique et esthétique. Les significations sociales perceptibles au sein du métarécit environnemental définissent la capacité de tout acte à revêtir une dimension héroïque, (à l’origine de la transformation de l’individu en héros anonyme), à intégrer systématiquement une portée politique, à construire une histoire partagée entre l’homme et les espèces vivant sur le même espace que lui, et à induire une reconnaissance de l’importance des paysages pour établir le cadre de vie du héros anonyme. Le sens du monde qui émerge du métarécit environnement se décline en trois aspects : il dessine un monde de l’urgence, de l’harmonie (respect des interdépendances entre espèces vivantes sur un même espace et dimension esthétique de ce lieu) et un monde à agir, monde du faire. Le sens du monde mis au jour replace la temporalité de l’humanité au regard de l’échelle de la vie, tout en accentuant la dépendance de cette vie à l’agir humain.

Mais il n’en reste pas moins qu’une autre façon de dire l’environnement est aussi visible, au sein des récits économiques, ce qui permet de mettre encore en lumière les caractéristiques du métarécit environnemental indiquées ci-dessus. En effet, le travail successif portant sur les types de discours puis sur cinq éléments récurrents des corpus a fait émerger une distinction évidente entre deux discours parallèles construisant l’« environnement ». Nous allons détailler cela ci-dessous, en précisant le rôle du métarécit environnemental. Ainsi, nous considérons que si le cadre professionnel constitue le lieu principal d’introduction et d’approfondissement du « développement durable », il l’est beaucoup plus rarement concernant l’appropriation de l’« environnement ». Le discours environnementaliste, à partir duquel nous avons composé le métarécit environnemental, apparaît ainsi souvent comme l’expression d’un engagement humaniste personnel, d’autant plus fort qu’il est intériorisé de façon individuelle. Nous considérons donc, suite à l’ensemble des analyses que nous avons effectuées, qu’il existe aujourd’hui en France deux discours parallèles construisant l’« environnement » en France. Ces discours donnent lieu à la reconstitution de récits potentiels : d’une part, les récits économiques, et d’autre part, le métarécit environnemental. A la clarté du discours disant l’« environnement » et le « développement durable » au sein des récits économiques, s’oppose ainsi le foisonnement du métarécit environnemental. Nous soulignons le fait que la notion de « développement durable » apparaît au sein de ces deux discours selon des principes d’inclusion opposés. Cette notion prédomine au sein des récits économiques de l’engagement, en incluant la notion environnement ». Au sein du métarécit environnemental, c’est l’inverse : le « développement durable » éclaire les comportements du héros anonyme et définit la portée potentiellement politique de son action, dans l’objectif premier de poursuivre le grand but dans lequel il n’entre cependant pas en jeu. Du fait de cette hybridité, le « développement durable » revêt une forte ambiguïté. Loin d’une capacité à créer un consensus, il nous semble ainsi plutôt porteur de confusion. Les éléments récurrents et l’étude des représentations sociales qui leur sont associées ne permettent donc pas de conclure qu’il existe un seul type de discours construisant l’« environnement » parmi les organisations étudiées. Bien au contraire, deux types de discours sont repérés, d’une part, les discours économiques, à partir desquels sont constitués les récits économiques, et, d’autre part, les discours environnementalistes, à partir desquels nous avons composé le métarécit environnemental.

En conclusion, cette thèse permet tout d’abord d’éclaircir la façon dont les organisations construisent l’environnement au sein de leur discours et permet d’identifier un type de discours spécifique, le type de discours environnementaliste. Elle applique l’analyse de discours sur des corpus qui ne sont pas habituellement traités de concert. Ensuite, la narratologie portait déjà sur des discours d’organisation. Cette étude, en affinant certaines catégories (récits attestés et récits potentiels, ferments de narrativité appliqués à des représentations sociales) permet de prendre en compte des objets empiriques différents. Elle conduit surtout à intégrer la narratologie au sein d’une recherche communicationnelle, qui ne se réduit donc pas au récit mais qui prend aussi en compte le discours et les représentations sociales en tant que tel.

Jeudi 14 décembre 2006
16 heures
Allemagne

 Mme WIEBKE KEIM soutient sa thèse de Doctorat :

 "Dominance nord atlantique et courants contre hégémoniques dans le développement des sociologies africaines et latino-américaines"

 En présence du Jury :

ESSBACH (FRIBOURG)
M. SCHWENGEL (FRIBOURG)
M. SHINN (CNRS)
M. WAAST (PARIS)

Vendredi 8 décembre 2006
9 heures
Maison de la Recherche, Salle D116, 1er étage
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Isabelle BOUVIGNIES soutient sa thèse de Doctorat :

 "Eléments pour la reconstruction de la genèse de l’Etat de droit constitutionnel démocratique des guerres d’Italie (1494-1559) aux guerres de religion (1559-1589) : Macchiavel, Bodin et la Réforme française"

 En présence du Jury :

M. DERMANGE (MONTPELLIER)
M. LESTRINGANT (PARIS 4)
M. MOREAU (ENS)
M. ZANCARINI (ENS Lyon)

 Résumés :

Sur fond d’effacement du religieux, la politique machiavélienne s’invente dans le désordre des guerres d’Italie en l’absence de toute normativité. Quant à la « monarchie royale » de Bodin qui paraît à ce dernier la solution de la division religieuse, elle est un État royal prémoderne, fondé sur la religion. L’État de droit donne sa force à la loi et le concept de souveraineté absolu confère à ce dernier, non sa structure normative, mais sa structure juridique d’application de la loi. Le concept de souveraineté absolue est au centre de la construction théologico-politique de Bodin, et l’historiographie récente y voit la prémisse indispensable de l’État moderne. Mais cet État, pour être efficace jusque dans sa violence, l’est peut-être moins qu’on ne pense en l’absence de la prémisse constitutionnelle et démocratique qui se met en place dans une politique réformée. Le concept de souveraineté générale est moins absolu qu’on ne l’a dit si sa forme est résolument contractuelle. Après 1572, dans le royaume de France, les disciples immédiats de Calvin : Bèze, Duplessis-Mornay et Hotman, en appellent à une souveraineté consentie après que l’État royal eut réagi très violemment à son empiètement. Il manque donc la solution de la division religieuse que l’on doit aux effets de la modernisation de la religion chrétienne. L’État constitutionnel démocratique naît de la nécessite de trouver une solution normative au conflit de valeurs né au coeur des guerres de religion. C’est dans l’élaboration d’un premier droit de l’individu à pratiquer sa religion dans les limites du respect des autres pratiques religieuses que s’inventera l’État moderne où c’est le droit qui fonde la loi.

Machiavelian political thought emerged on the foreground of an obliteration of the religious conception of the world, among the disorders created by the wars of Italy. In France, Bodin thought, on the contrary, as wars of religion between Catholics and Protestants were at their most, that the “royal monarchy” was the only solution to avoid religious division - his proposition of a royal state is usually considered as a prefiguration of modern state. The rule of law appears actually as a legal structure for State. In fact, the concept of absolute sovereignty is the core of Bodin’s theological and political thought. The bodinian State is not founded on constitutional and democratic premises, but on a domestication of violence. After 1572, in the kingdom of France, immediate disciples of Calvin : Bèze, Duplessis- Mornay and Hotman, reacted to the royal violence. Their convictions were also religious, but founded on another conception of the relation between politics and religion. In some way, we can say that the modern State was born from this tension between absolute sovereignty - which is a conception of law - and a new conception of religion, inclining to autonomy, through the claim for individuals to practise their religion freely, and even under a State as warrant - which is another conception of law, and of the rule of law.

 Position de thèse :

Dans la généalogie du concept d’État ou dans celle du concept de souveraineté, il est important de tenir compte du facteur religieux. Pour Nicolas Machiavel, nous montrons que l’ordre religieux s’efface au profit de temps nouveaux, d’un pouvoir nouveau dont Machiavel souligne, dans Le Prince, la difficulté. La religion semble avoir étonnamment disparu du propos, tandis que, selon notre hypothèse, l’ordre religieux s’inscrit en négatif dans cette réflexion sur les pouvoirs anciens et nouveaux. Notamment, le chapitre XI du Prince juxtapose curieusement deux idées antinomiques, celle d’une autorité ecclésiastique qui dispense le prince ecclésiastique des nécessités du gouvernement, et celle d’un pape armé dont la puissance s’est considérablement accrue depuis qu’il est devenu un prince temporel. Cette juxtaposition traduit d’une manière elliptique la transition entre deux époques, la première - qui s’achève
 où la religion était toute la réalité, la seconde - nouvelle - où la religion est comme écartée du champ politique. Mais au moment où Machiavel écrit le Prince, une religion nouvelle apparaît dans le cadre de la Réforme protestante.
Dans un tel cadre, la question se pose de savoir ce qu’est, chez Machiavel, lo stato. Il ne s’agit pas de l’État avec sa majuscule tel qu’il n’apparaîtra dans les textes qu’à la fin du XVIe siècle dans le royaume de France tout au moins. Pour Jean Bodin, en revanche, l’État est devenu une réalité tangible, ne serait-ce que par l’importance accordée à la volonté législative d’un souverain qui est précisément legibus solutus. Les concepts juridiques qui servent à Bodin d’instruments ne sont pas nouveaux et proviennent du droit de Justinien, l’empereur byzantin. Il est donc surprenant pour nous de découvrir en contrepoint, chez le penseur de la souveraineté, non pas un penseur quasi laïc comme cela a été dit mais, au contraire, un penseur qui, à la différence de Machiavel, pose que la religion est au fondement d’un État royal, inscrit lui-même dans une vision religieuse du monde inspirée tout à la fois de philosophie néoplatonicienne, thomiste et de Kabbale chrétienne. La religion du souverain absolu s’offre comme la solution de la division religieuse qui plonge le royaume de France dans la guerre civile. Voilà qui interdit que nous prenions dorénavant au sérieux l’hypothèse selon laquelle l’État absolu de Bodin aurait été le premier État neutre, capable de s’ériger en arbitre des deux religions. Loin d’innover, la position réaliste de Bodin consiste en une recomposition d’un ordre religieux qui avait été jusqu’à Luther une donnée non questionnée. C’est pourquoi nous avons affaire avec la « monarchie royale » de Bodin à une figure théologico-politique. Mais, bien que cette monarchie soit « royale », elle contient mal la violence de la « monarchie seigneuriale » dont elle n’est que la transfiguration : c’est ici la violence de l’État de droit, maître de la légalité, qui vaut bien certaines cruautés du prince machiavélien. De plus, l’État monarchique absolu, loin d’avoir mis fin aux guerres de religion, comme l’avait avancé Reinhardt Koselleck, a plutôt contribué à éradiquer le mouvement réformé dans le royaume de France. Nous pensons aux massacres de la Saint-Barthélemy déclenchés le 24 août 1572 à Paris. Ce qui a mis fin aux guerres de religion, c’est plutôt l’octroi, grâce au bien connu Édit de Nantes (1589), d’une liberté, même très imparfaite, pour les membres de l’Église réformée. S’il y a bien une esquisse encore très imprécise de l’État constitutionnel démocratique né de la révolution française, c’est davantage dans cette liberté octroyée que nous pouvons la deviner que dans l’avènement d’une réalité étatique sacralisée.
Le regain d’intérêt, durant ces dernières décennies, pour le concept de souveraineté absolue procède selon notre hypothèse d’une confusion entre l’État de droit et l’État constitutionnel démocratique. De plus, cette historiographie récente renoue avec une historiographie bien plus ancienne qui commence avec un gallican. William Barclay inventait en effet en 1600, dans son De regno, le vocable « monarchomaque » pour désigner tous ceux qui, au nom de la religion, auraient aspiré à la destruction des rois. L’image historiographique qui mettait des protestants et des catholiques ligueurs au service d’une cause religieuse au détriment d’une solution proprement politique est demeurée agissante jusqu’à nous et a contribué durablement au mythe de l’État absolu impartial.
L’historiographie récente cultive tant chez les historiens que chez les philosophes l’idée d’une République neutre. Cette illusion ne pourra se dissiper tant qu’on ne reconnaîtra pas la contribution de la Réforme à la naissance d’une religion « modernisée » que nous distinguons de l’ordre religieux ancien. Dans le Colloquium heptaplomeres de Jean Bodin, seuls deux représentants des différentes religions, le luthérien Federich et le calviniste Curce, pensent que l’on peut sans trop de danger discuter de la religion, mais il semble que l’auteur ne les rejoigne pas là-dessus. Bodin au contraire se cache principalement derrière le maître de céans, le catholique Coroni qui a élu domicile à Venise et applaudit des deux mains au récit d’Octave narrant l’assassinat par Soliman de ses fils. Venise est aux portes de l’Empire ottoman et la fascination qu’exerce le régime absolu du Turc était déjà visible chez Machiavel. Le contexte des guerres d’Italie (1494-1559) et celui des guerres de religion (1559-1589) ne sont pas étrangers l’un à l’autre, et le facteur religieux joue dans l’un et l’autre cas, sans nul doute possible, le rôle principal. Si Hannah Arendt et d’autres ont vu dans la Réforme la fin de la politique chrétienne, nous prétendons au contraire que la Réforme n’est pas un apolitisme, mais au contraire contribue par son option volontariste à la naissance de la morale moderne et d’un sujet pratique sans lesquels nous ne pouvons songer que puisse exister un État constitutionnel démocratique. À cela, il faut ajouter les effets propres de la distinction des deux règnes de Luther ou des deux régimes en l’homme de Calvin. Car la sécularisation dont parle Arendt n’a pas eu que des conséquences négatives. Non seulement une politique réformée s’est manifestée chez les disciples immédiats de Calvin par la promotion d’un droit de résistance se substituant à l’ancien tyrannicide, mais encore un modèle démocratique d’organisation semble voir le jour notamment dans les assemblée politiques qui se sont spontanément formées dans le royaume de France. Après avoir fait état du « règne de la loi » et de « la force de la loi » pour caractériser la conception absolutiste de la souveraineté chez Bodin, nous avons ouvert une seconde partie où nous montrons que l’État de droit n’a de chance de devenir un État constitutionnel démocratique que pour autant que la loi puisse être fondée sur le droit conçu dans un premier temps comme une revendication pour les sujets d’un État de pratiquer publiquement leur propre culte. La liberté religieuse est la première liberté qui ait émergé du monde traditionnel. Nous posons par conséquent que l’État constitutionnel démocratique occidental est né de la division religieuse de la société chrétienne et de la nécessité d’accorder des valeurs religieuses inconciliables, ainsi que de l’abandon de l’idée de concorde au profit d’une tolérance religieuse, et pas seulement civile, que Rousseau avait appelée de ses voeux dans le chapitre « religion civile » du Contrat social. Seules des normes morales universalisables peuvent mettre d’accord des individus que leurs valeurs religieuses respectives opposent. Dans le royaume de France où les réformés étaient persécutés, des voix réformées ont pu s’élever pour réclamer cette liberté pour les protestants, mais pour les catholiques également. Voilà qui nous a paru déterminant pour comprendre l’émergence d’un État constitutionnel démocratique qui ne doit pas être confondu avec l’État absolu ou l’État de droit. La fascination qu’exerce encore aujourd’hui le concept de souveraineté défini par Bodin conduit à y voir la souveraineté générale du Contrat social de Rousseau qui, quoi qu’on en dise, n’est pas déliée des lois (legibus solutus). Le souverain chez Rousseau est au contraire tenu à sa propre loi et obligé à lui-même par le contrat. Autrement dit, l’État constitutionnel démocratique doit moins à une souveraineté unitaire qu’à une souveraineté populaire et contractuelle que les « monarchomaques » réformés avaient promu dans les traités de la résistance. Ils ont été les véritables adversaires de Bodin, mais en raison d’une historiographie française centrée sur l’absolutisme, ils ont été parmi les auteurs français les plus oubliés de notre histoire. Peut-être est-ce un des effets du refoulement dont toute conscience nationale pâtit inévitablement.

Vendredi 9 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Agathe SULTAN soutient sa thèse de doctorat :

 "En conjunction de science". Musique et rhétorique à la fin du Moyen-Age

En présence du Jury :

Mme CERQUIGLINI-TOULET (Paris 4)
M. BACKES (Paris 4)
Mme BENT (Oxford)
M. BOUTET (Paris 4)
Mme LEFEVRE (Tours)
M. ZINK (Collège de France)

Résumés

Invoquée et pratiquée par nombre de poètes médiévaux, source de la seconde rhétorique, la musique constitue aujourd’hui une pierre d’achoppement de la critique littéraire. Mondaine, humaine et instrumentale dans la tradition boécienne, unissant le sensible à l’intelligible, elle possède en tant qu’art du quadrivium des implications complexes pour la poétique. Son intérêt tient en particulier à la subtilité de ses écritures. Tributaire de modèles grammaticaux et rhétoriques mais conçue à nouveaux frais comme une science du Nombre à travers la pluralisation des voix, la musique de l’ars nova met en jeu une esthétique de l’équivoque. Imposant aux textes les raffinements de ses structures rythmiques, le motet s’illustre chez Guillaume de Machaut comme l’emblème d’un lyrisme de la tension, de la désarticulation et de l’altération. La pluritextualité, dont le fonctionnement paraît moins dialogique qu’échoïque, contribue par ses tropes multipliés à enrichir la fiction énonciative. Malgré la rupture ambiguë que suggère L’Art de dictier et l’instauration d’une certaine distance vis-à-vis du chant, c’est en héritiers des formes musicales que les écrivains forgeront leur propre contrepoint, entre harmonie et éloquence.

« En conjunction de science ». Music and Rhetoric in the Late Middle Ages.

A common practice and a constant reference for many medieval poets, music was the source of the second rhetoric. However, today music appears to be a true stumbling stone for literary exegesis. In the tradition initiated by Boethius, music is altogether worldly, human and instrumental allowing the union between sense and intellect. As one of the arts of the quadrivium, its implications for the realm of poetics are very complex. Music interests us primarily for the intricacy of the styles. Even as it follows the old structural and rhetorical patterns, the music of the ars nova partakes in an ambivalent esthetics particularly through the innovative conception of the science of Numbers displayed in the multiplication of voices. In the works of Guillaume de Machaut whose lyrics and rhythmical composition equally reveal his utter degree of artistic refinement, the motet becomes the epitome of poetical tension, fracture and alienation. Pluritextuality provides not a catalyst for dialogue but rather operates as a chamber of echoes. Moreover, the proliferation of tropes intensifies and expands the fictional utterance. With the arguable exception of L’Art de dictier, followed by a relative disaffection for song, the writers continue to search for a new art of the counterpoint, between harmony and eloquence, in the shadow of traditional musical forms.

Mots-clés : poésie française du Moyen Âge, Guillaume de Machaut, musique, rhétorique, ars nova, motet, pluritextualité, XIVe et XVe siècles.

Position de thèse

Je sais, on veut à la Musique, limiter le Mystère ; quand l’écrit y prétend.

À l’origine de notre questionnement se trouve l’idée si souvent évoquée d’une symbiose médiévale entre musique et poésie, symbiose invitant à s’interroger sur la portée réellement musicale - et non seulement sur la musique métaphorique - des productions de la seconde rhétorique. L’étude que nous proposons explore ainsi quelques temps forts de la relation entre le chant et le verbe, dans un corpus varié incluant aussi bien des textes poétiques que des compositions musicales, des arts de rhétorique et des traités de musique, en langue latine et vernaculaire. Nos exemples de prédilection, situés de part et d’autre de la date fatidique de l’Art de Dictier (1392), sont destinés à cerner les enjeux d’un « divorce » - ou d’un « mariage » - entre musique naturele et musique artificiele. À travers la redéfinition ambiguë que lui impose la fin du Moyen Age, la musique paraît en effet acquérir aux yeux des écrivains des attraits renouvelés, alors même que ses formes évoluent sous l’impulsion des compositeurs ; elle conserve cependant jusqu’à la Renaissance certains des caractères qui étaient les siens dans la tradition boécienne. Il importait donc, avant de se prononcer sur les conséquences d’une prétendue rupture entre poésie et musique, d’en revenir aux définitions et aux pratiques médiévales de cette dernière. Alors qu’une conception moderne de l’esthétique identifie volontiers la musique à un divertissement et la relègue dans le champ du signifiant sans s’interroger plus avant sur son sens, les penseurs médiévaux, héritiers des philosophies grecques de la mousikè, accordent au sixième art sa signification plénière. Malgré l’incompatibilité latente entre les systèmes antiques et les réalités sonores du Moyen Age, théoriciens et pédagogues se réfèrent à la musica practica en tant qu’elle est inséparable de la musica speculativa, laquelle procède de l’harmonie cosmique. Ces deux aspects, pour être complémentaires, restent néanmoins distincts, et l’on observe que dès l’époque carolingienne les pédagogues se tournent de plus en plus vers la pratique. C’est dans le contexte de cette progressive autonomisation de l’art musical que doivent être replacés les manifestes modernistes et les étonnantes évolutions de l’ars nova. La fécondité de la période médiévale tient en effet à ce qu’elle voit la musique non seulement s’inventer un langage, mais encore se doter d’une écriture. Si la musique, plutôt que la peinture ou l’architecture, peut être de façon fructueuse comparée à la littérature, c’est bien - outre qu’il s’agit également d’un art du temps - en vertu de cette spécificité : elle s’écrit, ou se « note ». À l’antique harmonie platonicienne, elle apporte ainsi un contenu concret grâce à la possibilité nouvelle d’une pluralisation des voix. D’abord perçue comme l’expansion de la voix principale, la voix organale développe rapidement son indépendance, au point que la mise en page des partitions doit se transformer pour mieux rendre justice à la spécificité de chaque partie : au XIIIe siècle, la présentation séparée des lignes mélodiques du déchant est un fait globalement acquis. Cet événement majeur dans l’histoire de l’Occident qu’est l’invention de la polyphonie par superposition des lignes (et qui s’illustre de diverses manières dans l’organum, le conduit et le motet) va donc de pair avec des raffinements scripturaires ; il n’est pas indifférent de le remarquer contemporain de la naissance de notre littérature. Les destins de la musique et de la poésie se trouvent ainsi liés dès leur origine. Or le trait déterminant des notations musicales, tant du rythme que des hauteurs, gît dans leur équivocité. Le son musical n’est pas offert par la partition, mais acquis dans la lecture et l’interprétation, aussi bien pour les chanteurs que pour le compositeur : une seule figure peut porter plusieurs sens - c’est le cas des notations rythmiques de Notre Dame comme des notations franconienne, pétronienne, et de l’ars nova -, tout comme une seule note possède, virtuellement, une infinité de noms - ainsi dans la pratique de la solmisation, qui autorise les subtilités de la musica ficta. Certes, la musique, déjà proche de la grammaire, pourra être considérée comme une rhétorique. À cette dernière, elle emprunte d’ailleurs ses termes : florificatio, color, figura. Elle rencontre certaines de ses ambitions, en dissertant sur l’éthos des modes mélodiques, ou encore en développant ses ornements dans une perspective encomiastique. Cette proximité d’un art du quadrivium et d’un art du trivium n’est pourtant pas une simple identité : la rhétorique musicale, surtout à la fin du Moyen Age, période d’une plus grande mathématisation de l’art des sons, est spécifiquement une rhétorique du Nombre, où coexistent plusieurs discours. Parce qu’elle est plurielle, l’expression musicale court le risque de se perdre dans la fausseté, de mêler à l’ordre divin des consonances le désordre des dissonances. De l’équivoque des signes surgiront ainsi les problématiques obsédantes du mensonge, de la fiction, de la métamorphose. Miroir brouillé de la musique céleste, le chant polyphonique, en tant qu’il s’écrit et se lit, exhibe et dissimule tout à la fois une vérité qui se livre sur le mode de l’énigme, per speculum in aenigmate. Le Nombre de la philosophie boécienne ne se laisse deviner qu’au prix d’un déchiffrement. On comprend le rôle central joué par le motet, forme-reine de l’ars antiqua, mais aussi laboratoire des plus hardies expérimentations des XIVe et XVe siècles. Isorythmie et pluritextualité constituent des traits définitoires de son esthétique, qui repose aussi sur une fréquente mise en œuvre du bilinguisme. La superposition de plusieurs textes distincts, geste difficile de totalisation, ne peut s’opérer que dans une verticalité de la structure d’ensemble, garantie par la constance d’un rythme toujours répété. Subsumées par la vérité ultime du ténor, les autres voix participent alors de cet ordre supérieur dont elles reflètent la beauté. Aussi le conflit apparent qui gouverne la relation de la mélodie et du texte masque-t-il une raison transcendante. Soupirs et hoquets, tout en symbolisant le martyre de l’amant courtois ou le chaos de la cité terrestre, possèdent une nécessité musicale qui dépasse largement le cadre d’une quelconque expressivité. Genre de la fracture - l’on peut entendre dans la talea une préfiguration de la taille, terme que réutiliseront les arts de seconde rhétorique - le motet brise les phrases et les mots, faisant apparaître cette unité minimale du discours qu’est la syllabe. Genre du descort, il oppose entre eux les registres, juxtapose les langues et les structures de la versification ; la tension qui lui est propre manifeste un désaccord des figures du sujet lyrique. Cette diffraction semble pourtant se résoudre dans une auto-allégorisation du moi que seul rend possible le contrepoint. La forme musicale, véritable lien qui fait tenir ensemble les lignes du lyrisme, en garantit la cohérence. « Contre-poindre » - ou contrefaire - équivaut alors moins à mentir qu’à enrichir la fiction énonciative au moyen des échos multiples de la polyphonie. Si le charme des sirènes trouve dans l’hybridité constitutive du motet sa plus pure illustration, la puissance persuasive des lignes musicales ne débouche pas pour autant sur une schize du moi poétique, ou sur un échec du discours. L’écriture nombreuse issue de la pluritextualité peut en effet se trouver réinvestie dans les formes fixes. Chez Guillaume de Machaut comme chez ses contemporains et successeurs, la ballade pluritextuelle reprend à son compte l’extraordinaire subtilité du contrepoint poétique, pour l’orienter dans une direction différente. L’existence d’un refrain, point commun entre les divers textes mis en présence, concentre au sein d’un seul vers la puissance musicale des strophes, mais en lui conférant un sens clairement audible. Se profile ainsi le rôle déterminant de la ballade dans l’avènement de l’auteur - ce dernier pouvant se comprendre comme le produit d’une augmentation musicale des discours. La période qui suit la mort de Machaut, et au cours de laquelle émergent plusieurs générations de poètes-compositeurs (entre la fin du XIVe et le début du XVe siècle) élabore des pièces lyriques d’une extrême complexité. Celles-ci, tout en mettant en scène un certain désenchantement, revendiquent cependant l’unité de la musique et de la rhétorique, à travers des jeux spéculaires entre la notation et le texte. L’école de l’ars subtilior, en dépit de la grande diversité de ses styles, utilise souvent l’ironie - musicale ou verbale - dans la perspective d’une mise en valeur de l’identité subjective des compositeurs. Citations, calligrammes musicaux, hermétisme et virtuosité de la notation ne se réduisent donc pas aux maniérismes d’un art décadent, comme on l’a parfois prétendu. Nouveau trobar clus, l’ars subtilior interroge les pouvoirs de la musique en tant qu’écriture - à l’heure où l’écriture poétique, sous la plume d’Eustache Deschamps, se pense en retour comme une musique. L’enjeu des ornements de la notation musicale concerne directement le statut du sujet lyrique. Grâce aux proportions rythmiques de ses figures, le contrepoint réalise dans chaque composition une version nouvelle de la perfection des sphères, même si cette perfection semble à tout instant devoir se dissoudre dans la contingence d’un discours singulier. Les productions littéraires de la fin du Moyen Age, traversées par une tension entre harmonie et subjectivité, appartiennent de ce fait à une esthétique musicale, quand bien même elles sont exemptes de chant. Le discours du poète, dans sa moralisation, tente d’accorder le vouloir individuel à l’ordre de l’univers. On peut également lire dans les œuvres de Christine de Pizan et d’Eustache Deschamps les avatars d’une esthétique du contredit qui doit beaucoup aux formes du motet : « chantepleure », contrepoint des voix amoureuses, conflit entre sincérité et mondanité. Une distinction essentielle doit cependant être faite entre les techniques musicales de la superposition, et les techniques poétiques de la juxtaposition des voix, seules susceptibles d’engendrer un dialogue. Bien qu’ils agissent à la façon de matrices en cristallisant diverses pièces lyriques, les recueils ne peuvent entièrement recréer le dessin simultané des lignes, que seul permet le chant polyphonique. Néanmoins, en transmuant la forme si riche de la ballade à double texte en deux ballades distinctes, la musique devenue naturelle modifie profondément les rythmes poétiques. La pluritextualité apparaît ainsi comme l’une des clés de compréhension de ce lyrisme en pleine mutation. Son paradoxe vient de ce qu’elle est à la fois nécessaire à l’émergence de l’auteur - de par l’affirmation des pouvoirs démultipliés de l’éloquence - et incompatible avec l’avènement singulier de sa voix. Afin de se réaliser en tant que pleine rhétorique, la poésie devra donc briser l’instrument qui avait constitué la chambre d’échos du moi, pour en tirer une nouvelle substance. Le geste consistant à « deffaire la forge » - selon les mots du harpiste et compositeur Jacob de Senleches - trouve des échos dans tout le XVe siècle littéraire, et jusque chez François Villon. Les disjecta membra du motet demeurent présents dans les arts de seconde rhétorique (où figurent des « motets escartelés »), et le souvenir de la pluritextualité dans la pratique de la double et de la triple ballade. Même démembré, Orphée chante. Pourtant, en « débrisant » la prison musicale du je lyrique, la littérature s’expose aux fractures et aux illusions d’une musique verbale qui n’est plus « monde », mais « mondaine » et mensongère. Les séductions du chant, dont se nourrit la rhétorique, la menacent de l’intérieur et mettent en question les bases mêmes du discours poétique, qui n’est jamais loin se métamorphoser en « bruyt » (Villon) ou en « noise » (Molinet). Le lien entre la voix personnelle et la musique céleste est donc à réinventer. C’est à cette tâche que s’emploie la grande rhétorique, par diverses tentatives : chansons avec des refrains, prosimètres, développements mythologiques ou contemplation des concerts célestes. Les figures orphiques auxquelles s’identifie désormais le poète remplacent parfois la lyre par la flûte, signe d’une musique naturelle toujours équivoque, et qui poursuit l’impossible union du contrepoint et de l’éloquence. Si l’on veut prendre au sérieux la définition selon laquelle la rhétorique vulgaire serait une « espece de musique appellée richmique » , il importe de se départir d’une vision simplificatrice de l’art musical, qui le ramènerait aux seules productions mélodiques de la voix. Certes, la rhétorique de la fin du Moyen Age tire toutes les conséquences du syllabisme mis en œuvre par les désarticulations prosodiques du motet. La virtuosité des rimes couronnées, batelées et équivoques, le tour de force des vers holorimes, entendus comme des effets sonores, ne suffisent pourtant pas à rendre compte de la notion de musique telle que l’imaginent les rhétoriqueurs. Mondaine, humaine et instrumentale, conjoignant le sensible et l’intelligible, la musique est toujours déjà métaphore. Elle possède en elle-même une part d’inaudible, comme le suggèrent les exemples de la notation rythmique et les inventions inouïes de la pluritextualité. Les réalisations de l’ars nova trouveront au XVe siècle leur continuation, qu’illustre le goût pour les canons d’écriture : une seule ligne écrite contient virtuellement plusieurs voix. La monodie peut se métamorphoser en polyphonie, mais à condition d’être bien lue : ainsi dans la forme du lai, ou dans la technique compositionnelle de la « chace ». La musique est donc affaire de lecture, autant que d’écoute. Aussi est-ce finalement à une série de « contre-lectures » que nous invitent les poètes du XVe siècle. Le geste de brisure qui a présidé à l’écriture appelle en effet à son inversion, ou à sa rémunération ; la concorde des vers doit être interprétée par un lecteur-acteur dont on attend qu’il soit sensible aux structures contrapuntiques des formes poétiques, aux accords virtuels de la rime, à ses dissonances et « equisonances ». Inséparable de l’écriture qui fut la condition de sa naissance, la musique apparaît alors, non comme la source mythique de la poésie, mais comme l’une de ses possibles destinations.

Samedi 20 novembre
14 h
En Sorbonne, Amphithéâtre Cauchy
Escalier E, 3e étage
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Nelly LABERE soutient sa thèse de doctorat :

 "Et le verbe se fit chair". Etude du genre de la nouvelle au Moyen-Âge.

 en présence du Jury :

Mme CERQUIGLINI-TOULET (PARIS IV)
M. DUFORNET (PARIS III)
M. FRITZ (DIJON)
Mme MARCHELLO-NIZIA (ENS LYON)
M. MÜHLETHALER (LAUSANNE)

Samedi 9 avril
14 heures
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mlle Florence BUTTAY soutient sa thèse de doctorat :

 "Fortuna". Usages politiques d’une allégorie morale (Italie et France vers 1460-70 - vers 1600)

M. BIZZOCHI
M. CHRISTIN (Lyon 2)
M. CROUZET (Paris 4)
M. DUBOST (Paris 12)
Mme DUPRAT (IUFM Versailles)
M. TALLON (Paris 4)

Samedi 13 décembre
9 h 30
Centre Malesherbes, amphi A 117
108, bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Alexis GRELOIS soutient sa thèse de doctorat :

 "Homme et femme il les créa" : l’ordre cistercien et ses religieuses, des origines au milieu du XIVe siècle

 en présence du Jury :

Mme BARRIERE (LIMOGES)
Mme BERIOU (LYON II)
Mme GAILLARD (METZ)
M. PARISSE (PARIS I)
M. VERGER (PARIS IV)

Mardi 12 décembre 2006
14 heures
Institut Océanographique, Petit Amphithéâtre
195, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 M. Tristan DAGRON soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Humanisme. Platonisme. Panthéisme. Recherches sur la Renaissance et l’âge classique"

 En présence du Jury :

M. FICHANT (PARIS 4)
M. MICKENNA (ST-ETIENNE)
M. MOREAU (ENS)
M. PAGANINI (UNIVERSITE)
Mme PERRONE COMPAGNI (FLORENCE)

Samedi 19 novembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Descartes
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Florence BOUCHET soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 "L’ancre d’estudie". Lecture du Moyen-Age tardif

En présence du Jury :

Mme CERQUIGLINI-TOULET (Paris 4)
Mme BOHLER (Bordeaux 3)
M. BROWNLEE
M. LACROIX (Toulouse 2)
M. MÜHLETHALER (Lausanne)
M. ZINK (Collège de France)

Samedi 4 décembre
14 h
Amphithéâtre Guizot
17, rue de la Sorbonne
75005 PARIS

 Mme Hélène BIU soutient sa thèse de doctorat :

 "L’arbre des batailles" d’Honorat BOUVET. Etude de l’oeuvre et édition critique des textes français et occitan.

 En présence du Jury :

M. CHAMBON (PARIS IV)
M. CONTAMINE (PARIS IV)
M. ROUSSEL (CLERMONT II)
M. ROUSSINEAU (PARIS IV)
Mme VIEILLIARD (CHARTES)

Mercredi 28 janvier
14 h 30
Salle des Actes, Centre administratif
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Michel PRAZAN soutient sa thèse de doctorat :

  "L’écriture génocidaire", l’antisémitisme, en style et en discours, de l’affaire Dreyfus au 11 septembre 2001

 en présence du Jury :

M. DAYAN
M. MARTY (PARIS VIII)
M. MOLINIÉ (PARIS IV)
M. SARFATI (CLERMONT II)

Samedi 9 décembre 2006
9 heures
En Sorbonne, Salle F366, 2ème étage
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 M. RIDHA BOURKHIS soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "L’émotion poétique - Stylistique de la poésie"

 En présence du Jury :

M. CAHNÉ (PARIS 4)
M. COLLOT (PARIS 3)
M. GOUVARD (BORDEAUX 3)
M. MOLINIÉ (PARIS 4)
M. RONSEAUD (AIX-MARSEILLE 1)

Vendredi 19 décembre
14 h
Bibliothèque de l’UFR de Grec, 2e etage
16 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Sébastien GRIGNON soutient sa thèse de doctorat :

 "La cohérence de la foi". Lire les catéchèses prébaptismales de Cyrille de Jérusalem

 en présence du Jury :

Mme ALEXANDRE (PARIS IV)
M. BOULNOIS (NANTES)
M. MARAVAL (PARIS IV)
M. MUNNICH (PARIS IV)
M. POUDERON (TOURS)

Jeudi 14 décembre 2006
10 heures
Maison de la Recherche, Salle D223, 2ème étage
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Sébastien GALLAND soutient sa thèse de Doctorat :

 "La fureur et ses élements. etude du génie mélancolique chez Giordano Bruno"

 En présence du Jury :

Mme DE COURCELLES (CNRS)
M. MOREAU (ENS)
M. PINCHARD (LYON 3)

 Résumés :

Indissociable d’une réflexion sur les éléments, la mélancolie brunienne repose sur trois niveaux : l’eau, la terre et le feu, qui recoupent les trois facultés de l’âme : imagination, raison, intellect, les trois fureurs : bestiale, passive et active, ainsi que les trois hypostases de la triade : Dionysos, Diane et Apollon. De la mélancolie aquatique à la mélancolie terrestre, de la mélancolie terrestre à la mélancolie solaire, c’est l’itinéraire de l’âme héroïque qui se dessine, en même temps que se constituent les différentes phases d’une hénologie infinie. Philosophie de l’assimilation, de l’éternité, de la liberté et de la béatitude, la nolana filosofia culmine dans une expérience mystique, d’inspiration païenne, qui atteste d’un basculement de l’immanence dans la transcendance, et d’un passage à la limite endirection de la coincidentia oppositorum.

Indissociable from the reflection on the elements, the Giordano Bruno’s melancholy is built on three levels : water, earth, fire, tallying with the three faculties of the soul : imagination, reason, intellect, and the three furies : the first one dealing with bestiality, the second one with passivity and the third one with activity, and tallying also with the three hypostases of the triad : Dionysos, Artemis and Apollo. From the aquatic melancholy to the earthly one, from this to the solar one, the heroïc soul’s itinerary is taking shape, and at the same time the different moments of an infinite henology. Philosophy of assimilation, eternity, freedom and beatitude, the nolana filosofia reaches its highest point in amystical experience, inspired by paganism, which gives evidence about the switching from immanence to transcendance and about a journey to the limits as is usually the case with coincidentia oppositorum.

 Position de thèse :

Le problème que pose la caractérisation élémentale de l’humeur noire - qu’il y aille d’une particularité physique ou symbolique -pourrait dans un premier temps s’énoncer de la sorte : la mélancolie est-elle compatible avec les grands moments de la philosophie nolaine ? Se peut-il, notamment à travers le personnage du Furieux, qu’elle fasse courir sur un certain nombre d’idées centrales de la pensée de notre philosophe une ombre pour la moins inquiétante, menaçant de ruine une avancée qui voulait libérer l’homme des sottes superstitions, des fantasmagories de la malédiction ? Saturne, il nous en souvient, est le dieu sauvage de la régression, sa présence donc au sein d’une doctrine attachée par ailleurs à n’accorder aucune réalité au mal, à se démarquer des théories dualistes, gnostiques ou chrétiennes, n’y produit-elle point des fractures, des dissensions, des désordres ? Giordano Bruno pense tout d’abord la mélancolie en termes d’eau, et l’insère au vaste domaine de la vicissitude - concept majeur de sa philosophie dont nous étudions les intrications avec la mélancolie la plus sombre. L’eau, la vicissitude, ne connaissent pas le repos, elles fluctuent, s’emportent, semant la discorde, tel le mélancolique ravi par de funestes forces, des dieux jaloux ou des démons cruels. À l’échelle des oeuvres majeures, il est loisible de ramener la relation de l’eau et de la mélancolie à un complexe qui se meut autour des trois points fédérateurs que sont le trouble, la variation, la métamorphose, aspects eux-mêmes récurrents dans l’esprit de Giordano Bruno. Le trouble de l’humeur noire, qui n’est pas sans liens avec la Fureur dionysiaque, introduit au chaos du Verseau, à la turbulence, à la dissemblance. Elle constitue le moment du doute, de l’angoisse, de l’errance, de la défiguration, de la disproportion de l’homme, du renversementde la hiérarchie, du polygénisme, tous aspects constitutifs d’une topologie de l’infini, qui est aussi une topologie de l’a-sphère. La mélancolie y consiste dans l’ici-bas. La variation se résume à la vicissitude, à la roue, elle traduit le moment de la fugacité, de la répétition de toute chose, de la nécessité, et entérine la crise de l’humanisme. La mélancolie y consiste à être jeté dans le temps. La métamorphose est l’expérience du dédoublement, de la folie, de la monstruosité, du destin, de la transmigration, sa mélancolie est de se savoir mortel. Un mouvement se dessine dégageant une première forme de mélancolie qui ressort plus largement de l’imagination, du phantasme, de l’hallucination, et qui se veut l’expression tout autant du spleen de l’homme que de celui de l’automne de la Renaissance. La conséquence en est la mise en relief de l’inconfort de notre être, et de sa situation originaire. Pourtant, nous ne sommes pas autorisés à déduire du désordre mélancolique une remise en cause foncière de l’infinie bonté et beauté de tout ce qui existe. Le Furieux ne doit point apparaître comme le suppôt d’un principe négateur à l’oeuvre dans l’économie de la Nature. Quand bien même attirerait-il sur lui la somme de tous les désordres et retrouverait-il l’antique fonction du boucémissaire, il ne doit pas renvoyer à quelque mauvais démiurge, ou artisan malhabile ? Tel semble le souci de Bruno qui, conscient du pouvoir de perturbation que représente la mélancolie aquatique, s’efforce de ménager une voie vers une espèce autre de mélancolie, et ce faisant vers un autre modèle du Furieux.
Aussi en un second temps s’agit-il de rendre compte de l’ingéniosité de notre philosophe à colmater les brèches ouvertes par la fureur des eaux. Quoi de plus approprié que la terre pour endiguer le flot ? Or la terre a ceci de remarquable chez le Nolain qu’elle se confond avec un espace rationnel susceptible de résister à la puissance de dissémination. Puisque le saturnisme a partie lié avec l’ici-bas, faisons en sorte que cet ici devienne un lieu plus agréable, ordonnons-le, raisonnons-le. Tel aménagement ne vise cependant point à éradiquer la mélancolie - comment le pourrait-il puisque celle-ci, en tant qu’humeur, est une composante de notre être, puisque celle-ci en tant qu’eau est un élément de l’univers -mais à la maîtriser, à la stabiliser, à la rationaliser. La terre dit la possibilité d’une mélancolie terrestre qui ne soit pas pour autant source de désespérance ou de perturbation irrémédiables. Le complexe terrestre se déploie suivant une triple direction : médicale, philosophique, exemplaire. La première direction diagnostique l’homme mélancolique, anatomise son état, décrit la conduite à adopter, en vue de la guérison, en vue de l’eucrasie, et s’applique à saisir la spécificité de l’éthique nolaine sur ce point, en la distinguant de l’interprétation religieuse ou monastique. La mélancolie n’est pas une fatalité, mais une maladie à laquelle l’art peut remédier. Elle n’est point acédie ou souillure originelle, mais Fureur noble et généreuse -elle joue un rôle en philosophie. La deuxième direction revient à cheminer dans la forêt, lieu de prédilection du Furieux, à la rencontre de Diane, d’Actéon, et du bestiaire qui la peuple. Il s’agit d’apprécier combien dans l’espace sylvestre la mélancolie terrestre revêt une dimension philosophique essentielle : en précisant les conditions et les limites de toute connaissance, en soulignant les conséquences qui en résultent au niveau de la sagesse, de la parole, de l’esthétique, et en insistant sur les rapports qui unissent le Furieux à ses animaux-totems. La troisième direction pointe une série d’exemples. Pour ceux qui ne se sentent point de recourir à la forêt - qui ne sont donc point aptes au mode de vie uniquement théorétique -, le Nolain donne en exemple trois héros qui, loin de se retirer du monde, ont au contraire agi en son coeur, se mettant pour ainsi dire au service de la communauté. Le paradoxe veut que ces trois héros soient euxmêmes connus pour leur mélancolie. Ils indiquent également une hiérarchie.
Prométhée est la statue dressée par notre philosophe contre toutes les Arcadies mélancoliques, mais qui susciterait néanmoins dans l’esprit de notre auteur une certaine nostalgie des Républiques antiques inspirées du modèle machiavélien, et mobilisées contre la critique luthérienne des oeuvres et du mérite, et ce afin de favoriser, conformément au droit naturel classique, une justice distributive, à l’égalité géométrique et proportionnelle, qui s’accommode des inégalitésnaturelles et structurelles, et tend à un idéal cosmopolitique. Hercule est la statue dressée contre tous les désoeuvrés, les croqueurs de mouches -luthériens, mendiants ou ermites -au nom de l’idéal stoïcien de l’action généreuse, utile, honnête. Mais Hercule, comme Dame Mérencolie, est aussi celui qui file au pied d’Omphale. Saturne, enfin, est la statue qui exalte à la richesse, à la pos-session et à la dépossession. Il est le dieu des ascètes, riches sans la moindre obole, et entièrement requis par la contemplation philosophique. Prométhée, Hercule et Saturne sont exemplaires de la tri-fonctionnalité de la triade brunienne, ils affirment le pouvoir de la cohésion contre les désordres de la mélancolie bestiale. Le mouvement de cette partie affirme une mélancolie rationnelle, dont les effets sont bénéfiques tant au plan du corps, de l’esprit que de la société. À tous ceux qui ne sont ni théorétiques ni contemplatifs, elle ménage une voie d’accès à une forme de bonheur purement rationnel qui maintient à l’abri des assauts de la Fortune.
Mais de quel bonheur est-il question ? D’un bonheur humain, communautaire, social, en aucun cas d’une disposition susceptible d’apporter à l’âme joie, béatitude, éternité, de lui faire entrevoir les splendeurs de la divinité. Une distinction s’opèrerait donc entre deux sortes d’individus : celui qui se confie à la raison, celui qui se confie à la sagesse, celui qui demeure à un plan strictement humain, celui qui, contractant en lui la divinité, s’efforce de devenir divin. Même si cela ne va pas sans souffrances. L’espace terrestre servirait ainsi de transition entre la fureur des eaux et la fureur céleste. En d’autres termes, sa raison d’être serait de préparer à qui voudrait s’en octroyer la peine l’accès à une troisième forme de mélancolie d’ordre intellectuelle, non plus rationnelle. De la mélancolie aquatique à la mélancolie intellectuelle, ce serait la voie du salut qui s’esquisserait, mais dont le chemin ne recouperait pas l’itinéraire chrétien. Tel est ce que nous examinons en dernière partie.
La mélancolie intellectuelle désigne la Fureur proprement divine, celle qui assure une participation active au principe premier. Cette Fureur chez Bruno est conceptualisée à travers la métaphore obsédante du vol céleste et des ailes de l’âme, deux motifs néoplatoniciens qui témoignent de la position de Bruno à l’égard des philosophies de la transcendance. Nous nous sommes appliqués à grouper nos analyses autour de ce thème. La Fureur céleste doit nous permettre d’échapper aux tempêtes de la vicissitude, elle ouvre à l’expérience de la liberté, à l’illumination, à la présence de l’éternité, et peut-être à la rencontre avec l’Un.
La première subdivision s’attache plus précisément à la figure du Furieux céleste, en faisant ressortir sa dimension sacrée, numineuse, érotique, à travers le mouvement de retrait qui le caractérise. Le retrait est une contractio, et cette contraction est une conversion à la cause supérieure, dont l’âme provient nécessairement. La seconde subdivision s’attache à montrer comment ce mouvement se combine à celui de l’ascension, formant de la sorte une dynamique de la divinisation qui prend les formes d’une hénologie infinie. L’élan de l’âme héroïque est la mise à jour de la puissance infinie de Dieu, dont le Furieux participe très activement, et qui est le point d’articulation de l’âme à la transcendance, en une expérience extatique qui projette le héros toujours plus loin, puisque la puissance de Dieu est sans limites et la satisfaction perpétuellement différée.
La troisième à étudier les modalités de cette hénologie, en insistant sur le rôle de la vision, de l’amour, de l’intuition, de l’éternisation du désir, et de la béatitude. Impersonnelle, la béatitude brunienne fait pièce au Paradis chrétien, autant qu’à la grâce médicinale du Christ, elle est le sommet du processus de divinisation de soi par assimilation à la Causa sui. Ces modalités successives sont constitutives d’une mystique brunienne, qui valorise la singularité, le paganisme, le mythe, la théurgie et l’apollinisme, une mystique centrale pour justifier une expérience de la transcendance hic et nunc, qui est aussi l’expérience du démembrement, de la division, et de la dualitude. Il s’agit alors pour nous de juger dans quelle mesure le Furieux, établi en position de médiateur antichristique, est indissociable du modèle scalaire pourtant récusé par la cosmologie infinitiste de Giordano Bruno.

Samedi 6 décembre
14 heures 30
Centre Malesherbes, amphi 117
108, bd Malesherbes
Paris 17ème

 Mme Alexandra RICHTER ALAC soutient sa thèse de doctorat

 "La pensée en archipel". Goethe face à la philosophie

 en présence du Jury :

Mme BLONDEAU (REIMS)
M. LEFEBVRE (ENS)
M. VALENTIN (PARIS IV)
M. ZSCHACHLITZ (AIX-MARSEILLE)

Mardi 12 décembre 2006
10 heures
CELSA, Amphithéâtre M-C Praudel
77, rue de Villiers 92523 Neuilly-sur-Seine Cédex

 M. Olivier AIM soutient sa thèse de Doctorat :

 "Le dispositif télévisuel au regard du panoptisme. La cas de la télé-réalité"

 En présence du Jury :

Mme BOURSIN (PARIS 4)
M. CHEVALIER (Institut)
M. ESQUENAZI (LYON 3)
M. JEANNERET (PARIS 4)
M. JOST (PARIS 3)

 Résumés :

Ce travail de thèse essaie de repérer les différents points de contact entre le champ télévisuel et les théories de Michel Foucault : en s’arrêtant sur les notions de panoptisme, de dispositif, d’aveu et de regard, la recherche vise à mieux comprendre la réalité « sémio-technique » de l’écriture télévisuelle, en général, et d’une série de programmes, en particulier : ceux de la « télé-réalité ». Que signifie la promesse du « tout voir » qui meut ces programmes ? Cette question première permet de mieux comprendre les liens entre une optique des corps sémiotisés et une optique, plus large, des dispositifs médiatiques. Dans une approche doublement foucaldienne, à la fois « généalogique » et « archéologique », le panoptisme télévisuel permet de faire le lien entre différentes pratiques sémiotiques (le sport), une logique intersémiotique (le « people ») et une attitude herméneutique proliférante (le « décryptage »). La réalité de la télévision actuelle est au coeur de ces différentes articulations qui portent toutes sur ce que analyser les images médiatiques veut dire.

This work is an attempt of locating the conjonction points between television research and Michel Foucault’s theories : focusing on the main concepts of « panoptism », « apparatus », « confession » and « watch », this research is mainly a better understanding of « semiotechnical  » fonctionnement in televisual writing, and more specifically in one kind of program : « real-tv ». What does mean the « all watching » promise wich is driving those tvprograms  ? This first question is a way of a better understanding of the links between an « optic » of semiotised bodies and a more general « optic » of the media’s apparatus. Simultaneously refering to Foucault’s « genealogy » and « archeology », the televisual panoptism allowed us to establish a link between different kinds of semiotic applications (sport), an intersemiotic logic (« people ») and a proliferating hermenetic attitude (« decryptage »). The truth of modern television is in the depth of those different articulations wich are all about the meaning of mediatic image’s analysis.

 Position de thèse :

Position de thèse

Samedi 18 décembre 2004
9 h
Centre Malesherbes
Amphi 120
108 Bd Malesherbes
75017 PARIS

 Mme Anna FRABETTI soutient sa thèse de doctorat :

 "Le magicien italien". Pirandello et le théâtre français dans les années vingt et trente

 En présence du Jury :

M. CASSAC (NICE)
M. GENOT (PARIS X)
M. GUIDETTI (FLORENCE)
M. LIVI (PARIS IV)

Jeudi 10 mars 2005
14 heures
Salle D 323, Maison de la Recherche
28, rue Serpente
75006 Paris

 Mme Jacqueline SILAGY LEVY soutient sa thèse de doctorat :

 "Le Sefer Meshiv Devarîm Nekhohîm", livre de la réplique adéquate de Jacob Ben Shehet de Gerone Controverse kabbalistique anti-maïmonidienne

En présence du Jury :

M. BANON (Strasbourg 2)
M. FENTON (Paris 4)
M. GOETSCHEL (Paris 4)
M. GUETTA (INALCO)

Samedi 3 décembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Michelet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Hélène MICHON soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 "Le traité de l’amour de Dieu" de François de Sales : Une mystique moderne ?

En présence du Jury :

M. FERREYROLLES (Paris 4)
M. BELIN (Montpellier 3)
M. ARMOGATHE (EPHE)
Mme DENIS (Paris 4)
M. OSSOLA (Collège de France)

Samedi 2 décembre 2006
9 heures
Maison de la Recherche, Salle D223
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Adriana NICOLETTI soutient sa thèse de Doctorat :

 "Les figures de l’altérité et les figures de l’être dans la pensée d’Emmanuel Lévinas. Une défense de subjectivité"

 En présence du Jury :

M. HOUSSET (CAEN)
M. MABILLE (POITIERS)
M. MARION (PARIS 4)

 Résumés :

Tout au long de l’existence la subjectivité se voit menacée de dépersonnalisation et de neutralisation par l’anonymat du pur fait d’être, ce qui pour l’individu se traduit dans une exposition radicale au non-sens. Essentiellement soucieuse du destin de l’homme dans l’être et ainsi de la subjectivité, la pensée lévinassienne, en posant au centre de sa réflexion la relation à l’autre et en travaillant sur l’individuation du sujet, fait de la fraternité, dont l’incarnation même du sujet est trace, la signification première de l’existence. Les figures principales de l’être, l’il y a, l’élémental et l’histoire, qui menacent la subjectivité de dépersonnalisation, s’entrelacent ainsi et s’alternent dans les analyses du philosophe avec les figures majeures de l’altérité, la mort, l’autre et le temps, qui rompent l’identité de l’être et soustraient le sujet à sa dissolution dans l’anonymat. Par un mouvement paradoxal, à partir du concept de sujétion, qui définit finalement la subjectivité de l’homme dans son identité pré-originaire avec soi, le philosophe renvoie directement du non-sens auquel le sujet est exposé au cours de l’existence à une signification autre, triomphe dans l’être de l’autrement de la Bonté.

Throughout the existence, subjectivity is threatened with depersonalisation and neutralisation, out of the anonymity of the sheer fact of being, which means that the individual is radically exposed to the non-sense. Lévinas’ reflection essentially cares on the one hand about man’s destiny in the realm of being, i.e. about subjectivity, and on the other hand about man’s relation to the other and the process of the individuation of the subject. This is why fraternity, whose incarnation itself is a trace, is seen as the most important significance of existence. In the philosopher’s analysis, the essential figures of the being, the there is, the elemental and history, all of which threaten subjectivity with depersonalisation, conjugate themselves with such major figures as otherness, death, the other, and time, all of which break up the identity of the being and prevent the subject from getting dissolved in the anonymity. Through a paradoxical move, the philosopher starts from the concept of subjection, which defines man’s subjectivity in his pre-original identity with his self, to demonstrate that the non-sense to which the subject is exposed throughout the existence leads to another kind of significance, i.e. the triumph, in the realm of the being, of the another way ofGoodness.

 Position de thèse :

A travers notre travail nous essayons de présenter la pensée lévinassienne comme une véritable philosophie de l’espoir, soucieuse de soustraire l’homme au non-sens auquel il se trouve exposé au cours de l’existence. Non-sens qui pour la subjectivité se traduit concrètement dans l’impossibilité de coïncider avec elle-même sans se retrouver neutralisée par l’anonymat du pur fait d’être. En posant au centre de sa réflexion la relation à l’autre et en travaillant sur l’individuation du sujet, Emmanuel Lévinas fait de la fraternité la signification première de l’existence, signification capable d’introduire dans la violence de l’être l’autrement de la Bonté.

Subjectivité de chair et de sang, le sujet lévinassien est constamment menacé au cours de l’existence de disparaître, neutralisé dans l’anonymat de l’être. La question à laquelle se confronte le premier Lévinas est celle du rapport qui subsiste entre l’existant et l’être de son existence. La généralité de l’être pèse sur la subjectivité comme l’horreur ressentie par le sujet face à l’anonymat désertique du pur il y a, qui l’opprime de toutes parts. L’homme paraît condamné à se laisser emporter par les forces qui gouvernent l’histoire et à être réabsorbé, insignifiant, dans l’économie de la totalité. Le rapport du sujet au caractère élémental de son existence le relie aussi à une dimension impersonnelle qui semble constituer le fond même de l’exister humain. L’il y a, l’élémental et l’histoire, figures majeures de l’être dans la pensée du philosophe, menacent donc la subjectivité dans son individualité particulière. Ce qui est en jeu dans l’analyse lévinassienne du rapport subsistant entre l’existant et l’existence, entre l’étant et l’être, est la possibilité même de l’individuation du sujet, la possibilité de la définition de son être personnel. Pour le philosophe, poser la question du statut de la subjectivité dans l’être, signifie travailler pour affirmer l’unicité absolue et irremplaçable de chaque individu, sa personnalité irréductible, dans la concrétude sensible de son exister. C’est pourquoi, en refusant toute conception transcendantale de la subjectivité, ainsi que toute conception empiriste, Lévinas parvient à donner une définition métaphysique du sujet. A la violence de l’être objectif, le philosophe oppose une subjectivité fondée sur une conception eschatologique du réel. Face à la brutalité de l’être, dont la vérité est guerre, tout horizon de sens déployé par le sujet est d’emblée balayé : les mondes s’effondrent et aucune expérience n’est possible. Une conception transcendantale de la subjectivité ne tiendrait donc pas d’après lui à une confrontation effective avec la violence de l’être. Mais même dans son exercice positif de donation de sens, même dans l’univers intelligible et sensé qu’elle pourrait déployer, une subjectivité transcendantale se retrouverait seule et identique à elle-même, finalement coïncidant avec l’identité anonyme de l’être impersonnel, dont elle ne serait donc qu’un reflet. Cependant à partir d’un tel constat, on ne doit pas non plus, pour Lévinas, adopter une position empiriste qui, en réduisant la subjectivité à une partie quelconque du monde, la dissoudrait essentiellement dans sa totalité, parvenant ainsi au même résultat.

Un sujet seul dans l’être n’a aucune possibilité pour le philosophe de se soustraire à sa neutralisation dans l’anonymat, à sa dépersonnalisation. C’est pourquoi Lévinas concentre sa recherche sur autrui, jusqu’à faire de la relation du sujet à l’autre sa réponse à la question du statut de la subjectivité dans l’être. Autrui, la mort et le temps, figures majeures de l’altérité dans la pensée lévinassienne, sont toutes expressions de la même transcendance qui, en rompant l’identité totalisante de l’être, soustrait la subjectivité à son destin tragique de dissolution. Atteindre autrui, explique le philosophe, signifie être ailleurs qu’en soi, se soustraire donc à cette identité du sujet avec soi qui, d’après lui, se retourne inévitablement en une identité avec la neutralité de l’être. La mort, dans la conception lévinassienne, n’efface pas l’individualité du sujet en la dissolvant dans la totalité ; telle serait sa fonction si on la pensait à partir de l’idée du néant, à savoir à partir de l’être ; au contraire, irréductible à l’horizon de conscience du sujet, irréductible au même et donc à la présence, la mort, dans la pensée du philosophe, constitue une rupture première de l’identité de l’être, elle est déjà la trace d’un autrement. Autrement qui se soustrait à l’emprise de l’être en s’enracinant dans une conception diachronique du temps qui renvoie de l’existence de l’homme à un passé immémorial, pré-originaire et anarchique, absolument irréductible à la présence. L’altérité de l’autre, son irréductibilité à l’être, soustrait ainsi la subjectivité à son destin de dissolution, neutralisant et dépersonnalisant.

Mais au cours de la réflexion lévinassienne, la relation du sujet à l’autre devient de plus en plus intrinsèque à la définition de la subjectivité et s’enrichit de nouvelles implications. Si, dès les années ‘40, la relation à l’autre, qui est relation à autrui dans le face-à-face du visage, introduit le temps dans l’être en soustrayant ainsi le sujet au définitif de l’existence et donc à sa neutralisation, c’est seulement à partir des années 1960 et Totalité et Infini, que le philosophe fait de la relation à l’autre, comme hospitalité, la structure même de la subjectivité, dont l’idée de l’Infini offre le schéma formel. Dans les ouvrages plus tardifs du philosophe, à partir des années 1970, la relation à l’autre perd complètement son caractère de relation. L’élément de rupture, toujours implicite dans la catégorie de l’autre, se radicalise jusqu’à exploser au cœur même de la subjectivité comme obsession et persécution, jusqu’à la psychose. L’autre est dans le même, d’avant l’existence et à partir d’un passé immémorable, à travers la responsabilité qui lie inéluctablement le sujet à autrui et à travers son être de chair et de sang. La responsabilité pour autrui et la sensibilité du sujet, en renvoyant à un au-delà immémorial qui se soustrait à l’horizon de conscience de la subjectivité et qui suppose donc l’idée d’une dimension diachronique du temps, font de la fraternité la signification première de l’existence. La subjectivité se définit alors comme le malgré soi de l’autre-dans-le même : proximité et exposition. Et dans cette destination inéluctable de l’un-pour-l’autre, à partir de laquelle l’incarnation même du soi signifie comme donation, la subjectivité en tant que sujétion absolue, élue dans sa responsabilité sans démission possible, trouve finalement son principe d’individuation. L’exposition au non-sens, qui a lieu dans l’existence comme passivité radicale, souffrance du sujet et obsession du pour-l’autre, devient alors pour la subjectivité la trace d’une signification autre qui introduit dans l’être, comme ouverture intrinsèque du sujet à la transcendance, l’autrement de la Bonté. Par rapport à l’interprétation de la sensibilité donnée par le philosophe dans cette dernière phase de sa réflexion, il est important de souligner que, au contraire, dans les ouvrages de la fin des années ‘40, comme même plus tard dans Totalité et Infini, la condition matérielle de l’existence, la corporéité du sujet, définit plutôt le statut ontologique de la subjectivité, à savoir le lieu de compromission de la subjectivité avec l’être. Dès 1934, Lévinas relève la particularité du rapport qui lie la subjectivité et son corps. Sans pourtant renoncer à concevoir la subjectivité comme incarnée au cours de sa réflexion, le philosophe décrit à plusieurs reprises les impasses auxquelles la corporéité semble condamner le sujet, en le ramenant continuellement à l’être et donc à la possibilité de sa dissolution dans l’anonymat de l’il y a, de l’élémental ou de l’histoire. Il faut attendre 1974 (Autrement qu’être) pour que l’auteur offre une toute nouvelle interprétation de la sensibilité du sujet. L’incarnation de la subjectivité signifie maintenant la destination même du pour-l’autre et par-l’autre ; elle constitue la donation première, condition de toute possibilité ultérieure de donner. Et d’ailleurs, comme l’auteur même le souligne dans ses pages, la responsabilité pour autrui et le pour-l’autre et par-l’autre de la sensibilité se recouvrent finalement dans le phénomène exemplaire de la maternité.

A travers une lecture transversale de la production lévinassienne, nous avons d’abord essayé par notre travail de décrire et d’analyser dans leur rapport à la subjectivité les principales figures de l’être et de l’altérité. Nous avons donc procédé à la présentation du concept de sujétion, passivité plus passive que toute passivité, par lequel Lévinas définit finalement la subjectivité. Nous avons ainsi essayé d’en explorer les liens avec les catégories de l’autre, du sensible et de l’être, en mettant l’accent sur l’importance accordée par le philosophe à la fraternité, signification première de l’existence, capable de fonder l’individuation du sujet face à l’anonymat de l’être ; capable d’introduire dans le non-sens de l’existence l’autrement désintéressé de la Bonté.

Mercredi 13 décembre 2006
14 heures
Institut de Géographie
191, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 Mme Anne-Claire KURSAC-SOUALI soutient sa thèse de Doctorat :

 "Les médinas marocaines : une requalification sélective - Elites, patrimoines et mondialisation au Maroc"

 En présence du Jury :

M. BALLAND (PARIS 4)
M. CHEMLA (PARIS 4)
M. ESCHER (Institut)
M. LAZZAROTTI (AMIENS)
M. SKOUNTI (INSAP)

 Résumés :

Les médinas marocaines ne sont pas des espaces-musées, elles ne sont pas non plus des espaces urbains en voie d’abandon et de paupérisation inéluctable comme on l’avait imaginé, il y a encore deux décennies. Ces tissus urbains anciens et originaux dans leur structure sont, avant tout, des espaces sociaux, résidentiels, économiques qui s’adaptent aux changements bien que confrontés à la gestion lourde et délicate de leur patrimoine architectural. Pour la plupart classées au Patrimoine Mondial de l’Humanité (Marrakech, Essaouira, Fès) et mises en valeur par le tourisme, les médinas sont, dès à présent, perçues et imaginées autrement et revalorisées au sein de la ville marocaine contemporaine. Le phénomène des riads a également encouragé, sur le terrain, la requalification de certains quartiers des médinas tout en impliquant des transformations en profondeur d ces tissus anciens. Il s’agit en priorité, dans cettE thèse, de reconsidérer l’étude des médinas, espaces fortement identitaires, en analysant sous un angle géographique leur dimension patrimoniale, leur réalité contemporaine, leur mobilité et les acteurs de ces nouvelles dynamiques urbaines.

The Moroccan medinas are not museums neither are they the impoverished, crumbling inner-cities that we were led to believe up until a couple of decades ago. These ancient, archetypal urban webs are above all else social, economic and residential centres that adapt to changes whilst faced with the delicate and demanding management of their architectural heritage. The majority of medinas is classified as UNESCO World Heritage Sites (Marrakech, Essaouira, Fès) and have been developed by tourism. They are now seen and imagined in a different light and are newly esteemed at the heart of contemporary Moroccan towns. The riad phenomenon has encouraged the re-establishment of certain areas of the medinas at a grass roots level whilst at the same time being instrumental in deep changes within the ancient web of medinas. The main object is to reconsider the study of the strongly characterised medinas by analysing the magnitude of their heritage, their present day realities, their mobility and the actors in these new urban developments from a geographical perspective.

 Position de thèse :

Les populations aisées, propriétaires des maisons bourgeoises à cours carrées, sont parties des médinas pour les quartiers plus modernes dès les années 1930. "La crise des médinas" selon J-F. Troin, par ce mouvement de départ et l’arrivée, au contraire, d’un nombre important de ruraux ont entraîné la paupérisation des vieux centres urbains des villes arabes par leur densification puis leur taudification. Depuis une dizaine d’années au Maroc et, surtout depuis la diffusion de l’émission "Capital" (août 1998) sur les riads au prix d’un F2 à Paris, nous pouvons remarquer un mouvement de reconquête des médinas par le retour de populations aisées (Marocains aisés, étrangers venus en touristes ou comme résidents surtout français, et aussi des Marocains de classe moyenne) qui réinvestissent les riads et les maisons traditionnelles de dimension plus modeste à Marrakech, Essaouira, Asilah, Fès, Rabat. Ils réhabilitent ou rénovent un bâti dégradé et changent ainsi l’espace dans lequel ils vivent. Le Maroc est un exemple intéressant et significatif de ce processus car les médinas sont bien conservées, elles n’ont pas subi de restructuration pendant le protectorat. En revanche, elles sont convoitées par les étrangers que la proximité géographique attire (Marrakech est à 2h30mn de Paris en avion) et qui sont les moteurs de cette reconquête.

L’objectif de cette thèse est d’étudier ce processus de reconquête des médinas, que nous pourrons parfois qualifier de gentrification « exogène », et d’analyser les conséquences et les limites sur l’objet géographique considéré. Cette étude voudrait apporter un nouveau regard en géographie sur les médinas que l’on a longuement étudiées pour leur structure urbaine spécifique ou le processus de dégradation qui les a affectées. L’intérêt premier de cette étude est de cerner les transformations spatiales de ces vieux espaces urbains (réhabilitation ou rénovation du bâti, amélioration des infrastructures urbaines) et les transformations sociales qu’elles impliquent (nouvelles populations, nouveaux commerces, nouvelle géographie sociale, tensions consécutives).

Pour cela la thèse aborde trois axes de recherche prioritaires :
  L’analyse du phénomène de reconquête et la définition d’un processus de gentrification qui commence à toucher les vieux centres urbains arabes (les formes de reconquête, les acteurs, l’ampleur et les origines du processus). Elle est en grande partie exogène car les investisseurs pionniers sont des étrangers.
  Les conséquences directes ou indirectes de ce mouvement sont, en premier lieu, une requalification sociale des médinas, une morphologie urbaine transformée, la question du patrimoine, la spéculation foncière, les réseaux d’acheteurs, une nouvelle géographie sociale et les médinas comme espaces de vie en mutation.
  Enfin un travail de différenciation des représentations et des pratiques urbaines différentes suivant les habitants et leur niveau social et des mutations dans l’espace résidentiel des médinas.

Il s’agit avant tout de donner une lecture renouvelée de la médina en tant qu’espace structurel et social de la ville marocaine contemporaine, de cerner ces nouvelles dynamiques, et leurs acteurs.

Depuis une dizaine d’années, certaines médinas marocaines vivent de profondes mutations de leur espace bâti et surtout de leur espace social. Elles répondent à de nouvelles logiques de développement. Les médinas ne sont pas des espaces-musées ou des tissus urbains figés dans un long processus de « taudification » et de paupérisation. Certaines médinas, certains quartiers de ces médinas, montrent parallèlement à un mouvement lent de dédensification, les prémices d’une gentrification (embourgeoisement), elle-même créatrice d’une requalification sociale partielle de certains quartiers.

Il s’agit de comprendre en quoi cette « gentrification », bien particulière dans le cas de ces tissus historiques, entraîne des transformations sociales profondes et enfin montre à quel point ces centres anciens, ces espaces patrimoniaux sont dynamiques, évolutifs et s’insèrent dans la construction de la ville marocaine contemporaine et dans les processus liés à la mondialisation.

UNE GENTRIFICATION RECENTE ET PARTICULIERE :

Le processus de gentrification (ou embourgeoisement), au sens le plus restrictif, est une reconquête des zones péricentrales par les couches moyennes et supérieures de la population. Observé dans les villes occidentales, au départ anglo-saxonnes (Montréal) puis européennes (Londres, Paris), il permet une approche pertinente pour comprendre l’évolution très récente des centres historiques. Nous pouvons définir plus précisément son rôle dans la transformation sociale et économique des centres anciens, issue de la réhabilitation ou de la rénovation de leurs parties taudifiées.
Dès les années 1930, les vieux centres urbains dans le monde arabe ont été délaissés par les populations aisées pour des périphéries au confort plus moderne ; à l’inverse, des populations, de plus en plus nombreuses issues de l’exode rural, s’y sont installées. C’est la crise des médinas, c’est-à-dire une paupérisation des quartiers historiques par leur densification, la saturation et la taudification du bâti. Au Maroc, un mouvement centripète (des périphéries vers le centre) est amorcé par l’arrivée ou le retour de populations aux conditions de vie plus élevées dans l’espace résidentiel des médinas de Marrakech, de Rabat, d’Essaouira, d’Asilah, de Tanger et plus timidement de Fès. Cette « reconquête » ou gentrification, bien que récente et plus ou moins engagée, est à l’origine de transformations dans la morphologie urbaine et dans l’espace social des médinas. Aujourd’hui ces tissus historiques, loin d’être relégués au seul champ de la conservation, sont à reconsidérer par la fonction résidentielle, la fonction commerciale et la fonction culturelle qu’ils occupent.

Ce dynamisme nouveau, engagé par des acteurs étrangers et marocains, dans le cadre d’initiatives privées laisse entrevoir une nouvelle façon de percevoir, de vivre et d’envisager la médina.

Actuellement, et ce depuis une dizaine d’années, d’anciens palais avec patio végétalisé (riads) et de plus simples maisons à cour fermée (dar) sont achetés et restaurés par des étrangers (Français surtout mais aussi Allemands, Américains, Hollandais, Anglais, Espagnols) et des Marocains. Le phénomène, d’une grande ampleur à Marrakech (dès 1970, en 2000, 500 étrangers propriétaires à Marrakech selon A. Escher) et à Essaouira (1990), plus timidement à Rabat (les Oudayas), Asilah, Tanger ou Fès, montre à quel point les médinas ne sont plus figées dans le long chemin de la paupérisation, évoquée dans la littérature géographique. Aujourd’hui, il est essentiel de déterminer les nouvelles dynamiques qui modifient ces tissus historiques. Le processus de gentrification pour certains géographes est le point de maturité ultime de la ville, il est en tout cas un outil possible de lecture des médinas d’aujourd’hui.

Cependant le processus est assez particulier au Maroc pour émettre des limites à cette notion ou préciser nos propos dans le contexte marocain :
 Tout d’abord, il faudra l’étudier sur le long terme pour apprécier le processus dans son ensemble (10 ans de recul seulement) : Est-ce un phénomène de mode ou une dynamique aux conséquences profondes pour la ville et la place de la médina dans la ville ?
 De plus les acteurs de cette reconquête sont surtout étrangers, contrairement aux villes occidentales, peu de Marocains (à l’heure actuelle) participe à cette reconquête, sinon à des fins commerciales (maisons d’hôtes, restaurant) et non à titre privé. L’impulsion vient de l’étranger (France, Allemagne : presse, publicité), facilitée par la mondialisation des échanges et la tradition orientaliste de ces pays.
 De plus même si beaucoup d’étrangers s’installent à titre définitif au Maroc, nombreux sont ceux qui occupent leur résidence de façon temporaire et participent au tourisme résidentiel et de villégiature.
 Enfin le processus fut plus rapide que dans les pays occidentaux par les moyens de communication actuels. Le phénomène s’est accéléré brutalement après la diffusion de l’émission « Capital » de la chaîne française M6 en août 1998 sur la restauration des riads, et une large diffusion du « filon » sur Internet. Un marché immobilier spéculatif plus ou moins opaque s’est alors formé.

UNE REQUALIFICATION SOCIALE INDUITE :

Nous sommes ici en présence d’un processus qui transforme la médina en profondeur car, de nouveau, la médina voit sa population changée partiellement comme déjà dans la première partie du siècle dernier. Cette transformation récente et timide du paysage social montre à quel point cependant l’action sur la ville et son espace n’est pas le seul fruit des politiques engagées par les pouvoirs publics, ici les acteurs sont privés et non pas la même perception de la médina que les populations anciennement installées dans ces tissus historiques identitaires : rêve d’exotisme pour certains, retour aux origines pour d’autres.

Quoiqu’il en soit, la requalification immobilière par réhabilitation ou rénovation se double d’une requalification sociale partielle par l’arrivée et l’installation (plus ou moins pérenne) d’étrangers européens, d’Américains et de Marocains aux revenus plus importants que la population déjà présente. Nous sommes bien ici témoin d’un changement de populations dans certains quartiers accessibles, bien placés et sécurisé. Prenons par exemple le quartier Ksour à Marrakech, proche de Djemaa el-Fna, de nombreux étrangers ont acheté dans ce quartier ancien et y vivent le plus souvent. Ils ont ainsi transformé l’espace bâti du quartier en le restaurant mais surtout ils ont participé aux changements de la composition sociale du quartier en en faisant un quartier davantage cosmopolite et très inégal en richesse.

Nous pouvons également signaler comme conséquence directe de cette reconquête des centres anciens par des gens aisés, un mouvement de population inverse, centrifuge, celui des populations les plus pauvres : hausse des loyers, élévation du niveau de vie et surtout vente des maisons pour réaliser de fortes plus-values sont à l’origine de leur départ. Ainsi, le phénomène de requalification sociale est bien engrangé. Nous pouvons constater ce phénomène à Marrakech et à Essaouira où des habitants de la médina mettent en vente leurs maisons à des prix relativement élevés ( Les prix ont plus que triplé en moyenne en 10 ans) pour s’installer dans la ville moderne d’Essaouira extra-muros, dans des logements mieux équipés, renforçant ainsi le processus.

Le troisième volet de cette requalification est le changement d’ordre économique et culturel engagé par la revitalisation commerciale de ces quartiers. Elle est le symbole d’une restructuration économique, sociale et spatiale plus profonde du Maroc, ouvert aux étrangers, proche de l’Europe et poreux à la mondialisation : Marrakech n’est qu’à trois heures de Paris en avion. La réhabilitation du bâti et l’occupation de ces anciens palais permettent aujourd’hui de restaurer un patrimoine en mauvais état, de relancer surtout un artisanat modernisé par une demande plus exigeante et la création de nombreux emplois induits (dans le BTP, la domesticité dans les riads, les maisons d’hôtes, dans le secteur de l’immobilier, du commerce d’artisanat et d’antiquités...). La revitalisation confirme aussi un renouveau de la centralité culturelle et artisanale des médinas. Néanmoins, il semble important de se pencher sur ce processus pour permettre d’utiliser au mieux cette nouvelle dynamique et d’en cerner dès à présent les limites.

LE PROCESSUS EN QUESTION :

Dans le cas du Maroc, cette gentrification est souvent apparentée à un tourisme résidentiel même si de plus en plus d’étrangers semblent désireux de vivre au Maroc (encourager par les moyens modernes d’échanges et d’information : Liaisons aériennes nombreuses et Internet qui facilite le télé-travail). C’est actuellement un levier pour dynamiser les tissus historiques et raviver leurs fonctions résidentielle et commerciale au sein d’espaces urbains plus vastes que sont les agglomérations étalées de Marrakech, Rabat-Salé, Fès. C’est en tout cas un processus à exploiter (à contrôler aussi) pour échapper à la transformation des espaces patrimoniaux vivants en des espaces-musées et revaloriser l’espace médinal au sein des villes marocaines ( et retrouver une centralité souvent perdue ).

Néanmoins, au-delà de la redistribution spatiale de la population à l’échelle de la ville et d’une mixité sociale nouvelle dans les médinas, nous pouvons supposer qu’il s’agit d’une mixité transitoire qui, en fait cache une réelle ségrégation socio-spatiale plus ou moins soutenue suivant les médinas (Marrakech, Essaouira, Oudayas) puisque les étrangers dans la plupart des cas s’installent à partir d’un noyau de fixation constitué d’étrangers déjà propriétaires et forment ainsi un réseau de sociabilité parallèle (le cas est frappant sur l’espace réduit des Oudayas) et des îlots de richesse dans les tissus urbains anciens.

En résumé, ne va-t-on pas vers la création de médinas archipellisées ? Du même coup, les collectivités locales ne se retrouveraient-elles pas confrontées à gérer des problèmes délicats de cohabitation et de confrontation d’intérêts ?

 Des problèmes urbains spécifiques : la question de l’eau, de la spéculation immobilière et du contrôle du prix du foncier, la réglementation sur les maisons d’hôtes, le déménagement des ménages aux revenus insuffisants, l’épineuse question de la nationalité des propriétaires.

 La ségrégation spatiale et les tensions consécutives à cette recomposition socio-résidentielle dans certains quartiers (procès de voisinage, fêtes nocturnes de la jet-set parisienne à Marrakech, radicalisation des modes de vie et baisse de la tolérance...)

 La question du patrimoine par la conservation des centres historiques, le respect des normes de restauration (matériaux, piscines et transformation des terrasses, élévation des maisons), la question de la propriété déjà évoquée, mais aussi la prise en compte de la dimension identitaire de ces espaces centraux, anciens, actuellement revalorisés.

En conclusion, il s’agit, à partir de nouvelles problématiques, de reconsidérer l’étude des médinas marocaines en tant qu’objet géographique afin de les analyser dans leurs réalités contemporaines et leur mobilité, de comprendre les systèmes récents de production sociale et de transformation de la ville arabe. Les géographes ont longuement étudié les structures urbaines des médinas et le processus de dégradation qui les ont affectées, il s’agit ici d’insister sur les nouvelles dynamiques de ces tissus historiques imaginés, rêvés et vécus pour cerner plus finement leur adaptabilité aux réalités géographiques et économiques actuelles que nous venons d’évoquer (mondialisation, tourisme résidentiel, tertiarisation de l’économie, la dimension patrimoniale et identitaire des villes). Comme l’a très bien souligné J-F Troin, ces mouvements de population (centrifuge, centripète) sont la preuve de l’enjeu stratégique que représentent les quartiers de la vieille ville, aujourd’hui, au Maroc. Il pousse également non seulement à réfléchir à la gestion de ce phénomène par les populations concernées de culture et de niveaux de vie variés mais aussi à la réaction des pouvoirs politiques face à cette nouvelle logique urbaine, dont l’initiative revient le plus souvent, jusqu’à présent, aux étrangers.

Samedi 9 décembre 2006
14 heures
A la Maison de la Recherche, Salle de Conférence, RDC
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Tétiana ANDRUSCHCHUK ZOLOZOVA soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Les musique russes et ukrainiennes"

 En présence du Jury :

M. BOSSEUR (CNRS)
M. CASTANET (ROUEN)
M. DURIEUX (CNSMP)
Mme KHOLOPOVA (Conservato)
M. MEEUS (PARIS 4)
Mme PISTONE (PARIS 4)
M. STOIANOVA (PARIS 8)

Samedi 2 décembre 2006
9 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Milne Edwards, Esc. B, 2ème étage
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme ANCA-CRISTINETA VAETUS PASCU soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Les objets dans la représentation des connaissances. Applications aux processus de catégories en informatique et dans les sciences humaines"

 En présence du Jury :

M. BARTHELEMY (PARIS 4)
M. BISKI (QUEBEC)
M. DE GLAS
M. DE ROUGEMONT (PARIS 1)
M. DESCLÉS (PARIS 4)
M. ENJALBERT (CAEN)
M. JEANNERET (PARIS 4)
M. NEF (RENNES 1)

Mercredi 13 décembre 2006
15 heures
INHA, Salle Ingres, galerie Colbert, 2ème étage
4-6, rue des Petis Champs 75002 Paris

 Mme THAO TRAN soutient sa thèse de Doctorat :

- "Les perturbations anthropiques contemporaines dans les mangroves du Sud Viêt-Nam entre nature, civilisations et histoire. Approches par modélisation et analyse spatiales"

 En présence du Jury :

M. AMAT (PARIS 4)
M. ARNOULD (ENS Lyon)
M. FROMARD (CNRS)
Mme HOTYAT (PARIS 4)
Mme PIROT (CNRS)
M. SAINT-GÉRAND (CAEN)

 Résumés :

Approches par modélisation et analyse spatiales Cette recherche propose une approche géohistorique des milieux de mangrove du Sud Viêt-Nam, afin d’en comprendre les évolutions, d’en estimer les potentialités environnementales, sociologiques et économiques. Le Delta du Mékong, terre d’eau et de rizières, fut le berceau d’une civilisation qui s’est épanouie dans la maîtrise des aménagements hydrauliques et la mise en valeur agricole. À compter des années 1860, la présence française en Cochinchine marqua de son sceau des paysages forestiers et ruraux dont certains continuent aujourd’hui à porter l’empreinte. Deux guerres, celle d’Indochine (1945-1954) et celle du Viêt-Nam (1961-1975) imprimèrent leurs marques spécifiques. Sur ce théâtre de la guerre, les zones éloignées, enclavées et insalubres du Delta étaient devenues, entre engagement et clandestinité, les refuges de la guérilla Viêt-Minh. Terres d’alluvions et de palétuviers, les régions de mangrove - Cân Giò à proximité de Saïgon, Pointe de Cà Mau à l’extrême sud de la péninsule - furent profondément meurtries, la régénération des formations végétales a été et demeure toujours incertaine suite à l’utilisation massive de défoliants (1961-1971). À partir de ces deux cas d’étude, la méthodologie par modélisation et analyse spatiales a permis de retrouver les paysages anciens, de comprendre les dynamiques spontanées et dirigées des couverts végétaux. La guerre fut source de perturbations et de bifurcations dans les systèmes forestiers, génératrice aussi de nouvelles structures végétales. Son impact a été mis en perspective avec celui de la gestion sylvicole conduite par les Français et celui croissant depuis les années 1970 de l’aquaculture.

Approaches by spatial modeling and spatial analysis This study proposes a geohistorical approach of the mangrove ecosystems in the South Viêt-Nam. It will allow to understand its developments, considering environmental, sociological and economical characteristics. The Mekong Delta region, shaped wetlands and rice fields, was originally based on a civilization that converts the flat areas, thanks to hydrological and hydraulic progress. From 1860, the colonial Cochinchina history has contributed to change the structures, the forestry landscapes and country life. Regarding others modifications, the French Indochina War (1945-1954) and Viêt-Nam War (1945-1975) have contributed to destructions, disruptions, loss of biodiversity in the terrestrial biomes and aquatic ecosystems. On this conflict territory, the distant, enclaved and unhealthy regions became, between engagement and clandestinity, the refuge of the survival Viêt-Minh. The forests, on the alluvium soils - Cân Giò next Saïgon, Cà Mau in the southern tip of Viêt-Nam - were deeply damaged. The spraying of herbicides and defoliants during the chemical war (1961-1971), on the forests and paddy fields, has caused ecological and health effects, bringing about long term consequences. From test sites, spatial modeling and spatial analysis have allowed to rediscover the former landscapes before the wars, understand natural and managed dynamics of vegetation, estimate the post war evolutions. In fact, the conflicts have involved disturbances, change in landscape scale and created new forestry structures. French management, war’s impact on the resources and since 1970, fast expanding aquaculture in the mangrove forests, are so many disruptions.

 Position de thèse :

Cette recherche propose une approche géohistorique des milieux de mangrove du Sud Viêt-Nam, afin d’en comprendre les évolutions, d’en estimer les potentialités environnementales, sociologiques et économiques. Le Delta du Mékong, terre d’eau et de rizières, fut le berceau d’une civilisation qui s’est épanouie dans la maîtrise des aménagements hydrauliques et la mise en valeur agricole. À compter des années 1860, la présence française en Cochinchine marqua de son sceau des paysages forestiers et ruraux dont certains continuent aujourd’hui à porter l’empreinte. Deux guerres, celle d’Indochine (1945-1954) et celle du Viêt-Nam (1961-1975) imprimèrent leurs marques spécifiques. Sur ce théâtre de la guerre, les zones éloignées, enclavées et insalubres du Delta étaient devenues, entre engagement et clandestinité, les refuges de la guérilla Viêt-Minh. Terres d’alluvions et de palétuviers, les régions de mangrove - Cân Giò à proximité de Saïgon, Pointe de Cà Mau à l’extrême sud de la péninsule - furent profondément meurtries, la régénération des formations végétales a été et demeure toujours incertaine suite à l’utilisation massive des défoliants (1961-1971). À partir de ces deux cas d’étude, la méthodologie par modélisation et analyses spatiales, a permis de retrouver les paysages anciens, de comprendre les dynamiques spontanées et dirigées des couverts végétaux. La guerre fut source de perturbations et de bifurcations dans les systèmes forestiers, génératrice aussi de nouvelles structures végétales. Son impact a été mis en perspective avec celui de la gestion sylvicole conduite par les Français et celui croissant depuis les années 1970 de l’aquaculture. Mots-clés : Mangroves - Paysages - Perturbations - Exploitations forestières - Guerres - Sud Viêt-Nam - Indochine - Reconstitution historique - Modélisation et analyse spatiales - SIG - Geodatabase topologique -

POSITION DE THÈSE
I. Les aspects historiques des perturbations Toute perturbation a lieu dans un paysage donné, plus ou moins anthropisé. C’est à ce titre que seront décrites les phases évolutives des mangroves de Cân Giò et Cà Mau sur près de 150 ans. Des dates charnières correspondent à des événements historiques : 1860 marque l’arrivée des Français en Cochinchine, 1945 et 1975 le début de la Guerre d’Indochine et la fin de la Guerre du Viêt-Nam, enfin 2006 la situation actuelle. L’hypothèse d’une certaine naturalité laisserait penser que la mangrove était en 1860 dans un état « originel », les ressources naturelles étaient destinées strictement à des fins vivrières. La société de ramasseurs prélevait du bois de feu pour le chauffage domestique, du bois d’oeuvre pour la construction, les écorces pour le tanin, etc., aux effets relativement limités sur l’écosystème forestier. À ce stade, le rythme des changements reste lent et ne saurait être comparable avec celui impulsé les années suivantes par la sylviculture. Pourtant, la mangrove de Cân Giò avait déjà subi des dégradations par rapport aux boisements presque « intacts » trouvés à Cà Mau. Par la suite, les impératifs commerciaux de l’ère coloniale dès 1910 ont exigé une production de surplus, d’où un nécessaire remplacement de la mangrove par des écosystèmes artificiels voire très spécialisés - sylvosystèmes - qui soient productifs et profitables.
Le développement de l’exploitation forestière, des plantations est précédé dans les années 1930 d’aménagements hydrauliques, de constructions de chemins d’exploitation ; des voies d’eau et de terre facilitant la pénétration des territoires de mangrove, la pratique des coupes et reboisements ainsi que l’acheminement des bois et écorces - industrie du bois d’oeuvre, du charbon de bois, du tanin -. Les plantations équiennes et monospécifiques étaient localisées à l’intérieur des terres de Cà Mau ; cette dynamique « contrôlée » laisse place sur les côtes à une dynamique naturelle. La mise en réserves forestières à des fins de protection puis d’exploitation illustre la transformation du milieu par l’appropriation des ressources, l’exigence de production et la pression anthropique. De même, l’introduction de la culture en futaie fournirait aussi un exemple de modification permettant une exploitation plus aisée par l’homogénéisation des boisements. Les perturbations les plus profondes affectant le milieu forestier et les sociétés restent liés aux aspects militaires, ses répercussions écologiques désastreuses tant sur le plan économique que sanitaire. Le patrimoine forestier fut largement endommagé, rendu inexploitable sous l’effet des défoliants. De telles transformations aussi brutales impliquent des questionnements sur les possibilités de régénération et de reconquête forestière, d’autant plus que se posent les problèmes de rémanence des produits chimiques.
Les reboisements d’après guerre s’appliquent à reconstituer les superficies perdues, conservant le système de plantations équiennes et monospécifiques. Les régions de mangrove les moins touchées ont gardé une végétation naturelle certes dégradée, mais encore vivante et susceptible de fournir un stock de semences. La régénération naturelle assistée a permis à Cân Giò d’être la première réserve de biosphère créée au Viêt-Nam, un site réhabilité sur près de 713,70 km². La réserve naturelle de Dat Mui qui intègre également le site de Bai Boi, s’étend sur près de 100 km² dans l’extrême sud de la Pointe de Cà Mau, quelques localités sont seulement classées en réserves ou stations forestières. Ces cas spécifiques de reforestation sont confrontés aujourd’hui à d’autres types de modifications. En effet, la forte pression anthropique et la demande du marché ont entraîné un déboisement de la mangrove au profit de l’agriculture, de la pisciculture et de la crevetticulture. À proximité des bassins aquacoles, les sols restent dénudés, envahis par Sesuvium portulacastrum. Il convient de souligner que les prélèvements en bois à usages domestiques perdurent depuis toujours, mais aujourd’hui ces pratiques contribuent au même titre que tout aménagement à accentuer le processus de défrichement.
À partir de quel seuil critique, de quelle charge de rupture, l’équilibre et la reproduction des systèmes naturels et de ses sociétés ne sont-ils plus possibles ? Les contraintes exercées sur le milieu à l’occasion des transformations sont multiples, seulement induisent-elles forcément une détérioration des ressources ? La dégradation est-elle inhérente à toute modification générée par les activités humaines ? Il semblerait que dans l’exemple du Sud Viêt-Nam, ces transformations traduisent une différenciation de l’écosystème, passage d’un état à un autre, mais engendrent surtout des perturbations plus ou moins profondes et durables. Ces dernières ne font que renforcer une dynamique naturelle régressive, elles n’en sont jamais le point de départ. L’histoire de la déforestation en Asie du Sud-Est et au Viêt-Nam constitue la trame de fond pour comprendre la genèse de l’environnement des mangroves de Cân Giò et Cà Mau, soumises à des perturbations, dont sont issus les enjeux économiques, sociaux et environnementaux. Ainsi, difficile est-il aujourd’hui de différencier distinctement ce qui relève de la guerre, des pratiques sylvicoles et autres modes de gestion tant ces perturbations se sont « croisées », « entremêlées », « superposées ». Cette première approche montre l’extrême complexité de ces paysages de mangrove. Dans cette perspective, il convient de s’interroger sur la manière d’appréhender les dynamiques spatio-temporelles des systèmes écologiques et humains. _ L’analyse conceptuelle permettrait- elle de prendre en compte conjointement les espaces et les temps des mangroves ? Quelle approche serait la plus intégrée pour définir, caractériser les niveaux d’analyse et les échelles d’observation ? Quelles sont les méthodologies pour évaluer le poids des héritages dans la dynamique de reconstitution ?. À s’en tenir aux perturbations anthropiques contemporaines, il faut souligner aussi la nécessité d’établir un état de référence explicitement défini. II. De la guerre chimique à l’action des défoliants sur les équilibres naturels
Depuis 1975, le Viêt-Nam n’eut de cesse de dénoncer les crimes américains perpétrés au nord et principalement au sud du pays. Ces actions sont restées à ce jour sans réponse, assimilées à de l’invention ou à de la simple propagande. Pourtant, des chercheurs vietnamiens, américains mais aussi français ont repris ces accusations et leurs études ont entièrement confirmé toutes ces affirmations antérieures, apportant des informations nouvelles sur les bombardements des zones habitées, des champs agricoles, sur l’état sanitaire des peuplements forestiers durement atteints par les herbicides, de manière général sur la flore, la faune et les hommes. Il a été prouvé entre autre par photographies, archives et analyses terrain que la guerre chimique était systématique et délibérée, avec des missions d’épandages très fréquentes, programmées sur tout le sud du territoire vietnamien. C’est certainement parce que ces faits ont été plusieurs fois étalés au grand jour et prouvés scientifiquement que la vérité a pu être ensuite admise par tous.
Une rétrospective historique est nécessaire pour comprendre les origines, les enjeux et les issues de la Guerre du Viêt-Nam (1961-1975), deuxième volet d’une longue entreprise de domination qui s’est déjà soldée par l’échec de la France en 1954 en Indochine, dans le cadre du processus de décolonisation. Le retour du Corps Expéditionnaire Français, son désengagement ont laissé le champ libre aux États-Unis qui se sont empressés de vaincre l’adversaire Viêt-Minh sur le terrain. Les troupes américaines se sont engagées massivement dans de vastes opérations militaires terrestres et aériennes, mettant en avant tout leur potentiel et leur arsenal de guerre. Il ne s’agissait plus que d’une question de temps pour faire plier l’ennemi, puisque semblait-il l’écrasante majorité du territoire était sous le contrôle de l’armée US. Peu à peu, la forme de la guerre va changer.

C’est une politique nouvelle de « vietnamisation » qui a vu le jour ; le conflit ayant pris autrefois une dimension internationale est devenu une guerre civile qui oppose les vietnamiens pro-américains aux vietnamiens du sud appelés Viêt-Cong. Ces derniers revendiquaient leur appartenance politique, leurs liens très étroits avec la Chine et l’Union soviétique, l’expansion de la doctrine communiste étant le fondement même de leur combat. Dans le cadre de la Guerre froide dans les années 1950, les États-Unis se sont octroyés le rôle du grand défenseur du monde libre, d’où leur participation très active et leur contrôle incessant sur cette partie de l’Asie du Sud-Est, plus précisément dans la péninsule indochinoise.
Face à la détermination de l’ennemi, il était clair aux yeux des Américains que la guerre ne serait pas gagnée militairement par eux, que les Viêt-Cong soi-disant battus, tenaient presque toutes les campagnes, ils pouvaient à tout moment attaquer les villes dans des conditions qui ne permettaient pas toujours de se défendre - embuscades -. Ce fut l’effondrement des mythes de supériorité de l’armée américaine. Deux options s’offraient à l’État major, soit il adoptait une politique de retrait en laissant les sud-vietnamiens assurer la guerre eux- mêmes, soit il engageait rapidement une guerre chimique. Face à une situation sans issue, cette dernière alternative fut choisie, elle restera dans l’histoire comme la référence pour ses effets, ses atrocités et ses destructions à grande échelle. La logique de cette méthode poussée à l’extrême serait de penser que les américains ne se retireront une fois qu’il ne restera plus de vietnamiens communistes, autant dire plus de Viêt-Nam.
Cette guerre chimique engagea peu d’hommes, mais surtout des avions, elle fut très meurtrière, sans coûter de vies américaines ou en tout cas très peu. Le Viêt-Nam constitua un champ d’expériences pour l’arme chimique. Ne serait-elle pas ironiquement l’arme du faible ? Il est difficile de faire la guerre en faisant semblant de ne pas la faire car les États-Unis ont toujours nié avoir utilisé des herbicides, encore aujourd’hui le sujet reste tabou, ce qui les désengage à l’avenir de toute responsabilité. La guerre chimique, cette guerre qui ne voulait pas dire son nom n’a pas réussi là où les autres formes de guerre classique avaient déjà aussi échoué. À travers ce panorama, il serait pertinent de confronter plusieurs sources pour analyser l’emploi des herbicides, comprendre les objectifs de la défoliation, mesurer ses conséquences dans l’espace et le temps. Quel sera le poids des données archivistiques dans la reconstitution de l’histoire de la guerre chimique ? Quelle méthodologie adopter pour révéler et faire parler ces faits ?
Cette guerre fut le fruit de la politique adoptée par les États-Unis après la Seconde Guerre Mondiale, leur diplomatie se basait sur le postulat traditionnel de la puissance militaire, essentiellement sur des installations matérielles, sur leur capacité économique et leur aptitude à riposter dès la moindre attaque. Ce principe définissait aussi la nature du conflit mondial qui jusqu’en 1945 s’était déroulé principalement entre nations industrielles. L’Union soviétique fut désignée comme la menace primordiale contre la sécurité, les intérêts américains. Pourtant, les États-Unis ont sous-estimé le potentiel mobilisateur de l’idéologie communiste, avec ses possibilités d’insurrection et de guérilla dans tout le Tiers-Monde.
Les administrations Kennedy et Johnson, l’armée US étaient parfaitement conscientes des échecs du passé par exemple dans les Guerres d’Indochine et de Corée, pourtant elles ne faisaient que répéter un même schéma voué à long terme à l’échec ; le dilemme étant l’adaptation de la technique américaine à celle des sociétés agraires. Dans la réalité, le déséquilibre des forces a rendu impossible tout combat « légal », les Viêt-Cong ont adopté une guerre d’usure dans la clandestinité de la jungle. Quant aux Américains, la mise en place d’une lutte anti-insurrectionnelle passa par l’utilisation intensive de bombes, de roquettes bien adaptées à des cibles mobiles ; l’objectif était de lâcher des quantités beaucoup plus grandes d’explosifs sur de vastes régions, de déployer la puissance des armes conventionnelles. La spécificité essentielle de ces deux méthodes, c’était leur caractère non discriminatoire, elles frappaient la totalité de la végétation, du bâti, de la population, transformant en cible un pays entier car la totalité du peuple était potentiellement un ennemi. L’emploi de substances CS - un genre de gaz lacrymogène - et d’herbicides n’a fait que renforcer cette tactique de « pilonnage ». Rien ne fut accidentel, tout était intentionnel, conforme aux principes stratégiques et politiques des États-Unis dans la Guerre du Viêt- Nam. Les agents chimiques sont des armes de destruction massive, leur utilisation militaire dans le sud du Viêt-Nam remplissait deux fonctions : premièrement, supprimer le couvert foliaire de la forêt afin de permettre la surveillance aérienne et deuxièmement, affamer les combattants, les populations des régions sous contrôle Viêt-Cong, en y détruisant les cultures vivrières. Il était difficile de croire que les pertes de récoltes étaient accidentelles au cours de raids de pulvérisations destinées à la jungle ou à d’autres régions non cultivées. « Ranch Hand » était le nom de l’opération de défoliation (1961-1971) ; la responsabilité du stockage, du transport et du chargement des herbicides relevait des fonctions des forces de l’Air. Les fûts d’herbicides ont été largement distribués dans quelques localités, dont deux points principaux - Danang, Bien Hoa -. Chaque fût a été marqué par une bande de peinture codée en couleurs pour faciliter l’identification de l’herbicide militaire spécifique. Par exemple, l’Agent Blanc était utilisé pour une défoliation forestière à long terme, l’Agent Bleu pour une défoliation rapide à court terme plus précisément pour la destruction des herbacées, des rizières, l’Agent Orange se substituera à l’ensemble des herbicides à partir de 1965 puisqu’il sera destiné à une défoliation plus générale des forêts, des taillis, de la brousse et des plantes cultivées à feuilles larges. L’action néfaste des produits chimiques souillant le sol, se manifestait de différentes façons, soit par action directe sur les graines, les germes, les plantules, soit par action indirecte sur les micro-organismes. Les épandages à des doses et concentrations fortes autour des années 1967-1968, répétées plusieurs fois sur des mêmes surfaces, voire 10 fois et plus et comportant tout un assortiment d’agents divers ont conduit à une destruction partielle ou totale du couvert végétal, à une intoxication des animaux et des hommes.
Ce sont surtout dans les zones militaires 1 et 3, les plus peuplées, que des régions entières ont été dévastées, elles ont été des zones stratégiques pour les Viêt-Minh de manière générale, pour les Viêt-Cong plus au sud du pays. Ces points chauds interdisaient toute vie végétale ou animale pendant de longues années après guerre. Au-delà de l’anéantissement des forêts, des forêts de mangrove et des cultures, les forces de l’Air avaient pour ordre :
 d’assister les forces armées du Gouvernement du Viêt-Nam à augmenter leurs patrouilles aux frontières et leurs capacités de répression des insurrections - système efficace de renseignements, surveillance aérienne, contrôle des routes et des chemins -,
 d’assister le Gouvernement du Viêt-Nam à établir un centre de développement de combat, de nouvelles techniques dans la lutte contre le Viêt-Cong. Pendant longtemps, les défoliants hautement toxiques qui ont été déversés en l’espace de 10 ans, étaient estimés entre 70 000 et 80 000 millions de litres, ce chiffre a été aujourd’hui revu à la hausse, soit 10% de plus. La guerre une fois terminée, a laissé derrière elle des terres polluées, des millions d’engins explosifs, de bombes et autres mines qui continuent de mutiler la population. Les États-Unis n’ont toujours pas reconnu ce crime écologique et humanitaire, il n’est pas question d’indemnisation car en 1994, après la levée de l’embargo américain, le Viêt-Nam s’était engagé à ne pas demander de réparations et de compensations. En d’autres termes, cette opération « Ranch Hand » n’a jamais existé. Avec l’ouverture des archives militaires du département de l’Armée - en accès limité -, il est possible à partir des statistiques plus détaillées par agent, par année, par quantité et par région, de reconstituer historiquement la défoliation ou tout au plus d’y apporter quelques réponses partielles. Par la méthodologie SIG, toutes ces données vont faire l’objet d’une réflexion et d’une structuration.

La modélisation des données géographiques repose sur la Structure de Données à Base d’Hypergraphe connu sous l’appellation HBDS de Bouillé. Un Modèle Conceptuel de Données consacré à l’étude de la perturbation « guerre » associe à la fois approche systémique et modélisation, permettant de rassembler et d’organiser les connaissances. Il a été conçu de manière globale, ce qui privilégie avant tout une vision synthétique, des perspectives de recherche plus étendues, mises en lumière par les facteurs géographiques, historiques, démographiques et anthropiques. La guerre est considérée comme la perturbation centrale. C’est à partir de ce postulat que seront analysées toutes les interactions existantes entre le « système militaire » et les autres phénomènes. Au terme de cette recherche, cet essai de biogéographie historique permet de replacer dans son contexte la perturbation « guerre », d’apprécier voire de relativiser le poids des héritages par rapport à d’autres types de perturbations.

Lundi 18 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Salon de la Présidence
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 M. BYOUNG-IL KIM soutient sa thèse de Doctorat :

 "Les villes nouvelles de Séoul depuis la crise économique de 1997-1998"

 En présence du Jury :

M. ANTIER (IAURIF)
M. AUPHAN (PARIS 4)
M. PITTE (PARIS 4)
M. YU (SEOUL)

 Résumés :

Les villes nouvelles de Séoul depuis la crise économique et financière de 1997-1998 La politique de renouvellement urbain à Séoul est au coeur des stratégies d’aménagement à partir de la fin des années 1990. Ce phénomène est la conséquence de la phase de « maturité » dans la laquelle la métropole séoulite est engagée. Jusqu’alors les programmes restaient contrôlés par le gouvernment central et concernaient principalement les villes nouvelles issues de la tabularasa. Aujourd’hui, l’élection directe des maires, l’existence d’une ville constituée offrant de larges choix résidentiels et de modes de vie et le poids des classes moyennes entraînent une réévaluation des modèles d’aménagement. Dorénavant, les enjeux concernent l’équilibre du territoire séoulite, des rive nord et sud du fleuve Han et en particulier la requalification des secteurs nord, Gangbuk. Ainsi le projet de « ville nouvelle en ville » de Eunpyeong participe de cette démarche et constitue le fer de lance de la reconquête des quartiers nord. Les enjeux résidentiels se combinent aux ambitions environnementales afin de promouvoir de nouveaux modes de vie plus adaptés aux attentes de populations en recherche de qualité spatiale et environnementale. Ainsi, les élus utilisent les projets de renouvellement urbain pour satisfaire les demandes sociales mais aussi pour justifier leurs ambitions politiques.

New town policy in Seoul after the economic crisis of 1997-1998 Seoul urban renewal policy is at the core of urban strategies at the end of 90’s. It is the consequence of a phase of “maturity” in Seoul urban development. Until that time, most of urban projects were controlled by the central Government and deal with new town policy. Today, direct election of local representatives and “already built” cities which give large living choices to inhabitants and the importance of the middle class and upper middle class induce a reevaluation of the urban policy and development. From now on aims deals with Seoul balanced development, north and south part of Han River and especially renewal of the North part, Gangbuk. In this process, Eunpyeong new town in town has a key position because of its size and because it is the symbol of the reconquest of the North. The housing aims are combined with ecological concerns in order to implement new ways of life more appropriate to inhabitants’ wishes. The elected try to forecast these social evolutions but also use these urban renewal programs as a proof of their abilities to reach higher positions.

 Position du thèse :

La politique de renouvellement urbain à Séoul est au cœur des stratégies d’aménagement à partir de la fin des années 1990. Les raisons viennent de l’importance démographique et économique de la métropole qui regroupe aujourd’hui plus de dix millions d’habitants et accueille un grand nombre de sièges sociaux de grandes entreprises coréennes et est le symbole de la péninsule coréenne. Mais cette politique est le fruit d’une évolution trouvant ses racines dans diverses stratégies d’aménagement du territoire comme la politique des villes nouvelles visant, à l’origine, à résoudre les problèmes de manque de logements et d’équilibre régional ou comme une réponse à l’émergence d’une classe moyenne demandeuse de nouveaux espaces et de nouvelles conditions de vie ou encore comme le résultat opérationnel de l’élection directe des élus locaux trouvant une légitimité politique dans la réalisation de projets urbains.

Ainsi l’évolution de la société coréenne marquée par des événements sociaux à la fin des années 1980, par une démocratisation du système politique et par la crise économique et financière de 1997 et 1998 a eu des impacts sur les finalités assignées aux projets d’aménagement et de villes nouvelles en particulier pour la ville de Séoul.

Afin d’évaluer les changements affectant les opérations urbaines actuelles sur la métropole, les programmes développés dans la Province de Gyeonggi comme Gwachon et Banwol, caractéristiques des projets de spécialisation de la fin des années 1970 et du début des années 1980 puis ceux planifiés à la fin des années 1980 et au début des années 1990 dans le cadre de la « Politique des deux millions de logements » comme Bundang, ville nouvelle la plus importante en superficie et par le nombre d’habitants sont étudiés dans la première Partie. Ils permettent de saisir les moments-clé où les politiques spatiales contrôlées par le gouvernement sont les plus ambitieuses.

La décennie 1990 est marquée par les projets antérieurs bien que de nouveaux programmes aient été lancés pour des raisons de réorientation des choix économiques, de réponses aux demandes sociales et de stratégies politiques. Les projets récents sur l’aire métropolitaine sont ainsi le résultat des choix antérieurs mais aussi des nouvelles contraintes spatiales, économiques et sociales. Mais ils sont aussi le fruit des politiques urbaines ayant permis de réduire les zones possédant des logements insalubres. Cet enjeu fut particulièrement important au cours des années 1960 et 1970. Ensuite, avec l’émergence des classes moyennes, les pouvoirs publics ont cherché à créer une offre adaptée avec le lancement de projets « résidentiels mixtes ». Dans un même bâtiment sont construits des logements, commerces et bureaux. L’analyse des programmes promouvant la mixité urbaine et l’éradication des bidonvilles constitue l’essentiel de la seconde Partie. Cela permet de centrer l’analyse sur la ville de Séoul tout en mettant en perspective les projets de villes nouvelles programmés à l’échelle de la Région Métropolitaine.

Ainsi, l’urbanisme opérationnel à grande échelle devient plus complexe et ne se limite pas aux programmes de villes nouvelles. Les « villes nouvelles en ville », les districts mais aussi les opérations de renouvellement urbain se multiplient et gagnent en spécificité.

Aujourdhui, le Gouvernement Métropolitain de Séoul élabore des projets faisant apparaître une plus grande attention aux enjeux de renouvellement urbain pour des raisons d’évolution des choix d’aménagement. Les zones construites suffisent à satisfaire les demandes résidentielles et en logement. Il s’agit donc pour les élus de travailler sur le tissu constitué de la ville et non plus de se lancer dans des programmes inspirés de la tabula rasa.

Pourtant les opérations urbaines ne peuvent être lancées qu’en tenant compte des savoirs anterieurs, des modèles de référence et des conceptions locales de production de la ville. En étudiant les interactions entre ces éléments, le rôle des acteurs politiques et la place tenue par les habitants sont recherchés dans l’élaboration des programmes.

Ainsi, la politique de renouvellement urbain ne vise plus seulement au début des années 2000 à renforcer l’offre résidentielle mais apparaît comme un moyen pour fonder un électorat conservateur favorable au pouvoir en place et pour promouvoir de nouvelles formes de vie mettant au centre des préoccupations les enjeux environnementaux et de qualité de vie. A ces objectifs s’ajoute la nécessité de réagir face à la crise économique et financière subie en 1997 et 1998 en facilitant l’initiative privée et l’innovation programmatique et spatiale.

Aujourd’hui, quinze programmes de « villes nouvelles en ville » ont été lancés par les autorités séoulites et se déclinent sous des formes multiples allant des projets résidentiels aux programmes environnementaux et aux districts technologiques. Le plus important en superficie et le plus avancé est Eunpyeong. Cette « ville nouvelle en ville » participe de la politique de rééquilibre de la métropole, des rives sud et nord du fleuve Han. Jusqu’au début des années 2000, le sud de la métropole, Gangnam, était le secteur le plus développé et symbolisait la modernité coréenne. Les prix fonciers sont toujours les plus élevés, les sociétés y sont largement implantées, les instituts d’enseignements privées et les meilleures écoles y sont situés et lieux de sortie les plus appréciés y sont localisés. Le maire de Séoul ayant mandat de 2002 à 2006 a voulu remédier aux déséquilibres en promouvant une politique de renouvellement urbain sur le nord de Séoul, Gangbuk. Le projet de Eunpyeong participe de cette ambition. Ainsi la troisième partie de la thèse analyse en détail ce programme afin de mieux appréhender les évolutions du modèle de requalification urbaine sur tissu constitué, d’équilibre du territoire métropolitain et de prise en compte des enjeux de gouvernance au moment où les élus locaux prennent une place importante dans le système démocratique coréen.

Enfin, il semblerait qu’aujourdhui les élus tendent à utiliser les programnmes de renouvellement urbain au sein de tissus constitués comme des instruments de légitimation centrale dans leur stratégie politique de conquête de fonctions toujours plus importantes.

New town policy in Seoul after the economic crisis of 1997-1998

The urban renewal policy in Seoul is at the core of urban strategies after the 90’s. The reasons come from demographic & economic factors. The city gathers more than 10 millions of inhabitants and hosts most of the headquarters of Korean companies and finally is the symbol of the Korean peninsula. Nevertheless, this policy is the result of an evolution which has its roots in various elements like the new town policy launched in order to solve the shortage of housing offer and to balance the regional development or like an answer to the emerging requests from the middle class and upper middle class for new living spaces or like the operational result of the direct election of local power which finds a political legitimacy in urban programs’ implementation.

So, the evolution of the Korean society was influenced by social events of the end of 80’s, by the democratization of the political system and by the economic crisis of 1997-1998. All the factors had an impact on urban projects and on the new town policy, especially the ones of Seoul city.

In order to evaluate the changes in recent urban projects launched in Seoul, the programs implemented in Gyeonggi Province like Gwachon and Banwol, specialized programs from the end of the 70’s and beginning of 80’s then the ones planned at the end of 80’s and beginning of 90’s launched through the “two millions housing policy” like Bundang, biggest new town in surface and inhabitants are studied in the first Part of the thesis. These programs give clue to understand the spatial policy of the Metropolitan Area controlled by the central government. The 90’s were influenced by previous projects even if new programs had been launched according to the revision of economic forecasts, to new social concerns and to political strategies. Recent projects in the Metropolitan Area are then the results of previous choices but also of new social, economic and spatial constraints. They are also the fruits of urban policies which had as goals to reduce slum areas. This was a major aim during the 60’s and 70’s. Then, with emerging new middle class and upper middle class, the central government tried to build an appropriate offer through “mix-use projects”. It means housing, commercial and offices in a same building. The analysis of slum areas’ eradication and mix-use programs’ promotion is at the core of the second Part of the thesis. This Part gives a better understanding of the new towns programs and of previous Seoul urban trends.

So, at that period, end of 90’s, urban programs at large scales become more complex and start not to be limited to new town projects. New town in town, districts and renewal programs are combined and become more specific according to goals to achieve.

Today, Seoul Metropolitan Government defines its urban strategy more carefully, especially in the field of urban renewal because of Seoul urban pattern. Built zones satisfy the residential & housing requests. The elected members of Seoul work on urbanized areas and no more on “free of buildings” areas.

Nevertheless urban programs can only be launched according to past experiments, knowledge and local construction patterns. So by studying the inter-relations between these elements, the functions and the role of political actors and inhabitants can be evaluated with appropriate point of view in order to understand the aims of urban renewal programs.

Since 2000’s, the urban renewal programs have no more as main goal to satisfy housing offer but appear much more as a tool for building conservative electorates which could guarantee status quo of actual political forces and as a way to consider new urban requests like environment, ecology or quality of life. Furthermore, these new urban concerns deal with the need of acting against the economic crisis by promoting private initiative, middle scale and small scale programs and by developing innovation.

Today, 15 urban programs, called new town in town, have been launched by Seoul Metropolitan Government and have several goals from residential to ecological or technologic ones. The biggest in surface and the most advanced is Eunpyeong. This new town in town is a part of the global policy to balance Seoul city development and to balance North & South of the Han River. Until the beginning of the 2000’s, the south of the metropolitan area, Gangnam, was the most developed part of Seoul and the symbol of Korean modernity. The land and housing prices were the highest, most companies settled there, best private teaching institutes were gathered there and topnotch leisure spots were mainly concentrated in this zone. The mayor of Seoul, Lee Myoung-Bak, elected from 2002 to 2006, decided to reconsider the unbalanced through the implementation of new towns in town programs on the north part of the Han River, in Gangbuk. Eunpyeong project is one of them. The third Part of the thesis analyses in details this program in order to understand better the evolution of urban policy and urban renewal programs and to study new governance’s concerns in a period of the role of local elected representatives becomes more and more crucial.

Finally, it seams that Korean elected use urban renewal projects as tools to get more influential in the political debates and to reach higher position.

Vendredi 12 janvier 2007
14 heures 30
Maison de la Recherche, Salle D116
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Sachi KOBAYASHI soutient sa thèse de Doctorat :

 "Mathesis singularis" : lecture et subjectivité dans l’oeuvre de Roland Barthes

 En présence du Jury :

M. COMPAGNON (PARIS 4)
M. GUYAUX (PARIS 4)
M. MARTY (PARIS 7)
M. ROGER (CNRS)

 Résumés :

L’évolution intellectuelle de Barthes est souvent hantée du constat, en apparence irréconciliable et irréductible, de la dualité : soit Barthes théoricien, soit Barthes amateur désinvolte ? Cette étude prend pour point de départ cette contradiction réitérée par l’auteur lui-même. Dans un premier temps, l’élaboration du système sémiologique s’avère appuyée sur la subjectivité, certes non impressionniste, mais enracinée dans l’expérience et la pratique, contrairement aux lieux communs propres à la science. Dans un deuxième temps, le sujet revient en premier plan sous le signe de la rupture. La recherche de la « subjectivité absolue » qui part de « mes » réactions subjectives prenant les affects pour points de référence, s’installe dans une certaine forme de savoir en vertu de la recherche de l’essence de la photographie et de celle de la nouvelle écriture appelée « Roman » : l’une est « mathesis singularis » et l’autre est la « science fantasmatique ».

The intellectual evolution of Barthes is frequently haunted by the apparently contradictory assertion of the duality : theorist Barthes or nonchalant amateur Barthes ? This study as a starting point takes this contradiction repeated by the same author. In the first time, the elaboration of the semiotic system appears founded on the subjectivity, certainly not impressionist, but rooted in the experience and the practice, on the contrary to the commonplace proper to the science. In the second time, the subject comes back in the sign of the break. The searching of the « absolute subjectivity » which starts from “my” subjective reactions by taking the affects for reference points, is placed in a certain form of the knowledge by virtue of the quest for the essence of the photography and the new form of writing called “Roman” : the one is “mathesis singularis” et the other is the “science of fantasy”.

 Position de thèse :

Roland Barthes est une figure emblématique et énigmatique de l’intellectuel français du XXème siècle, à laquelle on renvoie souvent deux images à la fois antipathiques et irréductibles l’une à l’autre : soit Barthes théoricien de la sémiologie littéraire et du texte, soit Barthes amateur désinvolte et hédoniste qui ne parle que de ses plaisirs nonchalants. Le cheminement intellectuel de Barthes est ainsi hanté de la double posture en apparence irréconciliable : à l’origine de la contradiction, il est une séparation de deux rôles, communément reçue et considérée comme naturelle et allant de soi par la doxa, opinion courante, voire l’opposition étanche entre le critique et l’écrivain, l’analyse intellectuelle et la fiction, et la science et la subjectivité. Cette étude tente de mettre au jour cette figure de l’antithèse, récurrente dans son écriture, qui pourrait constituer l’unité de la diversité de ses textes portant sur le sujet divergent à première vue : la sémiologie, la critique littéraire, la mythologie, le théâtre, la théorie du texte, l’écriture autobiographique, l’analyse de l’image, etc., en divisant la carrière de l’écrivain en « avant / après » le grand système. De la sorte, la première partie tente de voir Barthes en tant que lecteur, car comme critique littéraire, ses textes contiennent la trace de sa lecture particulière, tandis que la deuxième partie accorde à Barthes le statut de l’écrivain à part entière.
Le premier moment essentiel à l’égard de l’opposition entre la science et la subjectivité se trouve dans la polémique avec Raymond Picard de manière à donner une illustration exemplaire. Celui-ci accuse l’exigence de l’universalité à la « Nouvelle critique », alors qu’elle n’est qu’une simple forme de la subjectivité contrairement à ce qui est prétendu par ce nouveau courant de la critique. La question résolument soulevée par le différend ou querelle entre les anciens et les nouveaux, c’est la confrontation entre la monosémie et la polysémie, les champs du sens unique et du sens pluriel dans l’oeuvre littéraire. En condamnant la méthode objective et positiviste de la critique universitaire - puisque celle-ci tente de trouver et découvrir la « vérité » historique du passé et de l’auteur dans une oeuvre -, il s’avère que Barthes exige la lecture immanente au nom de la nouvelle critique, en prohibant de recourir à « l’ailleurs » de la littérature.
Cependant, ce qui est paradoxal chez lui, c’est qu’exigeant la polysémie inhérente et structurale à l’oeuvre littéraire à la différence de la critique biographique qui se réfère infailliblement à « l’ailleurs », voire la vie et la biographie de l’auteur, Barthes semble introduire subrepticement les éléments de la réception lors de l’explication du « texte lui-même ». Ainsi, son exigence de l’immanence ne se révèle nulle autre que l’affirmation de la subjectivité - en outre, Barthes fait un grand usage du « je » en parlant de sa propre lecture qui se trouve au moment présent de la réception placée « ici et maintenant » - ainsi que le contexte historique du côté du lecteur. En élaborant la méthode « interne » à la littérature et en condamnant le modèle psychologique qui remplit la fonction autoritaire et déterminant « le » sens de l’oeuvre dans le domaine de la critique positiviste et universitaire, Barthes parle ainsi de la « nouvelle psychologie » voire de la psychologie systématisée s’immisçant avec le langage, autrement dit la psychologie déjà intelligible, identifiant la psyché au langage.
L’insistance croissante du lecteur et du destinataire, et la description de l’espace intérieur et subjectif comme langage social et généralisé remonte en effet à son expérience théâtrale des années cinquante, son début littéraire en tant que critique du théâtre, et son assimilation de la théorie de la distanciation brechtienne, par l’entremise de laquelle il critique une certaine forme théâtrale, nommée la « dramaturgie aristotélicienne » par Brecht usant en large mesure de l’effet du catharsis, c’est-à-dire deux formes identificatoires entre l’acteur, le personnage (le rôle), et le spectateur. En mettant davantage l’accent sur la conscience « critique » du lecteur-spectateur, Barthes condamne de fait la force de l’analogie et de la vraisemblance dans le théâtre psychologique nommé bourgeois. Ce qui est remarquable dans ses premiers textes critiques sur le théâtre, est qu’ils contiennent en germe tous les éléments essentiels qui se déploient ultérieurement : la critique de l’auteur en tant que psychologie et l’effet du vraisemblable en forme de l’analogie.

Les textes écrits dans la période de la sémiologie scientifique et de la textualité nous démontrent de manière inéluctable le caractère paradoxal de l’exigence de la polysémie qui concerne la notion de la connotation empruntée à Hjelmslev et forgée à sa guise par Barthes afin d’élaborer la science des signes. Bien des analyses de l’image photographique dans la publicité et le cinéma montrent en effet ceci de particulier que Barthes semble élargir la notion de la « parole » saussurienne et de l’énonciation benvenistienne jusqu’à la dimension de la réception, en déplaçant la question du « message lui-même » à celle de la lecture. Ainsi mise en exergue, « ma » parole murmurée presque inaudible à l’intérieur du sujet se décrit dorénavant pleinement comme « message ». La « psychologie » de l’auteur est apparemment récusée à maintes reprises, mais l’usage fréquent du « je », lorsque Barthes lui-même est un lecteur de messages, ne dévoile-t-il pas curieusement que la prétendue « nouvelle psychologie », « sujet systématisé » soit l’impressionnisme et l’amateurisme mis en garde par la théorie de la réception, herméneutique phénoménologique à l’instar d’Iser et de Jauss ?
Cependant, le refus de la subjectivité de l’auteur ne débouche jamais sur l’affirmation contraire de l’écriture dite impersonnelle constituée essentiellement du retrait de « mes » impressions subjectives et désinvoltes chez Barthes, puisque celui-ci refuse du même coup l’objectivité du métalangage scientifique institué dans la science. De ce point de vue, il est loisible de constater que même la théorie du texte elle-même n’est nulle autre que celle de la lecture, bien que constituée de la « substitution » dissimulatrice d’escamotage de « ma » lecture par « la » lecture.
On a d’ailleurs coutume de parler du structuralisme littéraire en forme de la poétique en tant que méthode interne enfermée dans le texte lui-même, décrivant le texte en modèle intertextuel. Quant à Barthes, l’esquisse donnée de l’écriture neutre dans S/Z et « La mort de l’auteur », c’est-à-dire le refus de la référence au sujet parlant se montre déplacée vers le lecteur à la fois socialisé et généralisé, résolument rompu avec « mes » humeurs et « mes » plaisirs. Barthes décrit ainsi le procès du sens, lecture comme « nomination » interne et intérieure qui se déroule dans l’esprit du lecteur. Le « code » serait en somme un nom donné à la socialité et à la généralité enracinées en « moi ». La pluralité barthésienne s’avère ainsi d’une grande perplexité : elle est contradictoirement appuyée sur l’unité du lecteur, de l’opération de la lecture. La textualité barthésienne se dévoile d’ores et déjà à la fois unitaire et pluriel, prise en jeu entre l’un et le multiple. L’auteur comme origine déterminant le sens unique des oeuvres est récusé et congédié, mais il subsiste toujours une unité du côté du lecteur-scripteur en dépit du déni flagrant, puisque celui-ci est considéré comme entité purement linguistique et textuelle. De ce point de vue, le passage de la lecture vers l’écriture ne paraît guère fortuit chez le sémiologue : la pratique de l’écriture fragmentaire de Barthes semble appuyée sur sa vision de la vie, caractère fragmentaire de vivre, de la vie mentale constituée de bouts de phrases. L’écriture de l’autoportrait, Roland Barthes par Roland Barthes, semble inscrite dans le droit fil de sa théorie du texte, notamment la deuxième partie qui commence par la rupture avec la biographie, placée aussitôt après la succession de photos familiales et nommée « l’imaginaire de l’écriture ». Cette écriture, discours romanesque de Roland Barthes se présente d’emblée contre le récit linéaire et chronologique : elle est d’une part la critique du modèle confessionnel de l’autobiographie et du journal intime, d’autre part d’un certain mode discursif qui confère l’effet de la vraisemblance, voire le discours dénotatif et descriptif censé donner la vérité. Dans les termes généraux de l’analogie et de l’expression, Barthes ainsi critique trois champs du discours favorable à la lettre, à la monosémie littérale : le métalangage scientifique (l’objectivité), le réel (la mimésis), et l’autobiographie (la confession, « ma » vérité), à savoir « vérité », « réalité » et « sincérité », en élaborant en même temps « une nouvelle subjectivité » et « une nouvelle science ».
La « bathmologie », vocable donné à cette forme de la nouvelle science constituée de « degrés » tente d’élaborer un nouveau mode de discours. La leçon inaugurale du Collège de France esquisse ainsi un nouveau modèle de la sémiologie, mettant en cause le métalangage scientifique par nature soustrait et dépourvu de fantasmes et d’imaginaire. La nouvelle sémiologie en tant que « sémiotropie » serait cette « écriture » indirecte qui assume le caractère inhérent à toute sorte de discours : nul n’est exempt des images qui lui sont données et renvoyées. De la sorte, il conçoit le nouveau discours intellectuel à la fois poétique et métaphorique, réflexive et « spectaculaire », analytique et fictionnel. Ainsi semble-t-il assumer entièrement le caractère « contradictoire » et « paradoxal » de son propre discours intellectuel. La notion de « l’écriture », considérée comme instance sociolectale du langage au départ dans Le Degré zéro de l’écriture, revient ainsi opposée radicalement à la généralité conceptuelle propre à la philosophie et à la science. Le projet de la « vita nova », voeu exprimé à la fin de sa vie est l’invention d’une nouvelle forme de l’écriture qui ne réprime point « ma » subjectivité, sans sombrer pour autant dans le mythe scientifique. Le dernier livre publié de son vivant, La Chambre claire et son dernier cours au Collège de France, _ La Préparation du roman cherche à trouver cette écriture absolument subjective par la voie de la science - puisqu’ils révèlent le souci pour l’universel, bien qu’appuyés sur « mon » corps individuel intimement lié avec « mes » plaisirs et affects -, en s’installant dans l’analyse intellectuelle qui est menée par deux recherches de vérité : l’une est l’essence de la photographie, l’autre est le Roman. Dans ce récit de quête de la photographie, en mettant en place de prime abord le paradigme conflictuel « studium / punctum », l’opposition initiale entre la science et la subjectivité se retrouve placée et installée au sein même du sujet, comme deux langages antipathiques et perceptibles, donnant lieu au « mythe romantique » : conflit radical et irréductible entre l’intellect et le coeur. En optant pour le côté du coeur, organe mythique de l’amour, c’est-à-dire « mes » affects éprouvés par la lecture de quelques photos, la vérité de l’être aimé ou l’essence de la photographie prend une autre forme de discours que le constatif austinien, à la fois assertif, affirmatif et descriptif instituant le vrai et le faux. La vérité « pour moi » ineffable et non-énonçable est placée aux antipodes de cette vérité sociale et vraisemblable donnée par les stéréotypes dans la sphère sociale et publique. Le Roman est une forme suprême qui permet de transmettre la vérité des affects - par nature inexprimable au moyen langagier - en forme de la fiction. _ Dans cette optique, Barthes paraît se placer dans la position de « classique moderne », car tout en condamnant le modèle psychologique du sujet de l’écriture qui identifie le moi avec mes idées et mes représentations, il semblerait vouloir s’éloigner du motif contraire de la mort du « moi » représentatif à la thèse de la mort de l’auteur - moi en tant qu’entité de papier - en assumant l’imaginaire. Barthes réitère ainsi le retour de l’ancien en empruntant l’image de la spirale à Vico et à Michelet : retour sinon identique et répétitif du même, mais différentiel de la lisibilité et de la représentation. En « vérité pour moi », une autre forme de la représentation que l’analogie se trouve radicalement modifiée et remaniée sous sa plume : représentation en tant qu’identité des formes, c’est-à-dire la « médiation » homologique. Ainsi, le discours intellectuel de Barthes incarne-t-il en figure paradoxale de « l’énantiosème » entre l’essai et le roman, l’analyse intellectuelle et la fiction. Son modèle idéal serait Proust et Michelet, en qui il reconnaît le statut ambigu de son discours intellectuel, puisque leur écriture est constituée de la séparation entre l’homme et l’oeuvre. Autant, sa tentative de la « science » de signes n’était guère rigoureusement scientifique, autant sa nouvelle subjectivité n’est pas réduite à « mes » impressions personnelles résolument coupées de la voie de la science universelle et générale. Barthes évite ainsi deux écueils qui guettent, tout aussi dangereux que fallacieux, voire des illusions « affective » et « objective ». Ce qu’il a cherché en réclamant la morale et l’éthique de signes, c’est ce sujet-là, sinon celui de la connaissance désintéressée, mais toujours inextricablement lié avec mon corps qui répartit tout en bien et en mal.

Vendredi 17 décembre
9 h
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 Mme Ilaria SPLENDORINI soutient sa thèse de doctorat :

 "Menzogna e Soertilegio (1948)" de Elsa Morante : une écriture des origines

 En présence du Jury :

M. CASSAC (NICE)
M. GENOT (PARIS X)
M. GHIDETTI (FLORENCE)
M. LIVI (PARIS IV)
Mme URBANI (AIX-MARSEILLE)

Samedi 16 décembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D040
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Eun Sil SON soutient sa thèse de Doctorat :

 "Misericordia non tollit iustitiam". L’enjeu épistémologique de la question de la justice divine chez Thomas d’Aquin

 En présence du Jury :

M. BERCEVILLE (ICP PARIS)
M. BONINO (CATHO TOUL)
M. BOULNOIS (EPHE)
M. IMBACH (PARIS 4)

 Résumés :

Les divers développements sur la justice de Dieu que propose Thomas d’Aquin dans ses œuvres offrent un accès privilégié à l’intelligence de son épistémologie théologique. D’une part, les trois textes systématiques consacrés ex professo à notre sujet (Sent. IV, 46, SCG I, 93 et ST I, 21) expliquent la justice de Dieu comme justice distributive manifestée dans la création. D’autre part, dans le Commentaire de l’Epître aux Romains, il est question de la justice de Dieu révélée dans l’Évangile, qui consiste dans la justification des pécheurs. C’est à la lumière de la bonté de Dieu, source commune de la nature et de la grâce, que Thomas conçoit l’articulation entre ces deux acceptions relevant respectivement de la connaissance naturelle et de la connaissance de foi : elles ne s’opposent pas, mais la seconde présuppose la première et la dépasse. Cette approche est révélatrice de la conception thomasienne du savoir théologique, conforme au modèle aristotélicien de l’épistémé (connaissance par la cause) et harmonisant raison et foi, contrairement à un modèle moderne hérité de Luther, qui dominera par la suite.

Thomas Aquinas develops the justice of God in diverse ways in his works. This offers privileged access to the intelligence of his theological epistemology. On the one hand, the three systematic texts devoted ex professo to this subject (Sent. IV, 46, SCG I, 93 et ST I, 21) explain the justice of God as distributive justice expressed in creation. On the other hand, in the Commentary on the Letter to the Romans, it is a question of the justice of God revealed in the Gospel, which consists in the justification of sinners. Thomas understands the relation between these two meanings, which respectively concern natural knowledge and knowledge throug faith, in light of God’s goodness, the common source of nature and grace. They are not opposed, but the latter presupposes the former and goes beyond it. This approach illustrates the Thomist conception of theological knowledge, whichi is consonant with the Aristotelian episteme model (knowledge by cause) and harmonizes reason and faith, contrary to a modern model inherited from Luther that will later prevail.

 Position de thèse :

Comment Dieu est-il juste à la fois en punissant les méchants et en les pardonnant ? Cette question de la conciliation entre la justice rétributive et la justice salvifique a préoccupé la pensée chrétienne dès ses débuts : Marcion (c. 85 - c. 160), suivi par beaucoup d’autres jusqu’à nos jours, opère dans les Écritures une ligne de partage qui circonscrit une double révélation : celle du Dieu de l’Ancien Testament, Dieu créateur du monde, Dieu de justice et de colère, juge cruel, jaloux et guerrier, et celle du Dieu de Jésus, Dieu de salut, d’amour et de miséricorde . À plusieurs siècles de distance, Anselme (1033-1109) cherche en revanche une conciliation. Depuis, dans l’histoire du christianisme, personne n’a exprimé aussi dramatiquement que Luther la difficulté qu’éprouve un chrétien à comprendre le sens de la justice de Dieu. Il comprit finalement la justice révélée dans l’Évangile comme justice justifiante, don accordé à l’homme, et l’opposa à la justice divine comme propriété de Dieu, entendue au sens vindicatif et “ philosophique ”.
Or, dans les principaux textes de Thomas d’Aquin traitant de ce sujet, on ne trouve ni l’opposition entre miséricorde et justice telle que la conçoit Marcion, ni la perplexité d’Anselme s’efforçant de penser la conciliation entre la justice qui pardonne et celle qui punit, ni l’angoisse de Luther tentant de comprendre la justice divine révélée dans l’Évangile. Ce décalage lui-même nous paraît intéressant. Il est certes d’abord redevable au genre littéraire qui est celui de l’Aquinate. En effet, ses écrits synthétiques (sauf la SCG, écrite sous forme de traité) sont rédigés sous forme de questions disputées. Les apories ont été dépassées et les déterminations du maître ont été prises antérieurement à la rédaction des questions. Le style serein de Thomas nous paraît cependant relever de causes plus profondes touchant à son épistémologie : sa manière de concevoir la justice divine est déterminée par une attitude foncière à l’égard de la réalité même de Dieu. C’est pourquoi nous nous proposons d’orienter notre recherche sur l’enjeu épistémologique de la question de la justice de Dieu chez Thomas. De fait, la justice considérée comme un des attributs divins implique la question de la connaissance de Dieu. Aucun autre attribut ne soulève aussi fortement le problème de l’articulation entre raison et foi dans la connaissance humaine de Dieu, les deux acceptions du mot “ justice ” relevant respectivement de la connaissance naturelle et de la connaissance de foi. Ce n’est donc pas un hasard si c’est précisément la considération de la justice de Dieu qui a conduit Luther à établir un nouveau principe de connaissance théologique : la “ théologie de la croix ” . C’est seulement dans le Christ crucifié que l’homme peut avoir une connaissance véritable de la justice de Dieu justifiant les pécheurs. Le Réformateur, en opposant la connaissance de Dieu dans la croix (théologie de la croix) à la connaissance naturelle de Dieu par ses œuvres (théologie de la gloire), considère la première comme le seul mode valable de connaissance de Dieu .
Le traitement thomasien de la justice de Dieu montre un principe de connaissance théologique bien différent de celui de Luther. Les divers développements sur la justice de Dieu que propose Thomas dans ses œuvres offrent un accès privilégié à l’intelligence de son épistémologie théologique. Deux grandes approches se dessinent. D’une part, les trois textes parmi ses œuvres synthétiques, consacrés ex professo à notre sujet : Sent. IV, 46, SCG I, 93 et ST I, 21, expliquent la justice de Dieu principalement comme justice distributive manifestée dans l’œuvre de création. Il s’agit d’une acception de la justice divine accessible à la connaissance naturelle, puisqu’on peut la déduire de la connaissance des créatures. D’autre part, dans le Commentaire de l’Epître aux Romains (en particulier 1, 17 et 3, 21-26), principale œuvre exégétique, il est question de la justice de Dieu révélée dans l’Évangile, à savoir celle qui consiste dans la justification des pécheurs. Cette justice, révélée dans l’œuvre du salut accomplie par le Christ, relève d’une vérité accessible dans la foi. Comment Thomas pense-t-il alors l’articulation entre ces deux acceptions de la justice de Dieu ? A première vue, les deux sortes de justice semblent incompatibles, car la justice distributive suppose un dû ou un mérite, ce qui n’est pas le cas de la justice justifiante, fondée sur la gratuité de l’amour. Mais, selon Thomas, de même que la connaissance naturelle et la connaissance de foi ne sont pas contradictoires, puisque la seconde présuppose la première, ces deux justices, correspondant respectivement à ces deux modes de connaissance, ne le sont pas non plus : la justice justifiante présuppose de la même manière celle qui consiste dans la rétribution selon le mérite. En effet, dans l’œuvre de la rédemption accomplie par le Christ, cause de la justification, Dieu se montre juste en satisfaisant lui-même pour le péché de l’homme ; il assume ainsi la justice rétributive, qui exige une peine ou une satisfaction, mais la dépasse en pardonnant le péché, c’est-à-dire en justifiant gratuitement les pécheurs. Ainsi, contrairement à Luther, Thomas n’oppose pas la justice divine révélée dans le Christ à celle que manifeste l’ordre de la création ; il maintient fermement le lien établi par la Révélation entre création et salut. La différence entre ces deux théologiens tient à leurs préoccupations différentes : le primat de la contemplation chez Thomas, et la concentration sur la doctrine de la justification chez Luther. En mettant au centre la doctrine de la justification, ce dernier définit le sujet de la théologie comme étant “ l’homme pécheur accusé et perdu et le Dieu qui justifie et sauve. Tout ce qui dans la théologie n’aurait pas de rapport à cette question est erreur et poison ” . Cette définition montre à la fois le tournant anthropologique de la théologie moderne et le déclin de la finalité contemplative de la théologie. Pour Thomas, le sujet de la doctrine sacrée est Dieu . Il ordonne ainsi toutes ses réflexions à la connaissance de Dieu. Dans ses textes consacrés à la justice de Dieu, que ceux-ci soient systématiques ou exégétiques, et quel que soit leur contexte, il considère la justice de Dieu en tant que propriété de Dieu en lui-même, certes révélée dans les effets créés de son agir, mais ne se réduisant pas à ceux-ci. Cette approche de la justice divine montre la conception thomasienne du savoir théologique s’appropriant le modèle aristotélicien de l’épistémé (connaissance par la cause) ; Thomas conçoit chaque objet dans la théologie en le ramenant à sa cause première qu’est Dieu. La théologie thomasienne finalisée par la contemplation de l’essence divine paraît toute différente de l’approche luthérienne et plus généralement moderne, qui insiste sur l’originalité de la révélation biblique (l’Écriture ne nous décrit pas ce qu’est Dieu en lui-même, mais nous dévoile le mystère de Dieu dans son action en vue de notre salut), et refuse de considérer la justice divine en tant que propriété de Dieu en lui-même .
Ainsi, un déplacement relatif à l’approche théologique de la justice divine s’est opéré entre Thomas et les modernes. Deux points sont à relever. Tout d’abord, le modèle de connaissance a changé : adoptant le paradigme aristotélicien de l’épistémé, Thomas privilégie la contemplation de nature intuitive et une connaissance par la cause, portant sur les réalités nécessaires. En revanche, les modernes, sous le grand impact de la notion d’histoire sur la conscience moderne, privilégient une connaissance des contingents. Un autre changement plus profond encore que ce premier touche à la conception de la connaissance. Dans la perspective moderne suivant Luther, la coïncidence de l’ordre intelligible et de l’ordre réel est mise en question. La connaissance est alors envisagée principalement à partir du sujet connaissant. Selon cette conception, l’essence divine, dépassant la capacité humaine, se situe au-delà de toute cognoscibilité. En revanche, pour Thomas, l’ordre intelligible et l’ordre réel convergent ; la connaissance consiste dans une assimilation de l’intellect humain au réel. Selon cette perspective, Thomas affirme que certains noms divins comme “ bon ”, “ sage ”, et “ juste ”, sont attribués à Dieu de “ façon absolue et affirmative ”, et qu’ils ne signifient pas seulement le rapport de Dieu à la créature, mais aussi la substance divine (substantia divina), bien qu’ils soient déficients à représenter Dieu, puisque notre connaissance de Dieu dépend de celle des créatures . Pour Thomas, contrairement à certains modernes, l’expression scripturaire “ justice de Dieu ” peut ainsi signifier la justice de Dieu en soi et ne se réduit pas à ses effets créés.
Les deux caractéristiques de l’épistémologie théologique de Thomas dans sa réflexion relative à la justice divine (le savoir théologique finalisé par la contemplation de l’essence divine et le maintien du lien entre raison et foi dans la connaissance humaine de Dieu), nous paraissent avoir une grande actualité. Le rappel et le maintien de la finalité contemplative interroge l’homme moderne, qui, à la suite de la dévalorisation de la contemplation et du primat accordé à l’homo faber, pense trouver dans les sagesses et les spiritualités orientales ce à quoi lui-même a renoncé. La valorisation thomasienne de la finalité contemplative de la théologie interroge la théologie moderne dans sa tendance à évacuer la réflexion sur l’essence divine en s’interdisant de passer de l’oivkonomi,a à la qeologi,a, sans qu’il faille bien sûr renoncer aux apports positifs de la modernité, tels que la prise en compte de l’historicité ou la mise en valeur de l’économie du salut dans la théologie des attributs divins. Le maintien du lien entre raison et foi rejoint aujourd’hui de nombreuses réflexions critiques concernant la rationalité moderne et l’appauvrissement de la raison causé par la philosophie des “ Lumières radicales ” qui séparent catégoriquement raison et foi .
Notre travail, élaboré selon la problématique que nous venons d’esquisser, se veut à la fois historique et systématique. Il se divise en trois grandes parties. Dans les deux premières, notre recherche se présentera d’abord comme un exercice de lecture. Nous procéderons en effet à l’examen attentif de textes choisis. Conformément à l’exigence de la méthode historique, nous replacerons chaque texte commenté dans son contexte historique et son plan général, comparerons entre eux les textes de Thomas en les situant chronologiquement, et les confronterons éventuellement avec ceux de ses contemporains. Nous porterons aussi une grande attention aux sources et à l’utilisation du vocabulaire.
En outre, puisqu’il nous a paru important de laisser se dégager au fil du commentaire les divers problèmes qui émergent et rebondissent continuellement, nous avons choisi le plus souvent de suivre l’ordre des articles des textes de Thomas plutôt que de présenter d’emblée une systématisation thématique. En commentant les textes, nous ne nous interdirons pas, si cela s’avère opportun, de consulter des commentateurs. Dans la troisième partie, nous tenterons de mettre en œuvre une lecture de Thomas plus doctrinale qu’historique, en le confrontant à la culture contemporaine, puisque des questions similaires se posent pour nous à travers les débats actuels. C’est pourquoi, en diverses occasions, nous prendrons aussi position dans ces débats. La mise en œuvre de la méthode que nous venons d’exposer implique le plan suivant.
La première partie sera consacrée à la notion de justice en général chez Thomas. C’est un passage obligé pour entrer dans sa notion de justice divine, puisqu’il attribue à Dieu par analogie le nom “ justice ” que l’intellect humain forme à partir des créatures. Cette partie sera composée de deux chapitres. Le premier examinera la conception de la vertu et de la justice dans les Sentences de Pierre Lombard (liv. 2, d. 27 et liv. 3, d. 33) et dans leurs commentaires par Albert le Grand, Bonaventure et Thomas d’Aquin. Cet examen situera ce dernier dans son contexte historique et doctrinal, afin de saisir son originalité, qui se manifeste par un recours massif à la notion aristotélicienne de justice, à la différence de ses deux contemporains. La lecture d’Aristote semble lui avoir permis de concevoir une articulation rigoureuse entre nature et grâce, entre naturel et surnaturel, que ses devanciers n’étaient pas parvenus à penser . Le second chapitre étudiera la conception de la justice telle qu’elle se trouve dans la ST II-II 58-61, texte où Thomas élabore sa synthèse définitive sur la justice. L’analyse de ces textes sera précédée de deux développements relatifs à la conception thomasienne du rapport entre nature et grâce et au cadre général de la morale thomasienne fondée sur cette conception.
La deuxième partie, en s’appuyant sur l’étude de la notion de justice effectuée dans la partie précédente, étudiera le corpus des textes consacrés à la justice divine, et se divisera en trois chapitres. Le premier se proposera d’analyser les trois textes consacrés à la justice divine parmi les œuvres systématiques, à savoir Sent. IV, 46, SCG I, 93 et ST I, 21. Avant d’analyser ces textes, nous établirons un dossier des sources principales qui y sont utilisées, à savoir Aristote, Denys l’Aréopagite et saint Anselme. L’analyse des trois textes en question, selon l’ordre chronologique, suivie de cette étude des sources, mettra en lumière leur caractéristique commune : une explication de la justice divine manifestée dans l’œuvre de la création au moyen de la notion aristotélicienne de justice distributive, ainsi que leurs particularités respectives liées au contexte et au choix méthodologique mis en œuvre dans chacun des trois textes. Le deuxième chapitre reconstituera la conception de la justice divine manifestée dans l’œuvre du salut réalisée par le Christ à partir de la Tertia Pars de la ST, contenant la synthèse ultime de la christologie de Thomas, en la comparant éventuellement avec le commentaire du troisième livre des Sentences. Dans ces élaborations christologiques, Thomas montre admirablement comment le fait que l’homme soit sauvé par la Passion du Christ convient à la fois à la justice et à la miséricorde, et comment ces deux attributs divins ne se manifestent dans leurs suprêmes exigences que par leur union sur la croix de Jésus. Le troisième chapitre étudiera le Commentaire de l’Épître aux Romains, lieu le plus approprié à un examen de l’approche thomasienne de la justice divine sous l’angle exégétique. L’originalité de Thomas, dans son exégèse de l’expression paulinienne “ justice de Dieu ”, est commandée par la finalité qu’il attribue à la réflexion théologique, à savoir la contemplation de Dieu ; il inverse ainsi l’ordre proposé par ses devanciers et fait succéder au sens de la justice divine entendu comme qualité de Dieu son sens sotériologique.
À partir de l’étude menée dans ces deux premières parties, nous tenterons dans la troisième et dernière d’ouvrir des perspectives de réflexion afin de dégager l’enjeu épistémologique de la théologie thomasienne. Le premier de ses deux chapitres mettra en lumière la finalité contemplative de celle-ci et son intérêt dans un contexte moderne où la valorisation de l’homo faber déprécie la contemplation au profit de l’action . Cette réflexion nous conduira à nous interroger sur la pratique moderne de la théologie, qui peut aller jusqu’à en éliminer la dimension contemplative. Le second chapitre essaiera de dégager l’enjeu épistémologique de la théologie thomasienne. Pour mieux le faire ressortir, nous confronterons Thomas à Luther, qui a entériné la séparation moderne entre raison et foi déjà “ consommée par Guillaume d’Ockham ” .
L’utilité de cette comparaison nous paraît considérable, puisqu’il s’agit d’abord de mettre en lumière le déplacement opéré entre Thomas et les modernes, et par là de rendre la théologie de l’Aquinate accessible à nos contemporains, conditionnés par la perspective moderne dominante. Cette confrontation nous conduira à nous interroger sur le possible appauvrissement de la connaissance humaine de Dieu causé, par une séparation radicale entre raison et foi ; la conception thomasienne de leur rapport, modèle d’équilibre et d’harmonie, pourra apparaître comme une via media permettant d’éviter les excès néfastes et les réductions simplificatrices.

Lundi 12 décembre 2005
14 heures 30
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Charles-Olivier STIKER-METRAL soutient sa thèse de doctorat :

 "Narcisse Contrarié" L’amour propre dans le discours moral en France (1650-1715)

En présence du Jury :

M. FERREYROLLES (Paris 4)
M. BURY (Versailles)
M. DAGEN (Paris 4)
M. KAMBOUCHNER (Paris 1)
M. THIROUIN (Lyon 2)

Mercredi 13 décembre 2006
9 heures
Maison de la Recherche, Salle D035, RDC
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Hervé OUDART soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Ni "dominus", ni "abba" mais "magister" : les expériences érémitiques de Robert d’Arbrissel complétées par "Autour du dossier martinien" : religion et politique dans le haut Moyen Age"

 En présence du Jury :

M. CONSTABLE
M. DUBREUCQ (LYON 3)
M. GUILLOT (PARIS 4)
M. PADOA-CHIOPPA (MILAN)
M. SASSIER (PARIS 4)
M. VERGER (PARIS 4)

Samedi 25 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Descartes
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme Isabelle COGITORE TARPIN soutient son habilitation à diriger des recherches :

 "Nomen dulce libertatis". Expression littéraire d’une idée politique (Ier siècle av. J.-C.-IIème siècle ap. J.-C.)

 En présence du Jury :

Mme DANGEL (PARIS 4)
M. FERRARY (EPHE)
Mme FRANCHET D’ESPEREY (BORDEAUX 3)
M. LEVY (PARIS 4)
M. MARTIN (MONTPELLIER 3)
M. ZECCHINI (MILAN)

Vendredi 17 juin 2005
14 heures
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Michael HOFFMANN soutient sa thèse de doctorat :

 "Ordre, famille, patrie", Perception et influence de la première guerre mondiale sur la droite modérée pendant les années vingt. Naissance d’un parti, culture politique, milieu social

En présence du Jury :

M. SOUTOU (Paris 4)
M. JARDIN (CNRS)
M. BABEL (Munich)
M. MAYEUR (Paris 4)
M. WIRSCHING (Augsburg)

Samedi 10 décembre 2005
13 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Anne-Valérie PONT soutient sa thèse de doctorat :

 "Orner la cité". Les enjeux culturels, sociaux et politiques de la construction et de la restauration des monuments publics dans les cités d’Asie et de Pont Bthynie, du Ier au IVème siècle ap. J.-C.

En présence du Jury :

M. MARTIN (Paris 4)
Mme BELAYCHE (EPHE)
M. LARONDE (Paris 4)
M. SARTRE (Tours)
M. SEVE (Metz)

Résumés

L’« ornement de la cité » ne décrit pas la simple appréciation de la beauté de la cité issue de la construction de monuments publics. Aux yeux des habitants des cités grecques d’Asie et de Pont-Bithynie sous domination romaine, en particulier à partir de la fin du Ier siècle, il est le lieu d’investissement de valeurs communes, culturelles, sociales et politiques. Il se révèle être l’un des meilleurs modes de participation à l’idéal civique, pour les évergètes comme pour les organes politiques de la cité, jusqu’à la fin du IVe siècle. Les inscriptions honorifiques et les dédicaces, les épigrammes du IVe siècle, ainsi que les discours des sophistes et des orateurs de la seconde sophistique, permettent de prendre connaissance de cette manière de concevoir le paysage urbain, irréductible à l’idéologie romaine. L’idéal de l’ornement de la cité se révèle ainsi un moyen de défendre l’identité grecque et l’autonomie de la cité, face aux grands pouvoirs dont dispose l’administration romaine. Jusqu’à la fin du IVe s., l’ornement de la cité indique la capacité de l’hellénisme dans cette région de l’Empire romain à toujours définir de nouveaux enjeux culturels et politiques.

SUMMARY - « To embellish the city » through public buildings does not only designate a simple search for beauty. For inhabitants of ancient Greek cities living in the Roman provinces of Asia and Pontus-Bithynia in Western Asia Minor, making the city as beautiful as possible also means sharing cultural, social and political values. It mainly aims at showing, especially from the end of the Ist century until the end of the IVth century, that the City Council and its Assembly, as well as benefactors, keep to a still living ideal of civic life. This phenomenon which is irreducible to the Roman ideology is best approached through epigraphic and second sophistic discourses. It is one of the best ways to claim a Greek identity and a civic autonomy against always threatening governors. Until the end of the IVth century, the Greeks’ ‘kosmos’ reveals that Hellenism is still alive and capable of setting itself its own cultural and political goals in spite of a changing world.

MOTS CLES - Empire romain. Orient romain. Province d’Asie. Province de Pont-Bithynie. Épigraphie. Monuments publics. Hellénisme impérial. Seconde sophistique. Évergétisme. Vie politique. Administration. Identité grecque.

Position de thèse

« Orner la cité » est devenu à l’époque romaine, dans les cités d’Asie Mineure occidentale, un des enjeux essentiels de la vie civique, débattu à l’Assemblée et au Conseil, et l’un des bienfaits les plus appréciés de la part des évergètes, sur un plan moral et culturel. L’Asie Mineure occidentale connaît des conditions particulières à l’époque romaine ; en Grèce ou en Syrie, les circonstances sont différentes et conduisent à l’expression d’enjeux qui ne sont pas exactement les mêmes ; en Afrique, province sénatoriale florissante comme l’Asie, les monuments publics ne suscitent pas le même type de discours. La structure des inscriptions y présente de légères différences avec l’Asie, confirmées et amplifiées par l’absence d’un discours politique et philosophique aussi riche sur l’importance de l’ornement de la cité, coordonné aux autres enjeux de la vie civique. En Asie Mineure occidentale, l’« ornement de la cité » doit être rapporté non pas à la majesté de l’empire, à une idée de romanisation ou de participation à une civilisation universelle, mais à la participation à l’hellénisme, issu d’une longue histoire et de cités séculaires. Il marque un renouvellement décisif de l’hellénisme, et des efforts et un dialogue politique permanents au Conseil, comme le montrent les discours de Dion de Pruse ; nou avons voulu montrer, après d’autres , dans une enquête choisissant délibérément un thème particulier du débat politique, que la cité grecque n’a pas perdu toute substance subitement à la fin de l’époque hellénistique. En outre, ce constat très simple que les sources de financement de la construction de monuments publics sont d’origine civique conduit à remettre en cause, dans l’étude du fonctionnement de l’empire romain, une vision trop impérialiste, trop romanocentrée, peu apte à expliquer l’histoire des provinces d’Asie et de Pont-Bithynie. De ce point de vue, l’étude de la construction impériale a conduit peu à peu à des excès ; l’ouvrage d’E. Winter qui part de l’idéologie impériale pour expliquer les constructions , de même que la synthèse d’H. Halfmann sur l’urbanisme d’Éphèse et de Pergame, plaçant au cœur des initiatives urbaines la qualité de la relation des cités avec l’empereur , et les analyses planimétriques par P. Gros d’Aizanoi et Éphèse sans prendre en compte les sources réelles du financement des constructions, sont des exemples de ce mouvement historiographique ; sa plus simple expression consiste à faire passer au premier plan le contexte économique favorable et le désir de plaire à l’empereur, deux facteurs utilisés de manière trop prépondérante pour expliquer le développement des constructions à l’époque romaine dans certaines études de l’urbanisme en Asie Mineure . Le choix de restreindre l’analyse à deux provinces de l’empire qui nous ont paru former un tout cohérent culturellement et politiquement, permet d’envisager les forts contrastes qui règnent en matière d’urbanisme entre les différentes provinces de l’empire, en particulier grâce à la comparaison avec l’Afrique, rendue possible grâce aux œuvres fondamentales de Fr. Jacques et de Cl. Lepelley . La vivacité culturelle et politique de la cité grecque d’époque romaine, dont l’ornement de la cité constitue un révélateur, débouche naturellement sur un mode de relation différencié à l’empire et à l’empereur.

Le kÒsmoj atteste le déploiement d’un système de valeurs précis et cohérent. Complétant l’étude des sources épigraphiques, essentiellement des dédicaces et des inscriptions honorifiques, et au IVe siècle, des épigrammes honorant les gouverneurs traduisant des rapports politiques nouveaux au sein des cités mais une appréciation renouvelée du kÒsmoj, la lecture des discours de Dion de Pruse et Aelius Aristide inscrit les faits connus par les inscriptions dans un contexte culturel, moral et politique plus larges. C’est pourquoi nous avons tenté d’énumérer les valeurs relatives au fait d’« orner la cité » : bien qu’on ne les trouve pas à l’état pur, elles avaient une efficacité réelle dans la vie des cités ; on voulait donner l’image qu’on les respectait et qu’on les pratiquait. L’ornement de la cité renvoie d’abord à une image, idéale et nouvelle, de la cité à l’époque romaine. Les enjeux étaient différents à l’époque hellénistique : cet idéal ne peut pleinement se déployer qu’en période de paix. Le kÒsmoj est d’abord une manière vivante de voir la cité, dans le sens où elle prend acte des modifications que connaît le paysage urbain et les réinterprète dans sa propre grille d’appréciation. L’extension plus grande des cités, les nouvelles constructions, la multiplication des voies à portique, sont prises en considération. La succession de paysages différents au sein d’une même cité, la répétition d’une cité à l’autre de la même architecture mettant en œuvre des portiques, donnant une impression de continuité, la proximité de la mer ou les sites en terrasse, l’éclat du marbre, attirent l’éloge. Plus tard, au moment de la disparition des temples païens dans le courant du IVe s., lorsqu’ils ne sont plus entretenus, gisent ruinés, voire sont détruits, le kÒsmoj de la cité continue d’être célébré. Malgré des modifications dans son expression, parmi lesquelles l’usage de la forme épigrammatique, il reste en prise directe avec ce qu’il était au Haut-Empire. Le paganisme n’est pas encore interdit ; dans ces régions, la construction d’églises ne fait pas encore partie au IVe s. des actes évergétiques possibles ou des monuments qu’un gouverneur ordonne de construire dans une cité ; ce n’est qu’à l’extrême fin du siècle que des chrétiens s’identifient en tant que tels dans la dédicace d’un monument public, la christianisation de la société progressant, et encore un peu plus tard que les églises chrétiennes sont désignées comme faisant partie de la beauté d’une cité. Les théâtres, les bains, les voies à portiques, sont encore les premiers destinataires des interventions pour embellir la cité. Dans l’espace urbain, du Haut-Empire à la fin du IVe s., tous les monuments publics sont pris en considération ; les ports, les aqueducs, les espaces commerciaux participent aussi de l’ornement de la cité. Le beau paysage urbain est une notion qui existe même en dehors de l’accomplissement d’actes évergétiques ; il est avant tout le résultat d’une politique civique, et naît au IVe s. des rapports entre le gouverneur ou le vicaire, et les bouleutes de la cité ; le premier décide de réaffecter à la construction des revenus de la cité, dont il a le contrôle, les seconds lui décernent un éloge poétique pour avoir eu cette initiative. L’affaire reste encore éminemment civique. Tout ce que disent les inscriptions peut être mis en perspective avec les discours des orateurs et sophistes originaires d’Asie Mineure occidentale et qui y ont exercé leurs talents. Conscients des enjeux de leur époque, ils tentent d’influencer la vie des cités pour qu’elles conservent leur autonomie, en dehors du regard du gouverneur, et pour qu’elles mènent une politique conforme aux idéaux culturels, politiques et moraux de l’hellénisme. Les orateurs et les sophistes élaborent sans cesse de nouveau critères d’appartenance à l’hellénisme : l’ornement du paysage urbain en est un, qui s’adapte fidèlement aux exigences et possibilités du temps. L’action polymorphe de M. Antonius Polémon montre comment l’ornement urbain est un enjeu important pour la vie de la cité, dont la toute la signification n’apparaît qu’investi de valeurs politiques . La philosophie politique de Dion de Pruse et d’Aelius Aristide montre comment la recherche de la beauté de la cité est un but noble, pourvu qu’elle ait lieu dans une cité où les débats de l’assemblée s’achèvent par un accord de tous. La spécificité de la région étudiée naît de la remarquable concordance entre les inscriptions et les nouvelles orientations données à la vie politique sous l’égide des sophistes et orateurs, qui définissent un système de valeurs concordant et exigeant. Nous sommes loin de la promotion du « luxe romain » , concept historiographique qui peut être défini comme une forme de romanisation des esprits par la séduction exercée sur les notables, en rupture avec le peuple des cités, par la dépense d’argent inutile dans des constructions tapageuses. Jamais un habitant des cités grecques d’Asie Mineure occidentale - pas même Dion de Pruse quand il déplore que les cités soient plus préoccupées, parfois, de beaux monuments que de concorde - n’eut l’idée de considérer ainsi les monuments publics qui se construisaient. Ils procédaient d’une volonté des cités et de leurs habitants. Le kÒsmoj était investi de valeurs culturelles et politiques élaborées au sein de l’hellénisme, sans aucune subordination à Rome. Entre l’habitant de la cité et l’empereur, il y a en Asie mineure occidentale un niveau bien plus doté d’affectivité, d’histoire, et qui oriente tout le regard, qui est le niveau civique. C’est à la petite patrie que l’on pense avec émotion et que l’on veut choyer, comme des enfants reconnaissants envers leurs parents . Dans le régime oligarchique qui se met en place, la dizaine ou les quelques dizaines de notables qui, en fonction de la taille des cités, sont en capacité de participer au Conseil ou de financer eux-mêmes des constructions sont au premier plan dans l’expression de cette affection. L’arrogance ni la vantardise ne sont de mise dans l’énumération de ce que l’on a fait pour la communauté civique, la discrétion sur certains détails n’empêchant pas la précision sur les dons offerts. Le bâtiment comme résultat d’une culture raffinée, plutôt que comme le fruit d’un talent technique d’architecte. Ainsi les débats sur l’influence des techniques architecturales romaines, et la présence d’ingénieurs romains en Asie mineure occidentale, comme facteurs d’acculturation et signe d’un manque de ressources techniques de la part des cités, sont-ils peu en prise avec le sentiment du public dans les cités. Les retards dans l’exécution des projets sont indiqués par l’emploi d’un verbe différent de kataskeu£zw : des composés de tele...w ou ¢part...zw indiquent le délai dans l’accomplissement d’une promesse de construction ou d’un projet entrepris par la cité. Quand le retard est imputable à un évergète, c’est en général à cause du décès du premier commanditaire de la construction ; de manière différente de l’Afrique, les détails sur le paiement d’intérêts par des évergètes récalcitrants sont absents. Ce silence des inscriptions est rattachable directement à l’effort sans cesse poursuivi de donner l’image d’une cité où règne la concorde. L’image du fonctionnement du corps civique dans les inscriptions est donc extrêmement importante. Elle indique la participation à un idéal civique, dissimulant les désaccords et voulant donner l’impression d’une bonne entente, dont le résultat manifeste est l’ornement de la cité. Cette manière de faire passer au second plan les désaccords ne doit pas faire taxer les inscriptions d’imprécision ou de mensonge : elle est le résultat direct de la volonté de participer à un idéal civique, qui demande à chaque participant à la vie civique de faire un effort sur soi, que l’on sait difficile à réaliser, en vue de parvenir à l’ÐmÒnoia. Elle seule dans l’empire romain assure désormais la liberté .

L’espace urbain est également le lieu de l’expression, sous des formes en partie renouvelées, de l’identité de la cité. La revendication d’une identité mythique dans l’espace urbain contribue à disjoindre sa perception de celle de la grandeur de l’empire. La référence au passé mythique est particulièrement importante. Il est mis en valeur dans les décorations des frontes scaenae des théâtres, dans les statues qui ornent les bains, dans les rues. Hérodien, lors de la destruction de Byzance par Septime Sévère, indique que « privée de ses théâtres, de ses bains et de tout ce qui lui donnait de l’éclat et de la valeur, Byzance fut alors accordée, en guise de présent, aux Périnthiens pour qu’ils en devinssent maîtres » . Le vocabulaire utilisé est conforme à celui que l’on trouve dans les discours d’Aelius Aristide ou dans les inscriptions : kaˆ qe£trwn te kaˆ loutrîn pantÒj te kÒsmou kaˆ timÁj ¢faireq n tÕ Buz£ntion kèmh douleÚein Perinq...oij dîron ™dÒqh. Il n’est pas question ici que de la simple présence de bains et d’un théâtre : ils sont le lieu d’expression de prédilection de l’identité de la cité, de sa beauté pour les premiers, de son activité politique pour les seconds ; les raser, c’est priver l’ancienne cité, désormais réduite au statut de kèmh, de village, de tout moyen d’illustration et d’expression de son identité. De la transition entre la basse époque hellénistique et le Haut Empire, que l’on peut dater de la fin des Julio-claudiens, jusqu’à la fin du IVe siècle, un regard particulier existe dans cette région sur la construction dans les cités. Il est en rupture, ou plutôt, il ignore, la manière dont les Romains, les administrateurs romains, considèrent un beau paysage urbain : les habitants des cités grecques d’Asie et de Pont-Bithynie ne voient pas le succès du règne dans le nombre de monuments construits à une époque donnée. Il faut prendre garde à la correspondance de Pline le Jeune échangée avec les bureaux du Palatin et Trajan pendant qu’il administrait le Pont-Bithynie. Il trace un portrait à charge de cités désorganisées, faibles, où l’on ne pense qu’aux plaisirs amollissants du gymnase. Cet administrateur romain voit partout la gloire de Trajan et le succès de l’administration impériale, sur des corps civiques affaiblis. Dans les études historiques, sa valeur sur la vie des cités grecques d’Asie et de Pont-Bithynie a étrangement été surévaluée au détriment des sources issues des cités elles-mêmes, qui indiquent que des particuliers comme des cités ont trouvé les ressources pour construire, en préservant une certaine autonomie. Rapproché des sources législatives pour la plupart d’époque sévérienne sur le rôle du gouverneur, on en a conclu que ce dernier était tout-puissant dans sa province, qu’il contrôlait tout, notamment les chantiers de travaux publics. Or, la lecture des inscriptions et des sources littéraires, bien qu’elles indiquent le souci permanent d’éviter l’ingérence du gouverneur, menaçante en cas de conflit dans la cité, met sans cesse au premier plan le niveau civique, ses institutions politiques, et les constructeurs eux-mêmes. De même, à la fin de la période, l’ensemble de la législation impériale, très importante en matière de conservation du patrimoine religieux, mais uniquement à destination des provinces occidentales, risque-t-elle de conduire à aplanir les différences qui subsistent dans l’empire romain, malgré une administration plus proche de chaque cité. En Asie Mineure occidentale, la conservation des temples n’a jamais été un souci, à partir du moment où l’on n’y pratiquait plus de rites. L’« ornement de la cité » est une notion qui jusqu’à la fin de l’hellénisme, c’est-à-dire le moment où le rapport de forces en faveur des chrétiens est irréversible à la fin du IVe s., voire plus tardivement malgré les mesures de Théodose, s’adapte aux nouveaux enjeux culturels et politiques qui s’offrent aux cités. Ce constat amène peut-être à envisager les modes d’adaptation des autres domaines de la vie publique à ces mêmes changements, qui se produisent lors du passage de la basse époque hellénistique à un monde de paix sous le pouvoir romain, puis après les troubles du dernier tiers du IIIe siècle. La cité grecque trouve comment tirer profit de la présence plus grande du gouverneur. Elle survit d’au moins un siècle aux réformes de Dioclétien. La lettre des empereurs Valentinien, Valens et Gratien au proconsul d’Asie de 371-372 , sur les biens fonciers des cités, en donne un petit aperçu, le Conseil d’Éphèse récupérant, à sa propre demande, la gestion d’une partie des biens de la cité pour en affecter les revenus à la restauration de monuments publics.

Le paysage urbain donne donc à voir l’image d’une cité belle, ordonnée, brillante, par l’éclat du marbre revêtant les parois de ses monuments publics comme par la qualité de ses habitants, correspondant ainsi aux différents sens du mot kÒsmoj, du plus étroit et apparemment superficiel (ce qui brille, la beauté du marbre), au plus profond (l’ornement de l’ensemble de la cité par des monuments publics étant le résultat des vertus politiques de ses habitants). Pourquoi suffisamment d’évergètes, et plus largement l’ensemble des notables qui par leur position sociale et politique se retrouvent en position d’orienter les débats à l’assemblée et de trancher les décisions au Conseil, ont-ils fait de l’ornement de la cité l’un des meilleurs moyens de participer à un idéal civique ? La morale de classe des notables les porte à considérer la construction comme une forme privilégiée d’action au sein de la cité, que ce soit en favorisant l’initiative de constructions publiques au Conseil ou par une initiative personnelle. Nous ne prétendons pas, cependant, que la construction publique était l’enjeu le plus important pour une cité à l’époque romaine ; personne n’oubliait jamais quel type de reconnaissance on pouvait avoir pour quelqu’un qui aurait obtenu des privilèges, une remise de tribut, un statut plus favorable. Le vocabulaire des inscriptions honorifiques indique que la reconnaissance de la cité est juste et mesurée, en proportion du bienfait reçu. Obtenir des privilèges pour la cité par une ambassade auprès de l’empereur donne plus sûrement droit au titre de kt...sthj, que le fait de construire. L’ornement de la cité était néanmoins un enjeu de premier plan. L’étude de ce comportement remarquable consistant à orner la cité, mais qui néanmoins restait accessible à tout un groupe de notables, et ne concernait pas seulement celui qui avait l’entregent et le talent nécessaires pour plaider dans les grandes occasions, donne un bon aperçu des enjeux d’un type d’évergétisme particulier, et du système moral qui le supporte, dont on ne peut poser en théorie qu’il est le même dans d’autres provinces, ni à toutes les époques. Dans un régime oligarchique, tel que les Grecs le conçoivent depuis des siècles comme le montrent les définitions des différents systèmes politiques par Aristote, l’exercice des magistratures par les notables se justifie par leur générosité envers la cité ; le rappel de cette qualité morale dans les inscriptions honorifiques se réfère donc à une valeur morale et politique très précise. En revanche, dans ce domaine de l’évergétisme, il n’est jamais de bon ton de rappeler combien on a dépensé ou d’utiliser un adverbe tapageur comme plous...wj. Des valeurs culturelles et morales président à l’élaboration d’un beau paysage urbain : les descriptions par Lucien des bains d’Hippias ou de La salle le prouvent. Une culture historique et littéraire est nécessaire pour éduquer le regard du spectateur aux beautés des monuments publics. Ces qualités requises sont certes associées à la notabilité, mais n’ont rien à voir avec la noblesse comme système fondé uniquement sur l’héritage et la référence au passé. C’est pourquoi l’idée d’orner la cité ne paraît pas être une distraction par rapport aux enjeux brûlants que sont la préservation de son autonomie et le maintien d’une vie politique civique : les notables qui construisent prennent en considération les attentes de leurs concitoyens et agissent pour illustrer leur nom, éventuellement se faire connaître au-delà de la cité, en fonction de motivations impérieuses qui ne sont pas tournées vers le passé, et qui n’ont pas grand-chose à voir avec le souci de continuer des traditions familiales. Elles concernent moins la gloire d’une famille que l’illustration d’un individu et surtout, le bien de la communauté. Les différentes évergésies possibles sont jugées essentiellement sur le critère de l’utilité commune : mieux que les distributions, les chasses, les combats de gladiateurs (qui malgré leur popularité sont jugés très négativement par les moralistes grecs ) et à peu près à égalité avec les concours qui sont également l’occasion pour la cité de se réunir et de célébrer ses dieux, la construction de monuments publics est la plus hautement valorisée, notamment dans les œuvres de Plutarque, qui ne critique pas cette forme d’évergésie, ou de Dion de Pruse. Elle donne des garanties de la durée de la communauté civique. Il se trouve que c’est aussi le type d’évergétisme qui inscrit le plus durablement le nom du donateur dans l’espace public, à défaut de lui valoir la popularité subite de l’éditeur de spectacles violents. Ainsi un ensemble de motivations culturelles et morales puissantes explique qu’il se soit trouvé suffisamment de notables constructeurs dans la cité. Nous concevons donc cet objet d’étude de manière assez fondamentalement différente de la présentation de P. Veyne, qui étudiait tous les types d’évergétisme, envisagés comme le résultat de motivations psychologiques individuelles, à toute époque .

C’est dans ce contexte que doit être réévaluée l’importance du débat politique au sein de la cité à l’époque romaine, en partant de l’hypothèse que la construction de monuments publics, un thème culturel alors essentiel en Asie Mineure occidentale, est un bon indicateur du reste de la vie civique. D’autres sujets, bien sûr, doivent être explorés. Il est cependant possible d’affirmer, pour ce domaine précis de la construction de monuments publics, que la cité garde une capacité d’autonomie et de décision importante. L’assemblée et le Conseil restent maîtres des constructions au sein de la cité, que le financement soit public ou privé : quand un évergète veut offrir, il doit le dire devant les institutions civiques, qui en prennent acte, engageant ainsi le pollicitant. Il est possible de déceler, derrière nombre de summae honorariae, des votes à l’assemblée et au Conseil qui en décident l’emploi par avance. Les promesses supplémentaires en cours de charge faisaient également l’objet d’un contrôle des institutions politiques. Enfin, le faible nombre de constructions sur fonds publics contribue à remettre en cause l’idée de cités ruinées par leur propre faute à cause de programmes édilitaires trop ambitieux. Le grand nombre de constructions accomplies à des titres divers par des particuliers - lors d’une magistrature, ou en dehors de toute fonction - ne dépossède donc pas les corps civiques du contrôle de la construction. Le processus de la construction privée crée même la possibilité de conserver sa capacité de décision à la cité, tout en retirant au gouverneur, qui n’est censé intervenir que lorsque les finances de la cité sont menacées, l’occasion de contrôler la vie politique. Il est peut-être inattendu de voir qu’un domaine de la vie politique de la cité grecque, décrit parfois comme le fer de lance du contrôle romain sur la cité, à cause, essentiellement, des lettres de Pline (car les inscriptions n’en portent guère témoignage), est en réalité géré avec suffisamment d’habileté pour en général préserver la cité des interventions extérieures. L’évergétisme privé peut être lié à l’accomplissement d’une fonction civique (lors du dépassement d’une summa honoraria ou d’une promesse supplémentaire en cours de charge), ou être accompli en dehors de toute magistrature ou prêtrise. Souvent les inscriptions honorifiques ne permettent d’ailleurs pas de trancher, alors que les inscriptions d’autres provinces, comme l’Afrique, sont au contraire très précises à ce sujet. La structure de l’évergétisme en rapport avec une fonction se révèle être très différente entre l’Asie Mineure occidentale et l’Afrique, dont le cas est bien connu grâce à Fr. Jacques . Alors qu’en Afrique Fr. Jacques concluait que l’évergésie ob honorem intervenait au début d’une carrière et était l’occasion, en quelque sorte, d’ « acheter » les charges suivantes, en Asie comme dans le Pont-Bithynie - malgré la lex Pompeia dans le Pont-Bithynie, l’absence de cursus précis au sein des cités d’Asie, et les différences d’une cité à l’autre - les constructions que l’on peut relier à l’exercice d’une fonction ont eu lieu après avoir exercé les plus grandes prêtrises ou les hautes magistratures civiles. Une carrière ne s’achète pas, ou du moins, le don apparaît toujours comme s’il était fait en toute liberté, sans que le pollicitant y trouve un intérêt direct. Cette temporalité renforce la noblesse de son geste. Elle explique peut-être l’absence d’évergètes récalcitrants dans les sources épigraphiques : pourquoi rechigner à accomplir sa promesse, quand on a promis alors qu’on a obtenu tous les honneurs ? Quand on se penche dès lors sur les relations entre les cités et l’empereur, il faut restituer à l’ornement de la cité toute l’épaisseur politique civique qu’en exige Dion de Pruse ou Aelius Aristide. Une belle cité n’a pas de valeur si ses habitants sont divisés ; si l’on réunit l’ornement de la cité et la concorde, la cité tout en maintenant sa gloire agit alors avec le plus d’autonomie possible. Le gouverneur n’a pas de raison d’intervenir. L’examen des sources permet de constater que les raisons de l’intervention de l’administration impériale dans les affaires civiques, sur le thème de la construction publique, ont le plus souvent un rapport avec des circonstances particulières et difficiles imposées par des catastrophes naturelles. L’empereur ou le Sénat délègue alors un envoyé spécial pour estimer les dégâts et les remèdes possibles, notamment la remise du tribut. En dehors de ces cas, les inscriptions indiquent peu l’intervention du gouverneur. Après la réorganisation administrative de Dioclétien, des évolutions marquées se produisent, renforcées par les traumatismes violents qu’a connus la région dans les années 260 avec les invasions gothiques, et des tremblements de terre. À cette période l’Afrique n’a pas tant souffert, et l’évergétisme édilitaire y connaît une certaine continuité entre le Haut Empire et l’Antiquité tardive, comme l’apprend l’étude fondamentale de Cl. Lepelley . En revanche en Asie Mineure occidentale, l’évolution est drastique. Le redressement des cités est lent : ce n’est pas avant les années 330 que de nouveau on trouve des dédicaces de monuments publics ou des éloges de gouverneurs ayant pris l’initiative de faire construire. L’évergétisme des notables est totalement absent, jusqu’à la fin du IVe siècle, ce qui est différent de l’Afrique et de l’Italie comme d’autres régions orientales, comme la SyrieLe proconsul d’Asie, le vicaire d’Asie et le praeses Cariae, un fonctionnaire d’un rang beaucoup moins prestigieux que les deux précédents, sont les plus actifs dans la construction de monuments publics. De la sorte, quelques cités, en général parmi les plus prestigieuses, Éphèse, Milet, Smyrne, Sardes, Aphrodisias, Hiérapolis, Laodicée du Lycos, Assos et Tralles, sont les premières bénéficiaires de cette politique. Les éloges en vers que les conseils des cités décernent à ces gouverneurs continuent de glorifier l’« ornement » de la cité, attestant la continuité d’un phénomène culturel même si ses modalités politiques ont évolué.

L’influence impériale sur l’ornement de la cité remet définitivement en cause, nous semble-t-il, l’idée que des enjeux impériaux polarisaient la vie des cités. L’action directe de l’empereur sur le paysage urbain est rare. Le titre de kt...sthj, l’affichage de lettres impériales sur des bâtiments contemporains, les voyages d’Hadrien, ne suggèrent pas une activité de financement de constructions par l’empereur . Les occasions de la générosité impériale sont assez précisément limitées, soit à l’entretien de rapports particuliers et personnels avec des cités, qui sont rares (Éphèse à cause de son statut, Ilion avec les Julio-claudiens et leurs successeurs, Milet et Trajan), soit aux conséquences d’événements violents, des guerres à l’époque augustéenne et sous les Sévères, des tremblements de terre. La première forme d’aide impériale consiste en réalité à plaider la cause de la cité au Sénat pour obtenir une remise de tribut. Aelius Aristide, dans le discours qu’il prononce sur le redressement de Smyrne après le tremblement de terre de 177 ap. J.-C., énonce les aides reçues par la cité : de la part de l’empereur, il mentionne le plaidoyer en faveur de la cité au Sénat et l’envoi de techniciens, si jamais, précise-t-il bien, la cité le souhaite (Marc Aurèle a eu la délicatesse de ne rien imposer qui aurait pu froisser la susceptibilité de Smyrne, tenant à préserver son autonomie même en cette occasion) ; mais Smyrne a également été secourue, de manière très importante et très concrète, par les cités du koinon d’Asie. Ce n’est qu’à l’époque julio-claudienne qu’on trouve quelques inscriptions citant l’empereur au nominatif dans une dédicace, après un tremblement de terre. L’importance du rôle de l’empereur doit donc être réévaluée : en matière d’urbanisme, dans la vie quotidienne des cités, son rôle est extrêmement faible. Les bienfaits qu’il accorde aux cités n’ont pas d’influence directe dans le paysage urbain : plaider en faveur de la remise du tribut, accorder aux cités des privilèges sont les principaux bienfaits que l’on réclame à l’empereur. Les cités ne sont pas que l’objet d’une politique impériale. Il faut aussi considérer la relation qu’elles entretiennent avec l’empereur, et la manière dont elle s’exprime dans l’espace urbain. La caractéristique principale de la figure impériale, d’après son exposition, les inscriptions, et les temples du culte impérial construits (le nombre des temples destinés à un culte impérial au niveau de la cité n’est pas si important que cela ; des temples néocores nouveaux ne sont plus construits après l’époque d’Antonin le Pieux), correspond à celle qui se dégage de la lecture de l’Éloge de Rome d’Aelius Aristide. L’empereur est garant de la paix de l’univers, du bon ordre du monde. Ce bon ordre permet le développement de l’« ornement de la cité », après les guerres de l’époque hellénistique. Mais il s’agit de l’accomplissement d’une virtualité de l’hellénisme, et non d’une forme romaine de civilisation. Les habitants des cités grecques d’Asie et de Pont-Bithynie paraissent donc avoir été extrêmement conscients des enjeux renouvelés de la vie civique sous domination romaine. La figure impériale n’était pas envahissante ; elle était même tenue à bonne distance et tout un chacun considérait que la beauté de la cité procédait directement d’un succès culturel et politique grec d’époque romaine. L’horizon de la cité était véritablement déterminant : tenter de déceler des politiques de construction, en rapport avec l’obtention d’un statut particulier ou de titres, siège de conuentus, participation au Panhellènion, mène à une aporie. Seules la néocorie d’Éphèse à la fin du Ier siècle, celles reçues par Pergame et Smyrne au début du IIe siècle, sont associées à une politique de construction dans la cité. L’étude de l’ornement de la cité confirme la vivacité de ces cellules politiques et leur capacité d’adaptation toujours renouvelée . Alors qu’en Afrique les constructions sont comprises comme une romanisation , les cités adoptant avec une certaine passivité un modèle de civilisation, en Asie et dans le Pont-Bithynie ce sont les cités elles-mêmes, leurs notables, leur élite intellectuelle constituée par les sophistes et les orateurs, qui définissent les nouveaux enjeux de la politique civique, en fonction de critères culturels issus de l’hellénisme. Leur capacité de réaction et d’adaptation à de nouvelles conditions est remarquable. La vivacité de l’hellénisme à l’époque romaine, dans cette région, n’est pas une idée vide : tout en entretenant une mémoire du passé, notamment mythique, jamais elles n’ont d’attitude nostalgique, jamais on ne pense dans ces cités à préserver des monuments dépourvus de sens en dehors du fait d’être devenus un patrimoine, jamais les cités ne figent leurs ambitions sur des hochets du pouvoir inutiles et dépassés. La cité, par de nouvelles constructions notamment, mais aussi en défendant sans relâche son statut et ses privilèges auprès de l’empereur, crée sans cesse les nouvelles conditions pour assurer son avenir.

Samedi 9 avril 2005
14 heures 30
En Sorbonne, amphithéâtre Chasles
Escalier E, 3e étage
1, rue Victor Cousin
75005 Paris

 M. Franck COLLIN soutient sa thèse de doctorat :

 "PAN ARCADIA MECUM SI IUDICE CERTET" Virgile et l’esthétique arcadienne dans la poésie latine

En présence du Jury :

Mme DANGEL (Paris 4)
Mme DION (Nancy 2)
M. HEUZE (Paris 3)
M. LEVY (Paris 4)
M. NADJO (Tours)

Samedi 4 décembre
14 h
En Sorbonne, salle G366, escalier G
2e étage
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 Mme Julia DROBINSKY soutient sa thèse de doctorat :

 "Peindre, pourtraire, escrire", le rapport entre le texte et l’image dans les manuscrits enluminés de Guillaume de Machaut (XIVe-XVe s.)

 En présence du Jury :

Mme CERQUIGLINI-TOULET (PARIS IV)
M. GALDERISI (POITIERS)
Mme JOUBERT-CAILLET (PARIS IV)
Mme LEFEVRE (TOURS)
Mme SZKILNICK (NANTES)

Samedi 4 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Descartes,
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme Sophie AUBERT soutient sa thèse de doctorat :

 "Per Dumeta". Recherches sur la rhétorique des Stoïciensà Rome, de ses origines grecques juqu’à la fin de la République

En présence du Jury :

M. CHIRON (PARIS 12)
Mme DANGEL (PARIS 4)
M. FERRARY ( EPHE)
M. GOURINAT (CNRS)
M. LEVY (PARIS 4)
M. PERNOT (STARSBOURG 2)

Résumés

Définie comme la science du bien parler où « bien parler » revient à « dire le vrai », la rhétorique stoïcienne ressemble à une anti-rhétorique. Éprise de concision, refusant l’appel aux passions, inapte à persuader l’auditoire, elle rejette toutes les caractéristiques de l’art oratoire traditionnel et s’apparente à la dialectique des philosophes. Le décalage entre des préceptes rigoureux et une palette ample et nuancée de pratiques oratoires invite toutefois à examiner si cette théorie ne renfermait pas les prémisses d’une interprétation plus souple, d’autant que les conceptions de la rhétorique ont évolué au fil du temps et des scholarques. Il semble que le stoïcisme, au moment de son implantation à Rome dès 155 avant Jésus-Christ avec Diogène de Babylonie, n’avait pas encore élaboré de message clair au sujet d’une discipline qui entretenait, depuis le Gorgias, des relations conflictuelles avec la philosophie. Grâce aux liens de Panétius avec l’entourage de Scipion, le stoïcisme infléchit le mode de vie et de parole de nombreux aristocrates romains, dont Fannius, Tubero, Rutilius Rufus puis Caton d’Utique. Partagée entre deux pôles d’attraction, le cynisme et l’aristotélisme, la rhétorique stoïcienne exerça une telle influence -comme modèle ou repoussoir -sur la plupart des écrivains latins qu’elle rendit nécessaire une stratégie polémique rigoureuse, d’ordre non seulement stylistique, mais aussi philosophique, de la part de Cicéron. Ce faisant, il contribua à l’acclimater à Rome, à l’ancrer dans la langue comme dans la culture, tout en suggérant que l’antinomie entre philosophie du Portique et rhétorique était peutêtre une réalité, mais non une fatalité.

As the science of speaking well, in which « speaking well » means « telling the truth », Stoic rhetoric is akin to an anti-rhetoric. Valuing brevity, refusing to excite passions, inapt at persuading its audience, it rejects every characteristic of traditional oratory and leans towards philosophical dialectics. However, the disparity between strict precepts and a wide range of oratorical practices encourages us to examine whether this theory may not allow a more open interpretation, especially as Stoic rhetorical doctrines changed with time and with the succession of Scholarchs. It seems that when it first took root in Rome, as early as 155 B.C. with Diogenes of Babylon, Stoicism had not yet formulated a clear message on a subject which had been conflicting with philosophy since the Gorgias. Because of the links between Panaetius and Scipio’s circle, Stoicism influenced the way many aristocrats, among whom Fannius, Tubero, Rutilius Rufus and Cato Uticensis, both lived and practised eloquence. Wavering between two poles of attraction -Cynicism and Aristotelianism -Stoic rhetoric had such a strong influence on most Latin writers, as a model to be either followed or rejected, that Cicero had to organise a rigorous strategic dispute, both stylistic and philosophical, against it. In so doing, he helped to acclimatise it to Rome and to adapt it to Latin language and culture, while suggesting that the antinomy between Stoic philosophy and rhetoric, though real, was not inevitable.

Position de thèse

Consacrée à la rhétorique stoïcienne à Rome, de ses origines grecques jusqu’à la fin de la République, notre thèse de doctorat s’attache à un sujet encore peu abordé -la plupart des spécialistes ayant préféré analyser la question de la dialectique du Portique -et dont l’étude peut sembler a priori paradoxale. La rhétorique stoïcienne ne ressemble-t-elle pas à une antirhétorique qui, parce qu’elle rejette toutes les caractéristiques de l’art oratoire traditionnel, s’apparente à la dialectique des philosophes plutôt qu’à la rhétorique des rhéteurs ? Tranchant sur les conceptions précédentes qui associaient intimement la rhétorique à la persuasion, les Stoïciens font de cette discipline la « science du bien parler » (ejpisthvmh tou` eu\ levgein ; scientia bene dicendi), en tant qu’elle constitue aux côtés de la dialectique l’une des deux parties de la logique, elle-même section de la philosophie. Nulle différence de fond ne les sépare, ainsi que le démontre la fameuse métaphore de la main ouverte et du poing fermé. Elles s’étendent virtuellement à toutes les formes de discours en vigueur dans les domaines politique et philosophique, voire dans des cadres non officiels tels les entretiens privés, à ceci près que la rhétorique procède par discours continus et la dialectique, par échanges de questions et de réponses. Cette extension du champ d’application de la discipline oratoire est compensée par la restriction sémantique drastique que connaît dans la formule « science du bien parler » l’adverbe « bien », qui pourrait recouvrir en droit la correction grammaticale, la beauté esthétique, la valeur morale et l’efficacité pratique du discours. « Bien parler » revient en réalité à « dire ce qui est vrai et ce qui convient » : ainsi définie, la rhétorique stoïcienne semble peu armée pour satisfaire aux exigences de la pratique oratoire. Réservée au sage mais inapte à persuader un auditoire d’insensés par essence rétifs à la cause philosophique, ne condamne-t-elle pas ses tenants à un quasi-mutisme qui met en péril le système lui-même ? La proximité -voire la confusion -des deux pans de la logique favorise de surcroît un idéal de minimalisme stylistique donnant lieu dans les faits à un mode d’expression décharné, heurté et rebutant, qui ne peut, selon l’auteur du De Finibus, qu’inviter à se taire. Dans l’examen de cette question, nous devons toutefois prendre la mesure du caractère lacunaire des témoignages en notre possession, et des limites qu’il impose à notre recherche. Aussi convient-il d’éviter à la fois le scepticisme a priori sur les conclusions que l’on peut tirer à partir d’un tel matériau, et la tentation de raisonner comme si nous possédions tous les documents rédigés par les Stoïciens sur la rhétorique. On ne saurait par ailleurs occulter la dimension polémique des principaux témoignages qui nous sont parvenus sur la rhétorique du Portique, parmi lesquels figurent les traités des Académiciens Cicéron et Plutarque, du Sceptique Sextus Empiricus ou de l’Épicurien Philodème de Gadara. Au passage, on relève que ce sont des philosophes -et non des rhéteurs -qui ont critiqué au premier chef les Stoïciens pour l’étrangeté de leurs préceptes oratoires, ce qui nous a conduite à ne pas adopter une démarche strictement stylistique dans notre étude, mais à mettre autant que possible en perspective, sous deux angles distincts, les prescriptions des scolarques en matière d’éloquence : à l’échelle du système du Portique tout d’abord, puisque l’on ne saurait les couper de l’éthique ou de la physique sans les vider de leur sens ; à l’échelle de la philosophie classique et hellénistique ensuite, qui innerve toute la pensée des Stoïciens, héritiers de Platon et de Socrate comme des Cyniques. Leur École naquit de surcroît au moment où l’Académie devint sceptique et se spécialisa dans l’affrontement contre elle, tandis qu’elle-même s’édifiait pour l’essentiel en réaction au système péripatéticien. Elle dirigeait également d’âpres attaques contre l’autre grande philosophie dogmatique de l’époque, le Jardin, dont Cicéron la rapproche d’ailleurs afin de disqualifier leurs deux modes d’éloquence, pourtant bâtis sur des présupposés radicalement différents dans la mesure où Épicure, contrairement aux Stoïciens, condamnait fermement la rhétorique. Dans un tel contexte, la nécessité d’une discipline dialectique capable non seulement de protéger les dogmes fondateurs du système contre tous les polémistes, mais aussi de pourfendre les adversaires philosophiques qui récusaient l’originalité (donc la légitimité) des thèses du Portique, s’imposa rapidement, tout en entraînant d’importantes retombées dans le domaine de la rhétorique. En raison de ses origines tumultueuses, l’École stoïcienne fut parfois conduite à défendre des positions radicales pour se distinguer de ses rivales. Le décalage perceptible entre des préceptes apparemment fort rigoureux et une palette ample et nuancée de pratiques oratoires invite néanmoins à examiner si la théorie du Portique ne renfermait pas les prémisses d’une interprétation plus souple, d’autant que les conceptions de la rhétorique évoluèrent au fil du temps et des scolarques, comme si le stoïcisme, au moment de son implantation à Rome au milieu du IIe siècle avant J.-C., n’avait pas encore élaboré de message clair au sujet d’une discipline qui entretenait, depuis le Gorgias, des relations fort conflictuelles avec la philosophie. De même que la raison dont il se veut une transcription philosophique incarnée dans le réel, le Portique a en effet une histoire. Il serait déraisonnable de postuler qu’il demeura inchangé au cours de ses cinq siècles d’existence, depuis sa fondation par Zénon de Citium en 301/300 avant notre ère jusqu’à la mort de l’empereur Marc-Aurèle en 180 après J.-C. Son acclimatation au monde romain représenta en particulier un moment crucial de son évolution dont on ne saurait surestimer la portée culturelle. Or le premier scolarque à avoir exposé les thèses stoïciennes aux Romains à l’occasion de l’ambassade des trois philosophes en 155 fut également l’une des figures les plus importantes et novatrices de son École dans le domaine de la rhétorique. Il est fort vraisemblable en effet que ce fut Diogène de Babylonie qui procéda à la refonte théorique et terminologique des cinq vertus stoïciennes du discours que sont la grécité (eJllhnismov"), la clarté (safhvneia), la concision (suntomiva), la convenance (prevpon) et l’apprêt (kataskeuhv). Son respect d’exigences stylistiques qui s’étaient manifestées dès les origines de l’École -en particulier du trait le plus remarquable de la rhétorique du Portique, la brièveté -n’entrava nullement l’originalité de sa contribution. S’adossant aux doctrines platoniciennes et péripatéticiennes afin tantôt de s’en démarquer ouvertement, tantôt de se les approprier après les avoir modifiées dans leurs moindres nuances, Diogène ouvrit en un sens la période du Moyen Portique que l’on a coutume de faire débuter avec son disciple Panétius de Rhodes en raison de son admiration pour les fondateurs de l’Académie et du Lycée. Dans le même temps, son enseignement se situait dans la continuité de celui de son maître Chrysippe de Soles, qui lui-même avait procédé à une réinterprétation de la position de Zénon dans bien des domaines, insistant sur la dimension « technique » et appliquée de la rhétorique, ou recourant aux figures de style pour convaincre son auditoire, de sorte qu’il fut le créateur d’une nouvelle orthodoxie stoïcienne. Il convient toutefois de ne pas attribuer aux premiers Stoïciens les théories diogéniennes en créant par là une homogénéité fallacieuse parmi les représentants des débuts du Portique. Au cours de cette période alternèrent, avec une régularité frappante, des philosophes et des disciples favorables à la rhétorique, et d’autres qui lui témoignèrent des réserves pouvant aller jusqu’à un scepticisme radical. Une telle singularité doit être considérée comme révélatrice d’une tension constante dans l’histoire du Portique au sujet de la valeur à accorder à la rhétorique. Aussi avons-nous choisi dans une première partie d’explorer les théories et pratiques oratoires des premiers Stoïciens, en tâchant de replacer la rhétorique dans le contexte du système tout entier pour vérifier si la position qu’elle occupe dans les textes est bien celle que l’on s’attendrait à lui trouver en fonction de la cohérence de l’ensemble. Cet examen nous a permis d’appréhender les enjeux gnoséologiques, éthiques et pratiques du double statut, technique et scientifique, de la discipline oratoire, qui sur ces deux plans se distingue par une indéniable souplesse, peu mise en valeur jusqu’ici par les commentateurs. Une fois exposées les assises théoriques sur lesquelles elle se fonde, nous nous sommes penchée plus précisément sur sa structuration interne, sa terminologie, ses singulières omissions, tout en confrontant constamment, afin d’en explorer les nuances et la complexité, les préceptes qui la régissent à la pratique oratoire qu’adoptaient les philosophes de l’Ancien Portique. Dans la mesure où la rhétorique stoïcienne est régie par cinq vertus du discours, nous en avons étudié tant les spécificités individuelles que les modalités de cohabitation au sein d’un discours, avant de clore ce chapitre par une confrontation entre théorie et pratique à travers l’étude de procédés tels que la chrie, le paradoxe, la métaphore, la comparaison et l’allégorie. Dans une deuxième partie, nous avons retracé les étapes de l’implantation du stoïcisme à Rome, en nous penchant tout d’abord sur les vives réactions que suscita cette philosophie (ou plus exactement la philosophie en général) chez Caton le Censeur, dont les propres choix oratoires et la définition de l’orateur comme uir bonus dicendi peritus (« homme de bien habile à parler ») firent d’ailleurs plus tard l’objet d’une interprétation stoïcisante. Si Diogène joua là un rôle inaugural, ce fut son disciple Panétius de Rhodes qui fut le principal responsable de l’adaptation à la culture latine de la pensée grecque du Portique, au point que celle-ci devint en quelque sorte la philosophie nationale des Romains. Au milieu du IIe siècle, il fit la connaissance de Scipion Émilien ainsi que de ses compagnons Laelius, Philus, Lucilius le satiriste, Scaevola l’Augure, Fannius, Tubero, ou encore Rutilius Rufus, qui tous, de près ou de loin, subirent l’influence du stoïcisme. Surgit alors un problème de méthode : comment distinguer, dans l’éloquence de ces personnages éminents de la noblesse, l’influence du stoïcisme de celle de l’ancrage sociologique ou de la fidélité au mos maiorum oratoire ? En d’autres termes, dans la perspective de notre étude de la rhétorique stoïcienne à Rome, de la rencontre d’un système philosophique et de l’histoire, à la croisée de deux cultures, était-il possible d’isoler quelques traits spécifiques au stoïcisme romain sous l’angle de l’éloquence ? Avant tout, aucun de ses représentants, pas même l’illustre Caton, n’était un philosophe professionnel, mais tous jouaient un rôle dans la vie de la cité, dans laquelle l’éloquence politique et judiciaire était considérée comme l’activité noble du citoyen. Si nous tâchions alors de cerner plus précisément qui furent ces Stoïciens romains sous la République en nous fiant au témoignage de Cicéron, qui constitue notre source essentielle sur ce sujet, nous relevions les noms de Sp. Mummius, C. Fannius, Q. Aelius Tubero, P. Rutilius Rufus, L. Aelius Stilo, M. Vigellius, Sex. Pompeius, Q. Lucilius Balbus, L. Lucilius Balbus et M. Porcius Cato, tous qualifiés de Stoici, ce qui entraînait de profondes conséquences sur leur mode d’expression, moins fleuri, plus rigoureux que celui de leurs collègues, et entouré d’un parfum d’austérité. Mais d’autres Romains avaient écouté les leçons d’un philosophe du Portique, lui avaient rendu visite lors d’un voyage en Grèce, l’avaient parfois même hébergé chez eux, sans pour autant se proclamer membres de cette École. S’il n’était pas question d’examiner dans notre étude la rhétorique d’un Académicien convaincu tel que Cicéron, quoiqu’il eût longtemps abrité dans sa maison le Stoïcien Diodote sous la direction duquel il s’entraînait à la dialectique, si nous n’avons pas retenu non plus un Crassus ou un Antoine ni un Pompée, malgré leur intérêt pour les conférences de Mnésarque d’Athènes ou de Posidonius d’Apamée, pourquoi nous être attachée à la question du « cercle de Scipion », cette reconstitution plus ou moins idéalisée qu’offre de l’entourage de l’illustre Romain l’auteur du De Republica et du De Amicitia ? Sans faire de ce groupe une « chapelle stoïcienne », on ne peut que constater l’acclimatation rapide de la pensée du Portique à Rome dans le terreau d’une aristocratie souvent philhellène, désireuse de mettre cette philosophie en accord avec le mos maiorum et, pourrait-on dire, de les légitimer l’un par l’autre. S’il ne peut donc être question d’envisager l’éloquence des plus célèbres de ces personnages -Scipion Émilien et Laelius -comme le reflet fidèle des exigences oratoires du Portique, les analyses qu’en livre Cicéron laissent transparaître l’influence tant de la « douceur » (lenitas) panétienne teintée d’aristotélisme, que d’une pensée stoïcienne se singularisant avant tout par son style, sans pour autant sombrer dans l’hétérodoxie. À la génération suivante en revanche, Fannius et Tubero se montrèrent infidèles à l’enseignement de Panétius en procédant à un durcissement des options rhétoriques du Portique, conformément à l’inspiration cynicisante d’Ariston de Chios, disciple dissident de Zénon. Or l’acclimatation du stoïcisme à la culture latine fut paradoxalement favorisée par sa proximité avec le cynisme, ces deux courants convergeant notamment dans une notion d’ordre à la fois politique, rhétorique et philosophique : le franc-parler (libertas, parrhsiva). Ce mode d’expression connut une grande fortune à Rome, même s’il suscita des réactions contrastées au sein du Portique, ce qui nous invite à la prudence envers toute approche monolithique de cette école -une prudence encore renforcée par l’étude de deux orateurs stoïciens emblématiques, Rutilius Rufus et Caton d’Utique, dont l’éloquence fit l’objet, de la part de Cicéron, d’une appréciation fort nuancée (et non strictement négative) pour l’un, extrêmement élogieuse pour l’autre. Dans l’ensemble pourtant, et tel est l’objet de notre troisième partie, l’Académicien qu’était Cicéron mena contre ses adversaires philosophiques une attaque dont la virulence atteste à elle seule que la rhétorique stoïcienne ne se réduisit pas à un échec (fût-il éclatant) mais exerça une telle influence -comme modèle ou repoussoir -sur la plupart des écrivains latins qu’elle rendit nécessaire de la part de l’Arpinate une stratégie polémique rigoureuse, d’ordre non seulement stylistique, mais aussi philosophique. Stylistique tout d’abord : à la faveur d’un amalgame délibéré entre les orateurs stoïciens et les Atticistes, qui avaient tous fait le choix d’un mode d’expression décharné et hérissé, et remettaient en cause avec vigueur, quoique selon des modalités différentes, ses propres options rhétoriques, Cicéron mit progressivement en place, pour décrier ses adversaires, un répertoire formulaire cohérent et imagé, appelé à devenir traditionnel jusqu’à la fin de l’Empire et au-delà. Son analyse du style stoïcien, à laquelle la description du genus tenue doit sans doute beaucoup, lui offrit de surcroît le matériau lui permettant d’élaborer sa critique des Atticistes, mais s’affina également grâce à elle en contrepartie. Il convient toutefois de ne pas occulter les divergences fondamentales qui séparent ces deux groupes, dans la mesure où les tenants du style de Lysias ne peuvent se prévaloir d’aucune justification philosophique pour défendre leurs préférences esthétiques, tandis que la polémique conduite contre les Stoïciens se découpe sur l’arrière- plan des relations entre le langage et la réalité. La convocation de la figure de l’onomatothète à leur propos souligne que la création de néologismes techniques et plus largement, l’invention d’une langue philosophique singulière, incarnaient, selon Cicéron, une piètre tentative pour maquiller leur pillage des thèses péripatéticiennes et académiciennes. Privés de toute originalité doctrinale, jugés incapables de surcroît de satisfaire aux exigences de l’action ainsi que le prouve la faillite de leur parole dans le domaine politique, les penseurs du Portique étaient accusés de ne s’attacher qu’aux uerba, non aux res. Faute d’avoir perçu l’autonomie du langage comme moyen de persuasion et de perfection stylistique, ils semblaient estimer qu’une simple réforme linguistique pouvait provoquer un réel impact sur les comportements ou les opinions des non-sages en proie aux passions, ou encore masquer l’indifférentisme éthique fondamental qu’ils défendaient (selon les critiques d’Antiochus d’Ascalon) en n’établissant aucune gradation entre tous les éléments qui ne sont pas des biens ou des maux, ou en ne manifestant guère d’intérêt pour les progressants. L’insistance de Cicéron sur le réseau lexical de la pointe renforce enfin l’identification de la rhétorique stoïcienne à la dialectique en gommant toute nuance entre le mode d’expression « acéré » (acutum dicendi genus) des orateurs de cette École et celui des philosophes épris de syllogismes et de concision, au point que le mode d’expression du Portique paraît se distinguer par une homogénéité radicale -homogénéité entre ses applications par les Stoïciens grecs d’un côté, romains de l’autre, mais aussi entre langage oratoire et discours philosophique. Toutefois, les développements sous l’Empire, particulièrement chez Sénèque, d’une rhétorique philosophique efficace en vertu de son adaptation à un public donné et de sa subordination à une noble fin, suggèrent que dès l’époque républicaine, les Stoïciens disposaient de ressources oratoires telles que l’antinomie entre leur philosophie et la rhétorique était peut-être une réalité, mais non une fatalité.

Vendredi 8 décembre 2006
14 heures
Rectorat, Salle Louis Liard
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 M. Cédric GIRAUD soutient sa thèse de Doctorat :

 "Per verba magistri". Anselme de Laon (m.1117), son école et le mouvement théologique du XIIe siècle

 En présence du Jury :

Mme BERIOU (LYON 2)
M. DOLBEAU (EPHE)
M. LOBRICHON (AVIGNON)
M. MEWS (MONASH)
M. SOT (PARIS 4)
M. VERGER (PARIS 4)

 Résumés :

Sans avoir toujours reçu l’attention qu’il mérite, Anselme de Laon († 1117) est un des principaux maîtres de la première moitié du XIIe siècle. Son exemple permet de montrer la genèse d’une autorité propre aux maîtres en théologie. En effet, grâce à l’étude de la carrière d’Anselme, à l’examen de ses sentences théologiques ainsi que des recueils rattachés à son enseignement, il est possible d’évaluer la manière dont un maître fait école. L’autorité magistrale ne se manifeste que de manière voilée, comme oblique, avec une sorte de réserve qui en est la marque distinctive. Cette genèse de l’autorité magistrale correspond aux années 1130-1140 : la diffusion du souvenir d’Anselme, la copie des sentences anselmiennes, l’organisation des recueils de son école, tous ces phénomènes ont lieu dans ces deux décennies. Le milieu théologique qui s’organise alors à Paris se dote de références dont le modèle est Anselme de Laon.

Anselm of Laon was one of the major teachers in the first half of the 12th century. The example of Anselm of Laon made it possible to consider the way medieval masters in theology reached an authority. Thanks to his career, his theological sentences and treatises connected with his teaching, we can see how a theological school grew. This new authority appeared clearly around 1130-1140 : the diffusion of the anselmian sentences and the writing of the treatises took place during these years.

 Position de thèse :

L’historiographie portant sur la « Renaissance du XIIe siècle » est demeurée longtemps fascinée par la lutte entre Bernard de Clairvaux et Pierre Abélard, sans accorder droit de cité à d’autres protagonistes. Considéré à travers l’appréciation peu flatteuse d’Abélard, Anselme de Laon apparaissait comme le type même du professeur routinier acquérant sa renommée grâce au passage du temps plutôt qu’en raison de son talent personnel. Ainsi Abélard, en discréditant tous ses maîtres, tendait-il à se poser comme le seul représentant du nouveau monde scolaire. Il n’est pas jusqu’à Bernard de Clairvaux qui n’ait été trompé puisqu’en organisant à Sens un procès contre Abélard en 1141, l’abbé cistercien entendait bien faire du maître un exemple et punir celui qui incarnait à ses yeux tous les méfaits des écoles urbaines. La lutte de deux ennemis avait eu ainsi, entre autres conséquences, l’inconvénient de faire oublier d’autres maîtres tout aussi célèbres à l’époque. Les nuances apportées aux critiques d’Abélard dès le XVIIIe siècle par l’Histoire littéraire de la France n’avaient guère contribué à mieux faire connaître Anselme de Laon. Il demeurait un maître au renom incontestable, sans pourtant que l’on sût expliquer le succès de son cursus honorum au sein de l’église de Laon, ni les raisons de sa gloire scolaire dans l’Occident latin.
Une bonne part de cette incapacité tenait à la difficulté où se trouvait la critique historique pour apprécier son œuvre théologique : si la fortune de la Glose était chose acquise depuis Beryl Smalley, il demeurait difficile de faire le partage entre les commentaires associés à son nom comme d’évaluer l’influence exercée par ses sentences théologiques. L’absence d’édition critique des commentaires, l’abondance bibliographique de même que des difficultés considérables d’histoire littéraire expliquent, sans le justifier, le point mort où se trouvaient les études anselmiennes depuis les années 1960. Parmi cette production, il n’avait jamais été entrepris d’apprécier globalement les sentences théologiques d’Anselme. Le plus souvent, elles étaient convoquées à titre individuel pour illustrer, sur un point précis, une contribution d’histoire doctrinale. L’absence de toute approche synthétique était évidemment dommageable à une juste compréhension de ce corpus et expliquait des jugements un peu sommaires sur un Anselme moraliste peu soucieux, voire incapable de spéculation ou un Anselme platement augustinisant. Pareillement, malgré les remarquables efforts de l’érudition franco-allemande de la première moitié du XXe siècle, les recueils associés à l’école de Laon demeuraient mal connus et sollicités surtout pour leur contenu théologique. La nature du corpus sententiaire, similaire à celle des commentaires et des sentences anselmiennes, était encore en cause : anonymat majoritairement attesté, difficulté à individualiser les œuvres dans les manuscrits, labilité d’une tradition manuscrite peu fournie mais compliquée, tous ces traits s’additionnaient pour rendre ardue l’étude des recueils théologiques du premier XIIe siècle. C’est pourquoi, en dépit de leur incontestable mérite méthodologique, les articles de Valerie Flint et de Marcia Colish ne pouvaient tenir lieu d’interprétation historique d’ensemble donnée à la littérature sententiaire laonnoise. Trois grandes questions consécutives à ce constat et une problématique générale ont donc animé le cours de cette recherche : Peut-on restituer la figure d’Anselme de Laon ? Quel enseignement théologique les sentences qui lui sont attribuées permettent-elles de reconstituer ? Les recueils rattachés à son influence forment-ils per se une école et font-ils école ? Plus largement, maître Anselme est-il la figure de proue annonçant l’irrésistible ascension du théologien dans l’Occident médiéval ?
Il convenait, par conséquent, d’exploiter les sources permettant d’évaluer l’importance de l’« école à Laon » : les chartes des évêques de Laon et les témoignages d’élèves ayant suivi les cours d’Anselme documentent la vie scolaire laonnoise à la fin du XIe siècle et dans les deux premières décennies du siècle suivant. Compte tenu de l’abondance de la documentation de nature théologique attribuée à l’école de Laon, un choix a été nécessaire. La Glose dite ordinaire et les commentaires exégétiques rattachés à Anselme n’ont été utilisés qu’à titre de comparaison : en effet, les problèmes d’attribution que soulèvent ces textes sont trop importants pour qu’ils soient utilisés avec profit. Chaque livre biblique glosé ou chacun des commentaires exigerait une édition critique et une thèse sans qu’elles suffisent ipso facto pour apporter une réponse à la question de l’école de Laon. En revanche, les sentences théologiques d’Anselme fournissent un point d’observation pertinent dans la mesure où un florilège, Liber pancrisis, attribue explicitement à Anselme de Laon une soixantaine de sentences. Afin d’étudier la manière dont Anselme a pu faire école, il est donc pertinent de confronter ces sentences aux huit principaux recueils de l’« école de Laon » étudiés depuis la fin du XIXe siècle par l’érudition franco-allemande.

1) La figure d’Anselme de Laon À la différence de ses contemporains comme Pierre Abélard ou Hugues de Saint-Victor, Anselme de Laon nous échappe pour la plus grande part. Il y aurait donc quelque artifice à prétendre avoir reconstitué une personnalité, encore davantage un individu. Cependant, grâce à l’étude des chartes laonnoises, la carrière d’Anselme a pu être mise en évidence : écolâtre, chancelier, doyen et archidiacre, Anselme a mené une carrière tout à fait brillante à l’échelle du diocèse, notamment sous l’épiscopat de Barthélemy de Joux (1113-1151). Après avoir tenté de pacifier les esprits durant les événements de la Commune de 1112, le maître a, en effet, joué un rôle de caution morale auprès de Barthélemy. Bien que prenant part aux affaires du diocèse, Anselme, pour ses contemporains, représente plutôt la figure du maître que celle du dignitaire ecclésiastique. C’est ainsi qu’Anselme est apparu comme un modèle selon des disciples qui, à l’exception d’Abélard, sont prompts à chanter les louanges de leur maître. Il faut mettre en rapport l’insistance des sources sur le savoir et les mœurs d’Anselme avec la naissance d’un milieu scolaire à l’échelle de l’Occident dans la première moitié du XIIe siècle. Il a été ainsi possible de retracer, de manière significative, le parcours de vingt et un élèves d’Anselme : neuf sont originaires de France dont trois de Bretagne (Abélard, Geoffroy et Guy Le Breton), sept d’Angleterre, quatre d’Italie et au moins un de l’Empire. Les raisons qui poussent les élèves à venir à Laon ont été également éclaircies : Abélard n’est pas le seul à être venu écouter Anselme pour parachever sa formation par l’étude de l’Écriture sainte, c’est aussi le cas pour Robert d’Hereford, Hugues Métel, Matthieu d’Albano, Hugues d’Amiens et Guy Le Breton. Ces cas divers permettent de reconstituer le profil typique d’un élève d’Anselme : après avoir suivi un enseignement dans les arts libéraux, généralement dans une école locale ou au sein de sa famille, l’élève se rend à Laon pour y recevoir une formation spécialisée dans l’Écriture. Bien que tous ces élèves présentent des origines et des destins fort différents, ils ont tous en commun, hormis Abélard, d’avoir vanté Anselme et son exemple moral. S’il est vrai que la perfection des disciples est la couronne des maîtres, il n’est pas moins juste que l’élève trouve un intérêt bien compris dans le prestige magistral. Alors que les universités médiévales se singularisent en organisant un système d’examen qui valide autant les compétences que la vie et les mœurs, les écoles du XIIe siècle, avant l’instauration de la licentia docendi dans les années 1160, ne connaissent pas la collation des grades. Tout se passe comme si la fama du maître faisait office de diplôme. Garante du sérieux des élèves, la fama du maître rejaillit sur les élèves dont les témoignages d’admiration viennent en retour renforcer d’autant l’aura magistrale. Après la première génération des élèves, d’autres maîtres poursuivent d’ailleurs au XIIe siècle la tradition scolaire de la laudatio Anselmi, comme Jean de Salisbury ou Pierre le Chantre. Au-delà du monde scolaire, le fait qu’Anselme apparaisse dans les écrits de Guibert de Nogent, Wibald de Corvey ou Geoffroy d’Auxerre comme le modèle du professeur orthodoxe aux mœurs irréprochables n’est pas un hasard. Sans avoir été eux-mêmes des élèves d’Anselme, ces clercs, tous moines, attestent que le rayonnement anselmien touche également les cloîtres. Parmi tous les maîtres du premier XIIe siècle, Anselme est sans doute la figure dont le souvenir est convoqué le plus régulièrement et dans des contextes aussi divers jusqu’à la fin du siècle. Si tous ces témoignages dressent un portrait apparemment plutôt conventionnel d’Anselme de Laon et ne permettent pas d’atteindre sa personnalité, ils signifient du moins l’importance et même la nécessité d’une image convenue du maître pour les contemporains. Il n’est pas non plus indifférent que l’évocation porte sur un maître mort à l’orée du XIIe siècle. À ce titre, il joue le rôle d’un ancêtre, figure rassurante dont la proximité temporelle rend le souvenir marquant, mais qu’un relatif éloignement rehausse encore d’une autorité supplémentaire. Les témoignages rassemblés offrent une remarquable convergence : la modestie d’Anselme, qui confine à l’effacement, demeure proverbiale dans les écoles et participe de son autorité. L’autorité magistrale que les témoins médiévaux ont le plus souvent reconnu à Anselme s’explique sans doute par la modération à laquelle il s’est tenu. Disert sur le terrain pédagogique, à tel point qu’Abélard lui-même reconnaît ses talents de rhéteur, le maître répugne à s’engager dans la lutte politique et refuse même toute élévation à l’épiscopat. La figure du bon maître semble en partie tenir à un exercice modéré de la fonction pédagogique.

2) Les sentences d’Anselme de Laon Pourtant, la considération générale qui entoure le nom d’Anselme excède le simple succès d’estime et concerne également une bonne part de sa production théologique. Un examen des commentaires attribués à Anselme a aidé à clarifier quelques points. L’attribution d’un commentaire paulinien à Anselme est une erreur, mais des doutes subsistent pour les commentaires sur les Psaumes (« Hymni vocantur singuli »), les trois commentaires sur le Cantique des cantiques (« In initiis librorum » « Salomon rex Spiritu » et « In hoc libro »), sur Matthieu (« Cum post ascensionem »), Jean (« Verbum substantiale ») et l’Apocalypse (« Deus et Dominus pater »). Il semble que ceux sur le Cantique des Cantiques et le commentaire sur Matthieu se présentent dans des conditions favorables, alors que les autres ouvrages doivent être reçus avec une plus grande circonspection. Des résultats plus fermes ont été obtenus pour les sentences théologiques. Après dépouillement de 23 florilèges, on a pu établir une typologie selon la présence plus ou moins importante des sentences d’Anselme. Elle a permis de mettre en valeur le témoignage remarquable du Liber pancrisis qui constitue la principale source d’information sur l’enseignement théologique d’Anselme. Constitué dans les années 1130-1140 sans doute à proximité de Clairvaux, ce florilège est le seul à identifier précisément les sentences des maîtres modernes : la volonté de fixer par écrit l’enseignement de certains maîtres ainsi que la peur de perdre la mémoire d’un passé déjà relativement distant expliquent le soin que le milieu cistercien a consacré à diffuser les sentences. Les moines ont voulu donner une théologie scolaire conforme à leurs vœux et pérennisé l’école de Laon : contrairement à Abélard qui laisse libre cours aux requêtes des élèves ou collecte les extraits patristiques en abandonnant au lecteur le soin de les concilier, le LP présente une organisation close de la matière théologique. Selon un effet d’annonce impressionnant, les sentences des maîtres sont appelées à compléter celles des Pères en une harmonie que rien ne doit venir compromettre, quitte à attribuer certaines sentences magistrales aux Pères. Les quatre Pères latins, Augustin, Jérôme, Ambroise et Grégoire, les deux grands éducateurs de l’Occident médiéval, Isidore et Bède et les quatre maîtres modernes Yves de Chartres, Anselme de Laon, Guillaume de Champeaux et Raoul de Laon forment ainsi le nouveau canon scolaire autorisé dans les années 1140.
Les 22 autres florilèges attestent l’ampleur d’une diffusion manuscrite d’autant plus remarquable qu’elle commence et se poursuit au-delà de la mort d’Anselme. C’est partir des années 1140, moment où la génération de ses disciples arrive à la maturité, que les sentences du maître sont mises par écrit et entrent dans les florilèges. Une nouvelle fois le mouvement ne se borne pas au milieu scolaire urbain. En effet, la constitution du LP, sans doute à proximité de Clairvaux, ainsi que la diffusion manuscrite des sentences dans les cloîtres renouvellent le fonds des auctoritates au-delà du milieu scolaire urbain. De même que la figure du maître demeure difficile à saisir dans son originalité, ainsi les sentences anselmiennes sont-elles délicates à attribuer : hormis le cas exceptionnel du LP, elles circulent le plus souvent de manière anonyme. L’anonymat ne doit pas être interprété comme un signe d’indifférence, mais avant tout comme une marque de modestie de la part de l’auteur des sentences. Le maître, complétant d’explications personnelles les extraits des Pères, a sans doute eu du scrupule à les identifier par son nom. Il a préféré, anonymement mais sûrement, participer à la chaîne scolaire dont il était un maillon. Les milieux de réception s’en sont également tenu à des pratiques peu spectaculaires. Lors de la fixation par écrit, les élèves savent encore le nom du maître et jugent superflu de le reporter tant il semble évident. En d’autres cas, une fois oubliée l’origine des dicta, on se contente de les recopier afin d’enrichir de nouveaux extraits une sorte de koinè issue du milieu scolaire. Cet important succès qui promeut l’autorité nouvelle du maître, sans lui accorder explicitement le statut d’auteur, est à l’image du travail théologique d’Anselme : le maître ne s’affirme qu’en tant que modeste continuateur des Pères. Que ce soit comme glossateur ou créateur de sentences, Anselme de Laon apparaît comme un expert ès autorités et orchestre leur polyphonie en harmonisant les contraires. Derrière un programme en apparence limité, organiser les extraits patristiques autour du texte biblique ou les concilier dans de courtes sentences, Anselme confère à la parole magistrale une autorité certaine. La sentence conserve, en effet, la trace d’un discours qui prend parfois la forme d’un vrai tour de force. Le pouvoir du maître, sa mæstria, consiste à rendre aux auctoritates, dans le présent de la lectio, une valeur impermanente de vérité que leur dissonance semblait avoir compromise. Si l’ancienneté est souvent au Moyen Âge la marque distinctive de l’autorité, l’actualisation de la vérité par le maître tend ainsi à faire rejaillir sur lui un indéniable prestige. Au-delà de la méthode utilisée, Anselme sait repenser les termes que la tradition lui a légués et les adapter au contexte scolaire de son temps : ainsi sur des problèmes disputés comme la création angélique, la valeur de la circoncision, l’état du Christ après sa mort, la nécessité du baptême, le salut des enfants morts sans baptême ou les rapports de la prescience et de la prédestination, le maître laonnois manifeste-t-il un esprit délié qui fait tomber à l’analyse une bonne part des jugements négatifs prononcés à son encontre. L’écolâtre apparaît comme le représentant d’une théologie sententiaire mesurée dont le succès n’est pas négligeable. Comme le suggère la diffusion manuscrite, Anselme a exercé une influence même post mortem.

3) Les recueils de l’école de Laon En effet, à sa suite, des élèves entreprennent de donner dans les années 1130-1140 un tour plus systématique aux sentences du maître. Reprenant un plan historique qui a pu trouver son origine à Laon, les recueils utilisent les sentences du maître ainsi que celles d’autres professeurs comme Guillaume de Champeaux. Grâce à l’étude précise des huit principaux recueils (Deus de cujus, Deus est sine, Divina essentia teste, Deus summa atque, De sententiis divine, Principium et causa, Potest queri quid et Quid de sancta), il a été possible de mettre en valeur les rapports littéraires et doctrinaux qu’ils entretenaient et conclure à l’existence d’un véritable milieu scolaire prolongeant le modèle anselmien d’une théologie sententiaire modérée. En ce sens, parler d’« école de Laon » est légitime si l’on entend par cette expression l’ensemble des milieux scolaires ayant utilisé, avec une fidélité variable, la pensée d’Anselme de Laon et de ses élèves. La référence au maître ne réside, en effet, pas seulement dans la reproduction d’un point doctrinal, mais surtout dans la persistance d’un modèle théologique poursuivi par l’enseignement de Raoul à Laon et d’Albéric à Reims dans les années 1120-1130. Le contenu même de ces recueils explique leur succès : courtes synthèses faisant une grande part à l’enseignement des Pères, ils s’ouvrent aussi, sous couvert des quidam ou de l’anonymat, aux solutions plus modernes des milieux scolaires. Une nouvelle fois, l’enseignement récent se transmet avec discrétion, mais non sans réalité. Au même moment, Hugues de Saint-Victor, Othon de Lucques et Pierre Lombard poursuivent, chacun avec leur tempérament, cet effort de promotion des maîtres. Tandis qu’Hugues s’efface pour mieux mettre en valeur l’histoire du salut, Othon consacre le rôle nouveau des maîtres en les acceptant explicitement à côté des solutions patristiques. Quant à Pierre Lombard, il construit dans les années 1150 son recueil sur les fondations scolaires des deux décennies précédentes : derrière l’hommage aux Pères et notamment à Augustin, le maître prend acte du fait que les maîtres modernes offrent désormais les voies d’accès privilégiées à la tradition patristique.

À la triple question initiale portant sur le maître, ses sentences et son école, on peut donc répondre que les trois réalités sont étroitement liées en raison de leur mode de manifestation. Le maître s’affirme dès lors que d’autres en assurent la réputation fondée sur la modestie. Les sentences s’attachent à pondérer la tradition patristique selon une herméneutique mesurée. Les recueils forment une littérature sans auteur apparent, mais non sans autorité. La nature de l’autorité magistrale est dans les trois cas similaires : elle ne se manifeste que de manière voilée, comme oblique, avec une sorte de réserve qui en est la marque distinctive. Cette autorité tempérée est elle-même remarquable en raison de la convergence chronologique qui la caractérise. Les résultats de l’enquête pointent, en effet, tous vers les mêmes années 1130-1140 comme un des grands tournants dans l’histoire de la théologie médiévale : la diffusion du souvenir d’Anselme, la constitution du Liber pancrisis, la copie des sentences anselmiennes, l’organisation des recueils laonnois, les Sententiae de Pierre Lombard, tous ces phénomènes ont lieu ou prennent leur origine dans ces deux décennies. Le milieu théologique qui s’organise se dote alors de références dont le modèle est Anselme de Laon. Tout se passe alors comme si, après la disparition du maître, les disciples se chargeaient d’assurer la pérennité de son héritage et de maintenir vivante la figure d’Anselme dans les milieux scolaires et monastiques. La figure d’Anselme de Laon permet ainsi de suivre la genèse d’une autorité doctrinale propre aux théologiens que l’Université de Paris consacrera à partir du XIIIe siècle.

Vendredi 24 novembre 2006
16 heures
Centre Malesherbes, Salle 344
108, Bd Malesherbes 75017 Paris

 M. Pierre-Henri TAVOILLOT soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Philosophie morale et politique de l’éducation"

 En présence du Jury :

M. BESNIER (PARIS 4)
M. BOYER (PARIS 4)
M. BRAGUE (PARIS 1)
M. GAUCHET (EHESS)
M. RAYNAUD (PARIS 2)
M. RENAUT (PARIS 4)
M. TANGUAY (UNIVERSITE)

Samedi 2 décembre 2006
9 heures
Centre Administratif de Paris IV, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005

 M. Jean-Baptiste GOURINAT soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 "Ratio Disserendi. La place et le rôle de la logique et de la dialectique dans la philosophie antique"

 En présence du Jury :

M. BARNES (PARIS 4)
M. FREDE (OXFORD)
Mme HADOT (CNRS)
M. HOFFMANN (EPHE)
M. IMBACH (PARIS 4)
M. NARCY (CNRS)

Samedi 9 décembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D040, RDC
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. HO-GEUN SON soutient sa thèse de Doctorat :

 "Représentation sémantico-cognitive des verbes de "transfert" : une approche de la polysémie de verbes du coréen"

 En présence du Jury :

Mme ABRAHAM
M. DESCLÉS (PARIS 4)
M. FABRE (CERTA)
M. POGNAN (CERTA)
M. SOUTET (PARIS 4)
M. YOON (Université)

 Résumés :

Ce travail de la polysémie verbale qui s’inscrit dans le cadre théorique de la Grammaire Applicative et Cognitive se propose de représenter des verbes de transfert du coréen. Chaque signification polysémique d’un verbe sera représentée par un schème sémantico-cognitif et intégrée dans un réseau sémantique de ce même verbe. Ce travail vise alors à argumenter les hypothèses anti-anti-relativistes, selon laquelle chaque langue construit ses propres représentations cognitives à l’aide du schème qui met en jeu des primitives abstraites. Nous avons pris pour objet d’analyse cinq verbes désignant le transfert unidirectionnel (juda ‘donner’, batda ‘recevoir’, -tda ‘obtenir’) ou bidirectionnel (sada ‘acheter’ et phalda ‘vendre’) et un verbe de perception (boda ‘voir’) qui se chevauche avec les verbes de transfert. Pour résultat nous dégageons sept types généraux des schèmes qui correspondent aux différentes scènes conceptuelles réalisées par les verbes de transfert, mis à part les emplois auxiliaires qui ne sont pas homogènes et donc ne se ramènent pas à une forme générique.

This work of the verbal polysemy which joins in the theoretical frame of the Applicative and Cognitive Grammar suggests representing verbs of transfer of the Korean. Every polysemous meaning of a verb will be represented by a semantico-cognitive schema and integrated into a semantic network of the same verb. This work aims then at arguing the anti-anti-relativistic hypotheses, according to which every language builds its own cognitive representations by means of the schema which involves abstracted primitives. We took for object of analysis five verbs indicating the unidirectional transfer (juda ’to give’, batda ’to receive’, -tda ’to obtain’) or the bidirectional transfer (sada ’to buy’ and phalda ’to sell’), and a verb of perception (boda ’to see’) which overlaps partially with verbs of transfer. As result we bring out seven general types of the schemas which correspond to the various abstract scenes realized by the verbs of transfer, except for the auxiliary uses which are not homogeneous and thus do not come down to a generic shape.

 Position de thèse :

Le problème de la polysémie est devenu très important en linguistique. En témoignage, on peut citer les ouvrages récents de G. Kleiber (1999), B. Victorri (1997), O. Soutet (2005), etc. Notre travail est donc une contribution au problème de la polysémie en linguistique générale. Nous avons pris dans la deuxième partie de notre thèse six verbes polysémiques pour illustrer notre conception générale de la polysémie. Pour nous, la polysémie est une propriété positive des langues, mais non pas une propriété négative qui oblige à construire des langues artificielles rectifiant les faiblesses inhérentes des langues naturelles. La polysémie des unités linguistiques permet à chaque langue de s’adapter à la situation nouvelle sans être obligé de créer pour chaque situation une nouvelle expression.
L’étude descriptive de la polysémie doit s’inscrire dans un cadre théorique précis : le cadre choisi, celui de la Grammaire Applicative Cognitive (GAC), nous a paru suffisamment général et précis pour aborder dans le détail une étude de la polysémie des verbes que nous allons analyser. Ce modèle met en oeuvre un certain nombre d’hypothèses et de représentations formelles abordant d’un côté des représentations sémantiques et d’un autre côté des représentations syntaxiques. Dans ce travail nous développons essentiellement des représentations sémantiques. De telles représentations peuvent être synthétisées sous formes de prédicats verbaux et d’arguments par des mécanismes qui font appel aux développements formels tels que les formalismes applicatifs, les combinateurs de la logique combinatoire de Curry et les grammaires catégorielles. Ces notions ont été déjà présentées dans des différents ouvrages et ne rélèvent pas de notre objectif actuel. En effet, il est plus important de s’assurer dans un premier temps des concepts théoriques et descriptifs mis en jeu dans l’analyse linguistique majeure (comme celui de la polysémie) plutôt que de développer un argument sur des représentations formelles et des calculs sans être assuré au préalable de leur pertinence. Notre recherche s’inscrit dans le courant actuel de la sémantique cognitive, tel qu’elle se développe à la fois aux Etats-Unis avec les travaux nombreux de R. Jackendoff (1990), L. Talmy (1976, 1983, 1988), R. Langacker (1987, 1991b), et en Europe par exemple avec H. Seiler (1983), notamment en France avec les recherches qui ne portait pas l’étiquette de la sémantique cognitive comme celle de G. Guillaume, B. Pottier et A. Culioli.
Nous n’expliciterons pas ici les hypothèses principales qui traversent les différentes grammaires, surtout les grammaires cognitives (sur ce sujet, voir J.-P. Desclés (1997)). Notre approche dans le cadre de la GAC vise à expliciter des représentations formelles qui peuvent être décrites avec des représentations logiques (logique combinatoire, lambda- calcul) exprimables dans des modèles informatiques. Ceci exclut toute coupure entre les approches cognitives du langage et les approches plus formelles de la linguistique computationnelle. A l’opposé, certains courants de la grammaire cognitive dissocient une approche de la sémantique aux représentations logico-computationnelles. Dans le cadre de la GAC, plusieurs travaux ont traité des problèmes sémantico- cognitifs de la polysémie, dans le cas des verbes de mouvement, des prépositions et des préverbes, aussi bien en français (M. Abraham, J.-P. Desclés, V. Flageul) que dans d’autres langues (en polonais (E. Gwiazdecka), en bulgare (D. Daynovska)).
Quant à nous, nous nous sommes restreints aux verbes de transfert. Il s’agit d’un nouveau domaine sémantique que nous abordons à partir du coréen et que d’autres travaux abordent à partir du français et du russe (E. Ivanova). Ces études visent à argumenter les hypothèses anti-anti-relativistes, selon lesquelles chaque langue construit ses propres représentations cognitives à l’aide du schème qui met en jeu des primitives abstraites qui donnent à dépasser les spécifications d’une seule langue. Nous avons pris pour objet d’analyse cinq verbes coréens désignant le transfert unidirectionnel (juda ‘donner’, batda ‘recevoir’, tda ‘obtenir’) ou bidirectionnel (sada ‘acheter’ et phalda ‘vendre’) et un verbe de perception (boda ‘voir’). La structure interne de l’acte de donner (le cas prototypique du transfert) est décomposable en éléments qui peuvent être abordés de manière séparée : a. il y a trois entités principales (le donneur, le destinataire, l’objet). i. il y a une interaction entre le donneur et l’objet. ii. il y a une interaction entre le destinataire et l’objet. iii. il y a un mouvement de l’objet entre le donneur et le destinataire. b. il y a un changement de possession. c. l’acte est contrôlé par le donneur. d. il y a un changement d’état à la fin du transfert. L’association ou la dissolution de ces propriétés permet de voir et d’organiser la diversité des champs conceptuels que les verbes de transfert recouvrent. Nos outils descriptifs peuvent représenter les différents rôles sémantiques des actants et leurs relations mutuelles dans chaque phase statique de l’acte de transfert. Pourquoi le verbe de perception « boda » ‘voir ’ ? Si l’on considère le transfert comme un schème de nature topologique, la perception visuelle peut devenir isomorphe au transfert. Le transféré ne se spécialise pas en objet mais en une image de cet objet. La vision est un transfert dynamique ou cinématique dans lequel un thème (ou l’image du thème) passe d’un lieu quelconque à l’oeil du percevant.
Sans tenir compte de l’abstraction, le verbe de perception boda ‘voir’ et le verbe de transfert -tda ‘obtenir’ sont interchangeables, sans en déplacer le sens d’origine, dans l’emploi de « la génération de la nouvelle relation » dont la fréquence d’utilisation n’est pas rare. k.-n.n ad.l-.l bo... vs. k.-n.n ad.l-.l .t... il-NOM fils-ACC voir... il-NOM fils-ACC obtenir... (lit. ‘il voit le fils...’) (lit. ‘il obtient le fils...’) Ces deux exemples s’expriment en français comme « il lui est né un fils ».

La notion de « transfert » qui sera appréhendée à travers de nos six verbes fait intéresser une notion plus fondamentale, celle de « possession » qui elle-même ne peut pas prise pour primitive. En analysant la possession, nous nous appuyons sur de nombreux auteurs. Nous ferons apparaître des notions plus abstraites et plus générales, celle d’accessibilité qui sera précisée au fil des analyses.

Les différentes significations des occurrences d’un verbe analysé en tenant compte de son contexte, sont représentées par des schèmes sémantico-cognitifs.
Pour cela, nous utilisons :
 un certain nombre de catégories (appelées « types sémantico-cognitifs ») qui permettent de classer les entités.
 également des primitives sémantico-cognitives, déterminées par des principes externes à l’organisation des langues et liées essentiellement aux activités cognitives de perception et d’action.

Les types attribués aux entités et aux primitives permettent de construire et d’exprimer les schèmes sémantico-cognitifs. Il s’ensuit alors que chaque signification polysémique d’un verbe sera représentée par un schème et intégrée dans un réseau sémantique de ce même verbe. Ceci permet facilement de visualiser l’organisation des significations.
A titre illustratif, nous donnons sans entrer dans les détails le schème pour la phrase « le jardinier donne de l’eau aux arbres ». Certaines primitives sémantico-cognitives sont utilisées : CONTR (contrôle), FAIRE (effectuation), TELEO (téléonomie), CHANGT (changement), ACCESS (accessibilité) et REP (repérage). Il y a en outre un opérateur logique N (la négation). T ::/ RS2ZXZYS1ZXZYCXTYPEindividuX,Y ;individuMassif:Z ; ELATIONS:ACCESS :=lelieud’accessibilitépourlapossessionoul’usage ; ITN(REP(ACCESS())) REP(ACCESS()) ITREP(ACCESS()) N(REP(ACCESS())) CHANGTONTR°FAIREELEO donner(X, Y, Z) X := /jardinier/, Y := /eau/, Z := /arbres/ Le jardinier donne de l’eau aux arbres. Notre document s’organisera autour de deux parties.
Dans la première partie, nous présentons le cadre général de notre travail et les outils de description. • Nous rappelons, au chapitre 1, ce qu’est la polysémie et les approches méthodologiques utilisées à l’heure actuelle pour décrire et représenter la polysémie lexicale. • Nous présentons, au chapitre 2, le modèle de la Grammaire Applicative et Cognitive. • Nous présentons, au chapitre 3, la possession qui est sous-jacente au schéma de transfert.
Dans la deuxième partie, nous décrivons cinq verbes de transfert et un verbe de perception. Nous les abordons par quatre domaines : le domaine spatio-temporel ; le domaine possessif ou plus généralement le domaine d’accessibilité ; la chaîne d’action ; le résultat. Nous pourrons ensuite dégager et ordonner les significations saillantes de chaque verbe, les décrire sous forme de SSC en précisant les primitives sémantiques qui entrent dans les descriptions, les organiser dans des réseaux structurés et faire émerger, éventuellement, à partir de tels réseaux un invariant de signification (une sorte de générateur abstrait de significations potentielles que nous appelons « archétype sémanticocognitif  »). • Le verbe juda ‘donner’ est une riche source d’extensions sémantiques du transfert. Il a 9 emplois lexicalement pleins, 2 emplois grammaticaux et un emploi transitoire entre l’étape lexicale et l’étape grammaticale. • Le verbe batda ‘recevoir’, converse de juda, peut exprimer le procès verbal sans agent déterminé. Cette propriété permet même d’exprimer une relation statique entre deux entités. Il sert en général dans la situation où l’identification de la source est difficilement concevable ou peu importante. • Le verbe -tda ‘obtenir’ exclut le sujet non humain ou non animé qui est inintentionnel de par sa nature inhérente. La propriété [+intention] opère sur le choix des objets d’acquisition. Ce qu’on veut ou ce qu’on a l’intention d’avoir est une chose utile, favorable ou positive à soi-même. Ce point est sous-jacent à la plupart des significations de ce verbe. • Les verbes sada ‘acheter’ et phalda ‘vendre’ représentent l’échange commercial. Ils ont le schème de double transfert. Il n’y a pourtant pas de correspondance biunivoque entre les deux verbes. • Le verbe boda ‘voir’ désigne un large éventail de situations. Il peut remplacer les autres verbes sensoriels (le goût, l’ouïe, le toucher, l’odorat) et également le verbe de transfert -tda dans certain emploi.

La structure ditransitive des verbes de transfert juda ‘donner’, batda ‘recevoir’, .tda ‘obtenir’, sada ‘acheter’, phalda ‘vendre’ donne de multiples extensions sémantiques. Comme indique la figure ci-dessous, le transfert introduit une modification, exprimant la transition spatio-temporelle entre deux situations successives (Sit1 / Sit2). Trois zones temporelles sont alors prises en compte : avant Sit1, pendant la modification de Sit1 à Sit2, après Sit2.

Chaque situation représente une relation de repérage entre un individu et un objet. La modification peut être précisée par le mouvement ou par le changement. Elle peut aussi être placée sous le contrôle intentionnel d’un agent (CONTR) ou sous l’effectuation (FAIRE) d’un moyen. En nous basant sur les réseaux de significations, nous dégageons sept types généraux des schèmes sémantico-cognitifs qui correspondent aux différentes scènes conceptuelles réalisées par les verbes de transfert, mis à part les emplois auxiliaires qui ne sont pas homogènes et donc ne se ramènent pas à une forme générique. Chaque catégorie contient des instances plus prototypiques et des instances moins prototypiques.
1. Le changement de possession Le double changement de possession
2. Le changement de localisation / le parcours visuel
3. La communication
4. L’attribution
5. La transitivité sémantique
6. Le transfert d’image
7. L’interaction schématique
8. L’auxiliarisation
En (8), le groupe de verbes n’est pas homogène. En général, ils sont associés partiellement au sens habituel de chaque verbe : l’effet bénéficiaire de juda ‘donner’, la possession hasardeuse de .tda ‘obtenir’, le couple « cause-effet » issu de la bidirectionnalité de sada ‘acheter’... . Il y a aussi des instances (semi-auxiliaires) qui se situent entre les emplois pleins et les emplois auxiliaires. Il y a aussi des instances qui sont en voie de sortir de la frontière lexicale de l’unité concernée pour se fusionner avec d’autres verbes. Les schèmes de ce groupe ne peuvent donc pas se ramener à une forme générique.

Dans les quatre domaines de décomposition, nous avons fait une sorte de navette entre les
D : le domaine d’influence
x : le donneur
y : le destinataire
z : l’objet transféré
x y
z
Sit1 Sit2 MODIF
D D

acceptions trouvées, en cherchant ce qui dans l’une peut expliquer l’autre. Le résultat est représenté sous forme de réseau dont la racine correspond à un invariant de signification (l’archétype sémantico-cognitif). Dans le réseau, l’adjacence de deux acceptions est établie sur la variation minimale des significations. Les branches du réseau sont une sorte de chemins sémantiques dont tout point peut faire l’objet d’une interruption produisant un effet de sens. Toutes les interruptions peuvent être déduites à partir de l’archétype ou d’un autre emploi. Dans les cas où le transfert repose sur la possession ou la localisation, les emplois se trouvent adjacents -en éliminant la possession, le transfert peut être pris comme un changement de localisation.
Le repérage est principalement déterminé par le type de l’objet. S’il est de type individualisable, le repérage est exclusif. S’il est de type informationnel, le repérage sera multiple. Dans le cas où le transfert est une attribution, le schème constitue l’étape transitoire entre la possession et la transitivisation. L’attribution est une sorte de changement de possession abstraite inaliénable (au sens de B. Heine 1997) impliquant un changement d’état. Le changement d’état et l’agentivité sont largement pris en compte dans la transitivisation. Finalement, tout disparaît. Il ne reste que l’idée squelettique du transfert. Vu la fréquence de leurs emplois auxiliaires et semi-auxiliaires, et à la fois la difficulté de discerner la parenté avec les sens habituels du transfert, la grammaticalisation (particulièrement l’auxiliarisation) des verbes de transfert reste un domaine à examiner d’une manière plus attentive et plus approfondie, surtout en fonction des valeurs modales et en collocation avec d’autres verbes.

Samedi 13 novembre 2004
9 h
Centre administratif de paris IV, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Olivier JOUSLIN soutient sa thèse de doctorat :

 "Rien ne nous plaît que le combat", PASCAL et le dialogue polémique

 en présence du Jury :

M. FERREYROLLES (PARIS IV)
M. MICKENNA (ST-ETIENNE)
M. MESNARD (PARIS IV)
M. ST CATHERINES COLLE (OXFORD)
M. THIROUIN (LYON II)

Vendredi 9 juin 2006
14 heures
Institut finlandais
60, rue des Ecoles
Paris 5e

 Mme Peggy PACINI soutient sa thèse de doctorat :

 "The Duluoz Legend " : Jack Kerouac ; ou la mémoire franco-américaine

En présence du Jury :

M. GENTON (Rennes 2)
Mme MATHÉ (Aix-Marseille 1)
M. PETILLON (Paris 4)
Mme PICCIONE (Bordeaux 3)
M. WEIL (EHESS)

Résumés

Projet gigantesque, composé des romans dits de la route et des romans de Lowell, The Duluoz Legend est le reflet de la double identité de Jack Kerouac. Fils d’immigrants canadien français en Nouvelle-Angleterre, l’auteur a hérité d’un patrimoine culturel francophone dont toute une partie de son œuvre porte la trace (folklore, religion populaire, langue). Cette légende que Kerouac a voulu laisser à la postérité est le reflet d’une crise de l’identité et de la culture aux carrefours de deux mémoires. Ce dialogue interculturel met en avant une problématique autour de l’identité consentie et l’identité héritée et propose l’archéologie d’une mémoire individuelle et collective que l’auteur cherche à affirmer. En choisissant de donner à son œuvre la forme de récits légendaires, Kerouac dévoile les mythes fondateurs d’une culture populaire en déclin. Bien plus que l’histoire d’une vie, c’est la mémoire d’un peuple transplanté qu’il raconte.

Jack Kerouac’s Duluoz Legend : a Franco-American Odyssey

Born of French Canadian immigrants, Kerouac has inherited a complex heritage that his novels mirror. The Duluoz Legend, his literary odyssey, is a journey into memory and identity to find his own identity but also a national identity. His Legend fluctuates from one heritage (his French Canadian ancestry) to the other (his American identity) often in conflicting ways. Rarely considered, his Franco-American background (composed of folkloric references, linguistic issues, religious beliefs) is very much present in his work especially in his Lowell novels and is an attempt to speak not only of a golden age (his French Canadian childhood in Lowell, Massachusetts) but also of an individual and collective memory : the memory of a transplanted people. It is an immigrant vision of America that his Legend offers : Ti Jean Duluoz’s immigrant song.

Position de thèse

Composée de romans, poèmes, nouvelles, essais, receuils de jeunesse, l’œuvre de Kerouac se fait le miroir d’une destinée décalé. D’un point de vue littéraire, Kerouac a insufflé un rythme et un style à la Beat Generation, mouvement auquel il est trop souvent et exclusivement rattaché, mais d’un point de vue personnel, son parcours a toujours été en marge de celui-ci ou, du moins, à contre-temps. Aussi n’est-il pas surprenant de constater que dans nombre de ses romans il est l’œil dans la marge. C’est à partir de cette constatation que l’on se propose d’investir ce champ marginal de l’œuvre de Kerouac en nous intéressant tout particulièrement aux romans, nouvelles et recueil de jeunesse faisant ressortir l’identité ethnique de l’auteur. On travaillera sur les concepts établis par Werner Sollors de consent et de descent. Un dialogue interculturel mettra donc en avant une problématique autour de l’identité, celle dont on hérite et celle que l’on choisit. L’œuvre de Kerouac porte la marque de cette quête identitaire que l’auteur explore sous tous les angles sans jamais en trouver un où s’ancrer, sinon dans ce recoin de l’âme qu’on appelle mémoire, ce territoire où l’identité survit au temps et à l’histoire, où elle se fige et reste immuable. L’écriture de la légende est l’écriture d’un regard jeté sur une vie, celle de l’auteur, mais aussi et surtout, l’inscription de celle-ci dans une lignée (« prestigieuse ») dont l’auteur précise le pivot : le regard que porte Ti Jean (lui-même) sur le monde, sur son monde. Le titre même de cette légende, The Duluoz Legend, abonde dans ce sens. La lecture polysémique du nom adjectivé dans le titre invite non seulement à s’interroger sur l’identité exacte du protagoniste de cette légende (est-ce : La légende Duluoz ? La légende de Duluoz ? La légende des Duluoz ?) mais aussi à se pencher sur l’univers légendaire qu’elle cherche à évoquer. Les deux axes sur lesquels on insistera s’inscrivent donc, pour le premier (Ti Jean), dans la mémoire et les origines et, pour le second (la légende), dans un projet artistique qui se veut à la fois épique et généalogique. Cette légende qu’a voulu écrire ce fils d’immigrants et qu’il a tenté d’inscrire dans le canon de la littérature américaine peut alors aussi se lire comme une littérature à mi-chemin, une littérature de l’errance, de la migration, de l’im-migration : un chant d’immigrants. Déconstruire l’œuvre avant de la reconstruire et d’en extraire une sorte d’archéologie de la légende, telles sont les étapes de cette étude qui vise à rendre compte de l’expression d’une crise de l’identité et de la culture aux carrefours de deux mémoires. Aussi l’auteur jongle-t-il avec les deux lignes directrices de ce voyage identitaire et mémoriel et la conception des romans reflète le va-et-vient de l’écrivain entre deux pays, entre deux cultures, entre deux mondes. Voyages géographiques et voyages mémoriels semblent suivre le même chemin, s’écrire en parallèle, se faire écho et mettre en avant un paradoxe : la nécessité du départ et de l’errance comme condition au retour à l’origine et à la fixité. Comme si tous ces déplacements géographiques n’avaient en fait qu’un seul but : revenir à ce point originel, Lowell, qui est, somme toute, le contraire du voyage, le refuge de toujours. La légende met en avant le lien indéniable entre culture et identité. Par des voies détournées, l’auteur revisite la culture populaire de son enfance et fait du mythe l’outil par excellence de sa démarche littéraire. En choisissant de donner à son œuvre la forme de récits légendaires, Kerouac dévoile les mythes fondateurs d’une culture populaire en déclin. Tout en témoignant de la fin de la survivance canadienne française en territoire étatsunien, la légende est aussi, à sa façon, une forme de survivance. C’est bien à la croisée des chemins, entre le déclin d’un peuple et la renaissance d’un autre, que se manifeste cette empathie des Québécois pour Kerouac. Dans une première partie, on tentera d’établir les liens existant entre la vision de l’Amérique qui transparaît dans les romans de la route et une tradition nomade héritée de sa culture canadienne française. On montrera que The Duluoz Legend est une variation sur le thème de l’Amérique en tant qu’espace, rêve, territoire de l’imaginaire et d’une identité qui se cherche. La vision qu’il propose est mue par ce trait d’union entre son identité franco et son identité américaine et, tout particulièrement, par la recherche de cette identité. On partira de la dialectique entre deux isotopes (racines et itinéraires), de son organisation et de son écriture afin de proposer une chronologie de l’enracinement et du voyage autour des triades suivantes : racines/enracinement/sédentarité et voyage/mobilité/errance. On s’intéressera donc, dans un premier temps, à l’errance dans la perspective globale d’un peuple d’origine canadienne française dont l’histoire est marquée par le mouvement ; puis, à l’enracinement dans la ville manufacturière américaine (dans le cas de l’auteur : Lowell, Massachusetts) et au concept de paroisse nationale, pour en venir à leur évolution mutuelle. On tentera donc de montrer comment l’errance, si elle résume la vie et l’œuvre de l’auteur, est avant tout une recherche identitaire et territoriale, une exploration au sens presque archéologique du terme. Si, dans ses romans de la route, Kerouac a tenté de cartographier cette errance, il explore en effet bien plus que des routes et des territoires, il se perd dans un exil qui va le conduire à devenir l’archéologue de sa propre lignée. Le problème qui se pose aux Franco-Américains dans leur questionnement sur leurs origines, sur le vieux pays, celui où sont nés leurs parents et leurs grands-parents, est à rattacher à l’identification géographique du Canada en tant que territoire de référence. Dans un premier temps, on tentera d’approcher le rapport qu’entretient et que recrée Kerouac à l’espace et à la mobilité notamment en essayant de le placer dans une tradition de mobilité canadienne française et familiale. Ceci nous permettra de montrer comment, d’une part, la dialectique de la mobilité et du sédentarisme se développe dans trois romans de Lowell (Gerard, Doctor Sax et Maggie) et comment, d’autre part, elle retravaille le mythe américain et la réconciliation de l’homme avec sa destinée continentale ainsi qu’un rêve de gloire et d’intégration à la nation. Ce mythe met en parallèle l’histoire individuelle et l’histoire collective tout en soulignant l’incapacité à se définir une identité en lien avec le territoire comme moteur de cette quête de liberté géographique. Pourtant, l’œuvre de Kerouac dévoile aussi un paradoxe à la base de sa vision de l’Amérique : la rupture forcée avec un passé profondément ancré dans une mémoire structurée autour de la symbolique paroissiale et l’écriture d’une œuvre qui tente désespérément de lier le passé au présent non seulement par sa méthode mais aussi par sa circularité. On pénètrera l’univers géographique que tente de recréer l’auteur dans ses romans de Lowell pour ce qu’il préfigure de la destinée continentale de ce voyageur solitaire en quête d’américanité. Dans cette écriture du mythe américain chez Kerouac, Lowell fait office de lieu clos par opposition aux romans de la route qui parcourent le continent et traversent l’espace mythique. C’est donc sur ce lieu de la rêverie pastorale ou plutôt de la rêverie pa(rois)s(e)-torale que l’on s’arrêtera, sur sa conception et sur sa représentation afin d’envisager le rapport temps/espace/mémoire. Dans un second temps, on cherchera à recontextualiser le roman On the Road dans une approche plus large du mythe américain, en mettant en parallèle la tradition de mobilité qui caractérise le peuple canadien français et le mythe de la frontier. Si cette perpétuelle nécessité de se réconcilier avec sa destinée, de trouver ses racines, de retracer sa genèse continentale s’inscrit dans l’imaginaire du Nouveau Monde, il s’agit avant tout de la recherche d’une identité enfouie sous l’Amérique des autres. On se propose d’approfondir cette entreprise archéologique du ventre de la terre initiée dans On the Road par une analyse du roman The Subterraneans. Dans cette optique, le questionnement de l’ethnicité de l’œuvre de l’auteur est alors possible. C’est ce que nous montre la réappropriation de la figure de l’auteur par les critiques et écrivains québécois (Gilles Archambault, Victor-Lévy Beaulieu, Jacques Poulain, etc.) au tournant des années 1970-1980. On s’intéressera tout particulièrement à cette relecture de Kerouac par les Québécois parce qu’elle nous permettra d’initier ce décryptage des signes ethniques dans The Duluoz Legend qui fera l’objet des deuxième et troisième parties de cette étude.
La deuxième partie, essentiellement axée autour du thème de la mémoire francophone de l’auteur vise à faire ressortir tout un patrimoine culturel, linguistique et religieux pour beaucoup méconnu. C’est pourquoi on s’intéressera tout d’abord au petit microcosme franco-américain que l’auteur décrit dans ses romans afin de montrer que l’écriture est non seulement acte de mémoire mais aussi lieu de mémoire. Il ne fait aucun doute que l’image que Kerouac véhicule de son vécu franco-américain peut déranger parce que non conforme à l’image conventionnelle que la génération précédente d’écrivains canadiens français immigrés s’est évertuée à mettre en place, voire même à institutionnaliser. Le regard que porte Kerouac sur sa Franco-Américanie détonne. Sa Franco-Américanie se raconte dans une langue métissée, où les espaces linguistiques s’enchevêtrent, où ce français trop populaire vient côtoyer la langue de l’autre. Or, si le regard de Ti Jean se veut autre, il n’en reste pas moins marqué par certains automatismes hérités du discours de ces élites sur l’identité franco-américaine. La Franco-Américanie de Jack Kerouac, faut-il le rappeler, est indissociable d’un espace géographique (Lowell) dans lequel il va inscrire sa propre évolution au confluent de ses cultures. Le monde de Kerouac s’arpente et s’arpente encore, s’écoute, se sent et se goûte. Il prend les lieux, les gens et les événements ordinaires de sa vie et les magnifie dans l’univers de sa légende. Toutes ces figures du Lowell de l’auteur sont présentées comme des petites vignettes d’un monde perdu qui ont toutes une fonction bien précise dans la trame narrative. En interrogeant le territoire culturel et verbal francophone de la légende, on mettra en évidence une relation étroite entre deux espaces de parole et d’écriture qu’on a souvent dissociés pour trouver à la prose spontanée d’autres racines que le bop. On s’attachera à explorer cette architextualité langagière pour ce qu’elle révèle de l’auteur, de son approche littéraire, des thèmes abordés et de son rapport au lecteur. On s’intéressera aussi dans cette partie aux diverses représentations qui témoignent de la mémoire comme territoire de l’identité dans la légende : ces vestiges de la religion catholique et populaire qui constituent une approche identitaire mais aussi littéraire de l’œuvre. Une étude de la religion populaire dans certains romans permet de montrer comment Kerouac transforme ce patrimoine religieux en éléments constitutifs d’un folklore propre à la légende, comment celle-ci garde en mémoire ce patrimoine méprisé et est une sorte d’encyclopédie de poche de ces expressions populaires de la religion chrétienne. Nourri par les images pieuses de son enfance, Kerouac parsème ses romans de vestiges de la religion catholique populaire. Par exemple, dans Doctor Sax, il se réapproprie l’iconographique religieuse et attribue à chacun des membres de sa famille une figure pieuse. On insistera ensuite plus particulièrement ici sur le folklore et l’oralité et sur l’utilisation et le détournement de cette culture populaire dans les romans de l’auteur. Il sera question de la préservation et de la continuité de la culture populaire par le biais des cercles de sociabilité publics ou privés, pour ensuite nous pencher sur la place occupée par le merveilleux dans le roman Doctor Sax. On s’attachera aussi à montrer les divers aspects de cultures populaires mises en perspective dans le roman pour voir comment celles-ci témoignent du déclin d’un folklore au prix d’une autre forme de culture populaire : les comics. La troisième partie, quant à elle, se développe autour de la notion de retour en ce sens qu’elle s’attache à présenter la légende comme une odyssée franco-américaine. C’est en effet autour de cette notion que se construisent ses romans, le retour en tant que matériau de l’écriture, le retour comme thème, mais aussi le retour comme forme palimpsestique, comme réécriture. L’origine de la légende est bien là, dans le rêve nostalgique d’une enfance à réveiller, mais il va plus loin et s’inscrit dans un voyage où le retour à l’origine est à la fois le nécessaire outil à l’écriture mais aussi à la (dé-)construction de cet homo franco-americanus dont l’auteur est une des premières voix. La légende n’est pas seulement une destinée familiale, c’est une sorte de récit de la Franco-Américanie, d’une identité mais aussi d’une culture en déclin dont l’écriture témoigne des étapes. Cette partie s’attache donc à développer dans un premier temps, l’aspect légendaire de l’œuvre de l’auteur en mettant en avant son rapport aux récits légendaires mais aussi à la généalogie. On montrera comment ce projet d’envergure légendaire et épique s’est construit (filiations, influences, etc.), mais aussi comment son écriture reflète elle aussi un constant retour, un va-et-vient entre deux pôles, entre deux allégeances. Ce qui nous conduira enfin à ré-envisager le premier roman de l’auteur, The Town and the City, comme un roman d’immigrant et, sa ré-écriture (les romans de Lowell), comme une trilogie ethnique, une poétique généalogique et générationnelle développée autour des termes de consent et descent.
Enfin, dans l’optique franco-américaine qui a guidée cette étude, il semblait juste de conclure en considérant l’œuvre de Kerouac au sein de la littérature issue de cette communauté et, par le biais d’un historique de son évolution, de nous interroger sur la place de notre auteur au sein de celle-ci.

Samedi 28 mai 2005
Amphithéâtre Michelet ou Quinet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

M. Dominique BARBE soutient sa thèse de doctorat :

 "Unanimitas et Societas Sanctorum". L’ idée de communion des Saints dans l’Occident chrétien de Tertullien à Grégoire le Grand

En présence du Jury :

M. MARTIN (Paris 4)
Mme DESMULLIEZ (Lille 3)
M. MODERAN (Caen)
Mme PIETRI (Paris 4)
M . SALAMITO (Paris 4)

Samedi 25 novembre 2006
9 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Guizot
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme Eve DE DAMPIERRE soutient sa thèse de Doctorat :

 "Une interrogation si vive adressée à l’Egypte" : Tranformations de l’Egypte du vingtième siècle dans les récits égyptiens et européens.

 En présence du Jury :

M. BACKES (PARSI 4)
Mme BASCH (POITIERS)
M. BOUJU (RENNES 2)
M. JACQUEMONT (AIX-MARSEILLE 2)
M. MASSON (PARIS 4)
Mme RACHID (LE CAIRE)

 Résumés

Cette thèse propose une étude comparative des représentations de l’Égypte du XXe siècle dans les récits et fictions d’écrivains égyptiens et européens (domaines arabe, français, anglais, italien). Dans une première partie, nous abordons les enjeux politiques et littéraires soulevés par la représentation de l’Égypte dans les textes occidentaux au XXe siècle. Nous posons l’hypothèse que la transformation politique du pays, engendrée par la fin du colonialisme et l’indépendance, bouleverse sa représentation littéraire. La seconde partie interroge la notion de modernité à travers la littérature : nous présentons différentes étapes de l’histoire du pays entre les années vingt et les années soixante-dix, pour montrer comment se traduisent, d’un point de vue narratif et poétique, l’émergence de la modernité et sa perception subjective. Enfin, après avoir défini un champ littéraire spécifique qui résulte d’une écriture sédentaire, nous présentons dans la troisième partie une étude poétique de l’ensemble du corpus : il s’agit d’en éclairer certaines figures et élaborations fictionnelles, mais aussi de montrer comment l’écriture poétique elle-même met en scène le bouleversement de l’image de l’Égypte.

This dissertation offers a comparative study of 20th century Egypt as seen through Egyptian and European narrative and fictional texts (Arabic, French, English and Italian). The first section presents political and literary issues connected with representations of Egypt in Western 20th century texts, arguing that political changes affecting the country, which were brought about by the end of colonialism and independence, also radically affect its representation in literature. The second section questions the idea of modernity through a close study of literary texts : it presents different stages of the Egypt’s history between the twenties and the seventies in order to show how the emergence of modernity and its subjective perceptions are translated into narrative and poetic texts. Lastly, after having defined the specific literary field resulting from residence writing, the third section is devoted to a study of the poetics of these different works, aiming not only to shed light on certain figures and structures of these fictions, but also to show how this poetical treatment comes to represent a radical change in Egypt’s image and can be seen as an enactment of this transformation.

دراسة مقارنة

يقدم هذا البحث دراسة مقارنة لمصر القرن العشرين خلال الكتابات الأدبية والروائية في كل من اللغات العربية والفرنسية والإنجليزية والإيطالية. يقدم الجزء الأول المواضيع السياسية والأدبية المتصلة بالتعبير عن مصر في النصوص الغربية بالقرن العشرين، والدلالة على أن التغيرات السياسية المؤثرة على الدولة نتيجة نهاية الاستعمار إلى الاستقلال، أثرت أيضا بصورة واضحة على تلك الكتابات الأدبية. يبحث الجزء الثاني فكرة التجديد والمعاصرة خلال دراسة مدققة للنصوص الأدبية في فترات مختلفة من تاريخ مصر بين العشرينات والسبعينات وذلك للدلالة على كيفية تأثير المعاصرة بنظرتها الموضوعية والذاتية على النصوص الأدبية والشعرية. أخيرا بعد تحديد خصوصية التعبير الأدبي الناتج عن (كتابة المقيمين)، يقدم هذا الجزء دراسة في شاعرية هذه الكتابات المتنوعة، ليس فقط لإلقاء الضوء على بعض الأسماء والبناء الروائي، ولكن لإظهار كيف أن هذه المعالجة الأدبية والشعرية تمثل تغيرا جوهريا في التعبير عن صورة مصر.

Position de thèse

Cette étude propose de montrer quelles transformations de la littérature impliquent les différentes types de bouleversements traversés par l’Égypte au XXe siècle, et par quels moyens l’écriture poétique et narrative peut à la fois rendre compte de ces bouleversements et questionner la représentation qu’on en donne. Parler des transformations de l’Égypte dans la littérature implique de prendre en compte les deux sens de sa transformation.
Le premier est objectif, c’est-à-dire avant tout historique et politique. L’Égypte a traversé au XXe siècle deux révolutions (1919 et 1952), la seconde ayant conduit à l’indépendance après plus d’un demi-siècle d’occupation britannique. Ces bouleversements politiques se sont accompagnés d’une transformation du paysage, notamment du paysage urbain du Caire et d’Alexandrie. La littérature peut donc avoir la fonction d’un témoin de l’Histoire, fonction universelle qui prend toutefois une ampleur particulière dans le champ littéraire égyptien fortement marqué par une contrainte documentaire. En tant que miroirs de l’histoire, les récits d’écrivains égyptiens et d’écrivains européens vivant en Égypte à la même époque traduisent cette transformation du pays et de son paysage. Mais la particularité de l’écriture littéraire est qu’elle ne se donne pas comme un reflet fidèle du matériau dont elle s’inspire. C’est là le second sens que je voudrais donner à l’idée d’une transformation de l’Égypte : il s’agit d’un ensemble de déformations opérées par la littérature. Cette transformation, qui résulte des processus mis en œuvre dans les textes poétiques et narratifs inspirés de cette Égypte est, quant à elle, subjective : elle résulte des images que projettent écrivains égyptiens et occidentaux sur l’histoire égyptienne et son paysage. Cette étude propose donc de montrer quelles transformations de la littérature impliquent les différentes types de bouleversements traversés par l’Égypte au XXe siècle, et par quels moyens l’écriture poétique et narrative peut à la fois rendre compte de ces bouleversements et questionner la représentation qu’on en donne.

Délimiter une période qui puisse illustrer de manière pertinente la transformation de l’Égypte va nécessairement à l’encontre de certains découpages fréquemment appliqués à l’histoire égyptienne. En effet, deux notions m’ont semblé essentielles pour caractériser cette période et sa perception à travers la littérature : celle de modernité et celle de post-colonialisme. Or, ces deux termes sont traditionnellement employés pour désigner une période soit bien plus vaste, soit bien plus restreinte que les années 1920-1970 dont il est question dans cette étude. L’appellation de modernité égyptienne s’applique traditionnellement aux XIXe et XXe siècles, c’est-à-dire à la période débutant avec l’Expédition Française d’Égypte et, quelques années plus tard, le début du règne de Muhammad ‘Ali. À l’inverse, la notion de post-colonialisme est employée, par définition, pour évoquer la seconde moitié du XXe siècle, qui succède à l’indépendance de l’Égypte, mais aussi un courant de la critique littéraire et de l’anthropologie qui prend appui sur la décolonisation. La superposition de ces deux notions donne pourtant un sens à la période concernée. La perspective d’une transformation de l’Égypte implique en effet de prendre en compte une donnée objective, la naissance du nationalisme égyptien, et une donnée subjective que l’on peut appeler le « sentiment » de la modernité. Celui-ci est essentiel pour comprendre, par exemple, la vision de l’histoire qui gouverne les Hikâyât hâratina (Récits de notre quartier) de Najîb Mahfûz. Bien entendu, il n’est pas question uniquement de sentiment, car cette modernité est reflétée par différents changements matériels et culturels qui affectent la société égyptienne : ainsi dans ces mêmes récits voit on évoluer la mode, l’organisation de l’espace ou encore les coutumes sociales. Dans cette perspective, la notion de post-colonialisme apporte alors une précision à celle de modernité. Elle peut caractériser, par anticipation, la lutte contre le système colonial, intensifiée en Égypte à partir des années vingt. Mais elle peut aussi éclairer la sensation d’un vide politique, entendu comme la disparition d’une cause politique commune, qui succède à l’indépendance égyptienne. L’idée de modernité et celle de post-colonialisme permettent donc de comprendre le lien entre la transformation du regard sur l’histoire égyptienne, dont témoigne par exemple la technique narrative employée par l’alexandrin Edouard Al-Kharrât, et un état d’esprit plus diffus imprégnant les textes d’écrivains européens comme égyptiens. Cet état d’esprit traduit une interrogation sur l’après-orientalisme, exprimée de manière claire dans les textes sur l’Égypte de Giuseppe Ungaretti comme de Michel Butor.

La correspondance entre un ensemble de facteurs politiques ponctuels et une évolution plus générale des mentalités en Égypte m’ont conduite à considérer le début des années vingt comme un tournant de l’histoire égyptienne. Sur le plan politique, elles sont marquées par la révolution de 1919 menée par Sa‘ad Zaghlûl, premier leader du nationalisme égyptien. Mais elles sont aussi traversées par plusieurs phénomènes révélateurs d’une transformation culturelle : l’apparition des premiers films égyptiens mais aussi des premières automobiles, l’urbanisation du Caire ou encore le dévoilement public d’une des pionnières du féminisme arabe, Huda Sha‘arâwi. _ Il est plus difficile de déterminer l’autre borne de cet espace chronologique de la transformation. La fécondité littéraire des années cinquante et soixante en Égypte, et son contexte historique - la critique du régime nassérien - m’ont naturellement invitée à considérer cette période. Or, la fin des années soixante et le début des années soixante-dix constituent une charnière dans la politique extérieure et intérieure de l’Égypte. La défaite de 1967 consacre, sur les plans militaire et diplomatique, le désenchantement suscité par le règne de Nasser, qu’illustre de façon transparente le roman de Mahfûz Mîrâmâr. Par ailleurs, les années soixante-dix sont marquées par un brusque revirement libéral que représente, après vingt ans d’économie socialiste, la politique d’Infitâh menée par Sadate après la mort de Nasser en 1970. Les nombreuses grèves et manifestations contre la hausse des prix qui eurent lieu au Caire en 1972 font l’objet d’une évocation dramatique dans le roman d’Ibrahîm Aslân, Mâlik al-hazîn (Le Héron). Ce roman souligne d’ailleurs l’importance d’une sensation subjective de transformation que la littérature, indépendamment de sa fonction éventuelle de témoignage, est à même de traduire. Il m’a donc semblé nécessaire de prendre en compte ces moments de crise : ils constituent l’autre délimitation chronologique de la période choisie.
À l’encontre des découpages chronologiques et logiques qui visent à isoler certains moments de l’Histoire pour en déterminer les caractéristiques autonomes, cette délimitation chronologique a pour but de souligner le passage d’une époque à l’autre. Quels germes du changement contiennent les trente années qui précèdent la Révolution et l’indépendance ? À l’inverse, comment l’histoire et l’esprit d’une lutte peuvent-ils survivre à l’époque circonscrite de cette lutte, ou peuvent-ils hanter les années qui lui succèdent ? Quelle sensation de menace pèse, à différentes époques, sur les Européens installés en Égypte ? Comment se traduit-elle dans leurs textes ? Car ce sont bien des textes littéraires qui éclairent dans cette étude la transformation de l’Égypte. Par conséquent, s’il est souvent question d’Histoire dans ces récits - notamment chez les écrivains égyptiens - l’émergence de la modernité et la perception d’une transformation de l’Égypte peuvent transparaître avec une évidence égale dans des textes dont l’ancrage historique est radicalement différent. Ainsi l’intuition d’un bouleversement historique peut elle imprégner la narration autant chez Mahfûz dans les années vingt que chez Aslân au début des années soixante-dix. De même, l’impression de vivre une époque finissante, et d’assister à l’écroulement d’une ville, peut transparaître des récits de Giuseppe Ungaretti (1931), comme du Quatuor d’Alexandrie de Lawrence Durrell ou encore des romans d’Albert Cossery, dont l’écriture s’échelonne sur plus d’un demi-siècle.
L’intérêt d’une approche comparatiste réside bien dans la possibilité de confronter un ensemble de textes sans céder à la séduction des dichotomies (Orientaux versus Occidentaux ; arabophones versus francophones, ou acculturés) comme à celle des étiquettes génériques, qui séparent roman et poésie, autobiographie et fiction, vérité et imagination. Le but de cette étude est donc de comparer des récits de langue arabe, française, anglaise ou italienne en tenant compte des écarts biographiques et linguistiques entre leurs auteurs. Je tenterai de montrer de quelle manière la littérature souligne ces différences et les éclaire, et comment elle invite, au contraire, à les réduire, en rapprochant, à travers une étude poétique, des écrivains que leur langue ou leur statut en Égypte voudraient opposer.
Si l’approche comparatiste permet d’opérer des traversées fécondes entre les régions, les langues et les genres, elle impose, pour offrir autre chose qu’un lointain survol, un matériau d’étude restreint. J’ai évoqué les critères qui m’ont autorisée, ou contrainte, à quelques coupes franches, et non moins regrettables, notamment dans la littérature égyptienne. Mais un autre principe m’a guidée dans le choix de ces œuvres : le souhait de présenter la littérature sur l’Égypte dans sa diversité, en accordant une importance égale aux textes les plus célèbres de la littérature égyptienne et européenne, et à leurs petits frères méconnus. Ainsi, au sein d’une œuvre romanesque aussi considérable que celle de Najîb Mahfûz, dont la renommée est bien assise hors d’Égypte, j’ai sélectionné certains textes qui figurent parmi les moins connus du grand public, ou parmi les plus difficile à classer : d’une part, le roman alexandrin Mîrâmâr (1967), d’autre part, les Récits de notre quartier (1975) qui rassemblent les souvenirs les plus anciens de l’écrivain. À l’inverse, j’ai tenu à étudier des romans parmi les plus célèbres d’Edouard Al-Kharrât et d’Ibrahîm Aslân, deux écrivains moins reconnus que Mahfûz hors d’Égypte. Pour le premier, il s’agit de ses deux récits autobiographiques évoquant l’Alexandrie des années trente et quarante, Turâbuhâ Za‘afrân (Alexandrie, terre de safran) et Ya Banât Iskandariyya (Belles d’Alexandrie), parus en 1985 et 1990. Pour le second, il s’agit de son premier roman, Le Héron (1983), situé dans un quartier du Caire, Imbâba (et plus précisément Kitkât) dont l’existence réelle se confond désormais avec l’image qu’en ont donné ce livre et le film qui en fut tiré. À cela s’ajoute l’œuvre francophone d’Albert Cossery, écrivain égyptien installé en France depuis cinquante ans, œuvre au sein de laquelle j’ai sélectionné les nouvelles et romans inspirés du Caire : Les hommes oubliés de Dieu (1940), La maison de la mort certaine (1945), Mendiants et orgueilleux (1956) et enfin Les couleurs de l’infamie (1999). Enfin, je n’ai pas résisté à la tentation d’évoquer, bien que brièvement, une des nouvelles les plus courtes de Yusûf Idrîss : son titre, Hikâya masriyya giddan (Une histoire très égyptienne), me semblait en effet la rendre incontournable. Pour la littérature européenne, le souci de présenter la diversité des textes inspirés d’une même muse, l’Égypte en transformation, impliquait un autre critère : il fallait rendre compte des écarts importants entre plusieurs statuts d’ « Européens en Égypte ». En effet, même lorsqu’ils ne sont pas des touristes, les étrangers en Égypte ne constituent pas une classe homogène. L’Irlandais Lawrence Durrell débarqua en 1941 dans une Alexandrie en guerre et occupée, où il travailla pour le bureau d’information britannique. Georges Limbour séjourna à la fin des années vingt à Assiout puis au Caire, où il enseigna sans passion au lycée français. Butor vint en Égypte en 1950, où il exerça le même métier, mais à l’école publique de Minieh, en moyenne Égypte. Enfin, Giuseppe Ungaretti était un Italien d’Égypte, né à Alexandrie où il vécut vingt ans et qu’il retrouva vingt ans plus tard : il appartenait donc à la communauté italienne d’Alexandrie. À cette variété des statuts s’ajoutent la différence des styles, des genres, mais aussi des renommées. J’ai donc voulu réunir le très célèbre Quatuor d’Alexandrie (1957-1960), dont le succès consacra la carrière d’écrivain de Durrell, et un récit de Butor intitulé « Égypte », paru dans Le génie du lieu en 1958, qui reste méconnu des lecteurs de l’Emploi du temps. Les récits égyptiens de Limbour et d’Ungaretti se situent également un peu en marge de leurs pages les plus connues. Cela est évidemment plus frappant dans le cas d’Ungaretti, qui fut presque exclusivement poète : le Carnet égyptien (1931) se situe, par sa forme, en marge de l’œuvre d’Ungaretti, bien que les images qui le traversent, mirages de l’Égypte et du désert, soient au cœur de la Vita d’un uomo (Vie d’un homme). Quant aux trop méconnus Récits africains (parus entre 1927 et 1968), ils illustrent le caractère hybride et virtuose de l’écriture surréaliste de Limbour, dans laquelle se mêlent anecdotes autobiographiques, séquences narratives et poésie.

Seul un corpus aussi diversifié, où coexistent romans au sens classique, fictions autobiographiques, nouvelles, récits poétiques et poèmes en prose, permet de donner un sens à l’idée d’une transformation de l’Égypte, au sens de métamorphose ou encore de déformation. Par ailleurs, l’ensemble de ces textes est abordé selon deux perspectives qu’il conviendra d’abord de distinguer. La première prend en compte le regard porté par ces écrivains, à travers leurs textes, sur la transformation historique de l’Égypte. Il eût été maladroit, en effet, de placer d’emblée l’ensemble des textes sur un même plan, en ignorant, au nom de la poésie et de la fiction, l’écart qui sépare leurs origines et leurs préoccupations. La seconde est, quant à elle, poétique : il s’agit de confronter les différentes images et visions de l’Égypte qui apparaissent dans l’ensemble des œuvres. Je tenterai donc de concilier ces deux méthodes de lecture des textes. De la même manière, certains récits de ce corpus comportent une dimension réflexive : leurs auteurs mettent en cause leur propre vision déformée de l’Égypte. Cette réflexion prend un sens particulier dans le cas des écrivains européens, puisqu’elle alimente souvent une culpabilité d’Occidental. Toutefois, elle apparaît aussi dans le roman d’Aslân, où elle souligne le lien évident entre la transformation objective de l’Égypte et sa transformation romanesque.

Ce travail s’articule donc autour de deux questions principales : quels conflits soulève la représentation de l’Égypte moderne et contemporaine dans la littérature occidentale ? Comment représente-t-on l’Égypte à l’époque de sa transformation ? Ces deux questions, que traverse et éclaire le fil directeur auquel j’ai donné le nom de transformations de l’Égypte, ne pouvaient évidemment pas rester séparées. On les retrouvera à différents stades de cette étude, et je tenterai à chaque fois d’y apporter des éléments de réponse. Pour mettre en évidence les deux directions essentielles de ce travail - l’une problématique, l’autre poétique - j’ai distingué trois parties au sein de cette étude. J’ai également tenu à répartir dans les différents chapitres de cette étude les éléments de présentation du sujet, pour épargner à mon lecteur un exposé sur l’histoire de l’Égypte et sa géographie ou encore diverses considérations théoriques sur les formes possibles d’un récit ou d’une fiction. J’ai donc préféré aborder la question in medias res.

La première partie s’intéresse à différents de conflits engendrés par la représentation de l’Égypte dans les textes occidentaux, et tente de définir les enjeux littéraires, mais aussi historiques et politiques de ces conflits. Je commencerai par exposer la récente diatribe d’E. Al-Kharrât contre le Quatuor d’Alexandrie de Durrell (chapitre 1), pour confronter les questions qu’elle soulève à celles que pose Butor près de cinquante ans auparavant, et enfin à la fameuse thèse d’E. Saïd sur l’orientalisme (chapitres 2 et 3). L’étude de ces textes de nature très diverse permettra, dans cette première partie, d’en dégager leur réflexion commune : pour Al-Kharrât, Butor ou Saïd, il s’agit de remettre en cause la représentation littéraire ou mentale de l’Égypte (ou plus largement de l’Orient, dans le cas de L’Orientalisme) par l’Occident.
La deuxième partie a pour but d’illustrer la transformation historique de l’Égypte à partir de récits égyptiens et européens, mais aussi de souligner sa perception différente par les Égyptiens et les Européens installés en Égypte. Cette partie est donc la seule à être organisée selon une distinction nette entre la littérature égyptienne (chapitre 4) et la littérature européenne (chapitre 5). Une telle disposition a pour but de rendre évident l’écart entre le regard porté sur l’Histoire par ces différents écrivains. Pour les Égyptiens, les bouleversements politiques et sociaux que traversent l’Égypte se traduisent en terme de lutte, d’indépendance et de modernité, bien qu’apparaisse aussi l’ambiguïté d’une Égypte nouvelle contaminée par l’image de la violence et l’idée d’un vide idéologique. Pour les Européens, ces mêmes bouleversements s’apparentent à une menace qui donne à leurs textes une tonalité crépusculaire.
Enfin, la troisième partie propose une approche poétique de l’ensemble des textes. Je tenterai d’abord de définir les caractéristiques de l’écriture sédentaire, ce qui impliquera de revenir quelque temps en arrière pour comprendre la formation de ce genre (chapitre 6) et sa pertinence à l’époque concernée. Je présenterai ensuite certains traits caractéristiques, structures, figures et fantasmes, qui alimentent de nouvelles représentations poétiques de l’Égypte (chapitres 7 et 8). Dans cette dernière partie, je chercherai enfin à montrer par quels moyens littéraires ces textes interrogent l’Égypte, et quelles réponses ils peuvent apporter à la question polémique de sa représentation (chapitre 9). Ce cheminement permet de comprendre les modalités d’un conflit pour le monopole poétique de l’Égypte et son contexte historique tel qu’il apparaît dans les textes : la transformation de l’Égypte ; et de souligner sa correspondance avec une poétique de l’Égypte nouvelle.

Jeudi 8 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. François RAVIEZ soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 "Vertige" de Chateaubriand

En présence du Jury :

M. DELON (Paris 4)
M. BERTHIER (Paris 3)
M. BERCHTOLD (Paris 3
M. FRANTZ (Paris 4)
M. MALANDAIN (Lille 1)
M. ROULIN (Saint-Étienne)

Samedi 9 décembre 2006
9 heures 30
En Sorbonne, Amphithéâtre Champollion
16, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme Anne REGENT soutient sa thèse de Doctorat :

 "Voix devant la Parole" : Bossuet et la théorique de l’autorité

 En présence du Jury :

M. CUCHE (STRASBOURG 2)
Mme DENIS (PARIS 4)
M. FERREYROLLES (PARIS 4)
M. LANDRY (LYON 3)
M. LE BRUN (EPHE)
Mme SANCIER-CHATEAU

 Résumés :

L’autorité apparaît comme la ligne de force conceptuelle et esthétique de l’oeuvre abondante et polymorphe de Bossuet, souvent présenté comme le chantre de l’absolutisme et du catholicisme tridentin. Aussi est-ce à travers le prisme de la rhétorique de l’autorité que sont ici scrutées, dans une perspective tout à la fois englobante et pluridisciplinaire, les stratégies argumentatives mises en place par l’évêque de Meaux : utilisation et détournement des lieux, construction d’un double pathos de surplomb et de communion, multiplication des éthè renvoyant à la dualité fondamentale d’un je oscillant entre force et faiblesse. L’oeuvre de Bossuet se révèle alors parcourue par une double tension : poursuivant d’une part le rêve toujours réaffirmé d’une vérité universelle qui posséderait par elle-même autorité, et n’aurait besoin que d’être énoncée pour convaincre, elle met cependant en oeuvre une véritable « rhétorique de l’autorité » visant à imposer, par divers procédés, sa vérité propre ; revendiquant d’autre part une autorité de nature essentiellement traditionnelle, elle se voit en définitive marquée par une singulière auctorialité.

Authority appears as the conceptual and aesthetic leading principle of the abundant and diverse work of Bossuet, often portrayed as the champion of French absolutism and Tridentine Catholicism. It is thus through the prism of the rhetoric of authority, in an inclusive and multidisciplinary approach, that the argumentative strategies employed by the Bishop of Meaux are here examined : the use and perversion of the topoi, the construction of a double-sided pathos of domination and communion, the multiplication of ethe pointing to the fundamental duality of the speaker self, who oscillates between strength and weakness. Bossuet’s works are thus underlined by a double tension. On the one hand, while pursuing the dream, constantly reaffirmed, of a universal truth that is authoritative per se, and whose simple exposition would be persuasive, Bossuet in fact employs a complex "rhetoric of authority" aimed at imposing, by diverse means, his personal truth. On the other, while laying claim to an essentially traditional authority, Bossuet’s work is ultimately marked by his personal authorship.

 Position de thèse :

« “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » « Dictateur [...] de l’épiscopat et de la doctrine »1, chantre et théoricien de la monarchie absolue : telle est souvent l’image donnée de Bossuet. Sa figure paraît indissociable des pouvoirs politiques et religieux auxquels il se trouva lié et son écriture elle-même ne fait en cela qu’accuser le trait, tant s’y reflète, semble-t-il, l’affinité profonde liant « l’aigle de Meaux » aux diverses formes d’autorité ; on connaît en effet le jugement de Valéry : Dans l’ordre des écrivains, je ne vois personne au-dessus de Bossuet ; nul plus sûr de ses mots, plus fort de ses verbes, plus énergique et plus délié dans tous les actes du discours, plus hardi et plus heureux dans la syntaxe, et, en somme, plus maître du langage, c’est-à-dire de soimême2. Longtemps sacralisée par l’école et par l’université, la prose de Bossuet constituerait ainsi le parfait répondant d’une époque et d’un régime foncièrement autoritaires. Or si l’évêque de Meaux peut effectivement apparaître, à certains égards du moins, comme une sorte d’hypostase de la face autoritaire de la France louisquatorzienne, plus mystérieuse apparaît l’autorité se dégageant encore de son discours pour le lecteur du XXIe siècle. Comment expliquer, en effet, que, même en dehors du contexte institutionnel qui fut le sien, le discours de Bossuet fasse encore percevoir de manière si sensible - pour le meilleur et pour le pire - sa visée dominatrice ? C’est à cette question que ce travail s’efforce de répondre, en examinant les diverses traductions textuelles de l’autorité chez Bossuet selon le genre de texte pratiqué et la stratégie d’écriture à laquelle il correspond. 1 Saint-Simon, Mémoires, éd. Y. Coirault, Paris, Gallimard, « Bibliothèque de la Pléiade », 1983, t. I, p. 255. 2 P. Valéry, OEuvres, éd. J. Hittier, Paris, Gallimard, « Bibliothèque de la Pléiade », 1957, t. I, p. 498.

Position de thèse d’Anne Régent-Susini : « “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » La problématique de l’autorité peut en effet rendre compte de l’effet essentiel produit, aujourd’hui comme autrefois, par l’oeuvre de Bossuet. Certes, aujourd’hui aussi omniprésent que polémique et mal connu, le concept même d’autorité pose, à première vue, plus de questions qu’il n’en résout. Cependant, son réexamen à la lumière du cas exemplaire de Bossuet a paru d’autant plus opératoire que le domaine littéraire s’avérait de toute évidence pour la question de l’autorité un champ d’investigation particulièrement fécond - comme en témoignent au premier chef les débats entourant encore aujourd’hui la déconstruction de la figure auctoriale. Le traitement d’une telle problématique dans une perspective rhétorique, quant à lui, s’imposait à différents égards : d’abord en ce que, prenant acte du lien étroit unissant autorité et rhétorique, il devait conduire à mettre au jour « une théorie de l’efficacité du discours3 » ainsi que les conceptions anthropologiques, philosophiques, politiques et religieuses qui la sous-tendent ; et ensuite en ce qu’il devait conduire à « cerner une part des conditions de production des discours en général »4 et de l’oeuvre bossuétiste en particulier. Or par un paradoxe critique inexpliqué, et en dépit même de la reviviscence contemporaine des études rhétoriques, une telle approche avait jusqu’ici constitué le point aveugle des recherches portant sur l’oeuvre de Bossuet, pourtant très tôt érigée au rang de parangon d’éloquence - seul point sur lequel s’accordent, du reste, les partisans et les détracteurs de l’évêque de Meaux. Aussi s’agissait-il de s’interroger sur la manière dont la conception bossuétiste de l’autorité débouche sur une pratique rhétorique spécifique et personnelle, mais aussi emblématique d’une période où la notion d’autorité connaît, dans les domaines politique, religieux et littéraire, une évolution doublement décisive. Décisive pour l’histoire des mentalités d’une part - au sens où les débats religieux sur l’autorité (en particulier la critique de l’argument de tradition et les débats philologiques) sont à l’origine de l’historiographie et de la critique modernes. Décisive, d’autre part, pour la notion d’autorité elle-même, car c’est bien à la charnière entre les XVIIe et XVIIIe siècles que se produit, sinon la brutale « crise de la conscience européenne » mise en lumière par P. Hazard, du moins « le passage 3 M. Charles, Rhétorique de la lecture, Paris, Seuil, 1977, p. 10. J.-M. Adam, « De la grammaticalisation de la rhétorique à la rhétorisation de la linguistique. Aide mémoire », R. Koren et R. Amossy (éd.), Après Perelman : quelles politiques pour les nouvelles rhétoriques ?, Paris, L’Harmattan, 2002, p. 42.

Position de thèse d’Anne Régent-Susini : « “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » progressif d’une culture de l’autorité, dominée par les textes religieux et les grands auteurs de l’Antiquité, à une culture de la libre pensée et de la libre création, dominée par la littérature et les sciences5 ». Notre étude s’efforce donc de mieux cerner une oeuvre singulière, certes, mais aussi, à travers elle, l’hésitation, caractéristique d’une époque, entre plusieurs épistémès, entre plusieurs « régimes de vérité », et donc de pouvoir.
Une pensée de l’autorité, servie par une écriture de l’autorité, telle doit alors apparaître la ligne de force conceptuelle et esthétique d’une oeuvre syncrétique, souvent peu systématique et pourtant profondément cohérente en dépit de sa grande diversité générique. Prendre en compte cette diversité impliquait de faire place à un grand nombre de textes, constituant un corpus représentatif des différents genres littéraires pratiqués par Bossuet. Les OEuvres oratoires ont ainsi été scrutées dans leur intégralité, et l’oeuvre non oratoire s’est vue illustrée par des textes pédagogiques (la Politique, la Logique), polémiques (l’Exposition de la doctrine catholique, les Avertissements aux protestants et la Relation sur le quiétisme), historico-pédagogiques (le Discours sur l’Histoire universelle) et historico-polémiques (l’Histoire des variations des Églises protestantes). Il a semblé important d’inclure également des textes méditatifs moins connus tels que les Méditations sur l’Évangile et les Élévations sur les Mystères, qui font entendre une autre voix de Bossuet, plus intime et moins ouvertement autoritaire, ainsi que la Dissertatio de Psalmis, qui, dans une oeuvre peu portée aux développements métadiscursifs, permet de mieux comprendre l’idée que se faisait Bossuet d’un certain « style biblique ». L’ensemble de l’oeuvre a toutefois été consulté et d’autres textes se trouvent convoqués chaque fois que les besoins de la démonstration l’exigent. Ce corpus a été envisagé selon une approche pluridisciplinaire, seule susceptible de mettre en lumière l’élaboration conceptuelle de la notion d’autorité chez Bossuet, et, simultanément, la manière dont elle s’inscrit formellement dans l’oeuvre. La perspective adoptée, en effet, impliquait un constant croisement des perspectives littéraire, philosophique, théologique, sociologique et historique : d’une part, en ce que la 5 G. Leclerc, Histoire de l’autorité. L’assignation des énoncés culturels et la généalogie de la croyance. Paris, Presses Universitaires de France, 1996, p.8 .

Position de thèse d’Anne Régent-Susini : « “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » rhétorique s’inscrit nécessairement au carrefour des savoirs ; et d’autre part, en ce que l’autorité constitue, par essence, un concept relevant à la fois de la philosophie, de la sociologie et de la théologie - pour ne citer que ces domaines.
C’est d’abord sur la conception de l’autorité développée par Bossuet que s’est portée l’attention. Nous avons en particulier tenté de mettre au jour la manière dont cette conception reflète le passage d’une conception dionysienne et mystique à une conception thomiste et juridictionnelle de l’autorité : l’autorité selon Bossuet demeure médiation, mais médiation d’un pouvoir plus que d’un savoir. Pour autant, loin de se résumer à une relation de pouvoir, elle constitue d’abord une relation d’amour, comme en témoignent les deux modèles fondamentaux selon lesquels Bossuet, suivant en cela toute une tradition du christianisme, se représente l’autorité politique et l’autorité religieuse : le patriarcat et le pastorat. Remarquablement cohérente, la pensée bossuétiste de l’autorité définit en tout état de cause un espace conceptuel de première importance, où réflexion politique, réflexion historique et réflexion ecclésiologique, héritage augustinien, héritage dionysien et héritage thomiste, viennent s’unifier autour de ces pôles fondamentaux que sont l’unité, l’ordre, la permanence et la médiation. (I) Intrinsèquement liée à la beauté d’un ordre immuable et harmonieux, l’autorité du discours vrai, se caractérisant par sa clarté, sa concision, sa simplicité et son naturel, aurait dû pour Bossuet s’imposer d’elle-même, dans le cadre d’une rhétorique de l’exposition remplaçant la démonstration par la simple monstration. Nous avons pourtant montré comment, prenant acte de l’insuffisance d’une telle (anti-)rhétorique, l’évêque de Meaux développe en réalité le plus souvent une argumentation plus traditionnelle, apparaissant, non sans paradoxe, comme une construction d’immédiateté. De fait, le contact direct avec le vrai que vise à instaurer son discours passe régulièrement par la mise en oeuvre d’un raisonnement fondé sur une logique précisément codifiée. Après avoir envisagé cette dernière en suivant la typologie des lieux exposée par Bossuet lui-même dans sa Logique du Dauphin, nous avons étudié plus précisément la mise en oeuvre rhétorique des différents lieux, et en particulier la manière dont le recours constant à divers coups de forces argumentatifs

sition de thèse d’Anne Régent-Susini : « “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » ainsi qu’à une rhétorique de l’assertivité (relevant non plus de l’inventio, mais bien de l’elocutio) tendait à renforcer l’autorité de la démonstration. Au coeur du discours bossuétiste est alors apparue la tentation, non plus d’une « anti-rhétorique », mais bien plutôt d’une rhétorique « anti-conversationnelle », prenant à rebours les lois de l’échange alors prônées par les rhéteurs comme par l’honnête homme, refusant la souplesse et le relativisme du discours mondain pour exhiber une tension univoque vers le Vrai et « fermer la bouche » à l’adversaire soumis et réduit au silence - tant il s’agit de combat, et non de débat ; de conversion, et non de conversation. (II).
pendant, pour garantir l’efficacité du discours, les manoeuvres d’intimidation employées par Bossuet devaient nécessairement se doubler de la construction rhétorique d’une homonoia. C’est pourquoi au pathos ouvertement autoritaire de la « pastorale de la peur » (J. Delumeau) répond un pathos de la communion, trouvant son aboutissement dans ce sublime qu’on a si souvent décelé chez Bossuet : d’une part, le locuteur s’unit avec son public contre l’adversaire, notamment par l’ironie et la complicité qu’elle implique ; d’autre part, abandonnant sa position surplombante, il revendique son appartenance à la faible condition humaine et rejoint enfin son auditeur/lecteur dans une commune écoute de la Parole et dans une commune contemplation du Vrai. Là encore, le discours tend vers le silence - non plus silence de la soumission cependant, mais silence de l’adoration. La dualité caractérisant l’emploi de la preuve pathétique se fait également jour dans l’usage bossuétiste de la preuve éthique : multipliant les postures d’autorité (prêtre, évêque, controversiste, professeur, voire - quoique avec d’importantes nuances - prophète), Bossuet affirme conjointement sa foncière impuissance. Son éthos multiple et constamment mobile finit par se dissoudre dans sa labilité même, et renvoie en définitive à la disparition d’un je se donnant pour le simple porte-parole d’une Voix (ou de multiples voix) qui le transcende(nt), dépossédé plus encore qu’inspiré, relais imparfait tendant en vain vers une pure transparence. La véhémence de Bossuet et la majesté de son ton impérieux peuvent dès lors être comprises, non comme une mise en scène du je en majesté, mais comme une tentative de dire, dans un monde que l’unité et

sition de thèse d’Anne Régent-Susini : « “Voix devant la Parole” : Bossuet et la rhétorique de l’autorité » l’immuabilité ont déserté, la seule autorité possible : celle, foncièrement déficiente, de la médiation. Comme Paul en effet, Bossuet se désigne régulièrement comme « un instrument inutile, qui n’a de vertu ni de force qu’à cause de la main qui l’emploie »6 ; comme Jean-Baptiste, il se veut flambeau devant la lumière, voix devant la Parole, ange devant l’Ange du grand conseil, médiateur devant le Médiateur, c’est-à-dire médiateur entre la Loi et l’Évangile, précurseur de celui qui le devance7.
tre la voix du dehors et la voix du dedans, la voix éloquente et la voix intime, la voix sensible et la voix spirituelle, se noue ainsi une relation complexe : incarnant la transcendance, la « voix devant la Parole » est à la fois une voix sous la Parole et une voix sur la Parole, un faire-valoir et un palimpseste. (III) Aussi le discours essentiellement autoritaire, voire par moment autoritariste, de Bossuet, se révèle-t-il en définitive inséparable d’une forme de dépossession du je. Contrairement à celle de Fénelon, la voix de Bossuet ne tend pas vers son anéantissement, mais continue de faire entendre son débit imparfait, afin qu’à travers elle retentissent d’autres voix, dont la multiplicité seule peut dire une vérité foncièrement insaisissable. Rhétorique des peintures et du dialogisme, de l’hypotypose et de la polyphonie, la rhétorique bossuétiste s’avère en cela, plus profondément encore, rhétorique d’une présence-absence. Et de même que le je lyrique émergea au cours de la Renaissance à partir du je ambigu des Psaumes de Marot, à la fois individu profondément humain et homme-archétype habité par Dieu, c’est donc d’un je en clairobscur, s’effaçant derrière la circulation autoritaire des auctoritates, que surgit, fût-ce en dépit de lui-même, l’auteur Bossuet. 6 Bossuet, Panégyrique de saint Paul (1657), OEuvres oratoires, éd. Ch. Urbain et É. Lévesque (révision de l’ancienne édition J. Lebarq), Paris, Desclée de Brouwer, 1911-1926, t. II, p. 318. 7 Bossuet, Sermon sur la véritable conversion (1668), ib., t. V, p. 395.

Jeudi 24 novembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Isabelle DASQUE soutient sa thèse de doctorat :

 A la recherche de Monsieur de Norpois : Les diplomates de la république (1871-1914)

En présence du Jury :

M. CHALINE (Paris 4)
M. ALLAIN (Paris 1)
M. CHARLE (Paris 1)
M. MACHELON (Paris 5)
M. SOUTOU (Paris 4)

Résumés

Pour défendre les intérêts de la France à l’étranger, la Troisième République peut compter sur un haut personnel diplomatique en partie renouvelé après la républicanisation de ses cadres et l’intégration d’éléments extérieurs et stimulé par son ardeur patriotique. Malgré les efforts consentis pour démocratiser le corps, elle s’appuie encore largement sur les représentants des élites traditionnelles, encore proches socialement de leurs partenaires diplomatiques et familiers des pratiques sociales et culturelles héritées de l’ancienne société de cour. Loin de se couper du reste de la nation, les membres de la Carrière sont étroitement liés aux nouvelles classes dirigeantes par une multitude d’intérêts, qui illustrent l’aboutissement d’une intégration réciproque des diplomates et de la République entre 1871 et 1914 et reflètent aussi l’avènement d’une diplomatie où le processus de décision repose sur un jeu d’interactions entre des pôles et des relais différents. Ralliés aux institutions républicaines dont ils fustigent toutefois les faiblesses structurelles, ils sont reconnaissants à la République d’avoir mené une politique d’envergure et fait de sa diplomatie un outil au service de la grandeur nationale. Soucieux de respecter les traditions garantes de la cohésion et de l’esprit de corps, les diplomates de la Belle Epoque n’en ont pas moins posé les jalons d’une diplomatie plus moderne, adoptant leurs pratiques professionnelles aux mutations de la vie internationale. Ils ont en même temps le sentiment d’assister au crépuscule de la vielle diplomatie lente et réfléchie à laquelle s’identifiait toute une conception de l’ordre européen et des relations internationales avant 1914 et dont ils cultivent d’ores et déjà la nostalgie.

In search of Monsieur de Norpois : the diplomats of the Republic (1871-1914)

In order to protect the interests of France, the Third Republic can rely on the high diplomatic staff which had been partially renewed through the “republicanisation” of its senior officials and the integration of external elements and stimulated by their patriotic ardour. Notwithstanding its efforts to make the diplomatic corps more democratic, the french government relies to a great extent on people proceeding from the traditional elite, socially close to their diplomatic counterpart and familiar with the social and cultural practice inherited from the old court society. Far from been severed from the remainder of the nation, the members of the diplomatic Career are narrowly bound to the new ruling class by a lot of interests which evidence the achievement of a process of integration within the republican society between 1870 and 1914 and equally reflects the emergence of a diplomacy where the process of decision rests on interactions between different poles and intermediaries. Though censuring the weaknesses of the republican institutions, they have been won over to the new regime and they are grateful to it for having carried out ambitious politics and turned the diplomacy into an efficient tool serving the national grandeur. Anxious to keep the old traditions which guarantee the cohesion and the “esprit de corps”, nevertheless diplomats of the “Belle Epoque” have paved the way for a more modern diplomacy, adjusting the professional practices to changes in international life. At the same time they have the feeling of witnessing the twilight of the old diplomacy, slow and thoughtful which could be identified with the conception of the European order and the international relations before 1914, nostalgic of which they already are.

Mots-clés : Troisième République- Elites- Aristocratie- Bourgeoisie- Haute administration- Républicanisation- Corps diplomatique- Corps consulaire- Quai d’Orsay- Relations internationales- Ambassades- Légations- Sociabilité diplomatique- Protocole- Concert européen.

Position de thèse

A en juger par les critiques incessantes de la classe politique qui font toujours, trente ans après, le procès d’une Carrière dépeinte comme le bastion de la Réaction et du cléricalisme, l’on était tenté de croire à un divorce irréparable entre l’Etat républicain et ses diplomates. Or, si le haut personnel diplomatique ne s’est pas trouvé à la tête du mouvement visant au renouvellement des élites dirigeantes de la République entre 1871 et 1914, il ne s’est en aucun cas coupé de celles-ci.

L’image d’un corps socialement aristocratique, démentie en partie par l’analyse quantitative, mais cultivée par les diplomates eux-mêmes et par les pratiques sociales et culturelles qu’ils affectionnent, paraît à première vue difficilement compatible avec la promotion des principes égalitaires et démocratiques de la République. Le poids encore manifeste des filiations et des solidarités familiales, garantissant le respect des traditions et facilitant la transmission de codes internes et ritualisés, peut accréditer aussi l’idée d’un microcosme clos, coupé des réalités concrètes alors que sa familiarité avec l’étranger aurait pu tout aussi bien lui acquérir la réputation d’une élite ouverte. Pourtant, cette image d’un groupe replié sur lui-même, figé dans ses traditions et fermé aux changements de la société française demande à être corrigée. L’ouverture sociale à des représentants des classes nouvelles, notamment grâce à l’intégration d’un personnel extérieur issu de l’administration préfectorale, coloniale ou des milieux politiques, la moindre part de l’hérédité et de l’endogamie et l’introduction de procédures de sélection davantage conformes au modèle méritocratique montrent aussi un corps traversé par les évolutions similaires à celles de la haute administration de la fin du XIXe siècle. La rationalisation des carrières autour de règles administratives strictes apparaît autant comme une forme de modernité de l’Etat qu’une défense d’un corps soumis aux tentatives du pouvoir politique pour contrôler le recrutement et les nominations au sommet de la hiérarchie. Très précocement le haut personnel diplomatique parvient à opposer une résistance ferme et à déployer des stratégies corporatistes pour préserver une forme d’autonomie que le statut de 1913 est censé garantir. La forte cohésion du groupe reposant sur l’exaltation des traditions et sur la valorisation d’une mémoire commune, nourrissant une conception très élevée de la fonction, joue à ce titre un rôle essentiel. Mais les élites diplomatiques ne se ferment pas aux autres influences. La diversification de certains parcours qui essaiment dans plusieurs champs administratif, politique ou économique et le renouvellement des réseaux et des structures de sociabilité qui révèlent une multiplicité d’intérêts élargissent les sphères d’influence et de pouvoir avec lesquelles les membres de la Carrière sont en contact. Les diplomates portés aux responsabilités les plus importantes incarnent bien ce brassage plus intense des élites du Quai d’Orsay avec les autres groupes dirigeants. Malgré quelques crispations, cette ouverture est en fait bien vécue dans la mesure où elle n’induit pas encore, à cette époque, une perte de pouvoir des diplomates sur leur propre terrain d’action. Ceux-ci disposent au début du XXe siècle, d’une certaine exclusivité dans les affaires extérieures, que l’évolution de la diplomatie et du système international vont au fil du siècle progressivement amputer. L’entremêlement des liens tissés avec les autres groupes dirigeants favorise dans tous les cas le consensus sur lequel se sont fondés les objectifs de la politique étrangère pendant cette période. Il illustre en même temps l’aboutissement d’une intégration réciproque des diplomates et de la République entre 1871 et 1914.

La question des rapports entretenus par les diplomates avec la République, en tant que régime politique et système de valeurs, dont ils doivent défendre les intérêts et exécuter les choix de politique étrangère, a pris naturellement place au cœur de cette étude. 1870 marque une rupture profonde qui voit s’installer définitivement en France les institutions républicaines, inspirant la méfiance à ses voisins monarchiques. L’on imagine sans peine le climat d’incertitude et de malaise qui règne, au lendemain de l’effondrement du Second Empire, dans bon nombre des représentations diplomatiques de la France à l’étranger. Or, En fait, les relations entre la République et ses diplomates ne sont pas jalonnées de tensions majeures, en dépit des péripéties de la vie politique et du programme de républicanisation du Département. La période assiste en effet à l’avènement d’une élite diplomatique ralliée au régime dont va hériter en partie l’entre-deux-guerres, sans renoncer pour autant à l’idéal aristocratique qui sous-tend son mode de fonctionnement. D’une part, la mobilisation de réseaux internes, de parenté, de camaraderie ou de clientélisme, permet de maintenir une certaine continuité entre les générations, d’assurer la permanence de certaines valeurs et des manières de penser et d’amortir les effets des ruptures politiques. D’autre part, la politique de noyautage de la hiérarchie, massive sous les Opportunistes, assure au régime un personnel dévoué à ses institutions. L’épuration a permis d’écarter des affaires extérieures les éléments ouvertement hostiles au régime et de sanctionner les oppositions partisanes, qui auraient, de toutes les façons, discrédité la représentation officielle de la République à l’étranger. Mais la politique républicaine ne bouleverse pas pour autant le corps qui apporte loyalement son concours à la réalisation de ses ambitions extérieures. Les diplomates se trouvent aussi moins étroitement associés que d’autres corps de l’Etat à la mise en œuvre des aspects les plus controversés de la Troisième République et l’action étrangère ne se ressent guère des orientations intérieures. Même le protectorat des chrétiens en Orient et en Extrême-Orient, et l’appui donné aux missions et congrégations françaises ne subissent pas les contrecoups de la lutte anticléricale. En outre, la force de l’image sociale et l’importance de la fonction représentative dissuadent le pouvoir républicain de rompre avec les élites traditionnellement présentes dans la diplomatie, dont il aurait pu mettre en doute la loyauté, eu égard aux attaches traditionnelles, aux solidarités familiales ou aux sensibilités politiques de celles-ci. La République fait surtout preuve d’opportunisme et de réalisme, en s’appuyant sur un personnel diplomatique encore proche socialement des classes dirigeantes des monarchies du Vieux continent, pour gagner la confiance des gouvernements étrangers et prendre rang parmi les puissances. Elle sacrifie à la priorité de sa politique extérieure toute considération idéologique ou sociale. La vision qu’elle finit par se forger de sa représentation, conçue en terme de puissance symbolique et de mise en scène de l’Etat à l’étranger et pour laquelle elle consent des efforts matériels nouveaux -hôtels d’apparat et frais de représentation- est un des termes de ce compromis avec des élites élevées dans le culte des formes du paraître.

De son côté, la hiérarchie diplomatique fait aussi preuve de souplesse et d’adaptation à un cadre qui concilie deux niveaux : celui de la nation avec ses propres références et celui d’une communauté cosmopolite régie par des règles et des lois propres qui interfèrent autant dans la sphère publique que privée. Elle assume pleinement cette contradiction entre un Etat républicain qu’elle sert et qui offre à ses membres une position encore prestigieuse et un ordre diplomatique dont elle est solidaire des valeurs et des pratiques, empruntées à une société aristocratique. Sa culture rompue à la négociation et à la recherche du compromis explique en partie la facilité avec laquelle elle s’est intégrée au cadre républicain. Les diplomates font surtout des intérêts nationaux, dont ils sont les gardiens vigilants sur la scène internationale, la priorité à laquelle ils sacrifient finalement toute considération idéologique, les succès extérieurs compensant dans leur esprit les imperfections de la vie politique française. Aussi prennent-ils une part moins passionnée aux débats intérieurs de la Nation sur lesquels ils exercent un regard distancié, mais en contrepartie, ils veillent sur sa sécurité et son rayonnement. Acceptant la forme républicaine des institutions, ils aspirent à servir un régime d’ordre, de stabilité et d’autorité, qui inspire confiance et soit respecté à l’étranger. Ne ménageant certes pas leurs critiques à l’égard des faiblesses structurelles du régime, les diplomates sont reconnaissants à une République qui a mené une politique d’envergure et qui a fait de sa diplomatie un outil au service de la grandeur de la France, objectif qui sera remplacé dans l’entre-deux-guerres par celui, moins fédérateur et moins mobilisateur, de la sécurité. L’attachement à une conception traditionnelle, réaliste et hobbesienne des rapports internationaux, nourrie par un regain d’intérêt pour l’histoire diplomatique de l’époque classique, se trouve pleinement satisfait. La République dispose aussi avant 1914 d’un haut personnel diplomatique somme toute adapté à ses ambitions extérieures, posant les jalons d’une diplomatie plus moderne, même s’il reste soucieux de respecter les traditions.

En partie renouvelés par l’apport d’éléments extérieurs pour près d’un quart d’entre eux, les cadres du Quai d’Orsay ont, au lendemain de 1870, de nombreux atouts pour conduire une politique étrangère active. Dans le contexte de régénération morale et intellectuelle de la Nation et d’effort pour améliorer la formation des élites, leur niveau d’études s’est élevé. Le traumatisme de la défaite a raffermi leur patriotisme. Une gestion rationnelle des carrières favorise un rythme désormais régulier qui permet aux nouvelles générations du Département d’accéder un peu plus précocement que leurs aînés à des postes de responsabilité d’où le rajeunissement des cadres. Le régime bénéficie donc à ses débuts d’un personnel relativement jeune, stimulé par son ardeur patriotique, et mûri par des expériences variées, pour sortir la France de son isolement, nouer une politique d’alliances, aplanir les difficultés avec l’Allemagne, et soutenir une aventure coloniale dont les diplomates acceptent aussi les risques de conflits qu’elle peut entraîner avec les autres puissances. En revanche, le dynamisme de ce personnel des premières décennies de la Troisième République semble avoir diminué au début du XXe siècle : l’intervention du pouvoir politique et la longévité des missions destinées à compenser l’instabilité ministérielle finissent par entraîner un vieillissement et un goulot d’étranglement au sommet de la hiérarchie. Mais cet engorgement oblige aussi très vite le corps à trouver des solutions de repli et à faire preuve d’adaptation et de souplesse d’où la diversification des profils de carrière qui profite des opportunités nouvelles offertes d’une part par les transformations de la vie internationale, et d’autre part par les réseaux nouvellement investis. Elargissant les cercles d’influence et multipliant les prises de contact avec d’autres acteurs intéressés aux questions internationales, notamment les milieux parlementaires et les hommes d’affaires, l’ouverture professionnelle s’avère profitable à une diplomatie où le processus de la décision repose de plus en plus sur un jeu d’interactions entre des pôles et des relais différents. Une rotation fréquente des postes en début de carrière et une diversification géographique des affectations dotent le Quai d’Orsay d’agents ayant une vue globale des affaires, capables aussi de s’adapter à des terrains variés et de déployer des moyens d’actions appropriés. Face à l’accélération de l’activité diplomatique au tournant du siècle, la rationalisation du travail pénètre au sein du Département et au sein des missions à l’étranger, préparant le terrain à une pratique de plus en plus professionnelle, à laquelle aspirent aussi les jeunes générations. La culture du télégramme qui marque l’avènement d’une diplomatie à plus court terme supplante désormais celle de la dépêche identifiée à une diplomatie lente et réfléchie. Observant la démocratisation de la vie publique, certains diplomates français se veulent attentifs au souffle des nations et soucieux de prendre désormais en compte les membres de la société civile. La collecte des informations auprès des cercles officiels et la négociation restent au cœur de l’activité diplomatique mais elles s’appuient sur d’autres méthodes, comme les déplacements, les enquêtes de terrain, les conférences ou les prises de contact dans d’autres milieux non officiels, qui se doublent d’une entreprise de séduction destinée à emporter l’adhésion des forces profondes.

A la veille de la Grande Guerre, la machine diplomatique n’est toutefois pas exempte de faiblesses. D’abord, la formation, dispensée en grande partie à l’Ecole libre des sciences politiques, est encore traditionnelle, tournée vers les études juridiques et littéraires. La prépondérance acquise par l’histoire dans le recrutement des futurs diplomates tend même à laisser au second plan, le droit notamment le droit international. Les autres disciplines comme l’économie politique et la géopolitique sont largement ignorées, ce qui laisse présager les lacunes apparues au lendemain du premier conflit mondial, dans le traitement de certaines questions techniques, notamment financières, ou de certaines problématiques comme celles propres au Moyen-Orient. Malgré les tentatives pour unifier les filières et favoriser sur le terrain la collaboration entre diplomates et consuls, les carrières diplomatique et consulaire restent encore cloisonnées et les corps, distincts dans leur recrutement, dans les profils de carrière et dans leurs comportements. Le programme de réformes que les républicains ont voulu introduire dans la gestion des carrières est novateur par rapport aux autres chancelleries européennes, mais il a en partie échoué. Le roulement entre les services extérieurs et l’administration centrale en est encore l’illustration. La pression à la tête de la hiérarchie a au contraire accru l’importance du cabinet et de l’administration centrale dans les stratégies de carrière, renforçant par là aussi le poids des bureaux dans la gestion des affaires au détriment des agents à l’étranger. Non seulement la rotation entre les postes de l’administration centrale et ceux des services extérieurs est loin d’être effective, mais faute d’un organisme planificateur et coordinateur, les malentendus surgissent déjà de part et d’autre, pouvant compromettre l’unité de vue et d’exécution. Les diplomates affectés à l’étranger se plaignent de l’absence d’instructions et de la mauvaise circulation des informations alors qu’en même temps, ils ne disposent plus de la même marge d’initiative et d’autonomie que leurs prédécesseurs. Enfin, à la veille de la Première Guerre mondiale, le corps diplomatique manifeste des signes d’essoufflement. Le vieillissement de la hiérarchie, l’impatience des cadets bloqués dans leur avancement, l’intensification de la vie internationale et avec elle l’émergence de nouvelles façons de gérer les conflits mais aussi le spectre de la guerre qui redonne la première place au pouvoir militaire nourrissent le sentiment chez certains que les derniers représentants de la vieille diplomatie sont sur le point de quitter la scène après avoir été les témoins et les acteurs d’une époque identifiée à un paradis perdu.

Malgré ses clivages internes, l’élite du Quai d’Orsay fonde en grande partie son identité sur le prestige dont elle jouit et sur la représentation qu’elle se fait de son rôle, conçu comme indissociable d’un ordre international, forgé depuis le XVIIIe siècle et appelé à l’époque « concert européen ». Or à la veille de la Grande Guerre, cet ordre auquel s’attachait une certaine pratique des affaires internationales manifeste des signes de décrépitude, du fait notamment de l’évolution politique et de la démocratisation à un rythme varié de la vie publique des Etats européens. L’évolution de la Carrière, la pratique de plus en plus professionnalisée du métier et la multiplicité des acteurs dans la gestion de la politique étrangère ébranlent l’image du corps. Ces transformations encore timides amorcent le déclin d’une diplomatie appartenant au passé, qui justifiait une certaine manière d’être et de faire. Les qualités sociales et mondaines avaient une place légitime dans un milieu cultivant l’entre soi, où les relations personnelles étaient déterminantes. Ambassadeurs et ministres plénipotentiaires jouaient de surcroît un rôle-clé dans les grandes négociations et dans la transmission de l’information. Participant activement à l’élaboration et à la conduite de la politique étrangère, ils ont encore au début du XXe siècle une position très enviable, comparés à leurs homologues étrangers, généralement confinés dans une tâche d’exécutants. Après 1918, le contexte social, idéologique et diplomatique s’est modifié et définit un cadre nouveau à la représentation diplomatique, auquel les membres de la Carrière ayant servi avant la Grande Guerre auront été peu préparés. Aussi, à l’aube de ces transformations, l’on comprend d’autant mieux l’attachement à l’exaltation d’un passé collectif et l’importance accordée à l’histoire diplomatique, dans lesquelles les diplomates vont trouver une revalorisation de leur rôle. Confié à la commission des Archives qui mobilise une collaboration très active des membres de la Carrière, ce travail de mémoire est une source de grand prestige, exhumant les heures de gloire et les négociateurs illustres de la diplomatie française. Les archives diplomatiques dont le dépôt, érigé de tout temps en véritable conservatoire des traditions, trouve désormais un prolongement visuel et matériel sous la forme du Musée diplomatique, nourrissent la fascination, ne ce serait-ce que pour cette « mémoire d’Etat » qu’elles constituent et à laquelle le corps s’est trouvé associé et dont il est toujours le gardien. Elles stimulent chez les élites du Quai d’Orsay un goût renforcé pour la connaissance des faits internationaux, qui s’enracine dans les années de formation et façonne les réflexes professionnels. Mais au moment où la communauté internationale connaît des transformations, l’histoire diplomatique sert de support aux débats qui traversent la profession confrontée à la redéfinition de son rôle et de ses principes. Après les erreurs du Second Empire, l’intérêt pour la diplomatie classique a fixé des pratiques et des principes qui inspirent pendant la période considérée mais aussi encore au lendemain du premier conflit mondial la vision des représentants français des relations internationales. Il dessine les contours d’une culture propre aux milieux du Quai d’Orsay, qui puise dans le culte du secret et qui se nourrit d’une conception peu démocratique de la politique étrangère, difficilement compatible avec la promotion d’une diplomatie ouverte, fondée sur la publicité des discussions et des négociations. Enfin et surtout, il lègue aux générations qui entrent dans la Carrière après la Grande Guerre, un panthéon de gloires diplomatiques parmi lesquelles les Excellences de la Belle Epoque figurent comme les derniers représentants d’un âge révolu.

Vendredi 9 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Centre des correspondances
Esc. I, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Phuong Mai DOAN soutient sa thèse de doctorat :

 À rebours de Huysmans et l’intertextualité Flaubertienne. Etude d’un cas : la description de Salomé

En présence du Jury :

M. Bertrand MARCHAL (Paris 4)
M. Daniel GROJNOWSKI (Paris 7)
M. André GUYAUX (Paris 4)

Résumés

Nos recherches tentent de mettre au jour l’influence de Flaubert sur Huysmans dans la description des deux tableaux de Moreau dans A rebours à la lumière des théories de l’intertextualité et de l’analyse stylistique. Les cinq chapitres de la thèse proposent la lecture d’un « journal intime » où Huysmans, dans une mise en scène carnavalesque de l’allusion littéraire, a rendu hommage à Flaubert, a exprimé son amertume, et enfin l’a subverti dans l’espoir de créer du neuf. Notre travail est un essai qui prétend élucider pour la première fois la question de l’origine et de l’influence dans la création du personnage de Salomé d’une manière voulue scientifique. Ce processus des analyses constitue un système de théories intertextuelles à travers l’analyse textuelle, dans le cas de J.K.Huysmans.

Mots-clés : Huysmans, A rebours, Flaubert, intertextualité, écriture imitative, allusion littéraire, carnavalisation.

Flaubert’s intertextuality and A rebours. Study of a case : The description of Salome

Our researches aims to demonstrate Flaubert’s influence on Huysmans in the light of intertextuality theories and stylistic analysis. The five chapters of the thesis propose a reading of an “intimate journal”, in which Huysmans pays tribute to Flaubert, expresses his bitterness, and finally subverts him in hope of new creation. Our essay attempts to elucidate, for the first time, the question of the origin and the influence within the creation of Salome by an scientific way. This analysis process forms an intertextual system of theories through textual analysis in the case of J.K.Huysmans.

Position de thèse

La présente étude a l’ambition de résoudre pour la première fois plus d’une question soulevée dans la description de Salomé d’ A rebours d’une manière voulue scientifique. L’intertextualité, notion cruciale de ce travail, est de nos jours devenue tellement importante que la reconnaissance seule de l’intertexte pourrait bouleverser toute lecture traditionnelle d’un texte, en engendrant d’autres valeurs à la fois incontestables et diversifiées dans différentes perspectives. L’allusion littéraire dans la description de Salomé vise en fait à indiquer un vaste champ d’étude. Ainsi avons-nous résolu des problèmes posés par le sujet d’étude à plusieurs niveaux : celui de la lecture de l’intention de Huysmans dans la création de Salomé, celui de la conception de Huysmans vis-à-vis de son langage, celui du déchiffrement de l’histoire à travers l’intertexte, et enfin celui de la conception de lecture d’A rebours.

Le premier chapitre a pour tâche de trouver le chemin de résoudre le problème de référent soulevé dans la description de Salomé et d’accéder à la reconnaissance de l’intertexte. Tout en éliminant les malentendus et les ambiguïtés qui tournent autour de Gustave Moreau, nous ne voulons pas réfuter entièrement l’influence de Gustave Moreau, ce qui est impossible et insignifiant. Mais la réaffirmation de l’intertextualité flaubertienne atteste dans ce cas que le sujet de Gustave Moreau pourrait être abordé désormais d’une nouvelle manière. L’empirisme est introduit en premier lieu avec des constatations de quelques commentateurs sur les dissemblances entre la description de Huysmans et le dit référent de Moreau. Une étude iconographique affirme ensuite l’intention de Huysmans dans ces décalages. Puis la présentation des idées de Riffaterre amène le lecteur à réfuter la présence du référent de Moreau au profit de l’intertexte. Une lecture paratextuelle vient en aide pour lire la volonté de Huysmans d’orienter son lecteur vers une lecture intertextuelle présupposée d’A rebours. En dernier lieu, se fait la reconnaissance de Flaubert et de Salammbô dans la mise en scène de l’intertexte. Le chapitre se termine avec la reconnaissance des indices de l’hypotexte et de l’hypertexte et celle de l’allusion littéraire comme procédé choisi de Huysmans.

Le chapitre suivant propose une perspective de lecture dans laquelle l’allusion littéraire représente une structure susceptible de se cristalliser en un type de discours spécifique et décodable. Le chapitre commence avec des définitions de l’allusion littéraire qui diffère de l’allusion des dictionnaires et des autres procédés de l’écriture imitative. Il trace ensuite une direction de recherches qui décèle en une série d’échos des dialogues sous forme de monologues déguisés : la voix de l’auteur, celle du narrateur, la participation du lecteur, avec l’aide des pensées de Bakhtine et d’autres théoriciens de la polyphonie et de la réception. La remise en question du sujet s’effectue dans l’analyse des formes de structure du texte : la nouvelle-cadre, la mise en abîme et la mise en scène de l’allusion littéraire. Un projet de lire l’allusion littéraire inhérente dans la description de Salomé comme journal intime de Huysmans se propose avec l’analyse polyphonique et la démarche méthodologique de la lecture empruntée à Ziva-Ben Porath.

Le chapitre III et le chapitre IV constituent la structure du journal intime de Huysmans, où s’effectue l’ exploration psychanalytique dans une structure carnavalesque inhérente dans les effets parodiques de l’allusion littéraire. Notre étude a réussi à lire pour la première fois les intentions de Huysmans dans l’aménagement de l’intertexte de la description de Salomé, problème crucial autour duquel tournent les commentaires. En fait, l’acte de présenter Flaubert chez Huysmans comme l’attitude d’un admirateur qui tourne autour de son idole se traduit à plusieurs niveaux : choix et présentation de l’hypotexte, lecture prolongée du déjà-dit, concision du roman de Salammbô et obsession de Flaubert sous forme de la simulation du rien. L’hommage fait à Flaubert emprunte à ce niveau la voie de l’intronisation carnavalesque pour exprimer tout son caractère rituel et ambivalent : le sérieux est mêlé à la relativité joyeuse. Le chapitre IV résume deux idées principales : l’amertume de Huysmans et la déconstruction de Flaubert dans l’intertexte. L’amertume de Huysmans se laisse lire dans son projet de mise en scène théâtrale de l’intertexte. Son pessimisme s’exprime en même temps dans des manifestations de l’anxiété et du refoulement déguisé. Des écarts entre l’hypotexte et l’hypertexte attestent pourtant de l’impuissance de l’auteur de l’intertexte, qui se manifeste dans la dépréciation de soi-même ou dans la dégradation psychologique. Un processus de transgression s’effectue dans l’intention d’ébranler les conventions existantes avec la logique carnavalesque inhérente dans la mise en scène de l’allusion littéraire. Les exercices de la transgression sont nombreux : formes de mésalliance et procédés d’extériorisation de Salomé. Se déroule après la déconstruction carnavalesque avec l’allusion littéraire, effectuée sous plusieurs formes : l’automatisme de la reproduction et du déjà-vu, sources de l’humour considéré comme rire carnavalesque, l’étude du langage de l’excès et de ses variantes. Le chapitre se termine avec la reconnaissance de l’humour noir de Huysmans aménagé dans l’intertexte et la perception du recul nécessaire de l’auteur dans le rire qui le libère et qui le prépare à quelque chose de nouveau.

Nous formons dans le dernier chapitre notre conclusion sur le point de vue esthétique de Huysmans : l’art doit mourir et renaître avec le temps ; les règles d’écriture données pour un certain temps ne peuvent pas être intemporelles, mais modifiées ou remplacées un jour. Nous cherchons aussi à affirmer le sérieux de Huysmans dans sa conception d’imitation : l’intertextualité est pour lui un processus de dépersonnalisation, de formation sérieuse du style et de sa personnalité stylistique. L’étape de la renaissance selon Huysmans est caractérisée tout d’abord par la manifestation de sa volonté ferme de rétablir les valeurs de l’âme éliminées par les naturalistes. Elle exhibe ensuite le pastiche involontaire ou l’assimilation de Flaubert chez Huysmans, considéré comme la base nécessaire selon le point de vue de ce dernier pour la lecture de son pastiche volontaire, considéré comme l’acte d’ébranler les conventions de Flaubert pour ne plus le pasticher toute la vie. Enfin, le chapitre nous propose de lire la description de Salomé comme un condensé des théories de l’art verbal proposées dans A rebours par Huysmans lui-même, dans le cadre de son journal intime et du renouveau carnavalesque.

Mais l’étude de l’intertextualité flaubertienne dans la description de Salomé ne s’arrête pas aux limites du journal intime de Huysmans, elle s’étend à une nouvelle perspective où elle s’efforce de lire l’histoire et l’explique par le biais de l’écriture imitative. Elle répond à toutes les questions à propos de la « structure en écho », étrange structure chez les symbolistes que posent les commentateurs. Ainsi la reprise de la figure de Salammbô chez Huysmans et dans son journal intime expliquent toute reprise de la figure de la femme fatale chez les symbolistes, ceux qui, de manière directe ou indirecte, voulaient payer la dette à Flaubert, dans l’esprit de remanier un sujet usé et de valoriser les principes du livre sur rien. S’explique ainsi le rôle de la réécriture dans l’histoire littéraire en fin du 19è siècle.

L’étude nous propose aussi de situer les écrivains chronologiquement les uns par rapport aux autres et de comprendre des filiations, des influences qu’ils ont pu exercer ou subir. Car l’imitation est une pratique dans laquelle l’histoire est explicitement inscrite. Un écrivain appartient ainsi à une période historique, au cours de laquelle il s’est formé, avec laquelle ou contre laquelle il a réagi. Eliot dit : “ the poet must develop or procure the consciousness of the past and that he should continue to develop this consciousness throughout his career.” ( Eliot, T.S. Selected Essays, London : Faber and Faber, 1966, p.17 ) Notre étude a également réussi à expliquer un aspect de Huysmans dans son jeu d’intertextualité et de détournement du langage, en particulier dans A rebours. La lecture de l’intertexte dans la description de Salomé pourrait ainsi servir d’essai pour une exploration de ce roman dans la même perspective. Notre conclusion sur le point de vue de Huysmans qui considère l’intertextualité comme un processus de dépersonnalisation, de formation sérieuse du style et de sa personnalité stylistique, trouve ici ses possibilités d’intégrer la description de Salomé dans la structure du roman et d’en activer la fonction représentative, toujours souhaitable.

En privilégiant l’exemplarité et en s’intégrant dans une constellation future, notre travail a encore l’ambition de prêter l’exemple à d’autres qui s’attachent aux phénomènes discursifs apparentés. Le processus des analyses de notre recherche peut être considéré comme un ensemble constituant en lui-même un système de théories intertextuelles à travers l’analyse textuelle , dans le cas de Joris- Karl Huysmans.

Mercredi 13 décembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, Salle S002
28, rue Serpente 75006 Paris

M. Frédéric GROSS soutient sa thèse de Doctorat :

 Abbés, religieux et monastères dans le royaume de Charles le Chauve

 En présence du Jury :

M. BRUNTERC’H (PARIS)
M. DUBREUCQ (LYON 3)
M. GUILLOT (PARIS 4)
M. MORELLE (EPHE)
M. SASSIER (PARIS 4)

 Résumés :

Cette étude porte sur les monastères dans le royaume de Charles le Chauve. Ce roi est le fils de Louis le Pieux qui a réformé la vie monastique et canoniale. Il est donc intéressant de voir si l’esprit de la réforme est encore vivant dans les communautés religieuses sous son règne. Dans la première partie nous étudions les deux sortes de religieux qui vivent dans des monastères : les moines et les chanoines. Dans la seconde partie nous voyons les relations entre les monastères et les différentes sortes de pouvoir : le roi qui protège les monastères, l’évêque qui exerce un pouvoir disciplinaire sur les moines et les chanoines, les Grands laïques qui fondent des monastères et le pape. La troisième partie porte sur les abbés. On peut distinguer deux catégories d’abbés : les abbés réguliers qui sont élus par les moines et les abbés séculier qui sont nommés par le roi. Les abbés séculiers peuvent être des laïques ou des clercs séculiers.

Abbots, friars and monasteries in the Kingdom of Charles theBald Abstract : This study is about monasteries in the kingdom of Charles the Bald. This king is the son of Louis the Pious who reformed monastic and canonical life. Though, it is interesting to see if the spirit of the reform is still alive in the religious communities during his reign. In the first parst we study the two kinds of friars who live in monasteries : monks and canons. In the second part we see the relationships between monasteries and differents kinds of power : the king who protects monasteries, the bishop who has a disciplinary power above monks and canons, the magnates who found some monasteries and the pope. The third part is about abbots. We can distinguish two kinds of abbots : regular abbots who are elected by monks and secular abbots who are created by king. The secular abbots can be laymen or secular clerics.

 Position de thèse :

L’objet de ce travail est l’étude du statut des religieux, des monastères et des abbés au temps de Charles le Chauve (843-877) à partir de l’analyse critique des sources contemporaines de ce monarque. La première partie est consacrée à l’étude des deux formes de vie religieuse observées dans les monastères au temps de Charles le Chauve : la vie monastique et la vie canoniale. Notre réflexion porte essentiellement sur cette particularité de l’époque carolingienne : un seul terme monasterium désigne le lieu de résidence de deux catégories de religieux ayant chacune son nom propre, les moines (monachi) et les chanoines (canonici).
Pour essayer de l’expliquer, nous revenons dans un premier chapitre sur la législation canonique carolingienne antérieure au règne de Charles le Chauve. Dans une première section nous essayons de repérer l’apparition de l’expression « monastères de chanoines » (monasteriacanonicorum) dans les sources normatives. Il faut attendre, nous semble-t-il, les capitulaires promulgués en 802, à la suite des assemblées réunies par Charlemagne à Aix-la- Chapelle, pour que le monarque et les évêques reconnaissent l’existence de monastères (monasteria) abritant non des moines observant la règledesaintBenoît mais des chanoines. Dans une seconde section, nous recherchons ce qui rapproche et ce qui différencie les chanoines des moines dans les textes législatifs promulgués par Louis le Pieux à la suite des assemblées réunies à Aix-la-Chapelle en 816 et 817, c’est-à-dire l’institutiocanonicorumpour les chanoines, l’institutiosanctimonialium pour les chanoinesses, les décrets authentiques des synodes de 816 et 817 regroupés plus tard dans la règledesaintBenoîtd’Aniane pour les moines. Il apparaît que le modèle de vie bénédictin a influencé les rédacteurs de l’institutio canonicorum. Ceux-ci n’en proclament pas moins la supériorité des clercs sur les moines en se fondant sur l’autorité patristique de saint Jérôme. Les moines se différencient des chanoines par leur vêtement, la coule strictement réservée à leur usage probablement car elle a une fonction symbolique importante dans la profession monastique. Les chanoines se différencient des moines notamment par la faculté de disposer personnellement de biens propres et de bénéfices ecclésiastiques.
Dans un second chapitre, nous nous interrogeons sur l’évolution de la distinction entre moines et chanoines au temps de Charles le Chauve. Dans une première section nous montrons que les fondements de la vie monastique bénédictine demeurent fermement établis sous ce règne. Il convient de remarquer cependant le renforcement du contrôle épiscopal sur les moines : désormais, l’évêque doit être tenu informé lorsqu’un moine exprime le désir de rompre sa profession et de quitter le monastère. Dans une seconde section, nous nous intéressons à la possession de biens propres par les chanoines. Celle-ci s’avère néfaste pour la vie communautaire. Ainsi, les maisons possédées par les chanoines à l’intérieur de la clôture semblent devenir l’objet d’un véritable commerce. Dans un troisième temps, nous nous proposons de rechercher quels sont les monastères qui abritent des moines et quels sont ceux qui abritent des chanoines parmi les établissements bénéficiant de diplômes de Charles le Chauve. Les monastères de moines apparaissent largement majoritaires avec toutefois des nuances régionales importantes. Si la Septimanie et la Marche d’Espagne n’abritent que des monastères de moines, la répartition est beaucoup plus équilibrée en Neustrie.
Dans le troisième chapitre, nous étudions le passage de certains monastères de l’ordre monastique à l’ordre canonial. La description de « la transformation des abbayes en chapitres » est souvent rendue difficile par l’indigence des sources. C’est pourquoi, nous avons concentré notre analyse sur deux exemples pour lesquelles la documentation était un moins maigre. Dans une première section nous analysons le cas de Marmoutier. Le remplacement des moines par les chanoines en ce lieu est antérieur au raid normand de 853. Elle nous paraît dater de la fin des années 840 alors que Marmoutier est, nous semble-t-il, dirigé conjointement par deux abbés : un laïc, Vivien, et un clerc, son frère Renaud. Sous ce double-abbatiat, l’observance de la communauté se relâche : un de ses membres reçoit un bien à titre personnel. Dans la seconde section, nous étudions le cas de Maroilles. Selon Jean- Marie Duvosquel et Anne-Marie Helvétius, Charles le Chauve, après avoir pris possession de ce monastère à la mort de son neveu Lothaire II, aurait remplacé les moines par des chanoines. La responsabilité du roi de Francie occidentale nous paraît loin d’être établie. Certains indices tendent en effet à montrer que Maroilles abritait des chanoines dès le règne de Lothaire II.
Dans le quatrième chapitre, nous étudions le passage de certains monastères de l’ordre canonial à l’ordre monastique. Après avoir rapidement évoqué, dans une première section, le cas de Saint-Arnoul de Metz où il semble bien que la prétendue réforme attribuée à l’évêque de Metz, Drogon, par l’un de ses successeurs au Xe siècle, Adalbéron, n’ait pas eu réellement lieu, nous nous attacherons à étudier deux exemples beaucoup mieux documentés. Le premier est celui de Saint-Martial de Limoges. Il est connu par un récit tardif mais circonstancié d’Adémar de Chabannes qui nous paraît s’être fondé sur un diplôme perdu de Charles le Chauve. Le roi semble être intervenu en faveur des religieux de Saint-Martial de Limoges qui souhaitaient observer la règledesaintBenoît contre la volonté de leur évêque, Stodilus. L’intervention de Charles le Chauve n’est pas dépourvue d’arrière-pensées politique puisque Stodilus était un partisan de Pépin II d’Aquitaine. Le second est celui de Saint-Bénigne de Dijon. Nous disposons pour ce monastère d’une documentation relativement abondante constituée notamment par les actes privés retranscrits dans les différents cartulaires de Saint- Bénigne. Elle permet de corriger quelque peu le récit de la réforme donné conjointement par le diplôme de Charles le Chauve et la charte de l’évêque Isaac. Selon ces deux documents, l’évêque de Langres aurait, à l’exhortation du roi, introduit vers 870 des moines à Saint- Bénigne alors privé de toute vie religieuse. En réalité, l’examen des actes de la pratique montre que Saint-Bénigne abritait au début des années 860 une communauté de 12 chanoines. Dès 865, ils ont été remplacés par des moines. Les distorsions introduites par le diplôme de Charles le Chauve et la charte d’Isaac font que ces deux documents passent complètement sous silence le sort des anciens chanoines. Il semble que l’un d’entre eux, le prêtre Thifroi, ait plusieurs années après la réforme, fait profession monastique à Saint-Bénigne de Dijon. La deuxième partie est consacré au statut des monastères sous le règne de Charles le Chauve. Notre réflexion porte essentiellement sur la pertinence de la distinction entre monastère royal et monastère épiscopal traditionnellement admise par l’historiographie pour la période carolingienne.
Dans une premier chapitre nous nous efforçons de définir les droits du roi sur les monastères. Notre réflexion part du constat que le roi s’affirme en plusieurs diplômes comme le protecteur de tous les monastères réguliers voire de tous les monastères de son royaume. Cette prétention paraît d’ailleurs soutenue par certains écrits d’Hincmar de Reims qui considère que le roi, en tant que protecteur des églises de son royaume, possède des droits sur leurs biens. Dans un second temps, nous examinons quels sont concrètement les origines des droits du roi sur les monastères. Trois cas nous paraissent devoir être distingués : les monastères placés sous la protection du roi depuis l’époque mérovingienne comme Solignac, les fondations royales carolingiennes comme Notre-Dame de Compiègne établie par Charles le Chauve lui-même en son palais et enfin les monastères remis au souverain par leur fondateur comme Beaulieu-sur-Dordogne. Dans une troisième section, nous montrons comment cette protection royale sur les monastères se traduit par l’octroi du privilège de l’immunité et par l’investiture des abbés par le roi. Dans une quatrième section, nous analysons comment les évêques ont, au début du règne de Charles le Chauve, élaboré une législation interdisant au monarque de donner les monastères en pleine propriété à des laïcs, et comment, dans un second temps, le roi lui-même l’a reprise à son compte.
Dans un deuxième chapitre nous étudions les droits des évêques sur les monastères. Ceux-ci nous paraissent être de deux natures distinctes. Tout d’abord, l’évêque dispose d’une potestas disciplinaire sur tous les moines de son diocèse. Hincmar en définit précisément le contenu dans la Collectiodeecclesiisetcapellis, en s’appuyant sur des lettres du pape Grégoire Ier le Grand. Il en rappelle aussi le fondement : les évêques sont les responsables du salut de tous les chrétiens de leur diocèse y compris les moines. Cependant certains monastères essaient d’échapper à cette règle commune en se prévalant d’un privilège épiscopal mérovingien de liberté monastique. Les moines de Corbie réussissent pleinement dans cette entreprise en obtenant la confirmation et même l’extension par les papes Benoît III puis Nicolas Ier des privilèges accordés par l’évêque d’Amiens, Berthefridus. Mais les évêques sont aussi les propriétaires des monastères « épiscopaux ». Le modèle, hérité de l’Antiquité tardive de l’évêque propriétaire de tous les monastères de son diocèse, est l’exception : on peut néanmoins citer le cas de l’évêché de Nevers. Dans la plupart des cas, le droit de propriété de l’évêque ne concerne que quelques établissements. Les modalités en sont différentes dans les monastères de moines et dans ceux de chanoines. Les évêques gouvernent eux-mêmes les monastères de chanoines alors que les monastères de moines ont le plus souvent à leur tête leur propre abbé qui peut être choisi au sein de la communauté avec le consentement de l’évêque. Dans une troisième chapitre nous nous interrogeons sur la pertinence de la distinction entre « monastères royaux » et « monastères épiscopaux ». Dans un premier temps nous étudions les conflits opposant un évêque à une communauté monastique sur le statut d’un monastère tranchés par le monarque en faveur des moines. Le plus connu est celui opposant l’évêque du Mans aux moines de Saint-Calais. L’attitude de Charles le Chauve paraît assez fluctuante. Dans un premier temps, il est favorable aux moines puisque, en 855, il confirme par un diplôme royal le privilège synodal de Bonneuil condamnant les prétentions de l’évêque du Mans, Aldric, sur Saint-Calais. Mais, par la suite, probablement en 859, il confie Saint- Calais au successeur d’Aldric, Robert. Il se ravise d’ailleurs rapidement. Mais, l’évêque Robert n’en démord pas : il essaie de s’appuyer sur le pape Nicolas Ier pour faire valoir ses droits sur Saint-Calais. L’affaire est finalement tranchée en octobre 863 devant le tribunal du palais : l’évêque Robert est condamné et doit abandonner toutes visées sur Saint-Calais. Le conflit entre Guy, évêque de Velay, et les moines de Saint-Chaffre dura moins longtemps. En 876, l’évêque du Puy, s’appuyant peut-être sur un diplôme de Louis le Pieux, obtint de Charles le Chauve la restitution de Saint-Chaffre. Les moines s’en émurent et vinrent à leur tour trouver le roi, lui présentant un diplôme d’immunité qu’il leur avait précédemment accordé. Après en avoir fait vérifier l’authenticité, le monarque fut bien obligé de constater la contradiction entre les deux diplômes qu’il avait accordés et donc de révoquer le second, le diplôme de restitution à l’évêque. Dans un second temps nous montrons que Charles le Chauve a donné en pleine propriété un certain nombre de monastères à des églises épiscopales. Il faut d’abord faire un sort au cas particulier de Saint-Urbain de Vatrignéville fondé conjointement par le roi et l’évêque Erchenraus pour être un monastère épiscopal de l’église de Châlons. Le roi donne des monastères ruinés à des évêques à charge pour eux de restaurer la vie religieuse. Il arrive aussi que le monarque transforme une concession bénéficiaire à un évêque fidèle en donation en pleine propriété à l’évêché qu’il dirige. Dans un quatrième chapitre nous nous penchons sur la question des Grands sur les monastères. Dans un premier temps nous nous intéressons aux monastères fondés par des
Grands puis remis par la suite au souverain. L’exemple le plus significatif est celui de Beaulieu-sur-Dordogne. La charte de fondation de l’archevêque Raoul, qui prévoit la traditio du nouveau monastère au roi, est une troisième tentative, enfin couronnée de succès, après les échecs successifs de la fondation d’un monastère de moniales à Sarazac et de celle d’un monastère de moines à Végennes. Il est significatif que le monarque n’avait aucun rôle dans ces deux premières fondations. La protection royale paraît donc être, au temps de Charles le Chauve, un facteur important de réussite d’une fondation monastique. La traditio d’un monastère au roi n’implique d’ailleurs pas que son fondateur renonce à tout droit. Ainsi la charte de fondation de Vabres, qui place le monastère sous la protection du roi, spécifie que l’avoué, chargé de défendre les intérêts matériels de la communauté, doit être choisi dans la famille du fondateur. Dans un second temps, nous étudions les monastères « comtaux ». Les droits exercés par certains comtes sur des monastères situés dans leurs pagi nous paraissent être tenus par délégation du roi.

Dans un cinquième chapitre, nous étudions les rapports entre la papauté et les monastères francs au temps de Charles le Chauve. La première section est consacrée aux bulles pontificales accordées aux monastères de Francie occidentale. Si, en 855, les moines de Corbie obtiennent une bulle de Benoît III sans que le roi ne soit intervenu, Charles le Chauve apparaît, ensuite, comme un intermédiaire obligé entre les monastères de son royaume et le souverain pontife. En avril 863, l’évêque de Beauvais, Eudes, envoyé en mission diplomatique par Charles le Chauve, sollicite et obtient de Nicolas Ier des bulles en faveur des monastères de Corbie et de Saint-Denis. Au lendemain de son couronnement impérial de Noël 875, Charles lui-même obtient du pape Jean VIII des bulles en faveur de Saint-Vaast d’Arras et de Saint-Médard de Soissons, deux monastères dont il détient alors l’abbatiat. La seconde section s’intéresse à la pratique institutionnelle de la traditio des monastères aux apôtres Pierre et Paul. Egon Boshof a souligné qu’il s’agit d’une nouveauté au temps de Charles le Chauve. Selon lui, le premier exemple de cette pratique serait la fondation des monastères de Pothières et Vézelay par Girart de Roussillon et son épouse Berthe. Ces conclusions doivent être quelque peu nuancées. Tout d’abord, avant la fondation de Vézelay et Pothières, le moine Arremé a, semble-t-il, tenté, sans succès il est vrai, de fonder un monastère sur un domaine du patrimoine de saint Pierre, Vendeuvre-sur-Barse. De plus l’histoire de la fondation des monastères de Pothières et Vézelay est assez difficile à reconstituer. En effet, le texte du testament de Girart et de Berthe, tel qu’il nous a été conservé retranscrit dans le cartulaire d’Hugues le Poitevin, paraît avoir été substantiellement remanié. Cependant la lettre de Girart et de Berthe au pape de Nicolas Ier - retranscrite par le même cartulaire mais qui ne semble pas avoir connu les mêmes remaniements - atteste que les deux fondateurs ont remis Pothières et Vézelay aux apôtres Pierre et Paul et les ont placés sous la protection du souverain pontife. En contrepartie les religieux des deux monastères doivent verser un cens annuel. En réponse à cette lettre de Girart et de Berthe, Nicolas Ier accorde des bulles pontificales en faveur des nouvelles fondations. La troisième partie est consacrée à l’étude du statut des abbés des monastères royaux. Nous essayons principalement de démontrer le caractère artificiel de l’opposition souvent mise en avant par les historiens entre abbé laïque et abbé régulier. Il convient en réalité de distinguer deux problèmes : celui de la régularité de l’abbatiat pour lequel l’opposition pertinente est entre abbé régulier et abbé séculier et celui de l’état de vie de l’abbé pour lequel l’opposition pertinente est entre abbé clerc et abbé laïque.

Dans le premier chapitre, nous étudions les abbés réguliers. Dans une première section, nous montrons que le privilège de liberté d’élection est strictement encadré par le monarque. L’élection régulière a lieu, en présence de l’évêque ordinaire, après autorisation royale préalable. Cela permet quelquefois à Charles le Chauve de suggérer le nom du candidat qu’il souhaiterait voir promu à l’abbatiat. En outre le monarque peut écarter un abbé indigne ou infidèle sans remettre en cause le privilège de liberté d’élection. Dans une deuxième section, nous constatons la fragilité du privilège de liberté d’élection. Certains monastères ont perdu au temps de Charles le Chauve la jouissance privilège de liberté d’élection que leur avaient accordé des rois précédents. Dans d’autres cas, le privilège de liberté d’élection n’est pas supprimé mais suspendu pour un temps par la volonté du monarque. Aussi nous verrons, dans une troisième section, que, pour essayer de garantir leur privilège de liberté d’élection contre les empiètements royaux, certaines communautés monastiques demandent leur confirmation par des assemblées d’évêques. Les moines de Corbie vont plus loin : ils obtiennent des bulles pontificales de Benoît III et de Nicolas Ier confirmant leur liberté d’élection et leur accordant même le droit d’en appeler au souverain pontife si le roi essayait de leur imposer un abbé séculier. Le rôle accordé au pape comme juge suprême par les moines de Corbie doit peut-être être mis en relation avec la possible fabrication en ce monastère, quelques années plus tôt, vers 834-835, des fausses décrétales.
Le second chapitre est consacré à la condamnation de l’abbatiat laïque au temps de Charles le Chauve. Dans une première section, nous étudions la présentation des abbés laïques dans les sources narratives rédigés par des clercs au temps de Charles le Chauve. Les abbés laïques sont rendus responsables de la ruine des monastères. Leur mort violente est présentée comme un châtiment divin. Dans une seconde section, nous analysons la législation canonique promulguée au début du règne de Charles le Chauve condamnant l’abbatiat laïque. Elisabeth Magnou-Nortier a récemment remis en cause l’authenticité de ces canons. Après une analyse attentive, il nous semble que, mise à part une interpolation assez aisément repérable du canon 10 des actes du concile réuni à Meaux en 845 puis à Paris en 846, ces textes n’ont pas été substantiellement modifiés. Ces canons n’ont pas pour objet d’imposer la régularité abbatiale dans tous les monastères. Les évêques qui les ont rédigés veulent seulement interdire aux laïcs l’exercice de la fonction religieuse d’abbé en raison de leur état de vie.
Dans le troisième chapitre, nous étudions la constitution des menses conventuelles. Dans un premier temps nous montrons que Charles le Chauve a organisé au début de son règne, un système d’inspection régulière des monastères par les missi afin de vérifier que les abbés, quel que soit leur statut, dispensaient aux religieux les ressources nécessaires à leur observance. Nous constatons cependant, dans un deuxième temps, que des biens ont spécialement été affectés aux religieux presque exclusivement dans des monastères dont l’abbé est un séculier, laïc ou clercs séculier ne résidant pas au monastère car exerçant par ailleurs une autre fonction. Dans une troisième section, nous étudions à partir des exemples de Saint-Benoît-sur-Loire et de Saint-Vaast d’Arras le processus de création d’une mense conventuelle.
En conclusion, nous soulignons l’étroitesse du contrôle exercé sur les monastères par Charles le Chauve et les évêques. Nous notons cependant la faiblesse des moyens dont ils disposent pour l’exercer, ce qui empêche que ce contrôle soit pleinement efficace. Nous notons enfin l’apparition, sous le règne de Charles le Chauve, d’éléments nouveaux comme l’établissement de relations entre les communautés monastiques et la papauté. Ces nouveautés institutionnelles permettent d’expliquer que le monachisme a pu survivre à la crise de la royauté carolingienne à laquelle il était pourtant étroitement lié.

Samedi 26 novembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Milne Edwards
Esc. E ou F, 2e étage
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Jean-Baptiste RAUZY son Habilitation à diriger les recherches :

 Abstraction et représentation. Études leibniziennes et néo-leibniziennes

En présence du Jury :

M. FICHANT (Paris 4)
M. CLEMENTZ (Aix-Marseille 1)
M. COURTINE (Paris 4)
M. MUGNAI (Pise)
M. NEF (Rennes 1)
Mme SCHWARTZ (Clermont 2)

Vendredi 18 mars 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes, centre administratif de Paris 4
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Kaoru SHIMADA soutient sa thèse de doctorat :

 Absurdité, théâtralité, fictionnalité : essai sur le texte de théâtre. L’écriture théatrale d’Albert Camus

En présence du Jury :

M. AUTRANT (Paris 4)
M. FRANTZ (Paris 4)
M. GUERIN (Marne la Vallée)
Mme SPIQUEL (Valencienne)

Jeudi 24 juin
14 h 30
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1 rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Dominique LANNI soutient sa thèse de doctorat :

 Affreux, sales et méchants. les représentations du Cafre et du Hottentot dans les cultures littéraire et scientifique à l’âge classique.

 en présence du Jury :

M. LESTRINGANT (PARIS IV)
M. MOUREAU (PARIS IV)
M. RACAULT (LA REUNION)
M. VAN DER CRUYSSE (Anvers)

Lundi 27 juin 2005
14 heures
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Stéphanie WERLI soutient sa thèse de doctorat :

 Agent de détection de faits et d’évenements majeurs dans les textes de la toile. Une application à la veille : le système ALSEM

En présence du Jury :

M. DESCLES (Paris 4)
M. CANELLA (PSA)
Mme DIENG (Nice)
Mme LALLICH (Lyon 1)
M. MINEL (CNRS)
Mme NAZARENKO (LIPN)

Vendredi 31 mars 2006
UNIVERSITA’ DEGLI STUDI DI TORINO

 Mme Valentina PONZETTO soutient sa thèse de doctorat en cotutelle :

 Alfred de Musset et les écrivains libertins du XVIIIè siècle

En présence du Jury :

M. LESTRINGANT (Paris 4)
M. MASTRANNI (Turin)
M. SOZZI (Turin)
M. DELON (Paris 4)

Position de thèse

Si l’on s’en tient à l’image qui a longtemps régné dans la critique et surtout dans les manuels scolaires - le « Musset des jeunes filles », le poète pleurnichard au cœur brisé, le chantre des amours malheureuses et des émois du cœur -, établir un rapport entre Alfred de Musset et les écrivains libertins du XVIIIe siècle relèverait de l’hérésie, ou du blasphème. Tout lecteur averti de l’un et des autres n’aura pourtant point de difficulté à reconnaître ce lien, voire même aura déjà fait, au fil de ses lectures, ses propres rapprochements. La plupart des œuvres de Musset, en effet, a comme un vague parfum de libertinage, ou, si l’on veut, une certaine senteur de soufre, que le travail sourcilleux et hagiographique de son frère Paul et d’autres commentateurs moralisants n’a pas suffi à effacer, malgré tant d’efforts, et qui redevient perceptible dès qu’on se délivre des vieilles grilles de lecture pour n’écouter que le texte.
Jamais pourtant, à ma connaissance, on n’a considéré le rôle de la tradition libertine dans l’œuvre et la pensée de Musset d’un point de vue global et organique, suivant sa trace tout au long du corpus mussétien dans ses évolutions successives. Jamais, surtout, on n’a analysé, au delà de quelques rapprochements ponctuels, ou d’un certain goût pour l’érotisme et le scandale, le poids du modèle des romanciers libertins dans l’élaboration du style et de l’esthétique de Musset, ni relevé leur présence en filigrane, revue et métamorphosée de manière personnelle, au cœur même de son écriture. C’est dans cette direction que s’est orientée ma recherche. J’ai ainsi délibérément écarté, autant que possible, les éléments biographiques pour me concentrer sur une analyse des textes plus vaste et précise par rapport aux remarques fragmentaires et aux fugaces impressions de lecture de la critique antérieure. Je n’ai pas non plus pris en compte les aspects du libertinage relevant de la philosophie, de l’histoire ou de l’histoire des mœurs, car pour Musset le libertinage s’identifie tout simplement avec la peinture des mœurs offerte par ces « romans du siècle de Louis XV, de la plus grande licence » que sans doute, tel son Octave de T***, il lisait passionnément et considérait comme « autant de catéchismes de libertinage » . De tous ces romans, ceux que Musset cite explicitement, mais aussi d’autres, qu’il pouvait avoir lu et qui offraient matière à des rapprochements significatifs, j’ai cherché la trace dans l’ensemble du corpus mussétien, tant au niveau du contenu que de la forme.

Le choix même des lieux dans lesquels se passe l’action de ses œuvres me paraît révélateur. A la différence de beaucoup de ses contemporains Musset est peu sensible aux scènes de la vie de province, peu enclin à la peinture des mœurs des différentes couches sociales, à la description des milieux ou des paysages, ou, pour tout dire, à la description tout court, et il se moque d’exotismes et autres évasions imaginaires de tout genre. A quelques exceptions près, son univers se réduit à une Italie assez vague et imprécise, où Venise occupe une place centrale, sans doute à cause de réminiscences de Casanova ou de Byron beaucoup plus qu’à cause de souvenirs personnels, et à un Paris où, comme dans les romans du XVIIIe siècle, tout converge, tous montent, et d’où l’on ne s’éloigne que pour oublier une liaison infortunée, ou pour aller courir à la campagne quelque aventure galante. Partout le monde mussétien ressemble de près à celui des romans libertins, parce qu’il se révèle, avant tout, un espace de la mondanité, ou de l’intimité érotisée. Il est partagé entre salons, théâtres, promenades d’un côté, et huis clos des boudoirs, des petites maisons, des coins du feu et des salles de bain de l’autre. En quelque lieu qu’il situe ses œuvre, de plus, Musset tend à dessiner des espaces essentiels, plutôt abstraits, qui tirent leur principale raison d’être du cadre qu’il construisent autour des personnages et de leurs actions.

Les personnages mussétiens, à leur tour, tout en n’étant pas, à proprement parler, des libertins, ou des créations littéraires pouvant rentrer sans contredit dans des schémas issus du XVIIIe siècle, sont pourtant redevables aux romans libertins de beaucoup d’éléments constitutifs. Chez certains d’entre eux une touche libertine est souvent perceptible dès le premier abord : rien qu’à les voir entrer en scène, on dirait qu’ils ont un air de famille avec les petits-maîtres et autres jeunes seigneurs du XVIIIe siècle. Ils les rappellent par le soin vestimentaire, le côté recherché et original dans l’ajustement, et surtout par une certaine effronterie aguichante dans la manière d’en faire étalage. Les grands soins qu’ils ont pour leur personne, leur raffinement, le fait qu’ils ne reculent pas, pour séduire, devant des attitudes et des « armes » habituellement classées comme féminines, telles la coquetterie, les enfantillages, les larmes, ont d’ailleurs fait planer sur eux un soupçon d’ambiguïté, voire d’effémination, comme sur les plus séduisants aristocrates mis en scène par la littérature libertine.
Plus important encore pour dessiner la filiation entre les personnages de Musset et ceux de la tradition libertine est le rapport avec la corruption. Qu’elle soit adoptée par ennui ou par plaisir, par inclination personnelle ou par l’effet inévitable du mauvais exemple, la corruption, et en particulier celle qui concerne les rapports entre les sexes, apparaît en effet dans les œuvres de Musset, et notamment dans celles de jeunesse, une attitude généralisée, presque à la mode. Paradoxalement, le libertinage, ou, pour mieux dire, l’imitation plus ou moins réussie d’un modèle libertin, semble aux héros de Musset la meilleure réaction possible à cette corruption envahissante. Puisque autour d’eux l’inconstance et la tromperie semblent devenues une règle de conduite, et que hommes et femmes attachent en général si peu de prix aux liaisons qu’ils peuvent former, mieux vaut aller au devant de l’autre, être d’avance plus volage et plus inconstant que lui, porter cuirasse, se corrompre.
S’il est fort douteux que la plongée dans la corruption et la débauche apporte à ces personnages la paix, le plaisir sans peine, ou le froid détachement du libertin, elle semble du moins développer chez eux une conscience critique aiguisée, une habitude du doute systématique, une plus profonde connaissance du monde. L’expérience sexuelle se fait expérience du monde, la débauche va de pair avec le découverte de la vérité derrière les apparences, comme dans certains romans libertins qui associent dévergondage des moeurs et délivrance de l’esprit des préjugés de la morale traditionnelle.
Il est à noter aussi que pour un certain type de héros de Musset, en particulier pour Lorenzaccio, le fait de se jeter dans la débauche et la corruption est un choix volontaire, fait en pleine connaissance de cause et poursuivi avec détermination. Il s’agit d’un véritable processus de formation qui renvoie point par point à celui des plus célèbres roués de la tradition libertine, comme Versac et Mme de Merteuil, des êtres de calcul et de tactique qui se sont forgés eux-mêmes grâce à la seule force de volonté et à un travail continuel sur soi.

Tous les aspects analysés dans la mosaïque des correspondances entre les personnages de Musset et ceux de la tradition libertine ont en dernière analyse un trait commun : tous ont un rapport avec la séduction, tous concourent, de quelque manière, à faire du personnage qu’ils caractérisent un séducteur. La séduction est du reste un thème fondamental aussi bien dans l’œuvre de Musset que dans la tradition libertine. Dans les romans libertins du XVIIIe siècle, qui fourmillent de séducteurs, et apparaissent très souvent façonnés sur leurs entreprises, on trouve fondamentalement deux formes de séduction : celle qui se fonde sur la tromperie, l’intention leurrante, et qui fait du séduit la dupe du séducteur, et celle où, au contraire, il n’y a point de dupe, mais deux partenaires complices, en parfaite connivence, également conscients du jeu auquel ils se livrent. Les deux formes sont également volontaires, réfléchies et confiées à l’art de la persuasion, mais se distinguent nettement pour le degré de danger et de noirceur qu’elles impliquent, et pour le statut du séduit.
Elles trouvent l’une comme l’autre un reflet dans les œuvres de Musset, et notamment dans son théâtre. En particulier le modèle le plus sombre, celui de la séduction corruptrice et diabolique, affleure dans ses œuvres de jeunesse, grosso modo celles du début des années 1830, la prodigieuse saison des Caprices de Marianne, de Lorenzaccio et de Badine, pièces où, comme on l’a vu, règne aussi le thème obsédant de la corruption du monde, érigée presque en « loi de nature » . La séduction ludique et complice, en revanche, marque plutôt les œuvres de sa précoce maturité, et notamment les proverbes Un caprice et Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée. Chez Musset j’ai pu relever aussi un troisième type de séduction, inconnu des romanciers libertins : celui des personnages qui voudraient imiter le modèle des séducteurs redoutables, corrupteurs et trompeurs, mais qui s’en révèlent incapables, à savoir les deux Valentin, héros de Il ne faut jurer de rien et de Les Deux maîtresses. Ces personnages ne font que répéter le discours libertin au double sens de reproduire et presque de rapporter ce qu’ils ont lu et admiré chez les écrivains du XVIIIe siècle, et de s’exercer pour apprendre à jouer, d’après ces lectures, le rôle du libertin. Sur eux s’exerce l’ironie de Musset, qui souligne le côté décalé, parodique des situations qu’il met en scène. La tradition libertine apparaît dans ces cas comme un modèle, une référence explicitement déclarée, mais aussi, en même temps, comme un élément livresque, distancié, rêvé, non reproductible si ce n’est de manière impropre et détournée. Sa nature intertextuelle est ainsi ouvertement dénoncée au lecteur et l’appelle à participer à une sorte de jeu autour des textes libertins à travers indices semés dans les situations et les discours, et revirements éclatants et imprévus.

L’analyse ponctuelle et minutieuse des œuvres de Musset, et en particulier des entreprises de séduction qui y jouent un rôle si important, montre que l’héritage le plus fécond et le plus profondément enraciné que la tradition libertine y a laissé réside dans le choix du langage, du ton, des expressions. En un mot : dans le style. Les romans libertins aimés par Musset, ceux du libertinage mondain et galant, « de bonne compagnie », tournent sans cesse, sans pour autant la nommer, autour d’une matière plutôt licencieuse : les rapports intimes entre les hommes et les femmes, tout ce qui touche la sphère sexuelle, les libertés et les faveurs prises, accordées, disputées, marchandées, jusqu’à parvenir à celles qu’on appelait dernières. Pour réussir cet étonnant tour d’adresse et de virtuosité langagière, on a recours à deux procédés qu’on pourrait désigner comme les marques distinctives du discours libertin : l’emploi d’un langage allusif, qu’à l’époque on appelait gazé, et un code d’expression biaisé, presque chiffré, que Jean Starobinski a nommé la « rhétorique des doubles registres".
Musset a intégré ce discours libertin à son propre style, le transformant à sa manière, laissant de côté ce qui n’était que jargon démodé pour en retenir l’essentiel : un langage élégant et allusif, qui suggère l’érotisme et le désir de manière lisse, agréable, parfaitement mondaine et convenable, sans jamais employer des mots crus ou vulgaires, un style fait de métaphores décentes mais évocatrices, de réticences insinuantes, d’ellipses malicieuses. Bref, une manière d’écrire qui fait appel à la collaboration complice du lecteur et le séduit irrésistiblement par les mêmes moyens que les personnages mettent en œuvre pour se conquérir entre eux. Entre reprise et dépassement du modèle libertin, remploi et détournement ironique des clichés issus de cette tradition, l’œuvre de Musset trouve la voie de son originalité et de son charme.

Vendredi 10 mars 2006
14 heures
Centre Malesherbes
Salle 322
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Gianluca MANZO soutient sa thèse de doctorat :

 Analyse comparée de la stratification éducative en France et en Italie dans les années quatre-vingt-dix et au cours du XXe siècle. De la description statistique à l’explication par simulation "individus-centrée"

En présence du Jury :

M. CHERKAOUI (CNRS)
M. BARBUT (EHESS)
M. BOUDON (Paris 4)
M. CHAZEL (Paris 4)
M. CUIN (Bordeaux 2)
M. SCAGLIA (Trento)

Résumés

La thèse contient une analyse comparée de la morphologie, de l’émergence et des transformations temporelles des stratifications éducatives française et italienne. L’objectif de la thèse est de développer un cadre de recherche idoine pour renouveler la sociologie de la mobilité et de la stratification. Pour ce faire, nous proposons, d’une part, d’intégrer la sociologie dite « analytique » et la sociologie dite « computationnelle », d’autre part, de réévaluer la tâche de la sociologie dite « des variables ». Nous accordons à cette dernière le rôle de « générateur » de régularités empiriques à expliquer. Nous prenons de la sociologie analytique l’intérêt pour la construction théorique de « modèles générateurs ». Nous tirons enfin de la sociologie computationnelle la nécessité de formaliser ces modèles générateurs et d’en simuler le comportement. Dans un tel cadre de recherche, nous décrivons d’abord empiriquement les deux principales dimensions (‘distributive’ et ‘relative’) dans lesquelles la stratification éducative peut être décomposée. Nous construisons ensuite un modèle théorique des mécanismes générateurs de la stratification éducative (« modèle du choix éducatif interdépendant »). Nous montrons enfin qu’un système multi-agents animé par ce modèle théorique permet d’engendrer de nombreuses régularités dont la structure statistique est conforme aux régularités empiriques synchroniques et diachroniques décelées dans les données françaises et italiennes, aussi bien au plan ‘distributif’ que ‘relatif’.

The thesis contains a comparative analysis of morphology, emergence and temporal transformations of the French and the Italian educational stratification. The aim of the present work is to develop a framework of research suitable to renew the sociology of mobility and stratification. With this intention, we propose, on the one hand, to integrate sociology known as "analytical" and sociology known as "computational", on the other hand, to revalue the task of the “variables sociology". We grant to the latter the role of "generator" of empirical regularities to explain. From analytical sociology, we take the interest for the theoretical construction of "generating models". We finally draw from computational sociology the need for formalizing these generating models and for simulating the behavior of it. Within such a framework of research, we initially empirically describe two principal dimensions (`distributive’ and ` relative’) in which the educational stratification can be broken up. We build then a theoretical model of the generating mechanisms of the educational stratification ("model of the interdependent educational choice"). We show finally that a system multi-agents animated by this ideal model makes it possible to generate many regularities of which the statistical structure is in conformity with the synchronic and diachronic empirical regularities detected in the French and Italian data, in the` distributive’ as well as in the ` relative’ plan.

Position de thèse

Cette thèse contient, d’une part, une réflexion que l’on pourrait qualifier lato sensu de méthodologique sur la sociologie en tant que discipline. Le but est d’esquisser un programme de recherche à visée intégrative et explicative. La thèse questionne, d’autre part, la fécondité heuristique d’un tel programme en l’appliquant à un objet sociologique particulier : la stratification éducative française et italienne dans les années quatre-vingt-dix et au cours de près de trois quart du vingtième siècle. Afin d’apprécier les raisons d’une telle duplicité de parcours, demandons-nous d’abord à quelle condition une réflexion purement méthodologique serait-elle pertinente. Weber (1906 : 208) nous dit que « ces sortes de considérations ne prennent habituellement de l’importance pour l’entreprise scientifique qu’au moment où, à la suite de déplacements considérables des ‘points de vue’ sous lesquels une matière devient l’objet d’une étude, on en arrive à penser que les nouveaux ‘points de vue’ exigent également une révision des formes logiques dont l’‘entreprise’ traditionnelle s’était jusqu’alors contentée et qu’il en résulte une certaine insécurité à propos de la ‘nature’ de son propre travail ». L’interrogation amorcée par cette thèse qui relève à la fois de la sociologie générale et d’une sociologie spécifique (la sociologie de la stratification) trouve sa raison d’être précisément dans l’état de « insécurité à propos de la ‘nature’ de son propre travail » dans lequel, à nos yeux, l’une et l’autre se trouvent actuellement. Considérons d’abord la sociologie en tant que telle, pour ainsi dire. Est-elle en ‘crise’ ? Il n’est assurément pas simple de répondre de manière générale à cette question car notre discipline a désormais une extension qui personne ne pourrait prétendre maîtriser dans son ensemble. Par ailleurs, de nombreux signes institutionnels (tels la quantité de revues, la multiplication des collections, la prolifération des départements, la présence dans la sphère public, etc.) laisseraient croire à une discipline assez bien implantée, du moins bien davantage qu’il y a encore quelques décennies. D’autres éléments cependant pousseraient à penser que, si elle n’est pas en ‘crise’, la sociologie traverse tout au moins une phase d’incertitude profonde. La théorie sociologique d’abord est questionnée. L’on reconnaît volontiers que celle-ci consiste, le plus souvent, ou bien dans une réflexion théorique sur d’autres théories (anciennes ou contemporaines) ou bien dans l’esquisse de théories générales débouchant sur des disquisitions sur la nature du social (Van den Berg 1998). C’est sans doute pourquoi certains auteurs ont ressentis l’exigence de rebâtir les fondements de la théorie sociologique (Coleman 1990). Pour sa part, la solidité de la recherche empirique est également soumise à une réflexion de plus en plus systématique et approfondie. Ceci vaut aussi bien pour le type de recherche qui se fonde sur un nombre limité de cas tout en ayant des ambitions de généralité (Ragin, Becker 1992 ; Ragin 2000) que pour la recherche qui s’appuie traditionnellement sur des bases de données de plus grande ampleur. Que cette dernière ait été revisitée en profondeur durant les années quatre-vingt (Lieberson 1985, Ragin 1987, Pawson 1989) n’a pas évité que le débat sur les fondements et la fécondité de la sociologie quantitative reprenne de manière violente durant la décennie suivante (Clogg, Haritou 1997 ; Esser 1996 ; Freedman 1991a, b ; Blalock 1991). Certaines notions constitutives de toute entreprise scientifique, comme le concept de ‘causalité’, sont par ailleurs soumises à débat (Becker 1992 ; Goldthorpe 1999). Cet état de la théorie et de la recherche étant, il n’est pas étonnant de constater que leurs liens réciproques sont peu systématiques et irréguliers. De nombreux auteurs dénoncent désormais de plus en plus ouvertement la séparation radicale qui existe en sociologie entre ces deux volets de l’activité scientifique (Boudon 1997 ; Goldthorpe 2000a ; Hedstrom, Swedberg 1996, 1998b). Cette multiplicité d’interrogations qui apparaît dans la littérature sociologique contemporaine nous semble traduire un état que l’on pourrait qualifier, faute de mieux, de ‘effervescence réflexive’. C’est cet état qui nous paraît le signe le plus clair d’une discipline qui fatigue à s’installer durablement dans une phase de « science normale », pour reprendre la célèbre notion de Kuhn. Preuves en sont d’ailleurs des textes qui s’interrogent directement et explicitement sur le statut scientifique même de la sociologie (Cuin 2000, 2004 ; Passeron 1991 ; Raynaud 2004), en faisant par là ressurgir le doute que cette discipline n’ait sa place que « entre science et littérature » (Lepenies 1985). C’est donc bien une discipline caractérisée par une « insécurité à propos de la ‘nature’ de son propre travail » qui se dégage de ce rapide survol. Une discipline éclatée, pourrait-on dire, en quête de son horizon théorique et méthodologique. Comme l’a souligné Berthelot (2003), le pluralisme en sociologie est avant tout un « fait » (il touche tous ses ramifications). Mais c’est aussi un « énigme » : pourquoi davantage ici qu’ailleurs ? Le pluralisme est enfin un « danger », conclue Berthelot : si on l’institue en norme, il conduit aussitôt au relativisme. La nécessité de réagir à un tel état des choses nous paraît urgente et impérative. Nous ne pouvons pas attendre que « la pauvreté du relativisme », comme titre un récent essai de Raymond Boudon (2005), se transforme dans la ‘pauvreté’ de la sociologie. Chose qui en partie semble malheureusement déjà être une réalité. L’un des pères du ‘constructivisme sociale’ a récemment affirmé qu’il ne pleurerait pas si la sociologie disparaissait. Peter Berger (2002) ne perçoit plus en effet l’intérêt d’une telle discipline. Si l’on en vient maintenant au domaine sociologique particulier qui nous occupera de près, nous retrouvons des tensions similaires. En dépit de la solidité et du raffinement progressif des méthodes ainsi que d’une vitalité considérable en termes d’études produites, la sociologie de la stratification est traversée, du moins depuis le début des années quatre-vingt-dix, par un questionnement qui rappelle à bien d’égards l’‘effervescence réflexive’ qu’on vient de signaler pour la sociologie dans son ensemble. En premier lieu, on constate une tendance à revenir systématiquement sur les acquis de la recherche, comme si ses frontières et ses contenus échappaient à mesure qu’ils se forment. Au début des années quatre-vingt-dix, on croyait pouvoir reconnaître trois ‘générations’ d’études de mobilité (Ganzeboom, Treiman et Ultee 1991). Quelques années plus tard, on a ressenti l’exigence d’établir une nouvelle catégorisation : une ‘quatrième génération’ de recherches serait entre-temps apparue (Treiman, Ganzeboom 2000). D’autres bilans des acquis ont été encore plus récemment dressés (Hout, diPrete 2004). On insiste par ailleurs de plus en plus sur l’un des traits saillants de ces différentes vagues de développement : la cumulativité (Goldthorpe 2003b). En deuxième lieu, on questionne les objectifs de la sociologie de la stratification. Certains critiquent l’horizon restreint des questions qu’elles abordent (Noble 2001). D’autres nient que, en l’état actuel, elle soit en mesure de satisfaire l’une de ses ambitions majeures : la construction de généralisations empiriques qui relèvent du niveau macrosociologique (Cherkaoui 2003c, d ; 2005 : chap. 6). En troisième lieu, on n’hésite pas (ou plus) à remettre en cause ses fondements mêmes. L’asymétrie qui existe en sociologie de la stratification entre la sophistication technique et la richesse théorique qui coince les études dans le descriptivisme est désormais explicitement admise par certains auteurs parmi ceux qui l’ont alimentée depuis toujours (Goldthorpe 2000b). Bien que timidement, on commence à reconnaître un écart entre ce que l’on souhaite mesurer, les outils utilisés pour le faire et les données dont on dispose habituellement (Breen 2004 : chap. 2 ; Swift 2004). On tente par ailleurs de restituer une ampleur théorique au domaine en insistant davantage sur le fondement microsociologique des régularités empiriques décelées sur les données agrégées. Un point de vue actionniste a sans doute enfin percé, durant les années quatre-vingt-dix, la sociologie des inégalités éducatives et, bien qu’en moindre mesure, de la mobilité sociale (Barone 2005 ; Breen, Jonsson 2005a ; Erikson, Goldthorpe 2002 ; Grusky 2001c). Il faut enfin rappeler que les courants dits post-modernistes n’ont pas non plus épargné la sociologie de la stratification. Au plan théorique, cette perspective se fait porteur de l’idée que la notion de ‘classe sociale’ serait désormais désuète et que tout fondement groupal, au sens de groupe socioprofessionnel, aux inégalités aurait disparu (Pakulsky 2005). Au plan empirique, elle affirme conséquemment que la stratification n’existerait plus en tant que complexe structuré d’inégalités. Les sociétés contemporaines seraient traversées par un mouvement de fragmentation, de pluralisation et d’individualisation des situations de vie qui empêcherait de parler d’inégalités socialement structurées. Comme on l’a reconnu (Lévy 1998), de telles positions ont assumé une radicalité exceptionnelle au sein de la sociologie allemande (cf., par ex., Beck 2003 ; Offe 1986). Mais, on en retrouve des traces ailleurs aussi : en France, par exemple, chez Touraine (2005). Ainsi, la sociologie dans son ensemble et la sociologie de la stratification en particulier présentent de nombreux signes d’un état de questionnement sur leurs fondements, frontières et objectifs respectifs. De manière générale, c’est leur capacité à produire des connaissances solides qui paraît être mise en cause, des connaissances en d’autres termes qui établissent des liens stricts entre des faits empiriques délimités qui apparaissent opaques et des propositions théoriques précises qui puissent les éclairer. En un mot, c’est donc le pouvoir explicatif de l’analyse sociologique en tant que telle et, en son sein, de la sociologie de la stratification qui est en question. Dans cet état de choses, nous avons ressenti l’exigence de prendre position et de réfléchir à un programme de recherche capable sinon d’unifier, du moins, de fédérer les sociologues qui conçoivent l’analyse sociologique comme une activité de recherche rigoureuse dont l’objectif principal est l’explication de phénomènes énigmatiques. Nous avons par ailleurs essayé de le faire en nous situant au sein de la sociologie de la stratification car elle constitue un cas exemplaire de sociologie empirique. Et cela, à plusieurs égards. La séparation entre théorie et recherche y est radicale ; les méthodes y sont par ailleurs particulièrement avancées ; celles-ci semblent paradoxalement constituer de plus en plus un piège qui empêche ce secteur de sortir des problèmes dont on commence à prendre conscience et à admettre l’existence. Cet entremêlent de plans d’analyse a une raison profonde. Exprimons-là en sollicitant le passage suivant de Weber qui complète celui que nous avons évoqué plus haut : « une science ne se laisse fonder et ses méthodes ne progressent qu’en soulevant et en résolvant des problèmes qui se rapportent à des faits, mais jamais encore les spéculations purement épistémologiques et méthodologiques n’y ont joué un rôle décisif » (Weber 1906 : 208). Nous partageons profondément ce point de vue. C’est pourquoi nous n’aurions pas su disjoindre l’esquisse des fondements théoriques et méthodologiques d’un cadre de recherche fédérateur pour l’analyse sociologique de son application concrète afin d’en évaluer la valeur heuristique et explicative. Il importe d’insister sur la signification d’une telle entreprise. Il ne s’agira nullement de développer une théorie sociologique générale. Il ne s’agira non plus de bâtir une nouvelle épistémologie ni a fortiori une réflexion sur l’ontologie du social. Nous entendons notre propos comme un ensemble d’orientations et de questions que le sociologue doit suivre au moment de la problématisation de son objet de recherche. Il s’agit de ‘choses à faire’ et de ‘choses à éviter’. Ces orientations et ces questions définissent par ailleurs les contraintes auxquelles l’on se soumettra au moment d’apporter une réponse aux interrogations soulevées par l’analyse empirique de l’objet en question. C’est en ce sens que nous parlons de ‘programme de recherche’. Puisque il s’agit d’un ensemble cohérent et structuré de lignes directrices qui organisent la production de connaissance, nous parlerons aussi souvent de ‘cadre’ de recherche. Dans ce sens, l’on pourrait dire que nous défendrons un ‘style’ ou encore une ‘stratégie de recherche’ sociologique. Puisque l’objectif d’une telle stratégie est de renforcer le pouvoir explicatif de l’analyse sociologique, le premier moment de sa définition ne peut que porter sur les modalités de construction de l’explication. Qu’est-ce qu’une explication correctement construite ? Pour répondre à cette question, nous distinguerons deux aspects. D’une part, le niveau de la forme, au sens de la configuration, de l’explication. Nous le rapporterons au problème fondamental des rapports entre ‘structure’ et ‘action’. Le niveau du contenu, d’autre part. Nous le rapporterons à l’unité de base de l’explication, à sa brique élémentaire, pour ainsi dire. Le premier aspect nous conduira à définir une forme d’individualisme méthodologique que nous qualifierons de ‘complexe’. Le second nous conduira à problématiser le concept de ‘mécanisme générateur’. Au plan de l’explication sociologique, l’idée essentielle que nous défendrons sera ainsi la suivante : l’explication d’un phénomène social tient à la modélisation des mécanismes générateurs qui en assurent l’émergence par l’intermédiaire des multiples boucles ‘structure/action’ qu’ils alimentent. Cette conception de l’explication conduit ipso facto à la critique d’autres formes d’explication fort répandue en sociologie : notamment, l’explication de dérivation positiviste centrée sur la notion de ‘variable’. Puisque l’autre objectif majeur que notre cadre de recherche se propose d’atteindre est de renforcer les liens entre élaboration théorique et analyse empirique, le second moment de sa définition ne peut que porter sur les modalités de transition de l’explication construite, à sa formalisation et à son test empirique. Comment implémenter une explication soumise aux contraintes de l’‘individualisme méthodologique complexe’ et construite en termes de mécanismes générateurs ? C’est une question d’importance capitale. Au prix de nous exposer à la critique de ‘technicisme’, nous serions porter à affirmer que c’est là le problème décisif. Nous pouvons en effet raffiner autant qu’on veut la conception de l’explication et la résolution des rapports entre macro et micro niveau d’analyse, mais, si nous ne nous donnons pas les moyens de rapprocher de telles explications aux données empiriques, nos efforts théoriques resterons vains. L’on peut penser que l’obstacle principal au consolidement d’une perspective actionniste en sociologie réside dans l’absence de véritables méthodes d’analyse pour la traduire en pratique. Si, du point de vue des objectifs explicatifs que la sociologie doit se poser au même titre que n’importe quelle autre science, l’on ne saurait pas défendre une ‘épistémologie régionale’, il est indéniable que la présence de l’intentionnalité, de l’action et de l’interaction entre les entités constitutives de son objet demande la construction de méthodes appropriées pour formaliser cette complexité. C’est un juste équilibre entre l’homologie des objectifs et l’hétérogénéité des méthodes, au sens des techniques, qui permettra à la sociologie de se rapprocher de la solidité des sciences biologiques et physiques tout en évitant le spectre du « scientisme », auquel Hayek (1952) a consacré l’un des essais le plus brillants qui soit. Sur ce second point essentiel, nous proposons d’adopter des méthodes qui permettent une véritable production des données à partir de règles explicitement posées a priori par le chercheur. Ces méthodes s’identifient aux techniques de simulations. En absence d’autres précisions, une telle affirmation serait toutefois vide. En l’état actuel du développement de cette classe de méthodes, en effet, dire qu’il faut simuler équivaut à reconnaître « qu’il est utile de parler des langues étrangères ». Le problème est de savoir lesquelles et, surtout, si nous parlons la bonne langue dans le bon contexte. Le programme de recherche esquissée dans cette thèse reconnaît dans le type de simulation dite ‘individu-centrée’ et, plus en particulier, dans un sous-groupe de celle-ci, les système multi-agents, la méthode appropriée pour implémenter et animer des explications construites en termes d’‘individualisme méthodologique complexe’ et de mécanismes générateurs. La raison est aussi simple que décisive. Pour la première fois dans l’histoire de ses méthodes, la sociologie a accès à une technique qui permet de traiter formellement le problème qu’elle essaye de résoudre depuis toujours : comment les actions individuelles se combinent-elles jusqu’à se cristalliser en des ‘structures’ plus ou moins stables ? Un système multi-agents est en effet un ensemble d’entités dont le comportement et les interactions répondent à des règles établies par le modélisateur. Quel sera le produit global dérivant de l’évolution dynamique de ces actions et interactions locales ? Voilà une question centrale pour la sociologie, voire même constitutive de la science qu’elle est. À présent, ce problème que l’on pourrait qualifier lato sensu de l’‘émergence’ est modélisable formellement. Mais, l’autre versant de la question l’est tout autant. Puisque un système multi-agents permet d’enraciner les acteurs en des multiples structures résiliaires et de stocker les produits partiels de ces interactions, nous pouvons aussi avancer dans la compréhension du problème suivant : comment le comportement des acteurs est-il contraints par la présence d’autrui ainsi que par les produits intermédiaires engendrés continuellement par cette ‘interdépendance généralisée’ ? À présent, ce problème aussi que l’on pourrait qualifier lato sensu de ‘causalité descendante’ (du ‘Macro’ ou du ‘Méso’ au ‘Micro’) est modélisable formellement. En un mot, des explications qui se soumettraient aux contraintes d’une forme ‘complexe’ d’individualisme méthodologique trouvent dans cette spécifique classe de méthodes de simulation un support concret. Pour la première fois, l’individualisme méthodologique et la notion de mécanisme paraissent sur la bonne voie pour recevoir une formalisation concrète. Reste à déterminer un dernier aspect. Puisque l’objectif du ‘style’ sociologique défendu dans cette thèse est de construire des explications de faits et de formaliser par la suite leur structure pour en tester la pertinence, comment établir ces faits ? Par ailleurs, si la simulation (multi-agents) permet d’engendrer des faits elle aussi, comment mettre en relation faits empiriques et faits stylisés ? Le test de l’explication repose en effet, du moins en partie, sur cette relation. On vient ainsi à la place que nous réservons à l’analyse statistique par variables. Aussi sophistiquée soit-elle, ce type d’activité ne saurait assurer que une fonction descriptive dans le parcours de recherche. Cette fonction est cependant essentielle à double titre. Premièrement, L’analyse statistique représente un outil puissant pour établir des régularités empiriques dont le caractère à la fois stable, structuré et énigmatique justifie le désir d’en expliquer l’émergence. L’‘analyse par variables’ peut être conçu à ce titre comme un générateur d’explananda. Deuxièmement, la description statistique constitue le pont entre les régularités propre aux données empiriques et les régularités générées par les systèmes multi-agents. Ce pont tient à l’opération suivante : il s’agit de soumettre les unes et les autres aux mêmes élaborations statistiques. Si la structure des deux séries de données est similaire, nous disposons enfin de quelques éléments pour penser que les mécanismes qui gèrent la ‘société artificielle simulée’ sont vraisemblablement à l’œuvre dans la société réelle aussi. Le profil du cadre de recherche que cette thèse envisage comme viable à la fois pour intégrer théorie et recherche et pour satisfaire les ambitions d’une sociologie explicative est désormais complet. Nous proposons :

A) que le chercheur parte systématiquement de l’analyse empirique par variables afin de décrire aussi précisément que possible la structure du secteur de réalité sociale sur lequel il a décidé de se focaliser ; B) que le chercheur construise un ensemble d’hypothèses théoriques sur les mécanismes générateurs sous-jacents cette structure : la forme de la combinaison de ces mécanismes doit satisfaire les contraintes définies par l’‘individualisme méthodologique complexe’ ; C) que le chercheur formalise (mathématiquement, si possible) le modèle ainsi construit et qu’il l’implémente dans une ‘société artificielle’ ; D) qu’il revienne aux données empiriques de départ afin de confronter systématiquement leur structure statistique avec celle des ‘faits stylisés’ générés par la ‘société artificielle’.

On le voit. Ce programme de recherche s’applique plus aisément à des objets que l’on peut décrire comparativement sur des échelles temporelles et spatiales d’une certaine ampleur. Nous ne pouvons nier que l’un des traits du type de connaissances explicatives qui nous intéressent tient à leur caractère général et généralisable. Cela ne nous paraît pas aller sans raison. Le caractère généralisable des connaissances acquises représente probablement l’un des éléments distinctifs de la sociologie par rapport à l’histoire (Prost 1996 : chap. 9). A la différence de celle-ci, la première (même quand elle s’intéresse à des évènements singuliers) revendique davantage un intérêt vers la mise en évidence de mécanismes généraux au sens où ils s’appliqueraient à plusieurs contextes et à des instants temporels différents (Boudon 1979a : 61, 73, 80, 171, 172 ; 2003a : 164-166 ; 2003b : 62). À cet égard, le choix de tester la fécondité heuristique et explicative d’un tel programme de recherche au sein de la sociologie quantitative de la stratification sociale est certainement symptomatique. Il s’agit en effet de l’un des domaines de recherche où l’on dispose de bases de données particulièrement riches qui permettent d’étendre l’étude à plusieurs pays et à différents moments historiques à la fois. Aussi lacunaires ces données puissent paraître à bien d’égards, cette condition n’existe sûrement pas en beaucoup d’autres ramifications de notre discipline. Cela étant dit, en dépit de l’importance théorique des phénomènes qui relèvent de la sociologie stratification, le pouvoir explicatif des analyses qui l’alimentent demeure fort limité. Les descriptions produites par ces études ont l’ambition d’atteindre une très grande finesse et précision. Le raffinement des techniques adoptées est incontestable et en progression continuelle. Mais, la richesse théorique des travaux qui s’accumulent ne va pas de concert. Toute sorte de questions de type ‘pourquoi’ restent sans réponse. En raison de ce décalage profond entre théorisation et recherche auxquels font par ailleurs face des méthodes avant-gardistes, la sociologie de la stratification constitue sans doute un laboratoire exemplaire pour mettre au point notre ‘style’ sociologique à visée explicative. Précisons cependant que, bien que nous utiliserons couramment l’expression de sociologie de la stratification, il va sans dire que nous n’aborderons qu’une forme bien spécifique d’inégalités : celles qui se structurent autour de la réussite scolaire en fonction du groupe social d’origine. D’autres multiples types d’inégalités existent qui se cristallisent à l’intersection entre d’autres innombrables objets sociaux (santé, loisirs, etc.) et aussi nombreux facteurs de structuration (âge, genre, ethnie, etc.). En dépit de cette pluralité de facettes de la stratification, nous pensons cependant que les inégalités liées au milieu socioprofessionnel d’origine restent centrales. Parmi elles, en raison des conséquences qui découlent dans nos sociétés du type et de la quantité d’instruction détenue, la stratification sociale des diplômes occupe une place toute particulière. Ainsi, sans perdre de vue la spécificité de l’objet, il ne paraît pas insensé de partir de la sociologie de la stratification éducative pour refonder la sociologie de la stratification. En tant que premier moment du processus complexe de transmission du statut, si l’on montre la pertinence de notre programme de recherche sur cet objet spécifique, l’ambition de vouloir l’étendre par la suite en ressortira d’autant plus fondée. Notre tentative de synthèse d’uneforme ‘complexe’ d’individualisme méthodologique, d’une modélisation fondée sur les mécanismes générateurs et d’une méthodologie centrée sur technologie multi-agents peut nourrir l’analyse de la stratification d’un double point de vue. Il s’agit d’une part de lui donner les moyennes de sortir définitivement du descriptivisme dans lequel elle coince depuis ses débuts. Il s’agit de fonder une sociologie véritablement explicative de la stratification. A cet égard, comme nous l’avons rapidement dit plus haut, ce domaine est actuellement traversé par une contradiction saisissante. D’une part, l’on accepte de plus en plus de nourrir les analyses purement empiriques d’une théorie microsociologique des décisions scolaires ou des stratégies de mobilité. D’autre part, l’on considère naturel de rester dans le cadre des méthodes statistiques multivariées en leur attribuant la capacité de tester les propositions théoriques. De ce point de vue, une application réussite des méthodes de simulation (comparativement aux techniques standard) démontrerait la gravité de l’erreur commise en faisant une telle attribution et indiquerait en même temps la voie pour sortir de cette contradiction. Le ‘style’ sociologique défendu dans cette thèse pourrait renouveler la sociologie de la stratification dans un second (et plus spécifique) sens. En particulier, il peut rendre possible la réabsorption de débats qui se répètent depuis plusieurs décennies toujours, à quelques variantes terminologiques près, dans les mêmes termes. C’est le cas de la distinction d’autrefois entre ‘mobilité forcée’ et ‘mobilité de circulation’ qui s’est transformé à l’heure actuelle dans la distinction entre ‘mobilité absolue’ et ‘mobilité relative’. On pose le problème différemment. On change la perspective méthodologique. Mais, le fond des discussions ne change pas : quel est le niveau sociologiquement (et normativement) le plus pertinent ? Dans le domaine des inégalités éducatives qui nous intéressera de plus près, on retrouve précisément la même controverse. D’une part, on s’attaque à la distribution de l’éducation ; d’autre part, l’on préfère étudier la configuration des ‘opportunités éducatives’ ou, comme on dit, des avantages/désavantages relatifs. Là aussi, l’on s’acharne depuis des décennies à vouloir répondre à la même question : quel est le niveau le plus pertinent pour juger de la démocratisation de l’enseignement ? De tels débats ne devraient pas être pris comme la preuve de la vitalité du domaine, mais plutôt comme le signe de son incapacité à les résoudre. Ce qui ne déposent pas en faveur du progrès des connaissances. Il y a quelques années, l’historien Antoine Prost s’opérait pour jeter « les premiers jalons d’une histoire du concept de démocratisation de l’enseignement dont la prospérité durable s’explique précisément par la polysémie évolutive » (1997 : 47). La conclusion de son analyse est sans doute révélatrice de ce à quoi peut conduire une sociologie des inégalités faible : « mon pronostic personnel est que la notion de démocratisation a désormais épuisé son efficacité sociale et qu’elle sera progressivement supplanté par d’autres concepts, qui permettront de penser les évolutions, éventuellement démocratiques, de notre système éducatif ». Nous croyons qu’un renouvellement des concepts n’est pas suffisant. Il s’agit de repenser la manière d’étudier les inégalités. Le point de départ de ce changement de vue peut s’exprimer en sollicitant le passage suivant : « l’histoire de la construction des indices, par exemple des indices d’inégalité ou de mobilité sociale, conduit à une conclusion essentielle, d’un point de vue non seulement épistémologique, mais philosophique et politique. Elle montre qu’on peut construire dans tous les cas des indices également défendables, mais susceptibles de conduire à des diagnostics contradictoires » (Boudon 2003a : 61). En partant de cette acquisition, le programme sociologique défendu dans cette thèse nous amène à penser que, si l’on reste au niveau descriptif, il n’y aura aucune manière de sortir des controverses qui opposent ceux qui préfèrent telle mesure à ceux qui préfèrent telle autre. Afin d’échapper à l’affrontement entre les différentes conceptions de l’inégalité, bien souvent de nature normative, sous-jacente aux différentes mesures, il s’agit de montrer que exactement la même combinaison de mécanismes peut générer des évolutions contrastantes selon le point de vue que l’on décide d’adopter pour décrire les données. Ainsi, l’intégration que nous proposons entre une forme ‘complexe’ d’individualisme méthodologique, une modélisation fondée sur les mécanismes générateurs et une méthodologie centrée sur la technologie multi-agents conduirait la sociologie de la stratification à accepter que la description du phénomène inégalitaire peut se faire à plusieurs niveaux, tous également légitimes. La description se couplerait à l’explication. Puisque l’attention se déplace vers les mécanismes générateurs, ce style de recherche obligerait de ne pas s’arrêter au constat de l’existence de tendances contradictoires selon la mesure choisie. Le défi véritable est de rendre compte de l’émergence de ces évolutions éventuellement contrastantes. Par cette voie, l’obligation de répondre à des questions aussi essentielles que de savoir pourquoi la distribution de l’éducation devient plus égalitaire tandis que les écarts relatifs entre les groupes ne rétrécissent pas, ou bien de savoir pourquoi des évolutions de signe concorde au long de ces deux aspects existent dans un pays mais pas en d’autres, reviendrait au premier plan de l’analyse. Le passage par la formalisation et l’animation par simulation des mécanismes permettrait enfin de recentrer le débat sur des explications éventuellement alternatives plutôt que de continuer à débattre sur la ‘bonne mesure’, la ‘bonne description’ et la ‘bonne tendance’. La démonstration de nos propos sera relativement longue, mais, somme toute, linéaire. Sa structure, en quatre parties, découle en effet presque naturellement du cadre de recherche pour l’analyse sociologique dont on vient d’esquisser les traits de fond. Dans un premier temps (première partie), nous posons l’infrastructure conceptuelle et méthodologique à fondement de notre travail tout entier. Cette partie au caractère théorique, réflexif et programmatique est donc essentielle. Elle se composera de deux chapitres. Le chapitre 1 reviendra de manière bien plus approfondie que cela ne convenait à cette introduction générale sur le type de sociologie qui nous paraît en mesure de renforcer le versant explicatif de l’analyse sociologique ainsi que les rapports entre théorie et recherche. En particulier, nous proposerons une intégration entre la sociologie dite analytique et le courant, d’apparition plus récente, de la sociologie dite ‘computationnelle’. La première nous permettra de construire notre propre variante de l’individualisme méthodologique ainsi que de l’allier à la notion de ‘mécanisme générateur’. La seconde nous met sur la voie d’une pleine reconnaissance des méthodes de simulation en tant que outil de formalisation et de test de la théorie sociologique. Celle qu’on qualifie aussi de sociologie des variables complétera le cadre des intégrations à accomplir. Uns sociologie analytique sans faits empiriques correctement décrits n’aurait pas d’objet ; de converse, une sociologie computationnelle sans données empiriques ne conduirait qu’à des pures spéculations, bien que formalisées. Ce premier chapitre tente donc une synthèse de plusieurs langages en intégrant différents types de littératures que l’on n’a probablement pas l’habitude de voir rassemblés en un seul lieu.

Le chapitre 2 reviendra en revanche de manière plus étendue que cela ne pouvait se faire dans cette introduction générale sur l’état de la sociologie de la stratification et sur l’intérêt de la nourrir de l’intégration de ces trois sociologies qui sont la sociologie analytique, la sociologie computationnelle et la sociologie des variables. D’une part, nous discuterons des conséquences que la prédominance de cette dernière dans ce domaine d’étude a entraînées sur la théorie qui a pu y être développé (ou, plutôt, non développé). D’autre part, nous nous attarderons particulièrement sur l’un des débats majeurs qui ont traversé les analyses de la stratification éducative. Le problème de la mesure de longue période des inégalités scolaires constitue certainement un cas exemplaire des conséquences les plus dramatiques auxquelles peut conduire une recherche fondée sur un seul et unique langage de type descriptif. Une solution fondée sur la modélisation des mécanismes générateurs sera proposée au principal dilemme soulevé par ce débat : la détermination du ‘bon’ niveau d’analyse de la stratification éducative. L’idée avancée est simple. Les différents niveaux d’analyses dans lequel l’on peut désarticuler l’étude des données empiriques (notamment, le niveau ‘distributif’ et le niveau ‘relatif’) ne sont que les manifestations visibles d’une même concaténation de mécanismes générateurs. La tâche de la sociologie de la stratification, à laquelle les méthodes de simulation peuvent apporter un appui indispensable, est de démontrer, d’une part, quels sont les mécanismes à l’œuvre, d’autre part, qu’une même combinaison de ceux-ci est effectivement en mesure de produire la structure des données au long des différents aspects sous lesquels elles peuvent être traitées. Aussi simple puisse paraître cette idée, sa démonstration n’est pas aisée. La suite de la thèse peut se lire comme la tentative d’apporter cette démonstration. La deuxième et la troisième partie contiendront ainsi l’essentiel des analyses empiriques de la stratification éducative française et italienne. S’appuyer sur ces deux pays présente un intérêt en soi : aucune comparaison systématique et ciblée de la France et de l’Italie sur le phénomène spécifique des inégalités éducatives (comme d’ailleurs de la mobilité sociale) n’a jamais été livrée à la communauté scientifique. Ces deux parties se répartissent la tâche descriptive. La deuxième partie aura pour objet l’aspect ‘distributif’ (ou, comme on peut dire aussi, ‘absolu’) de la stratification éducative. Il s’agira en d’autres termes de décrire la configuration de la distribution de l’instruction formelle en France et en Italie. Pour ce faire, nous distinguerons systématiquement trois sous-niveaux : a) la morphologie de l’éducation (c’est-à-dire, le volume et l’articulation des diplômes) ; b) les flux scolaires (c’est-à-dire, les destinations éducatives les plus fréquemment atteintes par les membres des différents groupes sociaux ; c) les afflux scolaires (c’est-à-dire, le degré d’homogénéité/hétérogénéité des différents diplômes). En s’appuyant sur un outil aussi utile que négligé en sociologie de la stratification, les courbes de Lorenz et l’indice de Gini, c’est bien le niveau des afflux scolaires qui nous permettra de caractériser d’un premier point de vue le degré d’inégalité éducative propre à la France et à l’Italie. Ce qui sera fait en deux moments distincts. Le chapitre 3 analysera ces deux pays sur des données transversales issus d’enquêtes par sondage aléatoire réalisées dans les années quatre-vingt-dix : en 1993 pour la France et en 1999 pour l’Italie. Le chapitre 4, en revanche, étudiera ces deux pays en perspective diachronique : en utilisant une série de cohortes couvrant une grande partie du XX siècle, d’abord, une succession de ‘périodes’ (années ’80-’90), ensuite. La troisième partie déplacera le regard sur l’aspect ‘relatif’ (ou, comme on peut dire aussi, ‘relationnel’) de la stratification éducative de la France et de l’Italie. La distribution des diplômes laissera la place à la configuration sociétale des opportunités éducatives. Il ne s’agira plus en d’autres termes d’étudier le quota d’éducation détenue par les différents groupes, mais de décrire les obtentions éducatives des uns par rapport aux autres, la distribution des diplômes étant donnée (ou, contrôlée, comme on dit en jargon). L’‘ouverture’ ou la ‘fluidité’ du systèmes des diplômes fera l’objet d’analyses systématiques. Par rapport aux descriptions menées dans la deuxième partie, d’autres mesures seront ici adoptées. Nous nous appuierons en particulier sur la ramification de la statistique pour variables discrètes (ou, catégorielles) fondées sur les ‘odds ratios’ et leurs produits dérivés. Ce qui nous permettra de caractériser d’un second point de vue le degré d’inégalité éducative propre à la France et à l’Italie. De même que lors de l’étude de l’aspect ‘distributif’, la description des opportunités éducatives de ces deux pays sera livrée en deux temps. Le chapitre 5 abordera les données d’un point de vue synchronique (ou, si l’on préfère, transversale) tandis que le chapitre 6 décrira les deux pays d’un point de vue diachronique. Une fois encore, on traitera d’abord une suite de cohortes qui couvrent une grande partie du XX siècle pour passer ensuite à la confrontation de la France et de l’Italie dans les années quatre-vingt et dans les années quatre-vingt-dix. Les analyses de ces deux parties centrales nous mettrons dans une situation de recherche idéale. Non seulement la distribution des diplômes ainsi que la configuration des opportunités présentent des caractéristiques différentes en France et en Italie, mais surtout les évolutions temporelles au long de ces deux dimensions ne sont pas les mêmes. De plus, au sein d’un même pays (c’est le cas de l’Italie), ces transformations diachroniques sont de signe discorde selon l’aspect que l’on considère. C’est une situation de recherche idéale en ce sens que ces résultats empiriques lancent des défis considérables au programme de recherche jalonné dans la première partie de l’étude. La quatrième partie relève alors ces défis. Elle quitte le niveau descriptif pour s’engager sur la voie de la modélisation théorique des mécanismes générateurs, de leur formalisation et de leur animation par simulation. C’est donc le passage des données empiriques en direction de la théorie et, ensuite de celle-ci à nouveau vers les données empiriques, qui trouve sa réalisation dans cette dernière partie. Ce mouvement s’articulera en quatre moments principaux. Le chapitre 7 se chargera de construire un modèle théorique des mécanismes générateurs de la stratification éducative qui respecte les contraintes logiques de l’‘individualisme méthodologique complexe’. Le fondement microsociologique de ce modèle ne débouchera pas sur une vision ‘solipsiste’ de l’acteur social : les choix éducatifs individuels seront insérés dans une situation d’interdépendance généralisée. Nous donnerons ensuite une forme mathématique (somme toute, très simple) au modèle, avant de passer à sa traduction informatique. Pour certains aspects, c’est là le cœur de la thèse : il s’agira en effet de restituer au lecteur les modalités de construction d’un système multi-agents. Le chapitre 8 suit naturellement. Nous y étudierons une première classe de régularités générées par de telles ‘sociétés artificielles’. L’objectif sera de montrer que le modèle théorique développé (donc, une même concaténation de mécanismes) produit effectivement une structuration à la fois de la distribution des diplômes et des opportunités éducatives conformes aux données empiriques transversales françaises et italiennes. Nous tâcherons par ailleurs de dévoiler la dynamique déclenchée par les mécanismes constitutifs du modèle théorique. C’est en effet cette dynamique qui permet in fine de comprendre en quel sens la stratification éducative (aussi bien au long de l’aspect ‘distributif’ que ‘relatif’) peut être conçue comme un effet macro social émergent. Surtout, la dynamique du modèle clarifie de quel type d’effet s’agit. L’analyse de la dynamique du modèle nous conduira à interrompre momentanément la confrontation des ‘données simulées’ avec les données empiriques. Afin de mieux la comprendre et de tester les hypothèses émises à son sujet, le chapitre 9 opérera une embryonnaire ‘analyse de sensibilité’ sur le modèle théorique. Il s’agira de modifier artificiellement certaines aires de la structure paramétrique de nos systèmes multi-agents et d’étudier les conséquences sur la structure des flux scolaires qu’ils produisent. Cette phase ‘expérimentale’ donne un exemple de l’apport des systèmes multi-agents à la théorie sociologique de la stratification, notamment en ce qui concerne le rôle de la variabilité interindividuelle, les phénomènes de diffusion des choix éducatifs au sein d’un réseau et les conséquences de l’homophilie/hétérophilie sur la forme de la stratification éducative. Enrichis de ces acquisitions, nous reviendrons enfin dans le chapitre 10 sur la question probablement la plus difficile, celle des évolutions temporelles de la stratification éducative de la France et de l’Italie. Il s’agira d’étudier le comportement de nos systèmes multi-agents lors de leur application diachronique à une suite de cohortes couvrant une grande partie du vingtième siècle. Nous reprenons ici donc la confrontation systématique des régularités générées par le modèle aux données empiriques françaises et italiennes. Ce chapitre constitue sans doute le point le plus haut de la thèse. Il s’agira en effet d’apporter la preuve formelle du fait qu’une même concaténation de mécanismes générateurs est capable de produire à la fois les évolutions empiriquement observées au long de l’aspect ‘distributif’ et ‘relatif’ de la stratification éducative. Surtout, l’objectif sera de démontrer que ces évolutions peuvent ne pas être de signe concorde et que cela répond à des processus précis parfaitement compréhensibles. La conclusion générale tâchera de résumer les acquis principaux de cet articulé parcours. Il s’agira de revenir sur les résultats les plus généraux que l’on pourrait extraire de l’application que nous avons faite d’une stratégie de recherche particulière à un objet sociologique spécifique. Au lieu de revenir ponctuellement sur tous les résultats, nous tâcherons implicitement de répondre à la question de « pourquoi faudrait-il retenir cette thèse ». Nous n’esquiverons pas non plus cependant certains de ces limites majeures, notamment en ce qui concerne les outils auxquels nous avons fait (peut-être naïvement) autant de confiance en tant que support à une sociologie intrinsèquement explicative. Parmi ces limites, il y a bien entendu aussi la spécificité de l’objet enquêté. C’est pourquoi, à la lumière des résultats obtenus, nous terminerons ce travail en suggérant l’une des pistes de recherche qui nous paraît la plus prometteuses pour l’avenir. La modélisation des mécanismes générateurs et leur animation par les systèmes multi-agents nous mettent, probablement pour la première fois, sur la bonne voie pour construire une véritable théorie macrosociologie générale de la stratification fondée au niveau microsociologie.

Que l’on nous permette alors de conclure cette introduction en sollicitant le passage suivant : « Pareto, économiste et sociologue libéral, tient pour la diminution, comme le ferait tout homme ‘de droite’. Sorel, qui milite pour le socialisme et pour la redistribution des revenus veut au contraire démontrer qu’elles augmentent, ce qui est la position constante des hommes ‘de gauche’. Les idéologies sous-jacentes rendent donc les deux points de vue inconciliables, malgré les évidences du calcul, auquel l’un et l’autre font profession de se soumettre » (Barbut 2003a : 249). Ce constat nous plaît particulièrement car il décrit de manière concise et brillante ce qu’on pourrait qualifier de ‘ironie de l’analyse des inégalités’, en prenant le mot ‘ironie’ au sens du grand dramaturge italien Luigi Pirandello (1920). Nous ferions certainement partie des ‘hommes de droite’ en ce qui concerne la France. Nous trouvons en effet que les inégalités éducatives baissent, quel que soit le point de vue (‘distributif’ ou ‘relatif’) que l’on adopte. Nous ferions probablement partie des hommes ‘de droite’ aussi pour l’Italie, du moins en ce qui concerne la distribution des diplômes. Dans ce pays, il serait cependant plus difficile de nous situer par rapport aux résultats obtenus en matière de la fluidité éducative. Peut-être, nous ferions partie des hommes ‘de centre’, car nous insistons davantage sur la stabilité que sur le changement. Mais, nous pourrions faire partie aussi des hommes ‘de gauche’, car nous mettons en évidence des signes de durcissement des inégalités. Que cette thèse soit alors la démonstration qu’un discours apolitique d’un problème intrinsèquement politique, tel l’étude des inégalités, est possible. Il suffit de dépasser le niveau de la description, pour aller jusqu’au stade de l’explication. Dès lors que l’on se situe en correspondance de la modélisation des mécanismes générateurs, la présence de tendances empiriques contradictoires devient moins contradictoire. Les processus sous-jacents étant éclairés, le débat peut regagner des tons plus apaisés. Les mécanismes ne nous paraissent en effet ni de ‘gauche’, ni de ‘droite’...pourvu qu’ils ne produisent pas des effets qui vont toujours dans le même sens.

Jeudi 15 janvier 2004
14 h
Salle Louis Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

  Mme Jeong-Im HYUN MIRAKOFF soutient sa thèse de doctorat :

 Analyse des dimensions culturelles et politiques d’un mouvement social : le cas du mouvement étudiant dans les années 80 en Corée du Sud

 en présence du Jury :

M. BAECHLER (PARIS IV)
M. CHAZEL (PARIS IV)
M. DELISSEN(EHESS)
M. MANN (NICE)

Samedi 6 décembre 2003
9 heures 30
En Sorbonne, amphi Cauchy, esc. E, 3e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Nathalie LEMIERE DELAGE soutient sa thèse de doctorat

 André Malraux et Thomas Edward Lawrence
en présence du Jury :

M. BRUNEL (PARIS IV)
M. GUILLAUME (PARIS IV)
M. HERVIER (POITIERS)
M. LARRAT (CAEN)

Vendredi 2 juin 2006
14 heures
Institut finlandais
60, rue des Ecoles
Paris 5e

 M. Frédéric GAGNEUX soutient sa thèse de doctorat :

 André Suares et Richard Wagner (Les années de formation)

En présence du Jury :

M. DETHURENS (Strasbourg 2)
M. JAM (Clermont 1)
M. MARCHAL (Paris 4)
M. MURAT (Paris 4)

Résumés

André Suarès est profondément marqué par l’œuvre de Richard Wagner dès sa jeunesse. Musicien dans l’âme, il lit les partitions et les livrets du compositeur mais aussi ses nombreux écrits théoriques sur l’art. Ses années d’Ecole normale supérieure (1886-1889) correspondent sensiblement à la parution de la Revue wagnérienne (1885-1888) qui se donnait pour but de faire connaître Wagner musicien mais aussi théoricien de l’art. Le wagnérisme est alors une question littéraire autant que musicale et se trouve lié de près au mouvement symboliste. A travers l’œuvre de Wagner, on s’interroge sur la place de l’artiste dans la société, sur la nature de l’art. A l’instar de Wagner, on cherche à lier musique et littérature dans une œuvre totale. Dans ce contexte, le jeune André Suarès s’engage dans une profusion de projets restés pour la plupart inédits : poésie, romans, théâtre, textes théoriques. Cette période se termine avec la parution de Wagner, en 1899. C’est le premier des portraits qu’il consacre aux grandes figures de l’Art et de l’Histoire. Cette thèse se propose d’éclairer par le wagnérisme cette période de formation, riche d’essais et de tentatives avortées. Le plan générique permet de présenter de nombreux textes inédits de l’écrivain et met en valeur sa tentative de mêler les différentes formes littéraires.

From his early years, André Suarès was profoundly influenced by Richard Wagner’s work. A musician at heart, he read not only the composer’s scores and librettos but also his numerous theoretical texts on art. His university years at the Ecole normale (1886-1889) correspond more or less with the publication of the Wagnerian Review (1885-1888) the aim of which was to introduce not only the musician Wagner but also the art theoretician. Wagnerism is then as much a question of literature as of music, being closely linked with the symbolist movement. Through Wagner’s work the question of the artist’s place in society and the nature of art itself are raised. Following the example of Wagner, attempts to create a fusion of music and literature in a complete work are made. In this context, the young André Suarès engaged in a profusion of projects, most of which remained unpublished : poetry, novels, theatre, and theoretical texts. This period ends with the publication of Wagner in 1899. It was the first of a number of portraits consecrated to eminent figures of Art and History. The aim of this thesis is to clarify through Wagnerism this training period, rich in attempts and abortive endeavours. The general plan allows the presentation of numerous unpublished texts by the writer and brings to the fore his attempt at combining different literary forms.

Position de thèse, au format Pdf

Mardi 22 juin
14 h 30
Amphithéâtre 117
Centre Malesherbes
108 bd Malesherbes
75017 Paris

 Mme Isabelle FLIPO AGNERAY soutient sa thèse de doctorat :

 Angelus Silésius ou le discours contre la méthode

 en présence du Jury :

Mme BONARDEL (PARIS I)
Mme MAILLARD (STRASBOURG II)
M. MARQUET (PARIS IV)
M. MESLIN (PARIS IV)

Lundi 15 janvier 2007
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D040
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Jorge GARCIA FLORES soutient sa thèse de Doctorat :

 Annotation sémantique des spécifications informatiques de besoins par la méthode d’Exploration Contextuelle : une contribution des méthodes linguistiques aux conceptions de logiciels

 En présence du Jury :

Mme AUSSENAC-GILLES (SOPHIA)
Mme CABRE-CASTELLI (IULA)
M. DESCLÉS (PARIS 4)
M. DJIOUA (PARIS 4)
M. MARCOUX (MONTREAL)
Mme ROLLAND (PARIS 1)
M. SANSONNET (CNRS)

 Résumés :

La spécification de besoins est une activité fondamentale dans l’ensemble des méthodes de conception et mise en œuvre des systèmes informatiques. Cette thèse présente une méthode d’annotation sémantique des textes de Spécification de Besoins Informatiques (SBI) pour assister la conception de logiciels ; une méthode dont les annotations, de nature sémantique, puissent être exploitées pour l’aide à l’extraction, à la modélisation ou la validation de besoins. Le but de l’annotation est de repérer automatiquement les phrases qui, dans un texte, expriment des actions, et d’y extraire les circonstances de l’action (contrôleur, finalité, contraintes). Pour y parvenir, on a effectué une analyse discursive des moyens d’expression de l’action sur des textes de SBI industriels en français et en espagnol. Cette analyse, d’inspiration linguistique, s’appui sur la méthode d’Exploration Contextuelle et la théorie de la Grammaire Applicative et Cognitive pour proposer 1) une typologie de verbes de spécification de besoins informatiques, 2) une base de marqueurs linguistiques de l’action organisé sous forme des règles d’Exploration Contextuelle, et 3) l’implémentation informatique de ces règles dans le système d’annotation EXCOM et l’annotation d’un corpus de textes de SBI industriels en français et en espagnol.

This PhD research proposes a linguistic oriented annotation method to support requirements engineering activities (requirements elicitation, validation or modelling). Our approach presents a method for the automatic extraction of action sentences from software requirements specifications (SRS). Its aim is to annotate actions sentences from industrial SRS documents, and to recognize action parameters (action’s controller, goal and constraints). It presents a linguistic analysis of action markers and a technique to automatically annotate action sentences by means of Contextual Exploration rules. Discourse analysis of SRS is based on the Cognitive and Applicative Grammar linguistic theory. The main results our work are : 1) a typology of action verbs for requirements specifications, 2) a base of linguistic markers and rules for semantic annotation of actions on SRS documents, and 3) an implementations of this rules on the EXCOM semantic annotation system, which automatically attributes action annotations to a corpora of commercial (French and Spanish) SRS documents.

Position de thèse :

Position de thèse téléchargeable :

Samedi 18 juin 2005
15 heures 30
Institut National d’Histoire de l’Art
Carré Colbert, Salles Ingres
4-6, rue des petits champs
Paris 2e

 M. Gabriel PAUN soutient sa thèse de doctorat :

 Antonio de la Gandara 1861-1917, un portraitiste de la belle époque

En présence du Jury :

M. FOUCART (Paris 4)
M. DARRAGON (Paris 1)
M. JOBERT (Paris 4)
M. ORMOND
M. PEREZ-ROJAS (Valencia)

Lundi 24 octobre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Jean VIOULAC soutient sa thèse de doctorat :

 Apocalypse de la vérité. Destin du nihilisme et question de l’autre Commencement

En présence du Jury :

M. MARION (Paris 4)
M. BALIBAR (Paris 10)
M. DAVID
M. CHRETIEN (Paris 4)
M. MARQUET (Paris 4)

Mardi 7 décembre
14 h
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Jean-Marc ZANINETTI soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Apport de l’analyse spatiale à la géographie

 En présence du Jury :

M. CHEMLA (PARIS IV)
M. DUMONT (PARIS IV)
M. FOTSING (ORLEANS)
M. GRASLAND (PARIS VII)
M. JAYET (LILLE I)
Mme SANDERS (CNRS)

Samedi 12 mars 2005
14 heures
salle Liard
Rectorat
17 rue de la Sorbonne, Paris 5e.

 M. Maher AL MUNAJJED soutient sa thèse de doctorat :

 Aragon et la culture arabo-andalouse. "Le Fou d’Elsa", des sources aux métamorphoses

 en présence du jury :

M. BACKES (Paris IV)
Mme CHAULET-ACHOUR (Cergy)
M. CHEVREL (Paris IV)
M. DUGAS (Montpellier 3)

Samedi 2 décembre 2006
9 heures
A l’INHA, Salle Perrot, Galerie Colbert, 2ème étage
4-6, rue des Petits Champs 75002 Paris

 Mme Olga MEDVEDKOVA soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Architectures imprimées. La circulation des modèles d’architecture dans l’Europe du XVIIe et XVIIIe siècles

 En présence du Jury :

M. FOUCART (PARIS 4)
Mme FROMMEL (EPHE)
M. FUHRING (Gromingen)
Mme GRIVEL (RENNES 2)
M. MIGNOT (PARIS 4)
M. RABREAU (PARIS 1)

Samedi 11 décembre
14 h
Ecole Normale Supéieure
Salle Paul Celan
45, rue d’Ulm
75005 PARIS

 M. Mikael NICHANIAN soutient sa thèse de doctorat :

 Aristocratie et Pouvoir impérial à Byzance (602-843)

 En présence du Jury :

Mme AUZEPY (PARIS VIII)
M. CHEYNET (PARIS IV)
M. FLUSIN (PARIS IV)
M. HALDON (BIRMINGHAM)
M. MAHE (EPHE)

Mardi 9 décembre
14 heures
Centre Malesherbes, salle 322
108 bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Marie-Thérèse MOUREY soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Art et littérature en Allemagne aux XVIe et XVIIe siècles. Danser dans le Saint Empire

 en présence du Jury :

M. BEHAR (SARREBRÜCK)
M. KREBS (PARIS IV)
M. LAUDIN (PARIS X)
M. SCHILLINGER (NANCY II)
M. VALENTIN (PARIS IV)

Samedi 10 septembre 2005
14 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Adriana CABRERA DELGADILLO soutient sa thèse de doctorat :

 Aspects mythiques et historiques des récits de voyage sur l’amazone entre le XVIIème et le XVIIIème siècle

En présence du Jury :

M. MOUREAU (Paris 4)
MME BRAHIMI (Paris 7)
M. LESTRINGANT (Paris 4)
MME GOMEZ-GERAUD (Amiens)

Mercredi 11 mai 2005
14 heures
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Ewa GWIAZDECKA soutient sa thèse de doctorat :

 Aspects, prépositions et préverbes dans une perspective logique et cognitive. Application au polonais : przez/prze-, do/do-, od/od-

En présence du Jury :

M. BANYS
M. BOGACKI (Varsovie)
M. DESCLES (Paris 4)
Mme GIERMAK-ZIELINSKA (Varsovie)
M. IBRAHIM (Besançon)
M. ROUSSEAYU (Lille 3)

Vendredi 5 décembre 2003
15 heures
UFR de Littérature
Bibliothèque G. Ascoli
Escalier C, 2^èmeétage
1, rue Victor Cousin
Paris 5^ème

 Mme Carine BARBAFIERI MILLET présente sa thèse de doctorat :

 Astrée et Céladon. La galanterie dans le théâtre tragique de la France classique (1634-1702)

 En présence du Jury :

M. BURY (VERSAILLES)
M. DECLERCQ (PARIS III)
M. FORESTIER (PARIS IV)
M. THIROUIN (LYON II)
M. VIALA (OXFORD)

Jeudi 2 décembre
14 h
INHA
Carré Colbert, salle Ingres
2e étage, Galerie Colbert,
4-6 rue des Petits Champs
75002 PARIS

 Mme Elsa DORLIN soutient sa thèse de doctorat :

 Au chevet de la nation : sexe, race et médecine (XVIIe-XVIIIe siècles)

 En présence du Jury :

M. GUILLARME (PARIS VIII)
Mme LAUGIER (PICARDIE)
Mme MATONTI (PARIS I)
M. MOREAU (ENS)
Mme VARIKAS (PARIS VIII)

Jeudi 30 juin 2005
14 heures 30
En Sorbonne
Amphithéâtre Guizot
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Christian BERNER soutient une Habilitation à Diriger les Recherches :

 Au détour du sens. Perspectives d’une philosophie herméneutique

En présence du Jury :

M. COURTINE (Paris 4)
M. GREISCH (ICP Paris)
M. LAKS (Lille 3)
M. RENAUT (Paris 4)
M. RUDOLPH (Université de Lucerne)

mercredi 9 décembre 2009
14h
CELSA salle R09 (Grand amphithéâtre)
77, rue de Villiers 92200 Neuilly-sur-Seine

Aude SEURRAT DE LA BOULAYE soutient sa thèse de doctorat :

Les médias en kits pour promouvoir "la diversité". Etude de programmes européens de formation aux médias destinés à "lutter contre les discriminations" et promouvoir "la diversité".

En présence du jury :

M. CHEVALIER (Bretagne Sud)
M. JEANNERET (Avignon)
M. MOEGLIN (Paris 13)
MME RICHARD (Paris 4)
M. SOUCHIER (Paris 4)

Résumés :

« La diversité » est une expression qui bénéficie d’une forte publicisation depuis une dizaine d’années. L’enjeu de la thèse est d’analyser comment les discours sur « la diversité » construisent des représentations des médias et, plus largement, de la communication. Ce travail se penche sur deux dispositifs européens de formation aux médias et étudie comment le politique vise à agir sur le symbolique afin de changer le social. Le travail articule des analyses des objets de formation, en l’occurrence des « kits », des observations participantes, ainsi que des entretiens. Les kits de formation proposés par ces dispositifs sont alors envisagés comme des technologies intellectuelles, des technologies herméneutiques qui orientent l’interprétation des médias et, enfin, comme des moyens d’instituer des valeurs.

Media toolkits to promote ‘diversity’ : A study of European media training programs to ‘counteract discrimination’ and ‘promote diversity’

‘Diversity’ is an expression that has received great attention for over ten years. The objective of this research is to analyse how discourse pertaining to ‘diversity’ constructs media representations and – in a greater sense – a conception of communication. This work studies two European media training programs and analyses how the political arena specifically targets actions based on symbolism so as to modify society. Research methodologies are based on semiotic analysis of the training kits themselves, participatory observation of the training and interviews. The training kits are therefore conceptualised as intellectual technologies, hermeneutic technologies that guide interpretation of the media and finally, as a means to institute a set of values.

Samedi 26 novembre 2005
13 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Cécile DURVYE soutient sa thèse de doctorat :

 Édition critique commentée du livre XX de Diodore de Sicile

En présence du Jury :

M. JOUANNA (Paris 4)
M. BILLAULT (Paris 4)
Mme JACQUEMIN (Strasbourg 2)
M. MULLIEZ (Lille 3)

Samedi 3 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Cauchy
Esc. E, 3e étage
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Ildiko SERES MAILLARD soutient sa thèse de doctorat :

 Édition critique et commentaire du Mystère des Actes des Apôtres (première et deuxième journées)

En présence du Jury :

M. ROUSSINEAU (Paris 4)
M. GROS (Amiens)
M. ROUSSE (Rennes 2)
M. ROUSSEL (Clermont 2)
M. SMITH (CNRS)

Résumés

La présente thèse en 3 volumes tente de combler, du moins partiellement, le vide que représentait jusqu’à présent l’absence de toute édition critique du Mystère des Actes des Apôtres, œuvre monumentale d’environ 60 000 vers composée au 15e siècle, conservée dans deux manuscrits et trois éditions du 16e siècle. La première partie présente les résultats de nos recherches sur l’identité de l’auteur et sur la date de composition du texte. L’étude et la comparaison des manuscrits et des éditions de l’oeuvre, ainsi que la question du choix du texte de base pour notre édition y trouvent également leur place. Nous nous y penchons encore sur les représentations de la pièce ; enfin, une étude littéraire et dramaturgique, ainsi qu’une analyse linguistique complètent ce premier volet. La seconde partie contient le texte établi des deux premières journées du mystère, soit environ 12 000 vers. La troisième partie fournit des notes concernant le texte, une sélection de variantes, une liste des personnages avec la répartition des vers, un index des noms propres, un glossaire, une liste d’expressions et de proverbes, ainsi qu’une bibliographie. Ce volume comprend enfin 13 documents annexes et 23 planches.

Critical edition and commentary of the Mystery of the Acts of the Apostles (first and second days)

The present thesis in 3 volumes tries to make up, at least partially, for the absence up to the present of any critical edition of the Mystery of the Acts of the Apostles, a monumental work of approximately 60 000 lines written during the 15th century, preserved in two manuscripts and three editions of the 16th century. The first part presents the results of our research as to the identity of the author and the date of composition of the text. The study and the comparison of the manuscripts and the editions of the work, as well as the question of the choice of the reference text for our edition are equally included. This section, where we also deal with the representations of the play, is completed by a literary and dramaturgic study. The second part contains the established text for the first two days of the mystery play, that is approximately 12 000 lines. The third part provides notes concerning the text, a selection of alternatives, a list of the characters with lines distribution, an index of proper names, a glossary, a list of expressions and proverbs, as well as a bibliography. This volume also includes 13 additional documents and 23 plates.

Samedi 21 octobre 2006
14 h
En Sorbonne, Amphithéâtre Guizot
17 rue de la Sorbonne
PARIS 5e

 M. Charles-François MATHIS soutient sa thèse de doctorat

  Émergence d’une pensée environnementale en Angleterre au XIX^ème siècle

 En présence du Jury :

M. BARJOT (PARIS IV)
M. CHASSAIGNE (TOURS)
Mme GARNETT (OXFORD)
Mme GUILLAUME (BORDEAUX IV)
M. PITTE (PARIS IV)
M. POUSSOU (PARIS IV)

Samedi 8 janvier
14 h 30
En Sorbonne, salle des Actes, Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Guy JAROUSSEAU soutient sa thèse de doctorat :

 Épiscopat et églises en Anjou au haut Moyen Âge

 En présence du Jury :

M. BRUNTERCH (PARIS)
M. DUBREUCQ (LYON III)
M. GUILLOT (PARIS IV)
M. LAURENSON-ROSAZ (LYON III)
M. OUDART (PARIS IV)
M. SASSIER (PARIS IV)

Jeudi 1er juillet
14 h 30
Salle des Actes
1 rue Victor Cousin

 M. Lionel JOLY soutient sa thèse de doctorat :

 Étude sociolinguistique du Pays Basque

 en présence du Jury :

M. BOYER (MONTPELLIER III)
Mme EZQUERRO (PARIS IV)
M. MARTINEZ DE LUNA (Paris Vasco)
M. OYHARÇABAL (CNRS)

Mercredi 20 octobre
14 h 30
Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Dominique RAYNAUD soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Études d’épistémologie et de sociologie des sciences

 en présence du Jury :

M. BERTHELOT (PARIS IV)
M. CHAZEL (PARIS IV)
M. ENGEL (PARIS IV)
M. FORSE (CNRS)
M. GAYON (PARIS I)
M. ROSHDI

Samedi 27 novembre
14 h
Amphithéâtre Cauchy, escalier E, 3e étage
17, rue de la Sorbonne
75005 PARIS

 Mme Cristina VIANO soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Études de Philosophie Grecque. Doxographie. Théories philosophiques et alchimiques de la matière. Les passions chez Aristote.

 En présence du Jury :

M. AUBENQUE (PARIS IV)
M. BARNES (PARIS IV)
M. BERTI (PADOUE)
M. BRISSON (CNRS)
M. DORANDI (CNRS)
M. IMBACH (PARIS IV)

Mardi 7 décembre
14 h
Maison de la Recherche, salle D224
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. Jean-François THOMAS soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Études de sémantique latine : recherches sur le champ lexical de la honte et du déshonneur en latin

 En présence du Jury :

Mme DANGEL (PARIS IV)
Mme DUCOS (PARIS IV)
Mme FRUYT (PARIS IV)
Mme KIRCHER (NICE)
M. MARTIN (MONTPELLIER III)
M. MOUSSY (PARIS IV)
M. NADJO (TOURS)

Samedi 14 février
14 h 30
Salle Louis Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Joëlle BARREAU soutient sa thèse de doctorat :

 Être architecte au XVIIe siècle : Libéral Bruand, architecte et ingénieur du roi.

 en présence du Jury :

M. HAROUEL (PARIS II)
M. MIGNOT (PARIS IV)
M. PEROUSE DE MONTCLO (CNRS)
M. ROCHE (CAEN)
M. SCHNAPPER (PARIS IV)

Vendredi 24 février 2006
14 heures
Centre Malesherbes
Amphi 120
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Bertrand FERRIER soutient sa thèse de doctorat :

 « Mais tout n’est pas littérature ! » Le concept de littérarité appliqué aux romans contemporains pour la jeunesse (1995-2005)

En présence du Jury :

M. MURAT (Paris 4)
M. GOLDENSTEIN (Le Mans)
M. MOLINIÉ (Paris 4)
M. SCHAFFNER (Paris 3)

Résumés

Le succès de l’édition pour la jeunesse a entraîné la crainte que, dans ce secteur, la littérature disparaisse au profit d’une production obsédée par le profit. Qu’en est-il en 2005 de la littérarité dans les livres pour adolescents publiés ? En quoi cette littérarité est-elle spécifique aux jeunes lecteurs ? La première partie, consacrée aux fondements sociocritiques pour la définition d’une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, montre comment la prise en compte de l’horizon de réception participe de la notion de littérarité. Mais peut-on créer des œuvres littéraires quand force critères stylistiques semblent s’imposer ? La deuxième partie rend donc raison des fondements linguistiques pour la définition d’une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, autour de trois axes : un vocabulaire accessible n’est pas forcément pauvre ; une syntaxe intelligible n’est pas forcément normée ; et les procédés de littérarité peuvent se fonder sur la prise en compte les déficiences supposées des jeunes lectorat. La troisième partie s’intéresse alors aux fondements thématiques pour la définition d’une littérarité spécifique pour la jeunesse. Sont évoqués des thématiques traditionnelles et leur traitement littéraire : l’éducation, la famille, et l’univers du conte. Puis viennent les thématiques nouvelles ou en renouvellement : la sexualité et la mort. Les contraintes fortes (syntaxiques, génériques, thématiques... et économiques) peuvent ainsi conduire les auteurs pour la jeunesse à remotiver les us et coutumes textuels de façon littéraire. En annexe, nous proposons un état des lieux précis de l’édition pour la jeunesse en 2005.

Mots-clés : romans pour la jeunesse, édition contemporaine, horizon de réception, littérarité, littérature

« Literariness and literature » : the status of literariness in novels for young readers. The success of literature for young readers led to the fear that, in this sector, true literature might be supplanted by works obsessed with money. In 2005, what’s the status of literariness in published books for adolescents ? Why can we say this literariness is specific ? In the first part of this essay, dedicated to the socio-critical foundations defining how a literariness may be specific to books for young people, we will see how the prospects of acceptance taken into account partake of the notions of literariness. However, can we create literary works, although numerous stylistic factors seem to prevail ? The second part logically points out the linguistic foundations defining a literariness, which is specific to books for young readers. This study hinges on three main assertions : a vocabulary within the reach of everyone is not necessarily weak ; an intelligible syntax is not necessarily cliché ; and the literariness process can be founded on the supposed deficiencies of the new readership. In the third part, we will thus study the thematic foundations defining a specific literariness for young people. We will bring up the usual set of themes and their literary dealing : education, family and the universe of tale. Then, we will examine new or changing set of themes : death and sexuality. Therefore, those great - syntactic, generic, thematic and economic - constraints can lead young readers to re-promote the textual customs in a literary way. In the appendix, we will set out an accurate inventory of the youth publishing, mainly in France, in 2005. (Translation : Fabienne Rivals-Berganz)

Position de thèse

L’édition pour la jeunesse n’a cessé de croître depuis les années 1970 pour atteindre aujourd’hui 262,5 millions d’euros de chiffre d’affaire ; les médias en parlent, l’Education Nationale s’y intéresse (un peu), des vedettes apparaissent. Au point qu’elle représente aujourd’hui un marché qu’il ne faut pas réduire aux 10 % du CA de l’édition qu’elle représente. En effet, les livres pour les jeunes lecteurs dépassent le strict cadre de l’édition : des phénomènes dont le plus visible est la saga des Harry Potter ne sont pas que des livres ; et ils intéressent parfois autant d’adultes que d’adolescents. Doit-on s’en réjouir ? A priori, oui ! Toutefois, paradoxalement, ce succès a entraîné la crainte que, dans ce secteur, la littérature disparaisse au profit d’une production uniquement orientée par la quête du profit. Il était donc nécessaire de faire le point sur deux aspects : qu’en est-il de la littérarité dans les livres pour adolescents publiés entre 1995 et 2005 ? et en quoi cette littérarité est-elle spécifique aux jeunes lecteurs ?

Si l’édition pour la jeunesse est une évidence tangible, il n’est pas toujours admis qu’existe un acte de production spécifiquement destinée à la jeunesse. Tel est le propos de la première partie, consacrée aux fondements sociocritiques pour la définition d’une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse. Certains auteurs continuent de nier l’idée que l’on puisse écrire à destination d’un public particulier. Ce refus, pour sincère qu’il puisse être, masque souvent la peur infondée de réduire la portée littéraire d’une œuvre en lui désignant un horizon de réception précis. Or, la prise en compte d’un public privilégié n’est pas forcément porteuse de pauvreté créatrice ou littéraire... au contraire ! C’est ce que nous nous sommes attachés à démontrer en dénonçant notamment la notion de « Littérature avec un L ». En effet, la prise en compte de l’horizon de réception participe de la notion de littérarité, conçue comme la valorisation de la portée connotative du langage et du système référentiel en complémentarité avec la portée dénotative de la structure narrative. Le long élargissement du lectorat, depuis le XIIIe siècle notamment, nous permet de le rappeler en montrant comment ont émergé la crainte de la dévalorisation du livre ainsi que les inquiétudes relatives aux autres dangers de ces productions, accusées, entre autres de « facilité », de « vulgarité », de « sexisme », voire, parfois d’« immoralisme ». L’arrivée à maturité du marché adolescent aux XXe et XXIe siècle repose avec force l’ensemble de ces questions en les confrontant à la notion de littérature : peut-on créer des œuvres littéraires quand tant de critères stylistiques et moraux semblent s’imposer ?

Pour répondre à cette question, il nous fallait donc, dans une deuxième partie, rendre raison des fondements linguistiques pour la définition d’une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse. Car, dès lors que nous affirmions l’existence d’un public spécifique, nous nous devions d’en prouver l’existence littéraire, à travers l’étude précise des textes concernés. Cette étude s’articule autour de trois axes : sémantique, syntaxique, linguistique. Dans un premier temps, nous avons montré qu’un vocabulaire accessible n’était pas forcément pauvre. En effet, les ressources, quantitativement limitées, peuvent être exploitées avec habileté (nous nous sommes ainsi arrêtés sur les enjeux de la nomination) ; elles peuvent aussi être enrichies par de nombreuses modalités (nous en citons cinq principales, de la découverte naïve à la rencontre de personnages cultivés) susceptibles de faire récit ; elles peuvent enfin être dépassées par l’invention de sèmes, de syntagmes ou d’images qui surprennent. Dans un deuxième temps, nous avons montré qu’une syntaxe intelligible n’était pas forcément normée. Le respect de la syntaxe permet cependant de valoriser l’intérêt narratif d’une transgression visant à enrichir le matériau de base ou à développer une fonction mimétique en recréant, par exemple, le langage des jeunes auxquels il est destiné. Dans un troisième temps, nous avons questionné les niveaux de langue, en montrant que le mélange des registres mettait en évidence des stratégies d’écriture dont l’originalité peut se fonder sur des décalages sémantiques, génériques ou linguistiques. D’où il s’ensuivait que la prise en compte du jeune lectorat non seulement n’empêche pas la littérarité d’advenir, mais, surtout, permet à une littérarité spécifique de se constituer en prenant en compte les déficiences supposées dudit lectorat, jusqu’à en faire des atouts textuels précieux.

Après cette vue microcritique (à l’échelle du texte), restait à adopter une posture macrocritique (à l’échelle du corpus) afin de poser la question des tabous et des interdits. Ceux-ci, rappelés pour partie par la loi du 16 juillet 1949 relatives aux publications pour la jeunesse, n’empêchent-ils pas les livres pour la jeunesse d’être assez libres pour faire montre de littérarité ? C’est pour répondre à cette question que la troisième partie s’intéresse aux fondements thématiques pour la définition d’une littérarité spécifique pour la jeunesse. Cette fois, nous avons adopté un plan en deux points. Dans un premier point, nous avons évoqué les thématiques traditionnelles en montrant comment certains sujets étaient omniprésents dans les livres pour la jeunesse, à commencer par l’éducation et la famille. Cela achèvera de convaincre les sceptiques : non seulement il existe des livres pour les jeunes, mais de surcroît ils parlent de sujets censés toucher spécifiquement les jeunes. Logique. Mais comment, dès lors, les stratégies littéraires pourraient-elles n’être pas spécifiques ? Nous avons ainsi souligné comment la présentation d’un topos de référence pouvait être subverti par l’imaginaire (notamment pour l’univers scolaire) ou le positionnement face aux mutations sociales (ainsi des nouvelles formes de familles qui se développent dans les romans pour adolescents). Puis nous avons abordé la question du conte sous l’aspect thématique. Forme souvent assimilée, sinon réduite, au jeune public, le conte peut faire preuve de littérarité spécifique, en tant que récit traditionnel (dans sa remotivation des stéréotypes et du traitement de l’oralité) ou en tant que genre à forte plasticité (le conte peut être « modernisé » ou mêler à d’autres genres, du roman à la série). Dans un deuxième point, nous avons évoqué des thématiques nouvelles ou en renouvellement dans les livres francophones et anglophones, celles qu’on pourrait penser limitées ou censurées pour le jeune public - nous avons choisi d’étudier le traitement de la sexualité et de la mort, afin de montrer d’abord qu’il s’agissait de faux tabous ; ensuite que leur traitement très surveillé pouvait donner lieu à des investissements ou très littéraires (originalité de la construction du récit ou point de vue décalé, par ex.) ou sans aucun intérêt, ce qui, par contraste, permet d’étudier les processus de littérarité constatables chez certains grands auteurs, à commencer par Marie-Aude Murail.

Cette thèse nous a permis de conclure à la spécificité d’un traitement littéraire pour la jeunesse, qui s’appuie sur les contraintes fortes (syntaxiques, génériques, thématiques) pour remotiver les us et coutumes textuels. Ces stratégies de réinvestissement, que l’on trouve aussi dans les livres littéraires à destination d’un public adulte, sont ici rendues singulières par la prise en compte précise d’un horizon de réception dont l’aspect réducteur ne saurait être compris que comme l’excuse de mauvais faiseurs cherchant à justifier leur médiocrité.

En annexe, nous proposons un état des lieux précis de l’édition pour la jeunesse en 2005, à travers la mise en avant des grandes tendances de l’édition : poly-exploitation (avec l’ex. du rapprochement entre bande dessinée et édition de fictions pour la jeunesse), sursectorisation (visant à un investissement pointu du marché) et positionnement marketing (série et romans grand format pour les filles). La bibliographie qui conclut cette thèse recense les ouvrages critiques puis les ouvrages de fiction disponibles en français, avec de courtes notices pour présenter les auteurs, célèbres ou à découvrir, qui nous ont paru les plus significatifs.

Lundi 22 mai 2006
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Agnès MINIER soutient sa thèse de doctorat :

 « Musique Sacrée aujourd’hui, enjeux sociaux et représentations sociales »

En présence du Jury :

Mme Anne-Marie GREEN
Professeure à l’université de Franche-Comté et Directrice associée à Paris- IV Sorbonne
Mr. Pierre-Albert CASTANET
Professeur de l’université de Rouen
Mme Danièle PISTONE
Professeure à l’université de Paris- IV Sorbonne
Mme Edith WEBER
Professeure Emérite à l’université de Paris- IV Sorbonne

Résumés

A quoi correspond l’expression "Musique sacrée" aujourd’hui ? Quelles sont les enjeux sociaux et représentations sociales qui s’y rattachent dans la France du XXIe siècle ? L’approche de cette recherche est musicologique dans le sujet, sociologique dans la méthode et anthropologique dans la définition. Elle montre que "Musique Sacrée" est issue de "musica sacra", utilisé en 1614 pour la première fois par Michael Praetorius, désignant la musique spirituelle employée à l’usage rituel chrétien. L’association de notions de "musique" et de "sacré" en une troisième entité "Musique sacrée", possède un signifié absolu et des signifiants relatifs, non seulement liés au repertoire, mais à la façon dont il est ou non affecté et chargé intentionnellement. Dans la France postmoderne, elle revet des sens communs, constitutifs, référentiels et affectifs, devenant une expression de langage symbolique mythique, sorte de "cathédrale émotionnelle". C’est pourquoi la forme même de cette thèse utilise la métaphore filée de l’architecture monumentale et musicale des églises et de la stucture de Messe grégorienne.

Title of the thesis : “Sacred music today : social issues and representations”

What does the term « sacred music » mean today ? What are the social issues and the social representations related to it in 21st century France ? The present research uses a triple approach : through musicology in its subject, sociology in its method and anthropology in its definition. It shows that « sacred music » comes from the term « musica sacra » used for the first time by Michael Praetorius in 1614 to refer to the spiritual music used in a Christian ceremonial. The association of the two notions « music » and « sacred » in a third entity, « sacred music », of course refers to one particular signified, but it has a shifting range of relative signifiers, connected not only to the repertory, but also to the way in which the term can be differently charged with meaning. In post-modern France, the term takes on a variety of meanings and can be at once ordinary, constitutive, referential and affectively charged, becoming an expression of a mythic symbolic language, a sort of “emotional cathedral”. That is why the very form of this thesis uses the metaphor taken both from the musical and monumental architecture of churches and the structure of the Gregorian Mass.

Position de thèse

L’interrogation de départ vient de l’emploi contemporain de l’expression « Musique Sacrée ». A quoi correspond-elle ? Quelles références évoque-t-elle aujourd’hui en France ? Elle est liée à l’histoire artistique, religieuse et politique du pays, qui révèlent des rapports particuliers avec le sacré et la musique. Toutes les époques ont laissé des traces et des marques, au moins symboliques ou mythiques, qui se superposent, s’effacent, se camouflent. Les représentations sociales et enjeux sociaux actuels de cette expression sont le résultat de la somme de ses usages, et des charges significatives qui lui sont associées, liées au contexte de l’ère chrétienne.

L’approche choisie pour cette recherche est musicologique dans le sujet, sociologique dans la méthode et anthropologique dans la définition.

Une métaphore filée compare en structurant le corps de tous les paragraphes, chapitres et parties de la thèse avec l’architecture « monumentale » et « musicale ». Elle montre qu’il existe des similitudes entre toutes les dépendances spatio-temporelles. Une diachronie est synthétisée dans un mot, ou un même espace, comme dans l’architecture d’une église et l’architecture d’une forme musicale de Messe, les termes métaphoriquement employés dans la structure du plan de cette thèse comme clés explicatives de la démonstration. En effet, l’hypothèse qui résume la problématique est d’utiliser le terme de « cathédrale émotionnelle » pour synthétiser les représentations sociales et les enjeux sociaux de « Musique Sacrée » aujourd’hui. L’importance du phénomène « Musique Sacrée » se mesure par ses dimensions spatiales (hauteur, largeur, profondeur) et temporelles.

Cette recherche est également intimement liée aux sciences humaines, puisque nous portons l’attention sur les représentations sociales et les enjeux sociaux. Le sujet de cette thèse correspond aux significations de la musique, données par des personnes, la signification dite « sacrée ». Quelles sont les conditions d’emploi de ce qualificatif ajouté à celui de musique ? Quand ? Où ? Pourquoi ? Comment la musique est-elle sacrée ou non ? Qu’est-ce que cette notion de sacré par rapport à la musique ?

L’approche est en définitive symboliste, car elle s’intéresse davantage à évoquer par le « dire », qu’à recenser le « faire ».

Faire une recherche sur l’expression « Musique Sacrée » qui associe deux mots en un terme, ne peut s’effectuer que par l’expression en mots (verbale) d’une expression par les sons (la musique). Un recueil d’informations auprès de diverses personnes permet de découvrir les multiples définitions de cet objet social, tout en dégageant le registre sémantique le plus largement partagé, le principe organisateur des éléments de définition, et des références équivalentes, dans l’association de comportements individuels et collectifs, psychoaffectifs et socioculturels. Il a abouti à effectuer des entretiens semi directifs enregistrés, constitué en réseau, sur un échantillon de 168 personnes, d’une durée variant de 40 mn à 2 heures.

L’étude de ces discours peut se mettre en parallèle avec l’étude d’une polyphonie, s’intéressant autant aux plans horizontaux que verticaux, pour effectuer la meilleure interprétation possible. Les portraits des enquêtés sont présentés en annexe, pour permettre une compréhension des propos avec le contexte de chacun, et ensuite, permettre leur analyse. Ils sont réalisés à partir de la discussion, sont anonymes sur l’identité concrète des interrogés, mais personnalisés par des noms de compositeurs qui remontent le temps selon l’ordre des rencontres (artistes du XIIe au XVIe siècle : de Léonin à Rosenmüller).

Le cœur de l’étude montre qu’il existe une partie fondamentale, commune aux différentes réponses, liée aux aspirations absolues, et qui se rencontre dans les formes variées de ses emplois, formes, ou significations. « Musique Sacrée » possède un signifié absolu et des signifiants relatifs. Le caractère relatif dépend des relations et des rapports d’influences d’ordres spatio-temporels. Dans la musique, il engage les relations entre compositeurs, interprètes et auditeurs, ainsi que tous les aspects formels. Au contraire, le caractère absolu, lui, renvoie à des notions telles que pureté, idéal, parfait, transcendant,... qui dépassent les catégories et existent dans l’idéel, ou l’idéal, sans condition (en terme de significations propres). « Musique Sacrée » existe en fonction du contexte (où et quand) et des intensions (pourquoi et comment), est conçu et/ou perçue « sacrée » par compositeur, interprète et auditeur. Cette relativité est non seulement liée au répertoire, mais à la façon dont il est ou non affecté et chargé intentionnellement.

Quels sont les fonctionnements de désignations et de références, notamment avec les premiers systèmes communautaires. Qu’est-ce qui fait désigner « Musique Sacrée » ? Qu’est-ce qui y ressemble dans l’attitude ? Y a-t-il alors des musiques sacrales (dont l’apparence est sacrée) ? Et les termes de « profane » et « sacré » sont-ils comparables au « dedans » et au « dehors » qui séparent initiés et exclus ? L’expression « Musique sacrée » peut-elle être comparée à des références totémiques, les fondements religieux développés par Emile Durkheim (1858- 1917) ? Le livre du fondateur de l’école de sociologie française, Les formes élémentaires de la vie religieuse, 1912, développe ce qui est commun à toute forme de religiosité. Etymologiquement « Musique sacrée » vient de musica sacra, employé pour la première fois par le compositeur théoricien Michael Praetorius (1571-1621). Il donne le titre de : de musica sacra et ecclesiastica à la première partie de son livre Syntagma musicum, 1614, dont la traduction allemande est : Von der Geistlischen und Kirchen Music, pour désigner la musique spirituelle employée à l’usage rituel chrétien. Elle renvoie au support de son inspiration par un texte (Bible, tradition religieuse, spiritualités diverses), sachant que les procédés de composition et stylistiques ne sont pas définis, et varient selon les époques, les écoles esthétiques et les usages (liturgique, paraliturgique, concerts privé/ public...).

Plusieurs réalités existent derrière l’expression « Musique sacrée », et qui ont toutes un lien, même s’il n’est pas apparent. Ce lien est la dimension « religieuse », au sens de Religio (lier, relier, recueillir, récolter) qui sépare ceux qui sont reliés de ceux qui ne le sont pas, ou pas avec eux (sacer, séparer, et sacrer).

Dans la musique existe plusieurs temporalités, celles de composition (temps de préparation, d’élaboration, de maturation, de retouches, etc.), celles des exécutions (qui exigent des répétitions avant la représentation publique) et celles des réceptions (différentes personnes qui ont chacune leur contexte...). Peut-être que cette accumulation de temporalités en un « moment » qui les rassemble et les recueille, confère à la musique une particularité « religieuse », quelle que soit ses formes. Quelles musiques sont composées sacrées ? Interprétées sacrées ? Ecoutées sacrées ? Quels critères permettraient à coup sûr de dire que telle musique est sacrée ou non, sachant que les notions de « sacré » et de « musique » sont fluctuantes et relatives dans leurs perception ?

Plusieurs sens se dégagent de cette recherche : un sens commun, un sens constitutif, un sens référentiel et un sens affectif. Le sens commun exprime et suggère l’expression « Musique Sacrée », il correspond au répertoire historique lié à la chrétienté occidentale, est un emblème rempli de symbolisme, dit « grande musique ». Le sens constitutif correspond aux propriétés pouvant se manifester dans l’expression « Musique Sacrée », est emprunt de pureté, beauté et absolu, est une essence artistique remplie de mythisme, dit « musique spirituelle ». Le sens référentiel désigne les propriétés qui éveillent l’état de « Musique sacrée » et ce qui est fonctionnel dans les rassemblements humains, il est un attribut rempli de ritualisme, dit « musique liturgique ». Le sens affectif désigne l’aptitude à éprouver l’état « Musique Sacrée », correspond à la préciosité donnée et prise par les circonstances de la vie, est un qualificatif rempli de sacralisme, dit « musique sublime ».

La « préciosité », notion variable selon ce à quoi elle renvoie, n’en est pas moins une notion commune à tous les hommes, du fait qu’elle contient ce qui a de la valeur, ou lui en est attribué. Cette valeur est relative à ce qui est estimé, utile, rare, fort, etc. pour des raisons morales, intellectuelles, affectives, historiques, idéologiques, politiques, artistiques, symboliques... Elle correspond aussi au numineux, le sentiment sacré dont Rudolf Otto (1860-1937), considéré comme un des maîtres de la pensée religieuse, avec son ouvrage Le sacré, l’élément du non rationnel dans l’idée du divin et de sa relation avec le rationnel, 1917, a développé la notion.

La structure de la thèse comporte deux grandes parties. Une introduction présente le contexte du sujet, comme il est possible d’observer un édifice de l’extérieur, avant d’entrer dedans. L’aspect extérieur reflète quelque chose de la disposition intérieure, avec un arrêt sur « image », dans le récit d’une expérience musicale, un concert-présentation en milieu scolaire. Puis, la première partie met en disposition pour délimiter l’objet de recherche. Elle se base sur des ouvrages qui ont permis de mettre au jour, plus ou moins directement, la problématique du sujet. Des citations de livres ou articles permettent de montrer quels sont les éléments déclencheurs de la réflexion sur le sujet, et les connexions qui sont possibles avec des domaines thématiques apparemment éloignés. Deux chapitres constituent les conditions de cette recherche. Le premier chapitre, est introduit par des références étymologiques sur l’expression « Musique Sacrée ». Il constitue la méthodologie, placée en prolepse explicative de la suite du corps de la recherche, avec les choix, les dispositions d’exploration et d’approfondissement par analyse : les options d’étude et de recueil d’informations deviennent le processus d’impulsion de la recherche. Les repères chronologiques, le déroulement, et les notions abordées précisent les spécificités des choix de la recherche. Et les questions de contenu et contenant de langage permettent de nuancer les variations des dires des enquêtés. Le deuxième chapitre est introduit par les notions de logos et doxa, il développe la construction de l’objet, issue de la question de départ, avec les trois éléments qui composent l’intitulé « Musique Sacrée aujourd’hui ». L’imbrication de « musique », « sacré » et « aujourd’hui » devient le processus englobant la suite, par la référence à ces notions complexes. La musicologie, la sociologie et l’anthropologie, approches complémentaires, permettent l’harmonisation d’utilisations mêlées. Le « fait musical », la « sacralité » et le « contexte contemporain » sont des prismes qui nuancent les représentations sociales et enjeux sociaux de « Musique Sacrée aujourd’hui ». Trois chapitres affinent la problématique dans une définition progressive de l’expression « Musique sacrée ». L’hypothèse se dessine dans le troisième chapitre qui délimite des espaces et des temps, et renvoie au concept musica sacra, en proposant une éthologie musico-anthropologique. Divers points de vue permettent d’observer le cœur du sujet par degrés. L’entité « Musique sacrée » met en regard deux termes en un troisième qui les assemble et les dissocie, l’induction et la déduction appréhendent les images collectives qui sont autour, et mettent en exergue une théorie interprétative symbolique et culturelle. Dans le quatrième chapitre, le temps individuel et/ou collectif est montré comme l’élément commun à l’ordinaire et au propre de chaque situation, introduit par une présentation des états affectifs et festifs. Les perspectives musicales et sacrées circonscrivent l’espace de l’émotionnel des groupements humains. Les questions de musicalisation et sacralisation regroupent le temps seul/avec et privé/commun particulier par regroupement « tribal ». Le sentiment sacré, la religiosité du XXIe siècle et le sens des émotions musicales sont les éléments essentiels qui permettent la mise au jour des représentations sociales et enjeux sociaux de « Musique Sacrée aujourd’hui ». Cela abouti, dans le cinquième chapitre, à montrer la naissance et l’évolution d’un concept musical quasi « éthique » sur cette expression. Le principal aspect de « Musique sacrée » est celui d’un répertoire lié à des normes et prescriptions socio-historiques, édifié autour du contexte occidental de créations artistiques religieuses. Puis, en parallèle, se dégage une ontologie autour de la musique. Elle distingue : sons, bruits, silences dans leurs aspects plus particulièrement « sacrés », selon les dispositions d’attitudes d’écoute et de pratique, l’apprentissage et les dispositions humaines (inné/acquis). Enfin, une question se porte sur ce qui est communiqué à autrui (groupe) des réactions individuelles, par les impressions, expressions et communications qui imprègnent, marquent, rassemblent ou divisent.

La deuxième partie utilise les enquêtes comme support principal vers l’émergence de significations plus précises, qui caractérisent les enjeux sociaux et représentations sociales de « Musique Sacrée aujourd’hui ». Les nombreux extraits d’entretiens permettent la mise en regard des thématiques abordées spontanément par les enquêtés, et celles de la problématique « théorique ». Certains extraits sont courts et d’autres assez longs..., il s’agit de respecter l’émergence plus ou moins rapide et synthétique des idées, et de leur formulation (ce qui n’est pas anodin pour le sens des propos). Deux chapitres présentent la thématique et les attitudes de « consécration ». Le chapitre six se base sur l’approche compréhensive des enquêtes qui, a permis le recueil de notions synonymes, métaphoriques, complémentaires, qualificatives et intrinsèques. S’y trouvent désignées des propriétés et aptitudes requises pour éprouver et définir ce qu’exprime et suggère l’entité « Musique Sacrée aujourd’hui ». La fameuse nuance « religieux »/« sacré », fait que la musique est savante (grande), liturgique, spirituelle ou sublime, selon l’emploi d’expressions ressemblantes qui précisent et nuancent l’actuelle « Musique Sacrée ». Ensuite, le chapitre sept développe ce qui paraît être l’attitude respectueuse, louable et honorable qui est intrinsèquement commune aux diverses représentations sociales, genre d’ethos musical. Une certaine tradition fonde et conserve une sorte de patrimoine protégé, telle une cathédrale émotionnelle souterraine. Une espèce de définition anthropologique de la musique pose la question des notions constitutives et de leurs utilisations, avec les rapports entre : musique/Eglise/sacralité/musiciens. Des significations caractéristiques sont soumises à des variations de détails autour d’un même aspect général de dévotion et dévouement. Elles relativisent « Musique Sacrée » par des attitudes culturelles, cultuelles, ou émotionnelles, avec les rapports aux médiations, médiateurs et médias. D’autres significations, peuvent, par association, prendre la forme des caractéristiques prégnantes de « Musique Sacrée », exprimant ainsi le pluralisme culturel et les hiérarchies d’importance, par imprégnation, et habitus culturels. L’apaisement, le silence, la tranquillité, la méditation et le recueillement sont des termes employés pour décrire l’état intérieur que provoque, ou que nécessite l’écoute liée à « Musique Sacrée ». Le rationnel et l’irrationnel cohabitent dans la musique qui relève autant de l’art que de l’artisanat, par ces savoir faire, savoir transmettre, savoir être, de technique, d’affects et de messages signifiants. Deux chapitres mettent en parallèle les processus de sacralisation ou sanctification avec la musique, dans ce qu’elle représente d’idéal universel de partage transcendant. Le chapitre huit montre que la musique est un possible véhicule vers une communion, de quelle nature qu’elle soit, avec une forme invocatrice ou invocatoire recueillie. Le caractère sacré de l’apprentissage, et de toute « initiation » amène un chemin de perfectibilité à rechercher. Le guide « musique », comme langage symbolique humain et méta-humain peut avoir un sens initiatique, vers une « pureté » perdue (ou jamais eu). Les confidences effectuées en sincérité, grâce à l’exercice des entretiens semi directifs sur « Musique Sacrée aujourd’hui », ont permises d’y trouver des sens communs, constitutifs, référentiels et affectifs. Le donné et le reçu, par, pour, ou avec la musique, récolte et relie (religio), comme une grâce ou une récompense, dans la foi, les convictions et croyances personnelles, plus qu’institutionnelles. L’idéal d’être ensemble, dans la communion, et l’harmonieuse participation associative, vécue ou théorisée, constitue une herméneutique musicale dans le chapitre neuf. La musique est exposée (montrée, orientée et risquée), et parfois consacrée à l’adoration de « fidèles » dans des cultes passionnés, dans l’idolâtrie ou l’amour fervent. Elle est emblème, essence, attribut et qualificatif ostentatoire, dans son acception « sacrée ». Pour les représentations sociales et enjeux sociaux de « Musique sacrée », les attitudes de ritualisme, symbolisme, mythisme et sacralisme posent les questions de sens sur la préciosité de la vie.

Dans la conclusion, se placent les éléments qui résument les « réponses » des enquêtés, et un aperçu global des dimensions de « Musique Sacrée aujourd’hui ». Selon l’hypothèse qu’elle est une expression symbolique mythique, au caractère absolu dans la conception et relatif dans la perception (en forme de cathédrale émotionnelle), il ressort une thèse qui la valide en grande partie. Elle est, par ordre d’importance, une sorte d’emblème symbolique qui suggère et exprime la religiosité (l’attirance pour le religieux, avec ou sans adhésion formelle à une religion précise), puis suggère un patrimoine culturel historique. Elle est liée à un service public liturgia (rite communautaire qui rassemble), revêt des dimensions extrêmes qui en constituent une essence mythique et/ou spirituelle, et peut désigner une aptitude sublime d’affect ou de transcendance. Elle évoque les interrogations sur le divin ou théologie, la thématique de l’inspiration lumineuse, la foi, le sens des croyances inconditionnelles en quelque chose ou quelqu’un, par des attitudes de doute, de confiance ou de certitude. La prière, la pureté et la variabilité du contenu de l’expression viennent en confirmer la flexibilité et la fluidité. Les apports, perspectives et limites, situent alors l’expression « Musique Sacrée » dans la spatio-temporalité, tout en montrant qu’elle s’en détache par antinomie. En effet, elle revêt une charge intemporelle par le fait qu’elle peut rassembler et concentrer de multiples temporalités en un espace, et inversement qu’elle peut réunir plusieurs lieux en un instant (un temps défini et limité).

samedi 8 janvier 2005
9 heures 30
En Sorbonne, amphithéâtre Michelet
Escalier A
46 rue Saint Jacques
Paris 5e

 M. Ryusuke EBINE soutient sa thèse de doctorat :

 Baudelaire et le progrès

 En présence du Jury :

M. COMPAGNON (PARIS IV)
M. DUPONT (NANTES)
M. GUYAUX (PARIS IV)
M. LABARTHE (ZURICH)

Samedi 1 avril 2006
9 heures
Salle 304
Institut de Géographie
191, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 M. Murat ERGINOZ soutient sa thèse de doctorat :

 Bidonvilles et logements sociaux à Istanbul. Le rôle de Kiptas

En présence du Jury :

M. CARMONA (Paris 4)
M. GIRARDON (Amiens)
M. STEINBERG (Paris 12)

Position de thèse

L’urbanisation - un des faits les plus importants des derniers siècles, vécue dès la révolution industrielle dans les pays développés - a gagné en accélération dans les pays en voie de développement, comme la Turquie, après la seconde guerre mondiale. L’urbanisation est l’augmentation du nombre de villes et de la proportion de la population urbaine par rapport à celle du rural. On considère que le niveau de développement d’un pays est en général lié au niveau d’urbanisation.
La croissance naturelle de la population et l’exode rural jouent un rôle important dans l’augmentation de la population urbaine. L’immigration déséquilibrée vers les villes est la raison principale de l’urbanisation malsaine. On peut expliquer ce cas de cette manière : le problème du logement dans les pays développés s’est tapi dans un cercle vicieux à cause de la densification de la population. L’Etat reste obligé de concentrer ses ressources limitées sur des secteurs où l’entrepreneur restera insuffisant. D’autre part, l’augmentation de la population, les développements sociaux et l’urbanisation, accroissent surtout dans les espaces urbains le problème du besoin de logements. Cela nous montre qu’un des plus importants problèmes des pays en voie de développement est le manque de logement.
Dans les années 1950, la Turquie est entrée dans le processus de l’urbanisation rapide par divers facteurs. Les villes qui s’agrandissent à grande vitesse par la population rurale ajoutée à la population urbaine, les possibilités de travail limitées dans le secteur de l’industrie poussent la tendance des immigrés vers le secteur des services non ou peu productifs. Ainsi, les groupes à bas revenus se sont-ils concentrés dans les grandes villes.
Ces groupes à bas revenus, prenant en considération le haut prix des terrains urbains, ont formé des bidonvilles dans les espaces interdits à la construction et qui ne sont pas intégrés à la ville, souffrant du manque de services publics et urbains. Les bidonvilles ont entouré et cerné nos grandes villes. Le fait que ces bâtiments clandestins soient construits sur les terrains qui appartiennent aux autres, sans permission, donne l’impression que le village continue dans la ville. Ainsi, le pourcentage des habitants des bidonvilles dans les quartiers qui entourent les centres des grandes villes arrive jusqu’à 70% de la population urbaine. A la période où la construction des bidonvilles a commencé, le manque d’intérêt des responsables a causé l’accélération de ces constructions.
En conclusion, les gens ont immigré des espaces ruraux vers les villes pour diverses raisons ont mis en évidence la réalité de bidonvilles. Les bidonvilles qui étaient au début un abri innocent et provisoire ont changé leur allure dans le temps. La construction de bidonvilles a été encouragée afin d’avoir un intérêt politique et économique et en plus, les propriétaires ayant un bon revenu par rapport à leur situation rurale ne veulent pas retourner dans leurs villages.
Les zones de bidonvilles ont eu des influences négatives sur le tissu urbain, en plus, la différence du niveau socio-culturel et économique entre les immigrés et les habitants de la ville donne lieu à des problèmes sérieux. Le fait qu’on ne prenne pas de résolutions fondamentales a causé l’extension du problème et la plupart de nos grandes villes sont restées face à face avec cette formation déséquilibrée.
Dans cette étude, on va analyser le bidonville qui devient un problème de jour en jour sérieux en Turquie et à Istanbul, et parallèlement le problème du logement social. Faisant une analyse des aspects physiques, on va également faire une étude analytique des habitants du point de vue socio-culturel et économique. De même, on va mettre l’accent sur l’interaction et les rapports des zones de bidonville avec leur entourage.
Même si on a donné l’importance à la théorie, en utilisant les études de cas, on a essayé de concrétiser. L’étude est formée de cinq parties. On a examiné dans la première partie la situation géographique et le développement historique d’Istanbul. La deuxième partie est consacrée à la structure naturelle d’Istanbul. On a étudié dans la troisième partie la structure socio-économique de la ville. Le problème du logement à Istanbul a été analysé dans la quatrième partie. Dans cette partie, on a approfondi l’étude sur l’usage du sol et les tentatives de planification, l’apparition des bidonvilles, le rayon d’action et les devoirs de la Direction du Logement et des Bidonvilles de la municipalité métropolitaine d’Istanbul, les études sur le logement social pour empêcher le bidonville à Istanbul, le logement social à Istanbul et le rôle de Kiptas. La cinquième partie est consacrée à la conclusion et aux propositions.

Vendredi 10 décembre 2004
14 h 30
Maison de la Recherche
salle D 224
28 rue Serpente
Paris 6e

 M. Antoine GUÉMY soutient sa thèse de doctorat :

 Blanche et la France. L’influence française sur l’oeuvre littéraire, journalistique et politique d’August Blanche, l’écrivain suédois le plus populaire de son temps.
 en présence du Jury :

Mme BOURGUIGNON (NANCY II)
M. BOYER (PARIS IV)
M. MAILLEFER (PARIS IV)
M. RENAUD (CAEN)
Mme SVANE

Vendredi 12 décembre
9 heures 30
Institut océanographique, petit amphithéâtre
195, rue Saint Jacques
Paris 5e

 Mme Evelyne GATINEAU HELBRONN soutient sa thèse de Doctorat :

 Catalogue raisonné des sculptures du XIXe siècle (1800-1914) des musées de Bordeaux

 en présence du JUry :

M. DUFRENE (PARIS X)
M. DUSSOL (PAU)
M. FOUCART (PARIS IV)
M. JOBERT (GRENOBLE II)
Mme PINGEOT

Vendrdi 9 décembre 2005
14 heures
À la Maison de la Recherche
Salle D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Anne LEGRAND soutient sa thèse de doctorat :

 Charles Delaunay (1911-1988) : sa place et son rôle dans l’histoire du jazz en France durant les années 1930 et 1940

En présence du Jury :

Mme Danièle Pistone (Paris 4)
M. Laurent Cugny (Paris 4)
M. Gilles Mouëllic (Rennes 2)
M. Colin Nettelbeck (Melbourne)

Position de thèse

Les thèses de Ludovic Tournès (Le Jazz en France 1944-1963 : Histoire d’une acculturation à l’époque contemporaine) et de Vincent Cotro (Recherches sur le free jazz en France de 1960 à 1975) soutenues respectivement en 1997 et 1996, puis publiées en 1999 chez Fayard et aux éditions Outre Mesure, marquent le début d’un intérêt croissant pour l’histoire du jazz en France et celui d’une floraison de travaux universitaires sur ce sujet. La plupart de ces thèses ou mémoires se réfèrent souvent aux multiples activités de Charles Delaunay : discographe, producteur de disques, collectionneur, secrétaire général du Hot Club de France et président du Hot Club de Paris, rédacteur en chef puis directeur de la revue Jazz Hot, programmateur de concerts, producteur de radio, impresario ainsi qu’historien du jazz. Mais Charles Delaunay n’a pas encore fait l’objet d’une étude approfondie. Il a cependant publié son autobiographie en 1985, un recueil de souvenirs, un témoignage de ce que l’auteur a vécu à différentes époques et qui servira de base à ce travail. La présente thèse se situe d’un point de vue historique et biographique et ses principales sources proviennent des archives sonores, imprimées ou manuscrites léguées en 1979 par Charles Delaunay à la Phonothèque nationale devenue depuis 1997 le département de l’Audiovisuel de la Bibliothèque nationale de France. L’inventaire que j’ai commencé à partir de cette époque de ce changement de nom m’a permis d’avoir accès de façon régulière à cette collection riche de 22 000 disques (dont plusieurs centaines de test-pressings, d’acétates, de V-discs et de disques 40 cm), de 1 100 imprimés et périodiques, d’une centaine de films, et de quatre-vingts boîtes d’archives regroupant des notes discographiques, du courrier administratif de la compagnie de disques Swing ou de la revue Jazz Hot, des revues de presse, des notes biographiques sur Django Reinhardt ou Sidney Bechet, des photographies ou bien encore des affiches, des tracts ou des programmes de concerts. Ces documents de première main, qui n’ont pas été, depuis le décès de Charles Delaunay en 1988, consultés par un regard neuf et neutre, aident à une nouvelle interprétation des différents événements de l’histoire du jazz en France qui ont marqué les années 1930 et 1940.

Une première partie de la thèse est consacrée à l’étude de la première décennie. Alors que le fascisme s’installe en Europe, Charles Delaunay prend la défense du jazz, une musique "libre de préjugés de race, de religion et de frontière, miroir de l’évolution contemporaine" , et pose les bases de ses travaux qui le placeront comme l’un des principaux personnages de l’histoire du jazz en France. À une époque où des régimes totalitaires imposent une culture de masse annihilant tout épanouissement de l’individu, Charles Delaunay se passionne pour ce jeune courant musical se transmettant de façon orale, hors des conservatoires ou de toute académie. Né en 1911 à Paris, et fils des peintres Sonia et Robert Delaunay, Charles rencontre durant son enfance et son adolescence, grâce à ses parents, une grande partie de l’intelligentsia parisienne. Il côtoie André Breton, Tristan Tzara, Paul Klee, Marc Chagall, Serge Diaghilev, des personnalités qui l’éveillent et le sensibilisent à l’art moderne. À l’occasion de la présentation de cet univers et des influences que ces parents ont pu avoir sur lui, nous essayons de déceler les prémices de son amour pour le jazz. Des interviews d’amis de Charles Delaunay l’ayant connu à cette époque, une interview inédite de Charles Delaunay réalisée à la fin des années 1970 par le journaliste François Postif, des témoignages de Delaunay lui-même retrouvés après le dépouillement de sa collection de périodiques enrichissent ce récit. Sa passion pour la musique de jazz permet à Charles Delaunay de révéler sa personnalité dans un domaine artistique différent de celui de ses parents. Dans un deuxième chapitre, nous nous attachons à situer ses premiers contacts avec le monde du jazz, ses premiers concerts et ses premiers articles ainsi qu’à présenter les rapports qu’il entretient avec les différents acteurs de cette musique. En 1933, Charles Delaunay rencontre des passionnés qui viennent de fonder le Hot Club de France, une association pour la défense du jazz. Il s’investit dans les activités de l’association en participant à la préparation des concerts et à la rédaction des articles puis en s’occupant des échanges et recherches de disques, avant d’en devenir le secrétaire général en 1938. Les archives de Pierre Nourry, premier secrétaire général de l’association, retrouvées au domicile de sa fille Anne et comprenant notamment l’importante correspondance du président, Hugues Panassié, jusqu’à aujourd’hui inexploitées, permettent d’affiner l’histoire de cette association, et de développer dans un troisième chapitre l’importance de ses grandes réalisations sous l’impulsion de Charles Delaunay et de Pierre Nourry. En 1935, les responsables de l’association fondent une nouvelle revue vouée au jazz, Jazz Hot. Bilingue, en français et en anglais, elle rivalise avec d’autres journaux anglophones ou européens consacrés à ce jeune courant musical et à la musique populaire. Même si la périodicité est irrégulière jusqu’à son interruption de parution pendant l’Occupation, les fondateurs de Jazz Hot peuvent se féliciter d’être les premiers à faire vivre pendant cinq années un magazine spécialisé uniquement dans le jazz et d’avoir fédéré des journalistes bénévoles du monde entier. Charles Delaunay publie en 1936 la Hot Discography, un répertoire des 78 tours de jazz intitulé, pour la première fois, "discographie". Cet ouvrage sera mis à jour par Charles Delaunay jusqu’au début des années 1950 et impose les règles indispensables à la bonne tenue d’un discographie, devenue un outil scientifique nécessaire à l’étude d’un musicien ou d’un courant musical. Delaunay devient le père de la discographie qui confère au jazz une notoriété et une reconnaissance égales à celles du baroque et du romantisme. Nous détaillons, grâce aux catalogues de disques et à différents imprimés de sa collection, les moyens utilisés par le discographe pour la préparation (identification de musiciens ou recherche de dates d’enregistrement) puis l’édition de sa Hot Discography. Dès la prise de ses fonctions de secrétaire général du Hot Club de France, Pierre Nourry cherche a créer un orchestre représentant l’association que Charles Delaunay continuera à promouvoir. Nourry a trouvé avec le guitariste Django Reinhardt et le violoniste Stéphane Grappelli les leaders d’une formation de jazz originale, le Quintette du Hot Club de France, composée uniquement d’instruments à cordes puisqu’elle est complétée par deux autres guitaristes et un contrebassiste. La découverte du film de Henri Diamant-Berger, Clair de Lune tourné durant le printemps 1932 comme les articles parus dans la presse de l’époque apportent des précisions sur la création de cet ensemble instrumental et la biographie de ses protagonistes. Le meilleur moyen, pour faire connaître le Quintette et d’autres musiciens français ou américains animant les concerts organisés par l’association, est de posséder sa propre marque de disques. Ce projet de Pierre Nourry sera concrétisé en 1937 par Charles Delaunay qui crée, en associant Hugues Panassié comme directeur artistique, la compagnie Swing, première firme au monde à enregistrer uniquement des disques de jazz.

L’invasion allemande va suspendre toutes ces activités et la deuxième partie de la thèse est consacrée aux années 1940 troublées par la Seconde Guerre mondiale. Après onze mois de mobilisation puis l’exode, et malgré l’Occupation, Charles Delaunay, désireux de continuer à faire connaître la musique de jazz, revient à Paris et reprend l’organisation de concerts dans des grandes salles de la capitale comme la Salle Pleyel ainsi que les séances d’enregistrement pour la marque Swing. Depuis 1938, le siège de l’association Hot Club de France se situe dans un pavillon de la rue Chaptal dans le IXe arrondissement. Charles Delaunay y met à la disposition des adhérents sa discothèque, sa bibliothèque, des spécialistes proposant des conférences ou des cours et une salle de répétition. Il veille à ce que ce véritable petit conservatoire reste ouvert pendant l’Occupation. Le secrétaire du Hot Club assure également la pérennité de Jazz Hot sous la forme d’un bulletin inséré dans les programmes de concerts puis sous celle d’une circulaire. Charles Delaunay décide également de s’engager dans la lutte contre l’occupant en travaillant d’abord pour le réseau Carte d’André Girard et ensuite pour le réseau Prosper de Francis Suttill, agent anglais de la section française du service secret britannique, le S.O.E (Special Operations Executive). Les précieux témoignages de Jacques Bureau et de Pearl Cornioley, le récit écrit par Agnès Ripaud et laissé à sa fille Thérèse, ainsi que le dossier "André Girard" jusqu’en 2004 classé secret éclaircissent les activités de Charles Delaunay pendant la Seconde Guerre mondiale. À la Libération, le siège du Hot Club de France devient un lieu de ralliement de tous les G.I’s qui profitent de leur passage dans la capitale pour faire connaissance avec Charles Delaunay dont la notoriété est devenue internationale, grâce notamment à son travail discographique. Le dernier chapitre s’intéresse à l’époque de l’après-guerre. La pénurie de papier étant terminée, Jazz Hot peut reprendre sa parution sous forme de magazine. Charles Delaunay s’occupe toujours de la publication du magazine mensuel et rassemble de jeunes journalistes comme André Hodeir et Boris Vian au sein d’une nouvelle équipe rédactionnelle, tandis que le président du Hot Club de France réside en Aveyron depuis 1933. La France sous l’Occupation n’a pas suivi l’évolution musicale qui s’est opérée aux États-Unis pendant la guerre. Un nouveau courant, le be bop, apparaît, à la surprise de tous les fans français de jazz qui sont encore imprégnés de la musique de Louis Armstrong et des maîtres des années 1930. D’importantes querelles séparent Hugues Panassié de Charles Delaunay. Celui-ci prend la défense du be bop et, en 1947, il est évincé du Hot Club de France par Hugues Panassié. Delaunay rompt toute relation avec cette association, garde son poste de président du Hot Club de Paris, le pavillon de la rue Chaptal et la revue Jazz Hot. Désormais, les amateurs devront choisir leur camp entre ces deux chefs de file. Charles Delaunay s’occupe toujours de la marque Swing. Au mois de septembre 1946, il supervise à New York de nouvelles séances d’enregistrement avec des musiciens be bop comme le batteur Kenny Clarke et le pianiste Bud Powell. Il projette de créer une filiale de Swing aux États-Unis mais la compagnie Pathé Marconi, dont Swing dépend, ne suit pas ce projet. En 1948, Delaunay résilie son contrat avec Pathé Marconi et fonde avec Léon Cabat la compagnie de disques Vogue.

En analysant les différents matériaux, archives privées et publiques, en consultant les ouvrages spécialisés ou en dépouillant la presse de cette époque, on constate que d’autres personnalités ont contribué à l’élaboration de l’histoire du jazz en France mais que celle de Charles Delaunay demeure centrale par la création de Jazz Hot, de Swing, de la Hot Discography ou bien encore du Hot Club de Paris. Son incroyable puissance de travail lui a permis de donner un nouveau souffle au jazz d’après-guerre, isolé par le manque d’échanges avec les États-Unis pendant l’Occupation, et de multiplier ensuite les contacts avec les pays européens comme la Belgique et la Suisse mais aussi avec les pays asiatiques. Seules les vingt premières années d’intense activité de Charles Delaunay sont approfondies par cette étude, laissant à d’autres le soin de creuser davantage de nouveaux sujets comme l’histoire de la compagnie Vogue. Toutes sa vie, Charles Delaunay a laissé sa collection à la disposition des amateurs ou des professionnels du jazz au siège de la revue Jazz Hot ou à son domicile personnel. En faisant don de ses archives à la Bibliothèque nationale de France, il a voulu une dernière fois rendre ce patrimoine accessible à tous les chercheurs.

Samedi 26 juin 2004
9 h
Amphi Quinet
46 rue Saint Jacques
Paris 5e

 M. Emmanuel COQUERY soutient sa thèse de doctorat :

 Charles Errard, ou l’ambition du décor

 en présence du Jury :

Mme GRIVEL (RENNES II)
M. MICHEL (Lausanne)
M. MIGNOT (PARIS IV)
M. MÉROT (PARIS IV)
M. SCHNAPPER (PARIS IV)

Jeudi 20 novembre 2005
9 heures 30
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Isabelle MAYER MICHALON soutient sa thèse de doctorat :

 Charles Meynier, peintre d’histoire (1763-1832). Biographie et catalogue raisonné de l’oeuvre

En présence du Jury :

M. FOUCART (Paris 4)
M. BORDES (Lyon 2)
M. DARRAGON (Paris 1)
M. CUZIN
M. JOBERT (Paris 4)

Vendredi 18 novembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Isabelle LODDE soutient sa thèse de doctorat :

 Charles-Philippe Larivière : sa vie, son oeuvre (1798-1876)

En présence du Jury :

M. FOUCART (Paris 4)
M. DARRAGON (Paris 1)
M. JOBERT (Paris 4)
MME PELTRE (Strasbourg 2)
M. PINETTE
M. ROBICHON (Ille 3)

Résumés

Charles Philippe Larivière, élève de Girodet-Trioson, fut le Grand prix de Rome de 1824. Séjournant à Rome entre 1824 et 1830, il se nourrit de la grande tradition picturale auprès des maîtres. Pendant sa formation, il avait côtoyé la jeune école romantique et apprécié leur audace artistique. Charles Larivière garda une position médiane, entre l’école classique et l’école romantique. Cet art mesuré lui valut des commandes tout au long de sa carrière officielle, autant sous la Monarchie de Juillet que sous l’Empire. Il peignit notamment au Musée historique de Versailles dans la Galerie des batailles, décora une chapelle à Saint-Eustache, fit des cartons de vitraux pour la chapelle Saint-Louis de Dreux. De plus, il resta sous l’influence des grands peintres, notamment ses maîtres, Girodet et Gros, mais aussi de ceux qu’il fréquenta. Le legs du fonds d’atelier de Larivière au musée de Picardie par ses héritiers, les Maignan, permit la redécouverte de son corpus d’œuvre, ainsi que celles de Charles Lepeintre, peintre officiel de Joseph d’Orléans, d’Eugène Larivière, frère de Charles Philippe et d’Albert Maignan.

Charles Philippe Larivière was a pupil of Girodet-Trioson and the winner of the Grand prix de Rome. In Roma between 1824 and 1830, he improves his art by copiing the old masters. When he was youg, he knows the romantic school and like her freedom of maniers. Charles Larivière keep a median line between the classic school and the romantic school. That why, he receives a lot of woks, under the Monarchy of July and the Second Empire. Il painted at the Musée historique de Versailles in the Galerie des batailles and in the Saint-Eustache Church’s in Paris. He made some works for the Saint-Louis Church’at Dreux. Il was greatly influenced by his teachers, like Girodet-Trison and his friend, like Horace Vernet and Schnetz. His works base was leaving at the Musée de Picardie by his children, M. and Mrs Maignan. By this studiing, we could found the works of Charles Larivière, and Charles Lepeintre, painter of Joseph d’Orléans, and Eugène Larivière and Albert Maignan.

Position de thèse

Un nom demeure important dans celui de l’histoire de la peinture du XIXe siècle : Charles Philippe Larivière. En effet, celui-ci reçut le grand Prix de Rome de 1824 et il eut par la suite de nombreuses commandes tout au long du siècle. Pourtant, l’historiographie n’a pas laissé un souvenir à la hauteur de sa réputation. Les auteurs de dictionnaires ne lui ont consacré que quelques lignes bien maigres en comparaison de ses nombreux travaux. Dans un dictionnaire de 1858, Théodore Pelloquet écrit : « M. Larivière en somme est un homme de talent, mais d’un talent un peu vulgaire. Naturellement chevalier de la Légion d’Honneur » . La rudesse de l’appréciation et le peu d’intérêt montré envers la peinture de Larivière masquent son importance, car ce dernier n’est nullement un inconnu pour les spécialistes. Elève de Girodet-Trioson, il est l’unique élève du maître à avoir reçu le Grand prix de Rome et à séjourner en Italie pendant cinq ans. Cette distinction soulignait déjà sa place dans l’histoire de l’art de son temps. Larivière a énormément peint et sa présence se remarque à deux niveaux, dans l’espace et dans le temps. Nombre de conservateurs connaissent de nom notre artiste car beaucoup de ses tableaux sont conservés dans les musées. D’abord, très présent au château de Versailles, dans la Galerie des batailles, mais aussi par ses nombreux portraits de militaires, il figure à plusieurs reprises dans la chapelle royale de Dreux. Larivière demeure une personnalité « locale » particulièrement à Amiens dont le musée de Picardie conserve le fonds d’atelier. Très riche, il contient notamment les dessins et œuvres préparatoires permettaient de reconstituer la genèse de grands tableaux dans la Galerie des batailles ou à Dreux. Pourtant au moment de la constitution du catalogue raisonné qui comporte 509 numéros (volume II), nous fûmes confrontée à la difficulté d’établir le catalogue et plus spécialement au problème d’attribution car une grande partie de la famille de Larivière dessinait ou peignait. Le grand père de Larivière, Charles Lepeintre avait été lui aussi peintre, de même que son père, André Larivière ; son jeune frère fut élève avec lui à l’Ecole des beaux-arts, son oncle Emile Lepeintre pratiqua la miniature, et le gendre de Larivière, Albert Maignan fut lui aussi peintre. L’absence d’étude sur ces auteurs compliquait la tâche et bien que le style de Larivière fut très différent de celui d’Albert Maignan, des confusions avaient été faites lors de l’établissement d’un embryon d’inventaire au musée à l’époque du legs ; ce dernier se fit en différentes étapes ce qui ne manqua pas de multiplier les erreurs. Ils avaient tous les deux séjournés en Italie et la modernité de certains paysages poussait à les authentifier comme étant de la main de Maignan. Les attributions les plus délicates furent celles à faire sur les dessins de jeunesse entre Charles Philippe et Louis Eugène. Ce dernier s’avérait être un excellent artiste comme en témoigne le portrait de sa jeune sœur Paméla exposé au Louvre. L’histoire de ce legs constitua l’un des axes de cette thèse ; grâce à ce fonds important, il fut possible de reconstituer un aspect de la formation du musée de Picardie ainsi que d’établir la chronologie de la famille Maignan-Larivière.

De plus, notre compréhension de Larivière s’enrichit d’une donnée ignorée jusqu’alors, la découverte de boîtes d’archives conservées au musée que nous n’avions pas encore exploitées. En effet, les œuvres n’étaient plus muettes, la famille Maignan-Larivière avait soigneusement rassemblé des archives et des notes diverses concernant les Larivière, les Lepeintre et la carrière d’Albert Maignan. Malheureusement nous avons quelques fois affaire à des archives de seconde main, des notes recopiées, douteuses et qui sont à considérer avec une grande prudence. C’est surtout Mme Maignan, la fille de Larivière, qui en est l’auteur et elle a parfois noté, certainement aidée de sa mère qui est morte très âgée, des noms de personnes que fréquentait son père, dressé la liste de ses œuvres. Elle raconte d’ailleurs sa démarche dans un petit cahier intitulé « Notes » et se fait l’historienne de sa famille. Certaines anecdotes proviennent de la tradition familiale et sont teintées d’un embellissement inévitable, comme il existe dans toutes les familles des histoires racontées de génération en génération et à chaque fois un peu modifiées... Ces souvenirs furent pour nous d’un grand intérêt tellement il est rare d’entrer dans l’intimité familiale d’un peintre. Cependant, Mme Maignan demeure le premier biographe de Charles Larivière et sa démarche dans l’ensemble est sérieuse. Elle s’appuie sur des notes qu’avait commencé à rédiger Albert Maignan à partir de documents officiels restés dans la famille. Néanmoins, ce cahier regorge de renseignements qui nous servirent à établir la biographie de Larivière. La seconde source très importante retrouvée dans ce fonds fut la correspondance de Larivière ou du moins une partie. Elle comporte quelques lettres datant de la jeunesse du peintre, une lettre de Girodet son maître par exemple, et surtout celles que Larivière écrivit à son père pendant son séjour en Italie et ainsi que d’autres écrites plus tardivement. Notre seul regret fut que la correspondance italienne n’était pas manuscrite et avait été tapée à la machine. Cette retranscription comporte beaucoup de fautes, notamment dans certains noms de localités italiennes, ou dans les noms propres qu’il ne fut pas toujours facile d’identifier. Ces lettres furent des archives indispensables à la connaissance de Larivière : il prenait vie, il s’exprimait sur son époque, ses camarades à la Villa, et surtout, par ses descriptions (et ses silences aussi), nous pouvions évoquer ses préférences et ses goûts artistiques. Elles nous permettaient ainsi de cerner la psychologie du peintre, ses aspirations et donnaient une vitalité à la biographie de Larivière qui sans cela aurait été assez sèche. Ces archives (la correspondance et le journal de Mme Maignan, sont publiées dans le second volume de notre thèse. La richesse de cet ensemble était remarquable, et au-delà d’œuvres préparatoires à de grands tableaux connus, certains étaient restés dans l’intimité familiale. Cette double « destination » permit de constater rapidement que Larivière s’avérait être un peintre très intéressant, très au fait de ce que faisaient ses camarades paysagistes en Italie en même temps que lui...L’image du peintre officiel donnée par les quelques auteurs de dictionnaires commençait à se fissurer et un autre Larivière apparaissait, plus complexe. Très bon étudiant à l’Ecole des beaux-arts, il se distingue de ses contemporains en obtenant le prix de Rome de peinture de 1824. Il fut le seul élève de Girodet à être primé à ce concours et il devient réellement un maître à son retour d’Italie, cinq ans plus tard. Ces années de formation, à Paris puis ensuite à Rome, seront étudiées successivement et nous essayerons de voir dans quelle mesure Larivière se révéla un élève resté sous l’inspiration de ses maîtres. A son retour de Rome, devenu peintre officiel, il recut de nombreuses commandes, autant sous le Régime de Juillet que pendant le Second Empire. Sa carrière officielle sera définie autour deux axes. Premièrement, Larivière fit particulièrement des portraits, d’apparat pour la Galerie des maréchaux au Palais des Tuileries et au château de Versailles, et historiés à sujet religieux dans les chapelles Saint-Louis de Dreux et du Sacré-Cœur à Saint-Eustache à Paris. Deuxièmement, il exécuta des tableaux de batailles réalisés pour le Musée historique du roi Louis-Philippe à Versailles. Cette forte sollicitation ne fut point doublée d’une reconnaissance au sein des institutions artistiques. Il ne fut jamais élu à l’Institut, ni professeur à l’Ecole des beaux-arts. De plus, cette discrétion se remarque parmi ses contemporains, les consultations de correspondance d’artistes plus en vue comme Horace Vernet, Schnetz ou Ingres se sont avérées muettes. L’art de Larivière correspond bien à l’homme qu’il fut. De plus, son prix de Rome de 1824 va à l’encontre du préjugé répandu selon lequel un artiste officiel fera de la mauvaise peinture. Larivière fait preuve d’un réel métier et l’Etat lui fit confiance en lui commandant de nombreuses œuvres pour orner ses bâtiments. Cependant, il ne fut pas l’artiste d’un seul régime, celui de la Monarchie de Juillet sous lequel il bénéficia de nombreux travaux et auquel il était relié par une certaine tradition familiale. Le Second Empire lui fit exécuter encore des œuvres importantes notamment des cartons de tapisseries pour la Galerie d’Apollon du Louvre ou la chapelle du Sacré Cœur à Saint-Eustache. Son âge déjà avancé ne lui porta pas préjudice et il représentait une valeur sûre. Cette thèse permit de redéfinir la place de Charles Philippe Larivière dans son contexte artistico-politique. D’abord, il demeure singulièrement absent de certaines fonctions auxquelles son prix de Rome le destinait tout naturellement. Il ne fut ni professeur à l’Ecole des beaux-arts, ni élu à l’Académie des beaux-arts malgré ses nombreuses candidatures. Cependant ces deux institutions n’ont pas le monopole des jurys et il en existe d’autres ouverts à des artistes non officiellement reconnus comme ceux des salons. Grâce à la réforme de 1863 et à la modification du mode de recrutement des membres du jury du prix de Rome, Larivière put en faire partie chaque année. De plus, elle avait permis l’accès aux jurys des concours semestriels de l’Ecole des beaux-arts à des artistes indépendants ; Larivière commence ainsi à être actif très tardivement alors qu’il était déjà assez âgé et qu’il ne bénéficiait plus de commandes officielles. Il ne tomba nullement dans l’oubli que l’on prédit parfois trop rapidement aux anciens pensionnaires de la Villa Médicis. Deux raisons peuvent expliquer ce phénomène. Premièrement, Larivière avait un lien privilégié avec les Orléans par une tradition familiale qui remontait à son grand-père Charles Lepeintre et le roi ne pouvait oublier le petit-fils d’un peintre protégé par son père Philippe Egalité. Lorsque Larivière écrivait à son père dans une lettre du 23 juillet 1843 : « J’ai vu hier le Roi il est venu au Louvre, il a été comme de coutume fort aimable et m’a fait part de sa satisfaction sur les vitraux de Dreux qui sont en place », il manifeste la réalité d’une certaine familiarité établie entre les deux personnes. Deuxièmement, son échec à l’Institut peut s’expliquer par son caractère peu combattant. En effet, il nous a semblé être un homme discret et même s’il se pavane auprès de son père dans ses lettres envoyées pendant sa jeunesse, il n’en demeure pas moins qu’il n’est pas un mondain comme l’avait été Delacroix. Or, étant donné que ce genre d’élection se joue essentiellement sur des alliances entre personnes consentantes, ou sur des réseaux amicaux, Larivière ne pouvait qu’échouer. Charles Philippe Larivière représente le type même de l’artiste curieux qui, au gré de sa carrière, s’est inspiré de la manière d’autres artistes sans pour autant affirmer un style propre à lui-même. Polymorphe, Larivière fut l’homme de toutes les influences se nourrissant des initiatives artistiques de ceux qui l’entourent. Pendant ses années de formation à Paris, il puisa chez son maître Girodet-Trioson ; les qualités modestes de pédagogue de ce dernier furent heureusement supplées par celles de Gros, plus habile. Larivière fut sensible au coloris de ce nouveau Véronèse du XIXe siècle que symbolisait Gros. Puis, grâce à ses cinq ans de pensionnat à l’Académie de France à Rome, il découvrit un pays cher aux artistes. Dans ce pays natal de la peinture, il découvrit les chefs-d’œuvre des grands maîtres et il exprima sa préférence pour les coloristes de la peinture vénitienne du XVIIe siècle. Il apprécia la poésie de ses paysages. Il eut maintes occasions pour représenter la campagne romaine en pratiquant la peinture de plein air à l’instar d’un paysagiste tel Camille Corot avec lequel il voyagea. De plus, peintre d’histoire, il fut attiré par le classicisme des monuments antiques autant que par ceux du Moyen Age que la jeune génération romantique redécouvrait. Bien sûr, comme ses nombreux camarades pensionnaires de la Villa, il s’adonna à la peinture de genre, à l’instar de Victor Schnetz, en profitant de la richesse de sujet qu’offrait le Romain, véritable icône de l’Italie antique et si pittoresque dans ses traditions et sa physionomie. Cette curiosité du peintre voyageur fut identique à celle qu’il manifesta vingt ans plus tard lors d’un court séjour en Algérie avec Le portrait d’Aicha qui fait immédiatement référence à Delacroix. Ce dernier, et le mouvement romantique qu’il incarne, jouèrent un rôle important pendant les années de formation de Larivière. En effet, celui-ci était encore un jeune artiste à la recherche d’un style au moment où Géricault exposait Le radeau de la Méduse au Salon de 1819 et Delacroix faisait de même avec La barque de Dante au Salon de 1822. Le succès éclatant de cette nouvelle manière se révéla au Salon de 1824 et Larivière manifesta, comme de nombreux élèves de l’Ecole des beaux-arts son goût pour la couleur notamment dans La mort d’Alcibiade. Cependant, sa réussite au prix de Rome cette même année l’éloigna de Paris et du Salon où tout se jouait. Tout annonçait une orientation de carrière vers cette école romantique. Larivière accédait au sommet de la réussite académique par cette distinction qu’il méritait à force de travail et de volonté. Ses lettres écrites à ses proches pendant son séjour sont criantes de vérité quant à son hésitation et quant à sa recherche d’un style. Larivière se sentait tiraillé. Devait-il préférer une peinture plus classique comme ses maîtres lui avaient enseigné à l’Ecole des beaux-arts dans la lignée de David, valeur sûre d’un bon métier ? Il restait contraint par un certain immobilisme, représentant des sujets tirés de l’antiquité classique où dominaient des couleurs d’un ton éclatant, une composition héritée des maîtres, solide et mesurée...Ou bien, devait-il suivre ces novateurs, jeunes comme lui, qui osaient sacrifier la tradition picturale davidienne en faisant un peinture plus impétueuse où de nouveaux sujets étaient traités, plus banals mais qui étaient magnifiés par la couleur ? De plus, au delà d’un choix esthétique, il avait compris que l’enjeu résidait surtout dans le fait de « plaire au public » au Salon et cela dans une stricte stratégie commerciale. Cette dualité esthétique se manifeste très clairement dans sa correspondance où il montre son goût du monument antique à Rome, qu’il peint à de nombreuses reprises et en même temps, il est sensible aux cathédrales du Moyen Age. Quant à ses références picturales, il apprécie les maîtres de l’Ecole vénitienne ou d’autres moins connus comme Cigoli, dans sa copie pour l’envoi de quatrième année, au détriment de Raphaël pourtant le modèle de l’école classique. Ainsi, La peste à Rome sous le pape Nicolas V demeure le testament romain dans lequel Larivière ose se démarquer des habituels tableaux envoyés de Rome par les pensionnaires. Larivière se montre à l’image de ce que sera son art plus tard : modéré. En effet, il sut se montrer audacieux en choisissant un sujet du Moyen Age, en montrant des morceaux dignes des corps du Radeau de la Méduse, mais il n’en oublie par pour autant d’être traditionnel dans sa composition ou dans sa manière de peindre. Il évita les « tics de l’Ecole du Laid », sans prendre parti, et il fit un tableau susceptible de plaire autant aux classiques qu’aux romantiques. Larivière préféra la modération et ainsi il fut de même pour le restant de sa carrière. Là réside finalement son originalité et son absence marquée d’un style spécifique en fait sa force car il ne peut déplaire. Il respecte les attentes que l’on peut avoir d’un peintre officiel et ainsi l’Etat lui fait confiance. Il sait qu’il fera de la bonne peinture et cela explique le rythme constant des commandes officielles dont il fit l’objet tout au long de sa carrière. Ses tableaux sont d’un style hors du temps et ainsi il est capable d’avoir une activité variée, peignant aussi bien de simples portraits de maréchaux pour Versailles que des compositions historiques plus ambitieuses pour la Galerie des batailles ou des cartons de tapisseries. Cette constance dans son style et l’absence d’originalité expliquent le désintérêt de la critique toujours à la recherche de la nouveauté ou de l’audace. De plus, Larivière se marginalise à cause de la difficulté dès qu’il s’agit de le classer stylistiquement et il oblige à remettre en cause les divisions traditionnelles admises comme le romantisme ou le classicisme. Cette invention de la notion de juste milieu fausse le débat en regroupant de nombreux artistes qui à l’instar de Larivière sont très délicats à caractériser. A ses côtés pourraient se placer Horace Vernet, Victor Schnetz ou encore de nombreux peintres présents au Musée historique de Versailles tels Debaq, Serrur, Franque, Féron. De plus, la vision que l’on pourrait avoir de leur style est obstruée par les débats esthétiques de l’époque ; ainsi, l’opposition systématique entre une école classique et romantique présuppose que les artistes prennent parti. Or, pour toute époque au XIXe siècle comme au XVIIe siècle, il existe des partisans d’un art modéré, notamment dans la querelle du coloris, regroupant des peintres s’inspirant des deux courants mais qui ne forment pas pour autant à eux seuls une école « juste milieu ».

Vendredi 14 janvier 2005
14 h
En Sorbonne, salle Louis Liard
Rectorat, 17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Nicolas NELSON soutient sa thèse de doctorat

 Charmes et bénédictions, reflets de l’univers mental du monde médiéval. Etude du corpus germanique

 En présence du Jury :

M. BERLIOZ (CNRS)
M. GRAMBO (OSLO)
M. LECOUTEUX (PARIS IV)
M. WALTER (GRENOBLE III)

Lundi 20 juin 2005
14 heures
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Hélène JEAN soutient sa thèse de doctorat :

 Chemin de fer (MOB) et organisation régionale en moyenne montagne suisse : Pays-d’en-Haut et Haute Sarine

En présence du Jury :

M. CLAVAL (Paris 4)
M. AUPHAN (Paris 4)
M. KNAFOU (Paris 7)
MME LÜTHI-GRAF
M. PIVETEAU (Fribourg)

Vendredi 1er décembre 2006
14 heures
A Malesherbes, Amphithéâtre 111
108, Bd malesherbes 75017 Paris

 Mme Nathalie PINJON BROWN soutient sa thèse de Doctorat :

 Choc et échange épidémiologique : Espagnols et Indiens au Mexique

 En présence du Jury :

Mme BERNARD (PARIS 10)
Mme BÉNAT-TACHOT (U MARN VAL)
M. CLEMENT (PARIS 4)
M. DUVIOLS (PARIS 4)
M. FROMENT (MUSEE)

 Résumés :

La découverte de l’Amérique signifia la rencontre puis le mélange de deux mondes biologiques différents, ancien et nouveau. Cet échange épidémiologique conduisit à la disparition de la quasi-totalité des populations du Mexique central en à peine un siècle. Ce heurt entraîna une expansion rapide et une hégémonie militaire et économique des Espagnols et mena également à la ruine des structures sociales et religieuses indigènes. Les Mexicas connaissaient la maladie et les moyens de lutte contre d’éventuelles épidémies mais ils n’avaient jamais auparavant fait l’expérience des terribles pathologies européennes apportées par les Espagnols vagues après vagues. De 1520 à 1596, les épidémies affaiblirent considérablement la résistance des Indiens face à la domination extérieure. Ces échanges furent néanmoins bilatéraux : les Espagnols traversèrent eux aussi une période certes brève mais funeste à leur arrivée dans le Nouveau Monde. En outre il semblerait, d’après les contemporains espagnols, que cette découverte ait coïncidé avec sinon engendré la terrible épidémie de « syphilis » dans l’Europe du temps.

Epidemiological shock and its aftermath : The Spanish and Indians in Mexico (1520 - 1596) The discovery of America is synonymous with the encounter and eventually the intermingling of two biologically different worlds. Within the span of a century, such epidemiological exchanges led to the demise of almost all the populations living in Central Mexico. This facilitated both the rapid expansion of Spain’s military and economic hegemony and the ruin of indigenous social and religious structures. Prior to the landing of the Spanish, the Mexicas had experienced diseases and had even devised ways of combatting them but they had never been confronted with the deadly pathologies brought over from Europe which came in wave after wave. From 1520 to 1596, the epidemics considerably weakened the resistance of the Indians to outside ingerence. The epidemiological exchange was reciprocal for the Spanish expedition parties also experienced violent though brief periods of sickness and disease. In addition, numerous Spanish chroniclers related that the discovery of the New World coincided with, if not to say caused, the outbreak of syphilis in Europe itself.

 Position de thèse :

Les civilisations précolombiennes vécurent pendant des millénaires isolées du reste du monde tandis que les autres sociétés, en Afrique, en Asie et en Europe connaissaient, malgré les distances, le jeu des diffusions culturelles et des influences réciproques. Lorsque les Espagnols découvrirent en Amérique une humanité autre, leur stupéfaction fut intense. Or ce heurt, au XVIème siècle, de deux mondes radicalement étrangers coïncide aussi avec la rencontre de deux mondes biologiques différents. Dans la société amérindienne l’évolution du rapport entre les pathogènes et les hommes a suivi des voies totalement indépendantes de celles de l’Ancien Monde. Les mutations, les changements écologiques et les migrations ont pu entraîner des épidémies telles que la Peste Noire en Europe. En Amérique, une certaine stabilité écologique tendait à créer un équilibre et une tolérance mutuelle entre les hôtes humains et les parasites. Certes, les documents anciens attestent de l’existence de maladies fatales sur le sol du Nouveau Monde bien avant l’arrivée des conquistadores et ses habitants mouraient d’infections diverses. L’arrivée de Christophe Colomb dans le Nouveau Monde a entraîné l’une des catastrophes démographiques les plus graves. La Conquête signifia l’afflux régulier d’hommes, de femmes et d’adolescents de l’Ancien Monde, qui provoquera de nouvelles et persistantes ondes de choc parmi les populations indigènes. Les Indiens d’Amérique ont eu le dangereux privilège de bénéficier de la plus longue isolation du reste du monde. Génération après génération, les Indiens ont vécu, ont été élevés et sont morts sans aucun contact extraaméricain, développant alors des cultures qui leur étaient propre, ainsi qu’une tolérance pathologique limitée aux maladies « américaines ». Lorsque Christophe Colomb mit fin à l’isolation des Amériques mettant en contact les deux continents, il cassa cet équilibre. Les Indiens furent victimes d’un ennemi invisible que les Espagnols transportaient dans leur souffle et dans leur sang. L’ « invasion » de l’Amérique par les Européens ne fut donc pas seulement humaine : les hommes véhiculèrent avec eux des parasites, des bactéries et des virus auxquels les indigènes, extrêmement vulnérables à ces « nouveaux » organismes pathogènes, succombèrent en masse faute de défenses immunologiques adéquates. Les maladies déjà mortelles dans le Vieux Monde furent d’autant plus fatales dans le Nouveau, en outre, les maladies bénignes du Vieux Continent, comme les maladies infantiles devenues banales en Europe, devinrent mortelles dans le Nouveau Monde. Il existe en effet une réelle différence entre une épidémie d’une maladie connue au sein d’une population déjà accoutumée et les ravages causés par la même maladie lorsqu’elle s’attaque à une communauté dépourvue d’immunité contre elle. Cette destruction impitoyable se produisit des milliers de fois à partir du XVIème siècle à chaque fois qu’un habitant du Nouveau Monde entrait en contact avec un Européen ou avec un autre Indien malade. La principale conséquence de l’expansion européenne fut le déclenchement d’une série d’épidémies mortelles. La contagion a commencé dans différentes régions de l’Amérique, puis s’est répandue largement à de nombreuses autres régions. Les microbes ont sans doute été les acteurs les moins connus mais aussi les plus importants de l’histoire du Mexique central depuis la Conquête. Les maladies européennes apportées par les Espagnols ont marqué les grands événements de l’histoire de la région et aussi la vie quotidienne de ses populations. Curieusement l’événement que constituent les épidémies à travers le temps et sa réponse sociale est une phase peu connue de l’histoire des Mexicas. L’étude de ces facteurs épidémiologiques et leur influence sur l’évolution de l’organisation politique, économique, sociale et culturelle de cet empire est d’un intérêt extraordinaire. Le récit de la relation entre l’histoire sociale et biologique des Mexicas sur le plateau central soulève de nombreux points d’interrogation aux historiens de l’Amérique espagnole coloniale. Parmi ces interrogations, la question centrale demeure celle des conséquences de cette collision biologique entre deux cultures si différentes l’une de l’autre. Il est donc nécessaire de repenser, à travers les documents historiques qui nous sont parvenus, les arguments sur le rôle de la maladie dans la culture et la modification des comportements chez les Mexicas. Cette étude n’est donc pas à une histoire des épidémies ni un enregistrement fidèle d’un passé réel mais une analyse de l’image projetée par les témoins du XVIème siècle des événements épidémiologiques et de leurs effets. Car loin de représenter uniquement une catastrophe démographique dramatique, les épidémies ont marqué et modifié profondément et à jamais les comportements des Mexicas dont les sources du XVIème siècle se font perpétuellement l’écho. Les sources documentaires, où nombre d’événements sont consignés, sont la meilleure façon d’estimer la portée des épidémies sur les mentalités car les découvertes archéologiques et les céramiques demeurent insuffisantes. Des nombreux récits de la Conquête qui s’offrent à nous, il est intéressant d’analyser les documents textuels et pictographiques espagnols et indiens du XVIème siècle car ces textes et ces images fournissent les premières perceptions et les premiers jugements des Espagnols et des Mexicas sur les événements. Force est de constater que l’étude relative à l’existence de pathologies infectieuses et contagieuses à l’ère préhispanique conduit à réinstaurer le débat sur l’état de santé des Mexicas à la veille de la Conquête. Le portrait dressé par les premiers témoins oculaires affirmant que les Indiens étaient dénués de maladies tend à s’assombrir à l’analyse des documents anciens. Certes, l’absence de documents écrits nous prive de témoignages préhispaniques sur les maladies contagieuses et épidémiques au Mexique mais les textes coloniaux nous indiquent néanmoins que le Mexique central, à la veille de la Conquête, était un terrain vierge pour les nouvelles infections mais en aucun cas un terrain dénué de maladies. Ses habitants mouraient d’infections diverses contre lesquelles l’arsenal thérapeutique des médecins locaux était parfois impuissant. Il apparaît que des pathologies contagieuses et infectieuses étaient répandues, citons entre autres les maladies des voies respiratoires, les pyrexies, les syndromes diarrhéiques et les troubles gastro-intestinaux. Quant à l’existence d’épidémies, l’analyse des documents anciens conduit à un constat essentiel : il existe dans l’histoire de la population mexica quelques cas de maladies sérieuses et étendues, au moins dans les deux cents ans qui ont précédé la Conquête. Ces événements furent décrits par les auteurs du temps, descendants directs des Mexicas, qui désirèrent consigner ces épisodes importants de leur histoire dans des manuscrits, soucieux de transmettre leur souvenir afin qu’il soit conservé dans la mémoire collective. D’après ces documents il est vraisemblable, contrairement à une idée répandue dès le XVIème siècle, que des épidémies ont existé à l’ère préhispanique. Certes, il demeure très difficile de préciser à quelle maladie de nos classifications modernes correspond chacune des pathologies mentionnées. Cette analyse a également permis de mettre en relief l’étroite association entre une production agricole maigre, la famine et les épidémies ; il semblerait en outre que les maladies virales graves étaient probablement absentes en dehors de ces contingences. Des épidémies ont vraisemblablement existé avant la Conquête mais leur nature ou leur impact n’est nullement comparable aux épidémies coloniales. A la lumière de l’examen de différents éléments, il apparaît que les conditions de vie des Mexicas à la veille de l’arrivée des Espagnols ont considérablement permis d’endiguer l’existence et l’extension de telles pathologies. Une solide hygiène publique contribua à minimiser l’incidence et la gravité des maladies, et même si Mexico-Tenochtitlán était une ville densément peuplée, ces mesures ont probablement été très efficaces. De plus, l’on recense très peu de famines au Mexique central en comparaison avec la somme des famines en Europe à cette période, il semblerait également que la population indigène disposait d’une alimentation plutôt variée et d’une nutrition adéquate, ce qui représente un élément essentiel dans la prévention et la lutte contre les maladies.
A la lumière de ces récits, les conséquences psychologiques des épidémies coloniales dans la région au XVIème siècle furent d’autant plus grandes sur les Mexicas qui n’avaient jamais fait l’expérience d’épidémies d’une telle ampleur auparavant. Les épidémies tueuses tendaient à éclater en vagues, il est possible d’en recenser treize pour ce siècle du contact, certaines étaient extrêmement virulentes, d’autres plus bénignes. Trois épidémies sont mentionnées de manière indépendante dans plusieurs sources, ce qui nous permet de penser que ces trois épisodes ont été particulièrement graves en termes de nombre de décès. La première en 1520 semble avoir été causée par un seul agent pathogène, vraisemblablement la variole, et fut très funeste. La seconde, en 1545, qui est peut-être la conjonction de plusieurs maladies fut selon les documents tout aussi meurtrière. Enfin, la troisième en 1576 aurait été très dévastatrice et toucha ceux qui avaient survécu aux vagues précédentes.
Les premiers colons espagnols du Nouveau Monde n’ont pas été épargnés par la maladie. Les premiers arrivants ont traversé des jours funestes, parfois des semaines ou même des mois de famine, de maladie et de mort prématurée. Il apparaît que certains étaient malades durant de longues semaines ce qui nécessitait en outre de longs et fréquents arrêts leur permettant une relative récupération. La susceptibilité des Espagnols aux maladies a probablement été accentuée par un nouveau climat et un nouveau régime alimentaire. L’examen de l’itinéraire qu’ils empruntèrent explique nombre de ces pathologies : il part des régions côtières, où le soleil est de plomb et les nuits étouffantes, et se poursuit sur le haut plateau central mexicain, où la chaleur du jour est moins accablante mais où les températures nocturnes sont particulièrement fraîches et avoisinent souvent zéro degré.
Il demeure cependant qu’une maladie restait ancrée dans l’esprit des contemporains espagnols comme étroitement liée à la découverte des Indiens du Nouveau Monde. Il est probable, d’après les documents du temps, qu’un autre choc épidémiologique se soit produit au cours de la même période de l’autre côté de l’Atlantique. Dès le début du XVIème siècle, nombre d’auteurs espagnols soupçonnent clairement l’épidémie qui éclata en 1493 à Barcelone d’être une maladie nouvelle importée des Indes. Peu d’auteurs ayant relaté la Conquête espagnole se sont étendus sur l’importance et la nature des contacts entre les Espagnols et les Indiennes du Nouveau Monde, l’on constate néanmoins que ce sont précisément les rapports charnels entre les Indiennes et l’équipage de Colomb qui furent mis en cause dans l’origine du mal. De 1495 à 1519, la « syphilis » ainsi dénommée connut des formes de gravité extrêmes et une grande contagiosité vénérienne qui suscita la terreur en Europe. Dès avant 1500, le débat faisait rage quant à l’origine de ce « mal nouveau », et c’est finalement la thèse de l’origine américaine qui l’emporta largement parmi les Espagnols. La résolution de l’origine de la syphilis comporte de ce fait un aspect fortement émotionnel et idéologique : l’Ancien Monde pensait avoir été puni de ses excès par cette nouvelle et terrifiante maladie qui accompagnait la découverte d’un monde nouveau. La maladie caractérisée par d’atroces souffrances et un taux de morbidité et de mortalité élevé à la fin du XVème siècle et tout au long du siècle suivant fut désignée sous le nom de « grosse vérole » par opposition à la « petite vérole ». L’analyse des textes anciens et de l’imagerie démontre que les réactions sociales face à l’épidémie différèrent des réactions lors des fléaux médiévaux. A l’examen des documents des XVIème et XVIIème siècles, c’est incontestablement un discours moral qui accompagna la maladie, différant en cela de manière essentielle des épidémies médiévales. La syphilis a été présentée sur le plan moral comme la rançon de l’expansion commerciale, mais aussi comme un juste châtiment de la lubricité des hommes. L’estimation de l’effet démographique des épidémies au Mexique après 1519 est très difficile à établir car nous ne disposons pas des chiffres de la morbidité et de la mortalité durant les épidémies coloniales. Malgré les disparités des estimations, il est cependant indéniable de conclure à une réduction sévère et brutale d’une population importante, et ce immédiatement après la Conquête. La courbe démographique aurait subi au Mexique, après un siècle de Conquête, une chute vertigineuse. Si les chercheurs s’accordent unanimement de nos jours sur le rôle central des maladies nouvelles dans les causes du déclin démographique, ainsi que le rôle majeur des bouleversements culturels et sociaux, la situation était différente dans l’Espagne du XVIème siècle. La destruction des populations indiennes a été largement attribuée à la cruauté des Espagnols non seulement par les historiens protestants de la légende noire mais aussi par des auteurs contemporains espagnols principalement Bartolomé de Las Casas. La part de responsabilité des épidémies fut mentionnée par divers chroniqueurs coloniaux espagnols mais leur signification demeura occultée par la clameur du « Défenseur des Indiens » qui, dans sa Brevísima relación de la destrucción de las Indias, dénonça la cruauté des Espagnols et proclama que la disparition des Indiens résultait des mauvais traitements et des brutalités sadiques des colons. Les effets directs des épidémies sur la société mexica furent immédiats et significatifs. Les modèles de peuplement et la taille des familles furent profondément modifiés. L’abandon des villages consécutif à la fuite des habitants signifia la ruine des anciennes communautés et des traditions antiques. La communauté qui existait grâce à une organisation complexe reposant sur la participation de tous ne pouvait survivre à une telle hémorragie humaine. Les épidémies conduisirent à une déstructuration des rapports sociaux et donc à une perte des points de repère et des anciennes règles de vie qui régissaient l’organisation et le maintien des communautés. La déstructuration ne se limita pas à l’aspect purement social, l’on constate également de profonds bouleversements et des ruptures dans la vie et les revenus économiques des Mexicas. L’ancien système, qui reposait sur un principe de réciprocité et de redistribution pour tous, fut anéanti par la chute démographique et entraîna pour les survivants une augmentation du tribut uniquement en faveur des Espagnols et non plus au profit de la société. Il demeure qu’il n’était pas aisé pour les contemporains espagnols et indiens de fournir une justification au chaos démographique, et c’est précisément à ce point qu’intervient l’explication religieuse. Cette explication était plurielle. D’un côté, les prêtres indigènes tentèrent surtout d’utiliser le pouvoir des épidémies pour convaincre les Indiens récemment convertis de revenir à l’antique religion et ainsi d’éviter le courroux et la furie des anciennes divinités abandonnées. De l’autre, les épidémies fournirent aux religieux espagnols la justification de leur présence et de leur mission auprès des Mexicas dont ils étaient souvent les ultimes interlocuteurs. L’analyse des documents révèle que les épidémies étaient justifiées par l’infidélité ou le manque de dévotion de la part des Indiens au dieu des Chrétiens. Les Espagnols, en particulier les religieux, donnèrent à ce point de la conquête spirituelle un sens aux épidémies que Dieu avait envoyées pour châtier les infidèles, en outre l’imposition de la foi chrétienne aurait donné un sens à la cruauté des maladies.
Il est évident que l’on ne peut quantifier la part des épidémies dans la dépopulation mais il est certain qu’elles ont dans une large mesure provoqué la victoire espagnole et la destruction de l’empire aztèque. Les épidémies ont été des armes redoutables et efficaces (bien plus que les épées) pour les conquistadores même s’ils n’ont pas inoculé sciemment les maladies aux Indiens. Les maladies ont vidé les terres de leurs habitants et ont considérablement affaibli la résistance des survivants. La variole fut la meilleure alliée des Espagnols dans la prise de Tenochtitlán. La fin de l’autonomie politique, économique et culturelle et l’imposition de la religion catholique mena à la désintégration de l’ancienne société indigène ; même les Mexicas qui accordèrent leur aide aux Espagnols et se convertirent au christianisme virent finalement les maladies se retourner contre eux et leur imposer la mort. Les épidémies, en moins d’un siècle, anéantirent la quasi-totalité des habitants du Mexique central, entraînant dans leur sillon l’effondrement de l’univers symbolique traditionnel. Les maladies nouvelles ouvrirent la voie à la conquête militaire puis à la conversion des Mexicas.

Samedi 25 septembre 2004
14 h
Amphi Descartes
17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Nancy BERTHIER soutient sa thèse d’habilitation à diriger des recherches (HDR)

 Cinéma et histoire dans le monde hispanique

 en présence du Jury :

M. ESTRADE (PARIS VIII)
M. GUBERN (BARCELONE)
M. LAKHDARI (PARIS IV)
M. LARRAZ (DIJON)
M. RALLE (PARIS IV)
M. SEGIN (LYON II)

Samedi 15 octobre 2005
9 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Linda CHAIB soutient sa thèse de doctorat :

 Citoyenneté, droit de vote local et immigration :les expériences locale nord-américaine et française contemporaines

En présence du Jury :

Mme BODY-GENDROT (Paris 4)
M. CARRE (Paris 4)
M. SCHAIN (New York)
Mme WIHTOLD DE WENDEN (CNRS)

Vendredi 9 septembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Descartes
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Alexandra ZVEREVA SAINT-ESTEBEN soutient sa thèse de doctorat :

 Collection de portraits au crayon de Catherine de Médicis. Analyse socio-culturelle

En présence du Jury :

M. CROUZET (Paris 4)
M. CORNETTE (Paris 8)
M. ZERNER (Havard)
Mme GARNIER
M. CONSTANT (Le Mans)
M. MEROT (Paris 4)

Samedi 4 décembre
9 h
INHA
Carré Colbert, salle Ingres
Galerie Colbert,
4-6 rue des Petits Champs
75002 PARIS

 M. Emmanule WARESQUIEL (DE) soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Comprendre la restauration. Le débat socio-politique des élites. Idées et représentations.

 En présence du Jury :

M. BOUDON (PARIS IV)
M. BOUTRY (PARIS XII)
M. CHALINE (PARIS IV)
M. MONNIER (EPHE)
Mme RIOT-SARCERY (PARIS VIII)

Samedi 10 décembre 2005
13 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

 M. Benjamin SYLVAND soutient sa thèse de doctorat :

 Concept et changement de concept, concept, contenu et inférence, bases pour une approche dynamique du concept

En présence du Jury :

M. ENGEL (Paris 4)
M. DOKIC (Paris 4)
M. DUBUCS (CNRS)
M. LIVET (Aix-Marseille 1)
M. SUNDHOLM

Résumés

Le concept est l’entité mentale qui permet à un agent cognitif qui la possède de penser son environnement. Le concept se caractérise par deux dimensions : d’une part son application (les objets auxquels il réfère) et son usage d’autre part (les relations qu’il entretient avec les autres états mentaux). Les théories contemporaines du concept ne parviennent pas à rendre compte de ces deux aspects. Cela vient de l’assimilation de la théorie des concepts avec une théorie de la classification et d’une distinction floue entre le conceptuel et le nonconceptuel. Le concept est considéré ici comme étant représentationnel alors que le nonconceptuel ne l’est pas. Représentationnel signifie ici que le concept peut être changé ou corrigé alors que le nonconceptuel (le percept) ne l’est pas. La théorie du concept défendue ici est normative dans la mesure où des principes sont énoncés pour caractériser le concept. L’agent possède un concept s’il est capable de postuler une assignation à celui-ci. Et ce à la fois en première personne (contenu cognitive) et en troisième personne (contenu canonique). Cela suppose une théorie de l’esprit et un accès au contenu du concept (aspect épistémique). L’agent doit également pouvoir rendre compte de l’usage qu’il fait du concept, et ce non seulement pour lui (dérivation cognitive) mais aussi en troisième personne (dérivation canonique). Le holisme qui découle de cette conception implique que le concept apparaît toujours dans une « conception », c’est-à-dire comme inférentiellement relié à d’autres concepts. Cette théorie du concept permet de rendre compte du changement et de l’évolution d’un concept plutôt que son remplacement systématique.

Concept is the mental entity that allows the cognitive agent who possesses it to think about his environment. It is characterized by two dimensions : its application (objects it refers to) and its use (relationships it bears with other mental states). The contemporary theories of concept fail to explain both these features of concept, due to the confusion made between a theory of concept and a theory of classification and of a fuzzy distinction between conceptual and nonconceptual. The main difference between conceptual and nonconceptual is that the former is representational whereas the latter is not. Being a representation means being corrigible. The theory of concept proposed here is normative. Principles are offered for characterizing the concept. A cognitive agent possesses a concept if he is able to assign a content to it at first person (cognitive content) and at third person (canonical content). This entails a theory of mind. Moreover, the agent must be able to explain his use of the concept, for himself (cognitive derivation) and for other minds (canonical derivation). The holism implied by this theory enables us to explain the change and the evolution of concept which are different from concept replacement.

Position de thèse

1 Le problème

Qu’est-ce qu’un concept ? Cette question est capitale pour comprendre les rapports entre un agent cognitif et son environnement, pour comprendre par exemple la manière dont il le représente, dont il élabore des croyances ou des connaissances à son sujet, comment peut désirer quelque chose ou bien agir sur cet environnement. Cette question est capitale et générale. Ce n’est pas se tromper de dire qu’elle court tout le long de la philosophie depuis ses commencements et c’est peu s’avancer de dire qu’elle continuera encore bien longtemps à faire couler de l’encre. Depuis une trentaine d’années, depuis en particulier des résultats significatifs en linguistique liées à la grammaire générative de Chomsky et a ses tentatives d’applications au domaine pensée, les études sur le concept se sont multipliées. Que ce soit en psychologie pour comprendre de manière descriptive comment les agents cognitifs conceptualisent le monde, que ce soit en intelligence artificielle pour essayer de réaliser des machines autonomes capables de classer ou de représenter l’environnement dans lequel elles évoluent, que ce soient en linguistique avec le développement de la pragmatique ou que ce soit en philosophie avec les recherches normatives pour établir des critères de caractérisation du concept et de son usage. C’est à ce débat récent en sciences cognitives que se rapporte cette recherche, en adoptant dessus un point de vue philosophique. Mais la question du concept sous la forme “qu’est-ce qu’un concept ? " est trop large pour pouvoir être traitée exhaustivement dans le cadre d’une recherche doctorale. Ainsi la question a été circonscrite à celle de comprendre le changement de concept, comment un agent cognitif peut-il changer de concept ? Cette question à fait l’objet d’études, en particulier en psychologie, mais reste marginale dans la littérature sur le sujet. Pourtant ce point d’approche du problème du concept ne semble pas moins pertinent qu’un autre, au contraire même peut-être. En effet pour espérer répondre à cette question il faut se demander d’abord ce qu’on entend par “concept", mais de plus la question du changement permet d’aborder directement celle de l’apprentissage du concept, de sa publicité, de sa compositionalité, de son individuation ou encore de son aspect catégoriel, autant de points centraux dans la discussion. Il est vrai que la question du changement du concept est biaisée dans la mesure où elle semble sous entendre que le concept puisse changer. Certains auteurs considèrent que ce ne peut être le cas, qu’un concept ne change pas mais se change, ce qui n’est pas tout à fait la même chose. Je voudrais essayer de dire qu’en fait le concept peut changer, au sens où il peut évoluer en fonction des modifications de l’environnement ou des pensées qu’a l’agent qui possède ce concept. L’idée est de suivre l’intuition du sens commun selon laquelle quand un agent voit par exemple un ours polaire, il ajoute l’information liée à cette expérience, aux autres informations qu’il possédait au sujet des ours polaires, en somme il ne remplace pas son concept par un autre, mais enrichie un concept qu’il possédait déjà. Cela signifie que quelque chose de commun avec la première version de son concept est préservé et qu’autre chose est ou bien ajouté ou bien retranché à cette version préliminaire. Pour rendre compte de cette intuition, qui est essentielle pour comprendre l’enseignement par exemple, il est nécessaire que le concept ait une structure particulière, qui le distingue par exemple d’états mentaux qui eux ne peuvent pas changer. Il faut expliquer comment un concept peut changer, comment il change effectivement, mais aussi dans quelle mesure il change et pourquoi il change. Ce sont de ces questions dont il est question dans ce travail que je soumets au jury. Cette recherche est bien imparfaite et maladroite en bien des points, ce que les rapporteurs et les jurés ne manqueront pas de souligner, cependant je crois que les résultats présentés dans la pars construens sont sérieux et suffisamment honnêtes et originaux pour être discutés en soutenance. Avant que d’exposer brièvement la structure de cette thèse, permettez-moi de donner quelques éclaircissements sur sa génèse.

2 Génèse du travail

Ce travail doctoral a débuté en septembre 2001. Mais il se place dans la continuité de mes mémoires de maîtrise et de DEA. Le premier, intitulé « La querelle des idées abstraites entre Locke et Leibniz et ses prolongements dans le débat contemporain » s’attachait à comprendre les mécanismes et processus de l’abstraction et des termes généraux. Comme le terme ‘cheval’ par exemple, peut s’appliquer aussi bien à Joly Jumper qu’à Rossinante, alors même que ces deux individus sont différents l’un de l’autre. En partant de la réponse lockienne aux universaux et aux débats qu’elle a suscités notamment avec Leibniz mais aussi Hume et Berkeley, j’essayais d’éclaircir les disputes contemporaines portant également sur le statut des objets abstraits, en particulier des entités mathématiques et des concepts généraux, telles qu’entre Goodman et Putnam entre autre. L’une des conclusions de ce travail était qu’une théorie explicative de la réalité ne peut faire l’économie d’entités générales et abstraites qui ne sont et ne peuvent être données directement dans l’environnement auquel cette théorie s’applique. Mon mémoire de DEA, intitulé « Le problème des abstraits mathématiques chez Frege, Husserl et dans la philosophie de l’arithmétique contemporaine » centrait cette conclusion dans le domaine mathématique. Les entités mathématiques sont considérées comme un cas paradigmatique d’abstraits. En examinant les tentatives de fondements des mathématiques et de la constitution de leurs objets, peut-être parviendrait-on à comprendre un peu mieux la structure de l’abstrait. Frege et Husserl offrent deux points de départs intéressants pour cette approche. À partir d’une lecture de Brentano, l’un refuse le psychologisme et développe un système formel de génération des objets, l’autre admet un principe d’abstraction à partir d’une relation entre l’agent et le monde qui donnera par la suite une phénoménologie. L’échec d’une constitution des mathématiques sans le recours à quelque chose qui leurs soit étranger - l’appel à une ontologie ou à une psychologie - renforce la conclusion dégagée précédemment qu’une compréhension explicative et descriptive de l’environnement n’est pas autonome. Mais il s’agit encore de savoir de quoi et dans quelle mesure la saisie de l’environnement est dépendante. C’est ainsi qu’arrive le présent travail. D’une part une explication de l’environnement ne peut faire l’économie de termes abstraits, et d’autre part ces termes ne peuvent être contenus directement dans l’environnement ni constitués purement indépendamment de celui-ci. Il s’agit alors de comprendre à quel niveau et de quelle façon ces termes abstraits et généraux interviennent dans la compréhension du monde. Le point de départ est donc l’explication du monde. Mais cette explication est dépendante de l’agent qui la fait. C’est là l’une des principales conclusions des travaux précédents. Il s’agit donc de comprendre maintenant l’interaction entre un agent et son environnement. Pour le dire plus simplement : comment un agent pense son environnement ? Par exemple comment puis-je penser que l’outil devant moi est un ordinateur, que ceci est une table, que Rossinante est un cheval ou que 2+2=4 ? Les recherches psychologiques menées ces trente dernières années fournissent des résultats importants sur la manière dont un agent cognitif appréhende et représente le monde. Dans ces études la notion de concept revient continuellement. Lorsqu’un agent par exemple est capable de discriminer un objet dans une scène, la psychologie considère qu’il possède le concept de l’objet ou au moins le concept d’objet. Mais cette notion de concept a besoin d’être clarifiée. Une analyse approfondie des situations d’attention dans la perception, par exemple une situation dans laquelle l’agent doit suivre un objet en mouvement, montre que des mécanismes cognitifs différents sont en jeu lorsque l’objet subit l’action ou bien s’il s’agit d’un agent, sans pour autant que l’agent possède ces concepts. Les développements de la notion de contenu non-conceptuel, contenu accessible à l’agent mais non représenté par lui, bouleversent considérablement l’étude du concept, et remettent en cause la plupart des théories du concept. Par exemple il devient difficile de fonder uniquement de manière empirique et extension le concept de chien si les interactions avec les chiens ne requièrent pas que l’agent représente l’élément du monde comme étant un chien. Il reste donc à clarifier la notion de concept, et c’est à cette tache que s’attaque de travail. L’analyse du changement de concept permet de faire ressortir la nature et la structure du concept, par opposition au contenu non-conceptuel a l’œuvre dans la perception. Par changement de concept, il est entendu le changement qui s’est opéré entre le fait qu’un agent pense que les baleines sont des poissons et le fait qu’il pense maintenant que les baleines sont des mammifères. L’hypothèse de départ est de considérer que l’agent possède un même concept, à savoir celui de baleine, mais dont certains de ses constituants ont changé.

3 Structure de la thèse

La thèse se compose de deux parties. La première, intitulée « Problème », présente le problème et ses discussions dans la littérature contemporaine. La seconde, intitulée « Bases pour une approche dynamique du concept », établie les bases pour une réponse constructive au problème. En annexe sont mis les textes issus d’une conférence donnée sur le théorème de Ramsey qui montre les limites d’une conception purement fondationnaliste de la connaissance et apporte des éléments en faveur d’une conception constructiviste de la représentation mentale, et deux articles actuellement soumis à des revues internationales. Le premier écrit avec Angeles Erena et Dario Taraborelli établit une différence dans les processus de poursuite (tracking) entre un objet inanimé et un objet animé par un agent cognitif. Le second, écrit avec Nivedita Gangopadhyay, définie une série de critères pour comprendre la notion de percept. La première partie, « Problème », est composée de trois chapitres. Le chapitre « Présentation et portée du problème » expose la question de la nature et de la structure du concept en particulier par rapport au contenu non-conceptuel. Le chapitre « Analyse du problème » détaille le chapitre précédent en fournissant une série de critères de constitution du concept. Enfin le chapitre « Conceptions des concepts » est un exposé et une critique de la littérature contemporaine des trente dernières années sur la question dans les domaines de la philosophie, de la psychologie et des sciences cognitives, tant en linguistique qu’en intelligence artificielle. La seconde partie, « Bases pour une approche dynamique du concept », comprend quatre chapitres. Le premier, intitulé « Liminaires » énonce, d’un point de vue formel, la structure préconisée pour comprendre le concept, d’après les conclusions de la première partie. Le chapitre « Inférence », expose le système constructiviste proposé dans le chapitre précédent, et la relation entre les concepts. Le chapitre « Changement conceptuel » apporte une réponse à la question du changement de concept. Enfin, le chapitre « Concept et Croyance » explique la différence entre le concept et la croyance, selon la théorie proposée. Une conclusion récapitule les résultats de cette recherche et ouvre des pistes pour des développements et des applications. L’ouvrage comprend un index et une bibliographie de 348 références.

Jeudi 8 décembre 2005
14 heures
INA
Centre Pierre Sabbagh
Salle Cognac-Jay
83-85, rue de Patay
Paris 13e

 M. Antoine ISAAC soutient sa thèse de doctorat :

Conception et utilisation d’ontologies pour l’indexation de documents audiovisuels

En présence du Jury :

M. DESCLES (Paris 4)
M. BACHIMONT
MME BOULOGNE (CNAM)
M. KASSEL (Amiens)
MME LAINE-CRUZEL (LYON 3)
M. LAUBLET (Paris 4)

Résumé

L’indexation de documents audiovisuels est une tâche difficile mais nécessaire si l’on veut rechercher correctement des contenus dans des bases volumineuses. Pour atteindre ses objectifs, un système d’indexation doit imposer un certain degré de contrôle, et assister ses utilisateurs tant pour la création que pour la recherche des index. Dans ce manuscrit, nous discutons de la façon dont on peut concevoir des systèmes d’indexation et de recherche à base de connaissances (SBC). En les adaptant aux pratiques de l’INA et aux besoins de projets expérimentaux comme OPALES, nous reprenons les concepts et techniques de la représentation des connaissances et du web sémantique. Nous nous concentrons principalement sur les ontologies, modèles conceptuels formalisés sur lesquels s’appuient les SBC pour le contrôle des descriptions et la conduite de raisonnements. Nous mettons en particulier en œuvre une méthode d’assistance à la conception des ontologies, et insistons sur l’intérêt d’utiliser des patrons de conception ontologiques. Dans nos réflexions figure aussi la notion de patrons d’indexation, structures relationnelles reflétant les index typiques d’une application donnée. Les patrons d’indexation facilitent la création des index, tout comme ils permettent de rationaliser la conception des ontologies, notamment celle des connaissances de raisonnement qui spécifient les inférences réalisées par le SBC. Nos propositions méthodologiques ont été appliquées dans un certain nombre de réalisations informatiques et d’expérimentations pour des domaines réels, que nous évoquons et discutons tout au long de ce manuscrit.

Mots-clés : Ontologies, Indexation sémantique, Indexation de documents audiovisuels, Construction d’ontologies, Patrons de conception, Patrons d’indexation, Raisonnement.

Indexing audiovisual documents is a tedious work. However, it is needed if one wants to search efficiently for specific contents inside a large document base. To reach its goal, an indexing system has to ensure proper control and assistance with respect to the creation and the search for indices. In this thesis, we discuss the way knowledge-based indexing systems ought to be designed. We turn to the notions and tools introduced in the knowledge representation field and the Semantic Web initiative, and try to adapt them to the practices found in INA, as well as to the special needs of experimental projects such as OPALES. We mainly focus on ontologies, which are formalised conceptual models that can be used to specify the abilities of knowledge-based systems regarding the control of descriptions and the reasoning processes. We especially implement a method assisting ontology creation, and insist on the use of ontological design patterns. Central to our thoughts also lies the notion of indexing patterns. Those relational structures mirror the typical indices that can be found in a given application, and therefore help index creation. Additionally, they might be used to rationalise ontology conception, especially regarding the design of the formal reasoning knowledge which specifies the inferences a knowledge-based system can achieve. Our methodological proposals have been applied in a range of concrete implementations and real-domain experiments we detail and discuss throughout this thesis.

English title : Building and Using Ontologies for Audiovisual Document Indexing

Position de thèse

1 Indexation, ontologies et systèmes à base de connaissances

Un enjeu majeur des systèmes documentaires est de rendre possible un accès raisonné au contenu des documents, adéquat aux applications envisagées. Ceci est encore plus important dans le cas de l’audiovisuel, forme qui ne prescrit pas naturellement d’interprétation qui permettrait de manipuler aisément ce contenu : on doit alors impérativement effectuer une indexation. Au cours de ce processus, une des nombreuses significations possibles du document audiovisuel, celle qui est pertinente par rapport à l’application envisagée, sera explicitée, puis reformulée de sorte à être exploitable dans le cadre d’une application particulière. Traditionnellement, les systèmes d’indexation utilisent la forme textuelle, qui a l’avantage sur l’audiovisuel de s’inscrire dans un système fonctionnel d’assignation de sens. Cependant, nous rappelons qu’une exploitation correcte ne peut être assurée que si une réelle continuité sémantique s’applique à l’ensemble de la chaîne de description et de recherche. Dans le cas précis de l’index, il faut que la forme documentaire retenue soit à même de garantir une compréhension précise et univoque : dans un système documentaire, il faut obtenir des descriptions dont l’interprétation est contrôlée. Des techniques existent, qui en agissant sur la manière dont on exprime les index permettent un contrôle de l’interprétation et une exploitation moins exigeante en investissement humain. Nous observons qu’il est courant dans le monde documentaire de se tourner vers des langages s’appuyant sur des thesauri, qui normalisent les interprétations des notions utilisées dans les descriptions. On montre cependant assez facilement que ces thesauri sont limités pour les besoins qui émergent actuellement, spécialement par leur manque de relations dédiées à des applications spécifiques. En effet, en particulier dans le domaine de la description audiovisuelle, il est nécessaire de pouvoir exprimer des relations entre les composants d’un index. Et les techniques traditionnelles ne suffisent pas : on peut normaliser la structure d’une description, et la façon dont cette structure est interprétée, mais l’obtention d’un contrôle satisfaisant se fait souvent aux dépens de la finesse et de la richesse des expressions autorisées.

Il convient alors de se tourner vers l’informatique pour proposer des solutions techniques susceptibles d’aider le déroulement de la description et de la recherche documentaire. Issus des recherches en intelligence artificielle, certains travaux du domaine de la représentation des connaissances et de l’initiative du web sémantique fournissent en effet des outils permettant la création de ressources riches et mobilisables au sein de processus d’inférence. L’interprétation du langage documentaire et des descriptions construites est dans ce cas augmentée d’une interprétation formelle exprimant la manière dont un système peut exploiter ces éléments de connaissance. L’enjeu devient alors de choisir un formalisme de représentation pertinent, et de spécifier les ressources conceptuelles - en définissant le langage de description - que le système pourra manipuler. Cette dernière tâche est l’objet de l’ingénierie des connaissances qui, pour concilier le souci de modélisation formelle et celui de l’intelligibilité des ressources, condition nécessaire à l’obtention de réelles connaissances, dépasse la notion de thesaurus et propose celle d’ontologie.

Nous montrons dans ce travail de thèse qu’il est envisageable de créer des systèmes documentaires où les index et les traitements qui leur sont appliqués seront spécifiés au niveau de la connaissance. De fait, les techniques de représentation des connaissances permettent de créer des descriptions structurées : des langages de représentation mobilisant à la fois concepts et relations sont utilisés pour rendre compte de la complexité du contenu documentaire. Dans le cadre des systèmes à base de connaissances (SBC) ce sont les ontologies qui, à la manière des thesauri, introduisent les notions servant à la description tout en guidant leur interprétation. Les ontologies sont des spécifications plus contraintes que ne le sont les thesauri. Les méta-langages qui permettent leur création utilisent en effet des primitives de représentation reposant sur des interprétations formelles. Les concepts et les relations des ontologies bénéficient donc d’un engagement ontologique différent, favorable à une plus grande précision des systèmes de manipulation des descriptions. Et assez rapidement, les solutions ontologiques apparaissent comme les seules pouvant autoriser des stratégies fines de recherche utilisant les liens spécifiques du domaine. Il devient possible de créer des spécifications relationnelles plus riches que celles des thesauri, ainsi que d’exploiter ces spécifications de manière pertinente pour rapprocher le travail de l’indexeur de celui du chercheur. Le système prend alors en charge lui-même une partie des efforts nécessaires à la conservation de la continuité sémantique. Cela est valable tant au niveau du contrôle de cette continuité lors de la création des index que lors de l’application de processus d’inférence qui utilisent les spécifications ontologiques pour rapprocher les index créés des requêtes adressées au système.

Les ontologies et les SBC qu’elles permettent de créer constituent un domaine de recherche très actif. De nombreux projets ont vu le jour, notamment dans le contexte du web sémantique. Pour l’INA, s’il est indispensable de maîtriser les propositions techniques qui sont amenées à émerger de ces initiatives, il faut également faire en sorte de les adapter à la problématique de l’indexation des documents audiovisuels et à l’utilisation d’une telle représentation de leur contenu dans les systèmes de recherche documentaires. Notre thèse a été initiée dans cette optique, et a cherché à retirer des expérimentations réalisées dans le projet OPALES ou dans les initiatives proches un cadre cohérent et pertinent de conception et d’utilisation des ressources ontologiques dans les processus documentaires. De fait, nombre d’études, et c’est légitime dans un champ de recherche en cours d’élaboration, se sont concentrées sur les difficultés d’ordre plutôt technique : codage des annotations qui servent de support à l’indexation, représentation opérationalisable des connaissances de raisonnement, mise en œuvre de processus d’inférence exploitant ces raisonnements, etc. Nous cherchons plutôt à envisager ces éléments techniques non en eux-mêmes, mais en tant que moyens mis au service de scénarios d’utilisation réels. Comment une approche d’indexation à base de connaissances peut être correctement mise en place ? Peut-on cacher la complexité inhérente à une telle approche aux yeux de l’utilisateur humain ?

2 Vers la prise en compte des usages dans la création et l’utilisation des ontologies

Pour résoudre ce problème, il faut essayer de se rattacher systématiquement aux usages rencontrés dans l’application visée par le système documentaire. Ceci concerne tout aussi bien la compréhension des notions employées que la façon dont celles-ci sont utilisées pour créer des descriptions des contenus documentaires à même de satisfaire les besoins auxquels le système est supposé répondre - en l’occurrence, ceux de la recherche documentaire. Tout d’abord, il est impératif de faciliter la compréhension des termes de la description, leur vocabulaire proprement dit. Il est naturel pour cela de se tourner vers la langue. On peut en particulier structurer les significations non formelles des intitulés langagiers attachés aux concepts et aux relations par une normalisation sémantique s’appuyant sur des principes de similarité et de différence au sein d’un réseau de significations. Reprenant ces propositions de Bruno Bachimont, que nous avons mises en œuvre au cours de cette thèse, nous détaillons en quoi consiste une ontologie différentielle et comment on pouvait présenter à l’utilisateur des concepts et des relations dont l’interprétation serait immédiate. Ensuite, il s’agit de pouvoir créer des index à base de connaissances complexes, qui puisse faire bénéficier le système d’indexation et de recherche des traitements riches rendus possibles par la formalisation sous-jacente aux systèmes ontologiques. Nous démarquant des techniques déjà existantes, que ce soit dans les systèmes classiques ou ontologiques, nous montrons comment une solution avancée pour OPALES, les patrons d’indexation, peut offrir un cadre propice à un contrôle éditorial qui mette en lumière des configurations pertinentes pour l’application visée, tout en gardant un niveau de souplesse suffisant pour ne pas rebuter l’indexeur. En fait, les patrons d’indexation sont à utiliser en conjonction avec des connaissances de raisonnement formelles qui permettent justement de faire la jonction avec les différentes déclinaisons de leur contenu, que ces déclinaisons soient présentes dans les requêtes ou dans les index. On réduit alors doublement la charge cognitive reposant sur l’indexeur : on lui propose une structure canonique pertinente, et il dispose d’une marge de manœuvre significative pour encoder ses propres interprétations des documents, sans pour autant les rendre inaccessibles pour les autres utilisateurs. L’application des connaissances de raisonnements a à présent une légitimation immédiate vis-à-vis des processus de description - dont elle assouplit les contraintes éditoriales ou formelles - et de recherche - cet assouplissement va de pair avec des capacités de recherche qui ne sont aucunement amoindries. Elle n’est donc plus un obstacle à la compréhension des SBC d’indexation, et donc à leur acceptation par des utilisateurs non experts en représentation des connaissances. Les patrons permettent ainsi d’exploiter la richesse d’expression des ontologies et de bénéficier de leurs propriétés formelles (contrôle de la cohérence et inférence) sans avoir à affronter directement la complexité induite par l’usage de ces structures. En effet, cette complexité bloque souvent aujourd’hui l’usage des ontologies ; mais leur nécessaire simplification reviendrait à annuler le bénéfice qu’elles apportent, en les rendant triviales. Difficilement utilisables si riches et pertinentes, mais inutiles si elles sont (trop) simples, les ontologies regagnent des perspectives d’usage effectif grâce aux patrons qui guident l’utilisateur et facilitent son travail.

Nous nous attachons ensuite à mieux prendre en compte les besoins liés à la création et l’utilisation des futurs index lors du développement des ontologies. Poursuivant sur la lancée de l’effort que nous venons d’évoquer, nous avons voulu voir comment on pouvait assister la création de substances ontologiques - les concepts et relations composant le vocabulaire de description - et de formes relationnelles - les structures qui articulent ces éléments ontologiques en des index - adaptées à nos applications. Après avoir constaté que les méthodologies et outils existant ne traitaient pas complètement ces problèmes, nous avons proposé nos propres solutions, à la fois méthodologiques et techniques. En ce qui concerne la création d’ontologies dont le vocabulaire serait spécifié de manière pertinente au regard de l’application visée, nous nous sommes à nouveau tourné vers la méthodologie de Bruno Bachimont, qui introduit une phase de normalisation sémantique établissant des notions définies à l’aide de principes différentiels. Nous avons instrumenté cette méthode en réalisant un outil d’édition utilisable conjointement avec les principaux environnements de la communauté, DOE. S’agissant de l’obtention d’ontologies qui prennent convenablement en compte nos propositions en matière d’assistance à la structuration des index, à savoir les patrons d’indexation, nous avons observé qu’il était possible de reprendre des solutions à base de patrons de conception ontologiques. Nous avons repris la démarche proposée par les chercheurs du Laboratory for Applied Ontology de Rome, qui consiste à utiliser des patrons de conception définis au niveau des ontologies fondamentales en fonction d’usages génériques. Toutefois, nous avons remarqué que leur spécialisation directe est parfois insuffisante si l’on veut capturer dans toute leur finesse les besoins des applications. Pour résoudre ce problème, nous avons proposé d’introduire une articulation explicite, via des connaissances de raisonnement dédiées, entre patrons de conception et patrons d’utilisation applicatifs, articulation qui serait exploitable par le SBC utilisant l’ontologie ainsi conçue.

Au terme de cet effort méthodologique, nous parvenons donc à faire bénéficier le processus de conception d’ontologie d’une double légitimité. Tout d’abord, cette conception prend bien en compte les pratiques - et les compréhensions - rencontrées dans le domaine d’application. On utilise la langue et ses verbalisations « métier » comme fondement même de la construction des concepts et des relations, et l’on se réfère à des patrons d’utilisation qui reflètent fidèlement les besoins de l’application en matière de description conceptuelle. Les solutions suggérées apportent donc à l’ensemble du processus un bien-fondé certain en ce qui concerne les usages. Ensuite, on bénéficie d’une légitimité et d’une cohérence théoriques importantes. L’expression naturelle des significations obéit à des principes justifiés par une théorie linguistique reconnue. Et les conséquences en termes de rapports hiérarchiques de ces prescriptions interprétatives sont respectées lors des étapes suivantes de formalisation et d’opérationalisation. De plus, au cours de la conception, le rattachement des patrons applicatifs aux patrons de conception permet de situer l’engagement ontologique du concepteur par rapport à une théorie de haut niveau que l’on peut considérer comme une source de vraisemblance et de consensus. En d’autres termes, on peut dire que nos propositions répondent à la fois aux problèmes d’utilisation et de reprise de l’ontologie. Car une plus grande réutilisabilité découle naturellement de la plus grande capacité de l’ontologie à faire consensus, et donc à être partagée, mais aussi de la possibilité qu’elle a de faciliter d’éventuels échanges entre systèmes partageant des éléments de conceptualisation fondamentaux communs. Qui plus est, les principes que nous recommandons sont de nature prescriptive. Plutôt que de proposer des indications abstraites où l’utilisateur reste seul face à la spécification du contenu ontologique, on indique des manières d’exploiter des informations concrètes et accessibles : expressions en langue, patrons de conception disponibles dans des bibliothèques d’ontologies fondamentales. Ces principes viennent donc compléter les autres démarches d’ingénierie ontologique, attachées soit à l’organisation générale du cycle de développement, soit à la validation de son résultat selon des critères au champ d’application extrêmement précis.

Au cours de ces trois années de thèse, nous avons procédé à nombre d’expérimentations qui ont beaucoup apporté à nos réflexions, que ce soit sur le plan de la conception des ontologies ou de leur utilisation effective dans des systèmes d’indexation et de recherche. Cela nous a permis de tester nos hypothèses méthodologiques et nos outils, ainsi que les propositions des autres acteurs de la communauté de l’ingénierie des connaissances. Et même si la conception de certaines de ces ontologies ne s’est pas directement inscrite dans le cadre de cas d’utilisation appliqués, il demeure qu’elles constituent une expérience concrète de modélisation. Ce qui en soi se révèle positif, d’autant plus que pour chacune des expérimentations nous nous sommes toujours efforcés de garder un lien relativement clair avec les usages observables dans notre domaine, celui de l’indexation. Tout d’abord, nous avons participé à la conception d’une ontologie dédiée à la représentation d’événements susceptibles de se produire pendant une course cycliste. Cette ontologie a été utilisée dans des travaux de thèse à l’INA relatifs à l’extraction d’index conceptuels (thèse d’Estelle Le Roux) et la représentation de documents audiovisuels à l’aide d’un langage conceptuel de structuration documentaire (thèse de Raphaël Troncy). Ensuite, nous avons développé, dans le cadre d’une campagne d’évaluation internationale d’outils de conception d’ontologies (expérimentations EON), une ontologie concernant le tourisme qui nous a permis de comparer les possibilités de notre éditeur en ce qui concerne l’échange d’ontologies. Le contexte d’OPALES, lui, a apporté deux occasions d’appliquer nos hypothèses, puisque ce sont deux points de vues descriptifs différents - la petite enfance et l’analyse de documentaires géographiques abordant le thème de l’eau - qui ont été retenus. Enfin, nous avons conduit une expérimentation consistant en la description d’émissions de vulgarisation médicale, expérimentation qui nous a permis de tester in vivo les techniques relevant explicitement du web sémantique (langages d’encodage d’ontologies OWL et RDFS, outil de stockage et de raisonnement SESAME) et de nous impliquer pleinement dans l’évolution d’une ontologie dédiée à la représentation et la caractérisation d’éléments documentaires audiovisuels.

3 Conclusion

Initialement, le sujet de notre thèse aurait dû être « Capture et formalisation des contraintes sémantiques : utilisation pour la conception des ontologies ». A l’arrivée, le lecteur pourra très bien faire observer que, d’une certaine façon, ce sujet a été traité dans ce manuscrit. Tout au long de nos travaux, nous nous sommes effectivement intéressé à la façon dont on pouvait rendre compte, dans un cadre formel, de significations et d’usages relevant d’un contexte sémantique non formel. Ce contexte interprétatif « métier » est défini par les interprétations que l’on rencontre dans le domaine applicatif visé par un système d’information particulier. Et on peut considérer que ces interprétations naturelles apportent justement des contraintes qui via leur transposition en connaissances formelles - expressions définitoires, règles d’inférence - devraient idéalement s’appliquer à l’interprétation formelle du vocabulaire de description apporté par une ontologie. Cette thèse propose donc une méthode de conception d’ontologies qui permet une utilisation rationnelle et relativement efficace de ces ressources dans les processus d’indexation et de recherche. On retrouve au cours de nos discussions des critères employés traditionnellement pour définir ou évaluer une ontologie : pertinence, consensus, partage, interopérabilité, etc. Mais la mise en pratique de ces notions abstraites est évidemment indissociable d’une réflexion complète sur l’utilisation de ces ontologies dans un contexte concret, et, partant, sur la manière d’acquérir une niveau de pertinence satisfaisant par rapport aux pratiques observables. Le déroulement de notre thèse a donc fait que nous nous sommes intéressé à une problématique plus large que la simple capture de contraintes interprétationnelles : du fait de l’ancrage de nos travaux dans des projets concrets d’utilisation d’ontologies, ce dernier aspect a pris une part plus importante au fur et à mesure de nos réflexions... Finalement, on peut constater que ce que cette thèse apporte, c’est un ensemble de points méthodologiques qui permettent de situer correctement les activités de conception d’ontologies, mais qui concernent également leur utilisation pour la création de bases de connaissances qui puissent être correctement interprétées par les utilisateurs humains et par les systèmes formels eux-mêmes. Plus important est le fait que ces points ne constituent pas des idées indépendantes, mais un cadre à qui l’on s’est efforcé de donner une réelle cohérence. La conception des ontologies se fait en étant réellement conscient de l’usage des primitives en cours de définition, et, réciproquement, l’utilisation de ces ontologies pendant l’indexation et la recherche se veut exploiter au mieux les connaissances qui ont été spécifiées lors de la conception. Ces résultats semblent en conformité avec ce que l’on attend généralement d’une convention CIFRE. Car si à présent on peut relier les préoccupations scientifiques à des applications pratiques, en observant comment on a pu limiter la complexité induite par le choix de techniques élaborées, on sait aussi comment directement bénéficier de certains des efforts les plus théoriques - comme les ontologies de haut niveau ou les patrons de conception - pour améliorer la qualité intrinsèque des ressources construites pour ces applications. Il faut également noter que ce genre de considérations rapproche en un certain sens nos vues de celles de l’initiative du web sémantique. Cette initiative, au lieu de proposer des paradigmes en rupture totale avec les solutions techniques ou méthodologiques précédentes, vise en effet davantage un une reprise et un aménagement de celles-ci pour des contextes d’application bien particuliers.

Jeudi 25 janvier 2007
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D116
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Margarita De LEON BAEZ soutient sa thèse de Doctorat :

 Concepts, images et symboles : une étude des mots composés dans le corpus poétique vieil-anglais

 En présence du Jury :

M. CARRUTHERS (PARIS 4)
M. CRÉPIN (PARIS 4)
M. ROBERT (CNRS)
Mme STEVANOVITCH (NANCY 2)

 Résumés :

En attente...

Vendredi 6 octobre
14 heures
Maison de la Recherche
28, rue Serpente 75006 Paris
Salle D223

 Mme Sandra Gilles GLATIGNY soutient sa thèse de doctorat :

 Configurations mythologiques dans "Les chimères" et "Aurélia" de Gérard de Nerval. Narrativité et pluralité du lyrisme nervalien

En présence du Jury :

Mme BERCOT (DIJON)
M. BRUNEL (PARIS 4)
M. COUTY (PARIS 4)
M. KOPP ( BÂLE)
M. MARCHAL (PARIS 4)

Résumés

Ce travail a pour objectif de replacer le fonctionnement et les enjeux du syncrétisme nervalien dans une perspective poétique. En effet, ces configurations mythologiques génèrent une écriture lyrique plurielle. Si, dans Aurélia et Les Chimères, les différents niveaux de récritures, de la plus résiduelle à la plus complète, s’agencent différemment selon l’environnement textuel, ces modes d’apparitions du mythe se conjuguent pour interroger le sujet et mettre en scène sa quête identitaire. Le lyrisme se nourrit de la dynamique narrative et symbolique des actualisations pour sortir de l’expression autarcique et statique des sentiments. La convergence paradoxale du mythe, récit universel, et du lyrisme, représentation de l’affect personnel, s’inscrit dans un projet esthétique précis. Il s’agit de remettre en cause les catégories génériques et langagières pour retrouver le chant d’Orphée : une parole libérée de ses entraves, relais des voix du monde.

This work intends to replace the way Nerval’s syncretism operates in a poetic perspective. Indeed these mythological configurations generate a specific and lyrical writing. Although in Aurelia and Les Chimères the different levels of rewriting, from the most minute to the most complete, are constructed differently depending on the textual environment, these modes of appearances of myth merge so as to question the subject and stage its quest of the self. Nerval’s lyricism feeds on the narrative and symbolic dynamics of actualisations in order to come out of the autarkical and static expression of feelings. For the paradoxical convergence of both myth, or universal narrative, and lyricism, or representation of the personal affect, occurs within a precise esthetic project. The aim is to call generic and linguistic categories into question and rediscover Orpheus’song : a speech which, liberated from its shackles, relays the voices of the world.

Position de thèse

Qu’est-ce que le syncrétisme mythologique dans l’œuvre nervalien ? Quel est son fonctionnement ? Quelle est sa signification en termes de poétique ? On a trop souvent parlé de ce trait caractéristique de l’écriture de Gérard de Nerval de manière ambiguë : fréquemment associé à une pathologie liée à la vie de l’écrivain, il fait rarement l’objet d’une analyse textuelle, comme si ses implications scripturales étaient évidentes. Cette étude des configurations mythologiques dans Aurélia et Les Chimères a pour but de recentrer l’approche des productions du poète sur leur dimension esthétique. Certes, le syncrétisme met en jeu le sujet. Mais doit-on pour autant ramener ce questionnement à des considérations biographiques ? Selon nous, il est possible d’y voir la conjonction originale et paradoxale du mythe et du lyrisme. Les travaux d’André Jolles et de Mircea Eliade nous permettent d’aborder le mythe comme une forme particulière et originale, liée aux interrogations de l’homme sur ses origines. Le récit qui en rend compte se définit comme une configuration archétypale qui sert de repère aux autres occurrences du mythe. Pour André Jolles, le mythe est une espèce de structure virtuelle préexistant à son actualisation dans le texte. Or, pour étudier les mythes dans l’œuvre nervalien, il nous a fallu déterminer ce patron originel. Mais comment envisager une forme qui n’est pas pure puisqu’elle n’est actualisée que dans les textes ? A défaut de saisir ce patron ou modèle, nous avons pris le parti de remonter au plus près de la source en nous appuyant sur les premières réalisations littéraires de chacun des mythes que nous relèverons dans le texte de Nerval : L’Ancien et le Nouveau Testament, les récits homérique et virgilien, etc. Ce travail systématique n’est pas dépourvu d’arbitraire et a pu oblitérer une partie des hypotextes. Pourtant, il s’est avéré fondamental pour retrouver la « forme simple » du mythe, c’est-à-dire « éliminer tout ce qui est conditionné par le temps et individuellement mouvant . » Ce n’est qu’après avoir défini chacun des mythes comme un enchaînement d’invariants, de « mythèmes », que l’on a pu considérer la forme « complexe » telle qu’elle apparaît sous la plume de Nerval. Pour ce qui est du lyrisme, l’essai de Jean-Michel Maulpoix montre le flou terminologique qui entoure l’emploi d’un terme apparu au XIXe siècle. Retraçant l’histoire des textes qualifiés de lyriques, l’auteur constate combien cette notion échappe à toute classification, « déborde » les différents champs littéraires. De Pierre de Ronsard à Charles Baudelaire en passant par Alphonse de Lamartine, le lyrisme est une notion ambiguë qui recouvre tour à tour un style rhétorique, un genre ou un sujet particuliers. Le lyrisme romantique oscille entre épanchements lacrymaux et rapport conflictuel au monde, valorisation du « je » et tension entre sujet et objet. Nous avons défini le lyrisme comme un mode d’expression par lequel le sujet de l’énonciation, également objet de l’énoncé, cherche à transmettre au lecteur une relation personnelle au monde. Si l’on privilégie une approche formelle, on s’aperçoit que le mythe et le lyrisme, aux caractéristiques opposées, convergent dans les textes nervaliens. Cependant, comme « l’œuvre littéraire [...] ne se réduit pas aux structures psychologiques de son auteur, ni aux données sociales et historiques, ni à un système mécanique de formes », nous avons tenté d’éviter l’écueil stigmatisé par Gilbert Durand. Cette réflexion se garde donc d’adopter une démarche univoque ou bornée dans une terminologie critique mais de privilégier toutes les perspectives qui permettent d’éclairer les principes de l’écriture nervalienne. Ce choix paraît d’autant plus inévitable que des notions telles que le lyrisme et le mythe engagent des considérations qui débordent les champs disciplinaires. Par ailleurs, nous avons conscience qu’en confrontant ces deux aspects de l’œuvre nervalien, nous nous risquons sur un terrain miné par les polémiques, en matière de définitions génériques notamment. Toutefois, dans la mesure où la catégorisation des textes littéraires se trouve au cœur de notre problématique, nous avons tenté d’exploiter au mieux les outils dont nous disposions. Parmi les études menées à ce sujet, nous nous sommes appuyés notamment sur les travaux de Käte Hamburger, qui part de la « relation entre la littérature et les énoncés de réalités » pour définir les genres. Sa réflexion nous a été particulièrement précieuse parce que le système d’énonciation est instable dans la poétique nervalienne. Dans Introduction à l’architexte, Gérard Genette a bien montré les limites de tout système théorique figé : il exerce en particulier son ironie à l’égard des « neuf formes simples » de Jolles . Aussi rigide et réducteur paraît-il, le tableau brossé par le formaliste russe a le mérite de circonscrire des structures littéraires souvent écartées et laissées dans l’indétermination. Nous avons éprouvé leur validité en les confrontant aux occurrences nervaliennes. Reste de cette critique des critiques un certain nombre d’éléments constitutifs de la littérature. Ainsi Genette considère-t-il que les paramètres thématiques, modaux et formels entrent en relation dans un jeu d’intersection pour définir les « genres » littéraires . Ce sont les rapports entre ces catégories que nous avons interrogés.

Il ressort de ces analyses que le syncrétisme mythologique générait un lyrisme spécifique par sa pluralité et sa narrativité. Il est pluriel parce qu’il s’avère protéiforme et dépasse les cadres génériques habituels. Le fait de mettre en regard deux textes apparemment très différents se justifie d’abord à ce titre. Aurélia et Les Chimères mettent en œuvre une poétique similaire dans le rapport paradoxal qu’ils établissent entre mythe et lyrisme. Ce lien indéfectible entre deux pôles opposés se noue grâce aux configurations mises en place par le poète. Le fonctionnement du syncrétisme révèle une exploitation maximale du mythe tant sur le plan quantitatif que qualitatif. La recherche des formes simples pose d’emblée la récriture sous le signe d’une complexité propre à l’imaginaire nervalien. De la reprise intégrale aux allusions, elle dessine des configurations mythologiques qui se nourrissent des actualisations comme des formations littéraires. La pluralité du lyrisme passe dans un premier temps par la diversité des modes d’apparitions et de relations entre les différentes occurrences mythologiques. La reprise des mythes s’effectue suivant des degrés de récritures qui préservent plus ou moins l’intégralité et l’intégrité de la forme simple initiale. La plus complète s’effectue par la conservation des mythèmes principaux du schéma narratif initial. La deuxième, sous forme de mention, est partielle mais permet une identification directe du mythème ou du mythe dont elle est issue. Plus résiduelle, l’allusion relève du partage suggestif d’une culture et d’un imaginaire collectif. Contrairement à ce que l’on pourrait supposer, l’utilisation exhaustive des mythèmes d’une trame narrative ne conduit pas à une absence de transformation. De fait, Nerval modifie aussi bien l’ordre schématique initial que la portée symbolique des récits dont il s’inspire. De même, il cultive le brouillage là où la référence mythologique pourrait être explicite en mêlant mythes littérarisés et mythes littéraires. Jonglant avec mythes et mythèmes, le poète travaille sur les invariants et sur les variables en les associant doublement sur les axes syntagmatique et paradigmatique. Jouant à la fois sur l’entrelacement, la juxtaposition et la répétition, la récriture laisse voir une règle essentielle au syncrétisme nervalien : ne jamais figer l’expression et la signification des mythes. Il s’agit de prolonger les principes intrinsèques de composition et de transmission du mythe pour donner à lire une configuration textuelle en perpétuel devenir. Cette récriture impose en effet au lecteur un double parcours, à la fois narratif et herméneutique, qui réactive le fonctionnement essentiel du mythe dans un jeu de questions et de réponses. Ces modalités du syncrétisme s’accordent avec l’enjeu des récritures. Au cœur de la problématique des œuvres, la parole du « je » cherche sa place et tente de la trouver grâce à la médiation du mythe. En effet, la pluralité issue des configurations mythologiques trouve sa cohérence dans une subjectivité et une affectivité toujours valorisée. Quelle que soit la lecture adoptée, la récriture du mythe ainsi que son intégration dans la continuité - ou la discontinuité textuelle - mettent toujours en question le statut du « je », même là où l’on s’y attend le moins. Ainsi les mythes cosmogoniques sont-ils orientés dans le sens du parcours individuel sans jamais se réduire à un écrit autarcique et personnel grâce à la multiplication des mythes initiatiques. Aux deux extrêmes d’un symbolisme de l’intériorité et de l’extériorité, du parcours individuel et des mouvements du monde, ces deux dominantes se contaminent mutuellement. La conjugaison de ces deux structures permet de ménager une sphère intermédiaire d’où peut jaillir une parole lyrique libérée des conditions de l’espace et du temps. Mais cette conjonction ne se fait pas sans de multiples distorsions qui rendent par ailleurs les textes nervaliens inclassables. Effectivement, qualifier le lyrisme nervalien de pluriel renvoie d’abord à la difficulté que l’on éprouve à saisir les modalités de l’écriture suivant les catégories habituelles de la terminologie littéraire. D’un point de vue énonciatif, le « je » nervalien est polymorphe et protéiforme. Non seulement il fait l’objet de multiples réalisations mais le syncrétisme mythologique lui confère une mobilité et une capacité de métamorphose essentielles. Emblématique de cette labilité du sujet nervalien, le mythe du Double se diffracte en de multiples réalisations et significations qui font varier la caractérisation et l’axiologie. Ce mythe est d’ailleurs bien mal nommé si l’on considère la récriture qu’en fait Nerval pour lequel le chiffre deux ne constitue qu’un principe structurel très superficiel. On dira que cette reprise du mythe de l’Alter ego est absente des Chimères mais comment ne pas voir dans la présence obsédante des masques et des interlocuteurs mythiques, une réalisation indirecte de cette même symbolique ? Ce mouvement et cette instabilité sont en accord avec la quête du sujet qui ne cesse de repousser une identité autobiographique. Le mythe vise à accompagner la constitution du « je », risquant d’être figé par le statisme que lui conférerait une caractérisation finie et achevée. En dépit de tous les efforts, - c’est d’ailleurs ce qui fait le charme essentiel des textes nervaliens -, le « je » échappe à toutes classifications. Cette polysémie et cette polyphonie rejaillissent sur un énoncé qui ne dit jamais vraiment ce qu’il est. De même que le « je » des Chimères tente de se débarrasser de sa singularité, celui d’Aurélia ne l’assume pas pour autant. Aussi faut-il recourir à une approche complémentaire pour le comprendre. L’approche générique semble un échec en particulier pour Aurélia. « Fragment de l’autobiographie nervalienne » pour certains, récit onirique pour d’autres, l’origine de cette marginalité est multiple. Outre les différentes strates et les ruptures discursives, c’est le type de texte qui semble bloquer l’analyse. Il n’y a pas de véritable narration dans Aurélia mais il n’y en a pas non plus dans Les Chimères. Dans le recueil, la trame narrative est souvent réduite au strict minimum et traduit souvent une fausse causalité narrative. Mais, dira-t-on, le mythe n’est-il pas un récit ? N’est-il pas omniprésent dans l’œuvre nervalien ? Certes, la forme du mythe correspond à une structure de type narratif. Cependant, Nerval n’utilise pas un mythe mais plusieurs mythes qu’il associe et récrit pour les plier aux exigences de sa poétique. Même lorsque la récriture se fait sous forme de reprise intégrale, les métamorphoses et transformations de l’ordre et de la symbolique tendent à briser la chronologie interne et par conséquent la causalité narrative originelle de chaque mythe. Dans les deux œuvres, reste cette omniprésence plus ou moins explicite de l’énonciateur et des énonciateurs. Cette prégnance du régime discursif tend à donner la priorité au premier type cité mais l’intérêt de l’écriture nervalienne réside justement dans l’absence de choix. Les voies du lyrisme traditionnel sont repoussées dans la mesure où les traits stylistiques et les images de l’intériorité sont occultées ou reléguées au second plan par le mythe. Dans Aurélia, la présence de ce dernier tend à rendre la perception extérieure, neutre, point de vue appuyé parfois par la description pseudo-scientifique de l’état du sujet. Dans Les Chimères, le mythe universalise le discours et brouille le contenu énonciatif comme pour protéger le « je ». Pour ce qui est de la narration, qui devrait imposer sa structure et ses modalités, elle est paradoxalement avortée par l’omniprésence du mythe. De fait, les différents modes de récritures se rencontrent de telle sorte qu’ils aboutissent à la négation de chronologie et de la causalité narrative, éléments caractéristiques du récit et de sa fonction. Chaque fois, ces principes de progression semblent être évacués au profit d’une écriture où dominent les relations intuitives, affectives et intérieures. Cette subversion typologique est fondamentale pour comprendre l’essence du lyrisme nervalien. Si le poète refuse d’enfermer l’écriture dans un genre donné, c’est pour mieux conjuguer des formes d’énoncés dont les caractéristiques sont a priori incompatibles. Nerval n’a de cesse de rapprocher mythe et lyrisme, deux pôles de la création s’opposant presque terme à terme. Comment y parvient-il ? Il détourne la plupart de leurs caractéristiques respectives afin de les allier. D’abord, la constitution problématique du sujet lyrique se donne à lire dans l’universalité du mythe, en mettant en scène les enjeux de la quête identitaire : entre brouillage énonciatif et absence d’énonciateur, Nerval trouve un point d’intersection qui témoigne de la difficulté à dire « je ». Cette strate de convergence est renforcée par le traitement du temps qui joue sur l’ambiguïté chronologique des deux formes. De fait, si l’énonciation lyrique est marquée par sa singularité et son ancrage personnel, elle représente également l’instantané d’un présent qui se répète indéfiniment. De même, la chronologie interne du mythe est partiellement effacée par l’atemporalité du récit, valable en tous lieux et surtout à toutes les époques. Le poète exploite donc le potentiel d’actualisation des deux formes pour les conjoindre. Ensuite, suivant une relation presque symétrique, il cultive les similitudes ou, du moins, les effets d’échos et de renvois afin de confondre intériorité et extériorité : le monde reflète la sphère intime et l’intimité reflète l’univers. La fusion des deux extrémités est favorisée par la multiplication des différents plans et points de vue qui tendent à les confondre. Enfin, il use de la dimension didactique propre au mythe pour donner à comprendre la recherche d’ipséité d’un sujet qui interroge son propre état affectif : le symbolisme mythologique est mis au service de l’interprétation et de l’expression de la subjectivité lyrique.

Le lyrisme nervalien peut donc être qualifié de pluriel parce qu’il émane des diverses modalités de convergence avec le mythe. Mais cette pluralité est également à l’image du sujet polymorphe et protéiforme qui ne parvient à se représenter et à se dire qu’à travers la dynamique narrative du mythe. On a utilisé le terme de « narrativité » pour mettre en évidence un aspect prédominant de l’écriture lyrique. Se nourrissant des mythes et mythèmes, le sujet comme l’expression de ses sentiments sont mis en action dans un mouvement évoquant le récit mais sans en adopter pleinement les composantes. Dès lors, la narrativité du lyrisme résulte non pas de la transcription de formes simples associées mais de la métamorphose que leur fait subir Nerval en les actualisant. De fait, les différents modes d’apparitions des mythes semblent se substituer aux aspects traditionnels de la narration pour être mis au service du lyrisme. Avec la reprise intégrale des mythes, le poète remplace la logique causale de progression événementielle par une dynamique symbolique, plus à même de représenter le sujet dans sa quête d’identité, en perpétuelle évolution : il s’agit de résoudre les tensions internes au « je » en les mettant en scène grâce au mythe. Le sens de ce mode de récriture est en relation étroite avec les allusions qui instaurent une dynamique herméneutique en lieu et place de la dynamique narrative. A des degrés divers, les reprises mythologiques installent au cœur de l’expression des sentiments un mouvement et une progression similaires à ceux que l’on trouve dans la narration. L’usage des mentions mythologiques témoigne également de ce refus de figer l’évocation. Ainsi les différents mythèmes sont-ils disposés de façon à créer un lyrisme cinétique. En d’autres termes, ils mettent en place les conditions nécessaires à une subjectivité plurielle dans les diverses focalisations qu’ils induisent. En effet, Aurélia comme Les Chimères brossent un portrait en actes du « je » qui ne se dévoile jamais dans un tableau narcissique et statique mais en interaction perpétuelle avec le monde et autrui grâce au syncrétisme mythologique. La représentation du « sentir » passe la médiation de l’action, propre au mythe. La mobilité du sujet en assure la correspondance. L’écriture lyrique devient le théâtre d’une parole qui, se libérant de son carcan intérieur, s’ouvre sur soi dans le même temps qu’elle s’ouvre sur autrui. Plurielle, la relation du « je » à l’altérité se donne à lire dans la dynamique narrative héritée du mythe. Elle est étroitement liée à la portée d’un lyrisme que l’on a qualifié d’orphique parce qu’il s’appuyait sur une figure archétypale pour donner à entendre les voix d’une subjectivité multiple.

Il ne nous semble donc pas excessif d’affirmer que le syncrétisme mythologique participe d’une recherche esthétique pour trouver les modalités d’une écriture lyrique en accord avec l’essence du sujet nervalien : un « je » qui n’a de cesse de fonder son unité en intégrant la diversité de l’univers qui l’entoure. Poète, Nerval s’est interrogé sur le sens de l’être au monde et il l’a fait par l’intermédiaire des mythes. Peut-être ces derniers ont-ils favorisé par ailleurs l’élaboration d’une histoire personnelle imaginaire, mais tel n’est pas notre propos. Ils lui ont surtout permis de développer un projet esthétique certes inachevé mais dont la qualité poétique est indéniable. S’il était encore besoin de le prouver, l’omniprésence des mythes, les métamorphoses que Nerval leur fait subir ainsi que les fonctions qu’il leur assigne, l’attestent. L’association des cosmogonies et du parcours initiatique, centrale dans l’organisation du discours, se réalise pleinement avec l’image orphique qui confirme l’orientation de la démarche lyrique et la portée réflexive des configurations mythologiques. De fait, si Orphée constitue un modèle fantasmé de poète, Nerval ne s’y identifie pas en tant qu’homme mais cherche dans le sens de son histoire la signification de l’aventure poétique pour atteindre ce qu’il considère comme un idéal lyrique. En soi et par les effets spéculaires qu’il induit, le syncrétisme témoigne d’une recherche tournée vers la fonction du poète et de ses textes. Les effets spéculaires qui traversent l’œuvre montrent que l’enjeu de la récriture relève davantage de l’art plutôt que de la pathologie. La réflexion esthétique passe également par une remise en cause du langage, obstacle essentiel à la constitution et à l’expression du « je ». Nostalgique d’une communication émotionnelle, harmonieuse et directe, Nerval recourt aux mythes pour dépasser les détours imposés par la langue. Emanation anonyme d’une expérience universelle, le mythe donne un élément de réponse. A défaut de pouvoir recréer les qualités initiales de la forme simple, le poète les réinvestit dans Aurélia et Les Chimères. Les différents modes d’apparitions du mythe témoignent d’une tentative pour surmonter les contradictions en recréant cette spontanéité et cette immédiateté. Par le mythe, le « je » s’émancipe de sa singularité, jusqu’à se désincarner et prendre ainsi le relais des voix de la nature. Nerval trouve un moyen de réconcilier le « je » et l’altérité, l’intériorité et l’extériorité dans un rapport immédiat au monde : faire entendre collectivement les voix individuelles. Retournant aux origines du mythe, il réinvente une parole universelle, qui n’est plus soumise ni aux déterminismes sociaux, historiques ou géographiques, ni aux défaillances d’une langue toute aussi pesante que peut l’être l’histoire personnelle. C’est cet équilibre fragile rendu possible par le syncrétisme mythologique qui confère ce rythme si particulier au lyrisme nervalien. Dans la perpétuelle mouvance de voix à la fois permanentes et évanescentes, « je » est l’autre.

Samedi 7 janvier 2006
14 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Joseph CHOUAKO soutient sa thèse de doctorat :

 Conflits église - état : Le cas du Caméroun (1884-1970)

En présence du Jury :

M. MAYEUR (Paris 4)
M. LABURTHE-TOLRA (Paris 5)
M. LEDURE

Lundi 5 décembre 2005
14 heures
Petit amphithéâtre
Institut Océanographique
195, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Christel THIBAULT soutient sa thèse de doctorat :

 Conflits,refuges et enjeux frontaliers. Les déplacements forcés de la population du Cambodge 1970-2000

En présence du Jury :

M. HUETZ DE LEMPS (Paris 4)
M. COSAERT (La Rochelle)
Mme LASSAILLY-JACOB (Poitiers)
M. SEVIN (Paris 4)

Résumés

Les crises politico-militaires qui ont affecté le Cambodge depuis 1970 ont provoqué des déplacements de population de très grande ampleur. Des centaines de milliers de Cambodgiens furent ainsi contraints de se déplacer à l’intérieur du pays ou de chercher refuge, durant près de quinze ans, dans des camps dressés le long de la frontière khméro-thaïlandaise. Sous l’égide des Nations Unies, la mise en place d’une opération de maintien de la paix (Apronuc) a finalement permis le retour au pays et la redistribution de l’ensemble des réfugiés, des personnes déplacées et des déplacés internes au sein de l’espace cambodgien ; mais leur réintégration socio-spatiale fut entravée par la persistance de l’instabilité politique interne, la guérilla khmère rouge et l’extension des champs de mines.

Since 1970, politico-militaries crisis in Cambodia caused a large scale forced migrations. Therefore several hundred thousands Cambodians were forced to move inside their country or to reach the refugee camps settled along the khmero-thaï border during about 15 years. The peace-keeping operation lead in Cambodia by the United Nations (Untac) finally enabled the refugees, the displaced persons and the internally displaced persons (IDPs) to go back home. But the long lasting internal political troubles, khmer rouge guerilla and the large spread of mine fields have been a major hindrance against the resettlement and the social reintegration of the whole displaced population of Cambodia.

Position de thèse

De quelle manière et dans quelle mesure une population affectée par des déplacements forcés de grande ampleur, durant près de trois décennies, se redistribue-t-elle au sein de son territoire national ? C’est à travers l’analyse du cas présenté par la population du Cambodge que nous tenterons de répondre à cette question. Lorsque la mobilité sous contrainte implique pour la population affectée une recherche de refuge aux marges de son propre pays, celle-ci s’inscrit dans un système global de crise dont ce type particulier de migration représente l’aspect le plus dynamique. Ce système de crise est généré, structuré et entretenu par des régimes politiques autoritaires (voire totalitaires) et des violences politiques ou militaires, qui interviennent simultanément, alternativement ou successivement, et concourent ainsi à créer un véritable carcan enserrant la population civile. Par conséquent, le politique, le militaire, l’humanitaire et les déplacements forcés se trouvent en inter-relations étroites. Ce système de crise crée les conditions d’une rupture, qui entraîne à son tour la mobilité de la population, pour un temps donné allant de quelques mois à plusieurs années. La mobilité sous contrainte issue de tels systèmes de crise est susceptible de se présenter sous différentes formes car elle peut apparaître comme une réponse possible permettant à la population affectée d’échapper à la coercition, mais elle peut tout autant apparaître, pour le pouvoir politico-militaire, comme une stratégie terriblement efficace de contrôle socio-spatial de cette même population. De ce fait, la population affectée par la mobilité forcée peut se trouver successivement astreinte à des déplacements de nature différente (ex. évacuations, déportations, déplacements internes, recherche de refuge au-delà des frontières nationales, rapatriement dans le pays d’origine, migrations secondaires). Lorsque le pays est frappé par une crise politico-militaire majeure qui tend à s’inscrire dans la durée, ou par plusieurs crises successives voire concomitantes, la mobilité sous contrainte entraîne alors les personnes affectées dans un véritable cycle de déplacement qui les tient durablement éloignées de leur lieu d’origine : les évacués deviennent des déportés, puis/ou des déplacés internes, puis/ou des réfugiés, puis des rapatriés, fréquemment soumis à de nouveaux déplacements internes forcés. Le cas du Cambodge est particulièrement intéressant en ce que le système global de crise générant le déplacement sous contrainte peut également provoquer une immobilisation sous contrainte et priver les personnes affectées de toute liberté de mouvement - soit parce qu’elles sont placées sous la coupe d’un régime totalitaire ou autoritaire, soit parce qu’elles se trouvent durablement confinées dans des camps aux marges du territoire national, soit parce que le sol est saturé de mines. La population sous contrôle passe ainsi d’une situation extrême (le déplacement forcé) à une situation extrême inverse (l’assignation à résidence).

La thèse présentée ici envisage l’analyse du cycle majeur de mobilité sous contrainte ayant affecté la population du Cambodge entre l’extrême fin des années 1960 et le début des années 2000 - du premier déplacement forcé ayant contraint la population civile à quitter sa ville ou son village d’origine jusqu’au dernier mouvement de retour remarquable ayant permis à celle-ci de regagner ce lieu d’origine, ou encore de s’établir durablement dans un autre lieu. Afin de saisir dans sa globalité ce cycle majeur de déplacement, il est nécessaire d’appréhender tant les crises politico-militaires qui se trouvent en amont des déplacements forcés de grande ampleur que les conséquences socio-spatiales de ces déplacements. La mobilité forcée relève d’un processus dont la compréhension globale repose sur l’analyse des différents éléments qui le structure. S’agissant d’un cycle complet de déplacement - impliquant de ce fait un retour au point d’origine, au terme d’un temps donné - la démarche chronologique adoptée dans cette thèse a permis de reconstituer la traçabilité d’une population affectée dotée d’une faible visibilité géographique, en raison notamment de changements fréquents de statut (évacuée, déportée, réfugiée, rapatriée, etc.), mais également parce que les déplacements majeurs se mettent en place au plus fort des crises ou des conflits armés.

A partir de la fin des années 1960, le Cambodge fut pris dans un système de crises emboîtées, mêlant conflits régionaux et conflits locaux. Ce cycle particulier de crises et de violences a débuté lorsque le Cambodge s’est trouvé sous le feu des bombardiers américains et semble ne s’être réellement achevé qu’avec la reddition officielle des derniers combattants Khmers rouges, à l’aube des années 2000. Rattrapée par la guerre du Vietnam, laminée par le totalitarisme khmer rouge et ses pratiques génocidaires, libérée puis occupée par une armée vietnamienne forte de quelque 200 000 hommes, toujours convoitée par différents groupes armés en opposition avec le centre du pouvoir, la population du Cambodge a subi durant près de trois décennies un brassage et une pression d’une ampleur inconnue jusqu’alors. Puissants facteurs de mobilité, la coercition sous toutes ses formes - tout autant que la disette - ont précipité des millions de Cambodgiens hors de leur région d’origine et des centaines de milliers d’entre eux vers des camps de rétention dressés le long de la frontière khméro-thaïlandaise.

L’étude de la mobilité de crise de la population du Cambodge est une entreprise difficile dans la mesure où les données générales de population disponibles sont déjà très fragmentaires. Non seulement les temps de crises majeures sont généralement incompatibles avec la mise en place de travaux de recherche, mais la période khmère rouge semble avoir agi en véritable « trou noir », absorbant irrésistiblement la plupart des préoccupations de recherche depuis la fin des années 1980. Toutefois, la relative abondance des publications concernant cette période ne doit pas faire illusion : les véritables travaux de recherche restent rares, la documentation institutionnelle est à peu près inexistante et les témoignages publiés ne sont généralement représentatifs que de la population la plus affectée sous Pol Pot (plutôt d’origine citadine voire phnom-penhoise, ayant fui précocement le pays, et réintégrée dans un pays étranger), mais ils ne sont pas représentatifs des centaines de milliers de Cambodgiens sans statut, restés bloqués plus de dix ans dans les camps frontaliers. Lorsqu’au matin du 17 Avril 1975 le Cambodge a basculé dans l’autisme révolutionnaire, a commencé d’évacuer des agglomérations urbaines plusieurs millions de citadins et de réfugiés de guerre, s’est progressivement laissé gagner par le silence, ce pays est entré dans une autre dimension. De surcroît, cette tragédie humaine s’est jouée à huis clos. Tous les Cambodgiens rescapés du totalitarisme absolu de Pol Pot - sans exception - se sont retrouvés happés par la même tourmente qui a déstructuré profondément et durablement l’ensemble de la société. Le Cambodge est ainsi passé par une phase de radicalité extrême qui a valeur d’exemple - une de ces grandes fractures qui laissent provisoirement les peuples à terre. Mais doit-on pour autant réduire l’histoire d’un pays à sa période la plus violente ou la plus criminelle ? L’intensité dramatique contenue dans les événements qui ont bouleversé outre mesure la vie des Cambodgiens est à l’origine - et à juste titre - d’une charge émotionnelle lourde qui, cumulée à un manque criant de données fiables, a pu interférer dans l’objectivité de certains travaux scientifiques, et donner cours à des dérives dans la littérature grand public. En terme de mobilité sous contrainte, la période khmère rouge représente un point d’orgue du système global de crise, mais elle n’en constitue que l’un des principaux éléments structurants.

L’approche globale de la mobilité sous contrainte récente de la population du Cambodge s’articule autour des trois temps fondateurs qui structurent l’ensemble du cycle de mobilité pris en compte : le temps de la guerre, le temps des camps et le temps du retour. Le temps de la guerre est celui où le rapport de force exercé aux dépens de la population civile est le plus coercitif et le plus mobilisateur. A la fin des années 1960, alors que le Cambodge abordait une crise politique interne aiguë et sombrait dans la guerre civile, la stratégie américaine de bombardement systématique de la moitié orientale du pays a provoqué un afflux massif des ruraux vers la capitale et les chefs-lieux de province, favorisant ainsi considérablement la prise du pouvoir par les Khmers rouges en 1975. Les hommes de Pol Pot n’eurent plus qu’à organiser une gigantesque rafle des citadins et des réfugiés de guerre, préalablement dispersés par les bombardements puis rassemblés dans ces villes-refuge. L’avenir devant désormais se tenir hors des villes, celles-ci furent abandonnées tandis que les citadins et les réfugiés de guerre étaient déportés vers les zones rurales du Nord-Ouest afin d’être rééduqués par le travail de la terre. Ces déportations ont permis au pouvoir khmer rouge d’établir un contrôle absolu sur une population dont il a organisé la rupture de tous les liens socio-spatiaux antérieurs.

En distinguant le Peuple ancien du Peuple nouveau, les Khmers rouges ont institué une ségrégation fondamentalement géographique entre les « ruraux » et les « citadins » - prétendument corrompus par un mode de vie de type occidental. Mais dans leur extrémisme, les Khmers rouges ont également évacué puis déporté les réfugiés de guerre d’origine rurale qui s’étaient rassemblés auprès des villes pour fuir les bombardements. De ce fait, le sort des civils s’est trouvé fixé par leur lieu de résidence au moment où les Khmers rouges ont pris le pouvoir, et non en raison de leur véritable origine. Mobilité géographique interne (évacuations, déportations, brigades mobiles) et mobilité politique interne (par l’intermédiaire de purges provoquant régulièrement la disparition des cadres du régime) ont participé d’un même projet révolutionnaire. Le totalitarisme politique a trouvé une expression géographique dans cette mobilité extrême destinée à façonner l’Homme nouveau. Durant près de quatre années, l’Angkar révolutionnaire est devenue l’unique repère socio-spatial de l’ensemble de la population. Plus encore que de la terreur, de la brutalité des évacuations et des déportations, des exigences du travail forcé, ou de la rigueur de l’encadrement, c’est bien d’une privation de repères spatiaux et d’une sous-alimentation généralisée dont les Cambodgiens interrogés ont le plus souffert. Particulièrement peu aguerris à des conditions d’existence aussi frustes, les citadins déportés comptèrent parmi les premières victimes de ces mauvais traitements.

Dès la chute du régime khmer rouge, la frontière khméro-thaïlandaise est apparue comme une zone de hautes turbulences cristallisant les enjeux régionaux. Au regard de l’échec militaire infligé par le Vietnam aux Etats-Unis, la préservation et la montée en puissance du mouvement khmer rouge furent non seulement considérées par les Nations unies comme une menace de second rang, mais elles furent directement utilisées pour contenir les troupes vietnamiennes. Activement soutenue jusqu’en 1989 (par les Etats-Unis et la Chine, en particulier), la guérilla khmère rouge s’est finalement maintenue jusqu’à l’extrême fin des années 1990. Mais c’est également au sein de cet espace trans-frontalier que des centaines de milliers de déplacés ont trouvé refuge et assistance. En effet, si les troupes vietnamiennes ont bien desserré l’étau khmer rouge, la ‘libération’ du Cambodge n’a autorisé qu’une relocalisation imparfaite de la population déportée. Les autorités pro-vietnamiennes n’ont pas tardé à limiter la circulation intérieure des personnes et des marchandises, et ont permis de surcroît l’installation d’une armée d’occupation qui a provoqué - directement ou indirectement - la fuite ou le départ de plusieurs centaines de milliers de Cambodgiens en direction de la frontière khméro-thaïlandaise.

Les personnes déplacées ont tout d’abord trouvé refuge auprès des campements de la guérilla khmère rouge et non khmère rouge. En vertu de cette dette initiale de protection, les personnes déplacées se sont trouvées durablement liées aux combattants, alors même qu’ils étaient parvenus à intégrer des camps relevant de la responsabilité de l’UNBRO (United Nations Border Relief Operation) - une opération d’assistance spécialement mandatée par les Nations unies. De surcroît, les Nations unies ont renforcé, figé puis pérennisé le contrôle politique des résidents des camps par ces factions combattantes en permettant la création d’un gouvernement de coalition représentant officiellement le Cambodge sur la scène internationale. Désormais placés au cœur d’un complexe frontalier politico-militaro-humanitaire, les résidents se sont retrouvés géographiquement et politiquement captifs : bloqués à la frontière, au sein de camps dont l’obédience politique ne correspondait pas nécessairement à leurs affinités. Durant l’ensemble de la décennie 1980, un véritable espace frontalier s’est structuré en se constituant un territoire (l’archipel des camps), une population (les résidents des camps), ainsi qu’une véritable force armée (les combattants relevant de chacune des factions combattantes). L’organisation de ce nouvel espace s’est essentiellement articulée autour de trois entités géographiques : les camps civils de déplacés, les campements et bastions militaires de la résistance au gouvernement pro-vietnamien de Phnom Penh, et les zones libérées placées sous leur contrôle exclusif ou partiel. Mais compte tenu des luttes entre factions politico-militaires, la frontière khméro-thaïlandaise n’a pas présenté un ensemble homogène. Au contraire, chaque faction a mis en place son propre système trans-frontalier d’organisation, reposant sur les trois types d’espaces contrôlés (camps civils, campements et bastions militaires, zones libérées à l’intérieur du Cambodge). De ce fait, l’organisation globale de la frontière s’est trouvée scindée en sous-systèmes trans-frontaliers autonomes, d’obédiences politico-militaires différentes, et juxtaposés dans l’espace. Ces nouveaux territoires civils et militaires, et la population qu’ils regroupaient, ont directement concouru à la création d’un contrepoids politique permettant d’amener le gouvernement de Phnom Penh à accepter la signature d’accords de paix en 1991. Relevant initialement du Cambodge délaissé, l’espace frontalier a fini par s’intégrer pleinement et officiellement à l’espace politique du Cambodge.

Les accords de paix de 1991 ont consacré le retour à une certaine normalisation, ont entériné la mise en place d’une opération de maintien de la paix aux prérogatives civiles et militaires très étendues (l’Apronuc - Autorité Provisoire des Nations Unies au Cambodge), et ont permis d’organiser le rapatriement massif de près de 400 000 réfugiés cambodgiens. Mais le temps du retour fut marqué par une très forte instabilité interne, génératrice de nouveaux déplacements forcés tant à l’intérieur du pays qu’en direction de la frontière khméro-thaïlandaise. Si l’Apronuc a effectivement permis le relèvement des principales infrastructures du pays et la restauration d’un Etat cambodgien reconnu au plan international, elle a néanmoins échoué dans sa mission de restauration de la paix en ne parvenant pas à contenir spatialement la guérilla khmère rouge. De ce fait, nombre de rapatriés sont devenus des déplacés internes, avant même d’avoir pu rejoindre leur village d’origine. Le Nord-Ouest du pays s’est trouvé particulièrement affecté par les combats alors qu’il devait accueillir la majorité de la population rapatriée. La réinstallation durable des rapatriés étant de surcroît entravée par l’importance de la distribution de mines et par l’absence de terres cultivables et sûres, nombre de rapatriés durent se plier à de nouvelles migrations internes à l’issue de leur retour au pays.

Pour l’ensemble de la population rapatriée depuis la frontière khméro-thaïlandaise, le cycle de déplacement sous contrainte ne s’est véritablement achevé qu’à partir de la fin des années 1990 ou le début des années 2000, selon les régions. Au sein de l’ensemble cambodgien, deux régions furent particulièrement affectées par la mobilité sous contrainte : le Nord-Ouest et le Sud-Est. Le Nord-Ouest apparaît comme une région majeure d’origine des réfugiés, mais également comme une zone de départ vers la frontière thaïlandaise pour les personnes originaires du Sud-Est qui avaient été déportées durant le régime khmer rouge. Cette bipolarité des régions d’origine des réfugiés atteste du fait que la redistribution de la population à la suite de la chute de Pol Pot fut très imparfaite. En effet, nombre de déportés s’étaient installés dans la région où ils avaient été transférés par l’Angkar - soit parce qu’ils avaient perdu la trace de leurs proches, soit parce qu’ils ne furent pas en mesure d’entreprendre le long périple qui devait leur permettre de rentrer chez eux (sans ressources, trop affaiblis) avant que le gouvernement de Phnom Penh ne réglemente strictement la circulation intérieure des personnes. Le Nord-Ouest se présente également comme un bassin majeur de réception des flux de rapatriement encadrés des années 1992 - 1993, qui sont exclusivement issus de la frontière thaïlandaise. En revanche, c’est vers le Sud-Est (en particulier vers la capitale) que se sont essentiellement dirigés les flux spontanés de retour au pays, vraisemblablement issus du Vietnam. La population rapatriée dans le Nord-Ouest et dans le Sud-Est fut également affectée par d’importantes migrations secondaires. Et sur l’ensemble du cycle de crises et de déplacements considéré, la mobilité sous contrainte semble avoir été à la fois plus importante et plus localisée dans le Sud-Est que dans le Nord-Ouest, où elle fut certes très élevée mais globalement plus diffuse. En définitive, en 1998, c’est bien dans le Sud-Est du Cambodge que les rapatriés sont les plus nombreux - en particulier dans la capitale et les provinces de Svay Rieng, Kompong Cham et Kandal. Les recherches centrées sur la frontière khméro-thaïlandaise, le Nord-Ouest, la province de Battambang et un rapatriement des personnes déplacées encadré par le HCR, nous amènent au bout du compte à nous interroger sur la frontière khméro-vietnamienne, le Sud-Est, les provinces de Svay Rieng, Kompong Cham, Kandal, et les flux de retours spontanés.

Au terme du cycle de crises, la population déplacée s’est progressivement redistribuée au sein de l’espace national à partir de 1992 et semble désormais avoir globalement réintégré les espaces qu’elle occupait à l’extrême fin des années 1960 - qu’ils soient minés ou non. En revanche, les mouvements de retours engagés en direction de la capitale furent beaucoup plus précoces. En effet, près de 90 % des retours enregistrés en 1998 étaient antérieurs à la signature des accords de paix, et même antérieurs au retrait des troupes vietnamiennes. Dans tous les cas, la population déplacée a tenté de se réinstaller au plus près de son lieu d’origine, en milieu rural comme en milieu urbain. En définitive, le cycle de crises et de déplacements ayant affecté la population du Cambodge entre 1970 et 2000 n’a pas provoqué d’hypertrophie durable de la capitale. Dans la mesure où les Khmers rouges ont obtenu le contrôle officiel de régions qu’ils contrôlaient officieusement depuis la fin des années 1960, ce cycle n’a pas donné lieu, non plus, à une véritable recomposition territoriale.

Si la population déplacée semble avoir recouvré une certaine stabilité dans l’espace, en revanche sa réintégration sociale laisse apparaître une grande variété des situations. Ces anciens rapatriés restent marqués du sceau de la migration sous contrainte et du refuge puisque la population locale les désignent encore fréquemment par le nom anglais khmérisé du camp frontalier dans lequel ils résidèrent plusieurs années (ex. : les « Site 2 », prononcer « saytou »). Dans les régions situées en périphérie des anciens bastions khmers rouges du Nord et de l’Ouest, balayées par les lignes de front, la réintégration des déplacés est particulièrement difficile dans la mesure où la persistance des rapports de force sur le terrain et l’importance de la distribution de mines limitent encore l’accès au sol et modifient durablement les pratiques spatiales.

Jeudi 15 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Bibliothèque de l’UFR de Grec
16, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Jean-François LHERMITTE soutient sa thèse de doctorat :

 Conscience morale des animaux et perspective éthique dans l’oeuvre zoologique d’Elien de Preneste

En présence du Jury :

M. BILLAUT (Paris 4)
M. BOUFFARTIGUE (Paris 10)
M. DEMONT (Paris 4)
M. ZUCKER (Nice)

Mardi 7 décembre 2004
14 h
Auditorium de l’Institut Finlandais,
60, rue des Ecoles
75005 PARIS

 Mme Anne-Françoise LAGNY soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Conscience. Autobiographie. Figuration. Recherches sur l’histoire des idées et des sensibilités en Allemagne du XVIIe au XXe siècle.

 En présence du Jury :

Mme BLONDEAU (REIMS)
M. KREBS (PARIS IV)
M. LAUDIN (PARIS X)
M. MONDOT (BORDEAUX III)
M. VALENTIN (PARIS IV)

Samedi 18 décembre 2004
9 heures
Amphi Michelet, esc. A
46, rue Saint Jacques
75005 PARIS

 Mme Roxane JUBERT soutient sa thèse de doctorat :

 Constitution et développement de la typographie et du graphisme en Occident aux époques moderne et contemporaine

 En présence du jury :

M. DUFRENE (PARIS X)
M. FRESNAULT-DESRUELLE (PARIS I)
M. LEMOINE (PARIS IV)
M. PIERRE (GRENOBLE II)
M. WIDMER

Vendredi 9 janvier
14 h 30 Salle Louis Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Aimeric VACHER soutient sa thèse de doctorat :

 Continuité et rupture dans la tradition du droit anglo-saxon après la conquête normande

 en présence du Jury :

M. CARRUTHERS (PARIS IV)
Mme CASSAGNES - BROUQUE (LIMOGES)
M. CONTAMINE (PARIS IV)
M. WESTREM (New-York)

CHANGEMENT DE SALLE

Vendredi 7 avril 2006
9 heures
Centre Malesherbes
A 128
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Olivier FABRE soutient sa thèse de doctorat :

 Contribution à l’archéologie de la région Chachapoya, Pérou

En présence du Jury :

M. LÉVINE (Paris 4)
M. DUVERGER (EHESS)
M. SCHVOERER

Résumés

La tradition chachapoya s’est développée entre 800 ap. J.-C et 1470 ap. J.-C. sur le versant oriental des Andes septentrionales péruviennes. Elle se compose de différentes populations dont les manifestations culturelles sont abordées par la recherche comme un tout homogène. Cette thèse a pour objectif de démontrer que l’unité apparente et l’hétérogénéité des vestiges de tradition chachapoya permettent d’identifier différentes populations et leur répartition spatiale, et de prouver que l’archéologie est en mesure de dégager des caractéristiques qui leur sont propres. L’étude a été réalisée à partir de l’analyse des éléments architecturaux, de l’iconographie, des types de sépultures, et des rites funéraires s’y rattachant, ainsi que de la production céramique.

The chachapoya tradition developed between 800 and 1470 A.D. on the Eastern slopes of the Northern Peruvian Andes. It is made up of different peoples although for research purposes they are treated as one in their cultural portrayal. The aim of this thesis is to show that the apparent unity and the differences revealed in chachapoya remains lead to the identification of different peoples and their geographical spread and to prove that by archaeology one is able to detect the separate characteristics. The study was carried out from the analysis of architectural elements, iconography, types of burial sites and related funeral rites as well as their ceramic artefacts.

Position de thèse

De manière générale, la recherche archéologique au Pérou s’est focalisée le long de la côte péruvienne et dans le centre et le sud des hautes terres, laissant de côté les Andes orientales et donc les Chachapoyas. Les textes des XVIème et XVIIème siècles les situent, d’ouest en est, entre le Marañón et l’Huallaga au niveau des départements de La Libertad et de San Martín, ayant approximativement la région de la ville de Pias (province de Pataz, département de La Libertad) comme limite sud de leur extension et la région de la ville de Chachapoyas (province de Chachapoyas, département d’Amazonas) comme limite nord.
Leur étude a été assez négligée par la recherche scientifique moderne. Ce manque d’intérêt peut s’expliquer. Pendant la première moitié du XXème siècle, surtout, on a considéré les forêts d’altitude qui recouvrent le versant est des Andes péruviennes comme une barrière naturelle, une frontière aux civilisations andines en général et à l’Empire inca en particulier. Cette sorte de zone tampon éloignée de tout foyer de peuplement aurait marqué la séparation avec les cultures amazoniennes. Ce manque d’intérêt a été accentué par les difficultés logistiques, et donc financières, engendrées par les mauvaises ou inexistantes infrastructures routières. De même, la topographie accidentée et l’épaisse végétation parfois inextricable qui enserre la majorité des sites archéologiques de tradition chachapoya les rendent ainsi, en quelque sorte, non rentables pour la recherche. Beaucoup de temps, de financements et d’efforts physiques pour, finalement, peu de résultats scientifiques, comparativement à des investigations se développant dans d’autres zones du Pérou sur le même laps de temps et dans un environnement géographique moins hostile. Les données sont donc fragmentaires, ce qui est accentué par les dégradations anthropiques et naturelles et par les nombreux pillages dont souffrent les vestiges, les dérobant ainsi à leurs contextes. La recherche archéologique s’en trouve donc pénalisée et l’étude des Chachapoyas n’en est encore, à ce jour, qu’à ses balbutiements.
De fait, à la simple question « Qui sont les Chachapoyas ? », on ne peut apporter, aujourd’hui, de réponse vraiment concluante.
L’appellation « Chachapoya » apparaît dans les textes des XVIème et XVIIème siècles comme un nom générique pour désigner une province de l’Empire inca qui englobe différentes petites provinces, comme celles des Chillaos et des Chilchos par exemple, mais aussi des Chachapoyas. Celles-ci étaient présentes juste avant l’arrivée des Incas dans le nord-est des Andes péruviennes et recouvraient des territoires probablement frontaliers. Pour des raisons administratives, les Incas auraient vraisemblablement cherché à les regrouper en une seule province et sous un seul nom, Chachapoya. Quant à la littérature scientifique, elle les désigne par le terme « groupe ethnique » sans pour autant justifier cette appellation.
Soit ce « groupe ethnique » était composé d’une population variée, parfois appelée « sous-groupe », correspondant aux différentes petites provinces mentionnées par les chroniques. Ces « sous-groupes » auraient été organisés en ayllus. Soit, les Chachapoyas sont définis comme un seul « groupe ethnique » localisé parmi d’autres « groupes ethniques » en étroites relations et coïncidant avec les provinces mentionnées par les chroniques.
L’appellation « groupe ethnique » récurrente dans les publications pour désigner les habitants de chaque province mentionnée dans les chroniques est utilisée par commodité mais ne peut être totalement justifiée. C’est pourquoi nous lui préférons le terme « population » qui correspond à un ensemble d’individus habitant un même territoire, c’est-à-dire, pour notre étude, une même province.
Ces populations partageaient de nombreux traits culturels dans leur architecture, dans leur iconographie architecturale, dans les formes et décorations des céramiques, mais avaient des schémas funéraires différents. Les établissements sont essentiellement domestiques, composés de terrasses qui permettent de niveler le terrain sur lesquelles sont érigées des structures d’habitat de plan circulaire et ovoïde. Ces bâtiments sont mélangés à un très petit nombre de structures de plan quadrangulaire. Le matériau de construction est la pierre, souvent calcaire, grossièrement équarrie, unie par un mortier argileux. La circulation entre les différents édifices et les différents niveaux s’effectue au moyen de ruelles et d’escaliers donnant accès, quelquefois, à de petits espaces ouverts. Parfois, les constructions sont érigées sur une base de même plan. La séparation entre les deux niveaux est marquée par une corniche périmétrale. Sur leur parement extérieur, certains édifices sont décorés de frises géométriques composées de pierres disposées de manière à former des motifs en dents de scie, ou zigzags, des motifs rhomboïdaux, des grecques et des damiers. La couverture des édifices est inconnue mais est supposée de forme conique et en matériaux périssables. Les populations préhispaniques possédaient un mode de subsistance fondé, probablement, sur la chasse et sur l’agriculture, notamment sur les cultures de la pomme de terre et le maïs. Des voyages pouvaient s’effectuer entre les zones élevées et celles plus tempérées pour se procurer de la coca, des fruits mais aussi du coton. Cette stratégie adopte le schéma de verticalité permettant ainsi d’avoir accès à différents produits en fonction de l’étage écologique.
La céramique de tradition chachapoya a ses premières manifestations dans l’Intermédiaire ancien (200 av. J.-C. - 600 ap. J.-C.). Elle est composée majoritairement d’une céramique marron grossière, domestique, montée aux colombins. Les formes les plus courantes sont les bols, les plats perforés, les pots et les jarres à cols longs et courts, de corps globulaires ou ovoïdes, de bords éversés, renforcés sur l’extérieur. Habituellement, la décoration des pots et des jarres est réalisée par incision et/ou pastillage d’un motif de forme sinusoïdale. Elle rehausse la lèvre, le bord, le col et parfois le corps. Les bols ont des parois essentiellement divergentes et des bases convexes. Ils sont peints de motifs géométriques de différentes couleurs variant du rouge au marron. Les sépultures sont habituellement situées à flanc de falaises et à proximité du site d’habitat. Elles sont d’une grande variété.
Ces traits culturels communs, en raison de leur apparente unité, sont regroupés sous l’appellation « tradition » ou « culture archéologique » chachapoya en référence au nom générique que nous transmettent les chroniques. Celle-ci a perduré de 800 ap. J.-C. à 1470 ap. J.-C.
La démarche actuelle de la recherche pour cerner le fonctionnement de cette tradition consiste à étudier les vestiges comme un tout homogène alors que ces mêmes vestiges, en plus de leurs similitudes, racontent une autre histoire : celle de la diversité dans les monuments funéraires, dans la production céramique et celle de la variation architecturale régionale.
Ainsi, si l’on veut comprendre le fonctionnement de cette tradition, il faut mettre en évidence les similitudes et les différences qui la composent de manière à en déterminer les rouages. De quelles populations se compose-t-elle, quelles sont leurs origines ? Quelles sont leurs relations ? S’il y a eu une unification culturelle, à quelle(s) époque(s) ? Sous l’impulsion de quelle(s) population(s) et pour quelles raisons ? Mais le principal axe qui guide notre réflexion sous-tend les véritables questions de fond au cœur de la compréhension de la tradition chachapoya : l’unité apparente et l’hétérogénéité des vestiges nous permettent-elles d’identifier différentes populations et leurs répartitions spatiales ? Si oui, l’archéologie peut-elle dégager des marqueurs identitaires capables de les différencier et de les caractériser ? Pour répondre, nous avons étudié les données ethnohistoriques des XVIème et XVIIème siècles comme point de départ de la démarche archéologique pour cerner l’organisation socio-politique de cette région. À l’aide de la littérature scientifique et de nos données de terrain (projet Olia, Résolution Nationale et autorisation n° 635), nous avons réalisé l’étude et l’analyse de l’habitat et des structures funéraires. Cela a permis de démontrer que des caractéristiques spécifiques, dans l’architecture et le contenu des sépultures, illustrent des différences et des variations dans l’attribution et la répartition des vestiges. La confrontation et la comparaison des différentes typologies et séquences céramiques ont permis d’obtenir les variations dans la forme et le décor, dans le temps et dans l’espace. Pour chacun de ces points, nous avons déterminé les raisons d’être de ces différences en analysant leurs causes : sont-elles chronologiques ou/et hiérarchiques, fonctionnelles dans certains cas, ou bien le reflet des différentes populations qui habitaient la région chachapoya ? L’absence d’études lithiques, d’études sur les textiles et sur les artefacts osseux nous a empêché de prendre en considération ces éléments dans notre développement. En dépit des données fragmentaires, parcellaires, que nous avons complétées par nos travaux de terrain, nous avons dressé un tableau aussi précis que possible, en l’état actuel des connaissances, de toutes les composantes relatives à la tradition chachapoya.
À l’Intermédiaire récent (1000 - 1475 ap. J.-C.), les populations de la vallée de l’Olia, à l’est de l’actuelle ville de Chachapoyas, se distinguaient par leur type de sépulture, les enterrements, par un manque d’iconographie architecturale et par leurs choix architecturaux. Les établissements se caractérisent par une absence de soubassement sur les structures circulaires et par un appareil plus soigné composé de gros blocs calcaires bien taillés de forme parallélépipédique disposés en assises horizontales régulières. Les bases se retrouvent sur les édifices de plan quadrangulaire aux angles arrondis qui sont largement distribués dans cette région, à l’inverse du reste de notre zone d’étude d’où ils sont quasiment absents. Celle-ci présente une relative homogénéité architecturale, bien que deux types de couverture aient pu exister pour les édifices circulaires : une de forme conique en matériaux périssables et une en forme de voûte. Cette dernière a pu être en usage dans le nord de la province de Luya. Les populations préincas de cette région installaient leurs défunts dans des sarcophages appelés purunmachus par les habitants actuels mais aussi dans des chullpas de plan semi-circulaire dont l’antiquité ne peut être définie avec exactitude. Plus au sud, les morts étaient déposés de façon commune dans des chullpas, possédant parfois deux niveaux, de plan quadrangulaire à la maçonnerie soignée. Ces sépultures sont caractéristiques des populations préhispaniques des forêts de l’est et connaissent une large distribution. On les retrouve dans une zone à cheval sur les départements d’Amazonas, de la Libertad et de San Martín mais aussi dans la portion du département de San Martín incluse dans notre zone d’étude. À cause des pillages et des dégradations naturelles, les différents soins apportés aux défunts sont mal connus. À la Lagune des Momies, une fois le corps décomposé, les os étaient disposés dans des paniers ou enroulés dans des tissus, puis entreposés dans les chullpas. Ces pratiques funéraires caractérisent les populations qui ont habité dans cette région. Le zigzag, représentation hypothétique du serpent, est le motif de plus grande diffusion et fréquence parmi les expressions symboliques des populations de tradition chachapoya. De fait, le probable culte du serpent s’est propagé dans quasiment la totalité de notre zone d’étude et aurait été partagé par l’ensemble des habitants. Sa mue évoque le renouvellement de la vie, ce qui pourrait expliquer son association avec des chullpas et des sarcophages. Cette relation avec le monde de la mort le reliait aussi probablement au monde ancestral. La symbolique portée par le losange, représentation possible du félin, caractérise les croyances des populations de la région localisée au nord de Leimebamba. Au sud, le culte du félin disparaît au profit d’une croyance incarnée par la grecque, encore mal identifiée mais peut-être en relation avec le monde guerrier, lui-même lié à la protection des cultures. Cependant, la vallée de l’Olia reste à l’écart de ce schéma. Dans tous les cas, cette disparité des divinités et des croyances d’une zone à l’autre permettait à ces populations de se démarquer, chacune d’entre elles affirmait ainsi son identité : ces motifs identifiaient des zones où différentes croyances prévalaient. Ils avaient donc, en plus, une valeur sociale. La limite aurait été vers l’actuel village de Leimebamba où, un site comme La Congona abrite ces différentes représentations. Là, se serait produite la fusion de ces croyances, ou tout au moins de la représentation symbolique de croyances ou/et de divinités, indiquant ainsi l’importance de cette région comme point de rencontre des différentes conceptions de ces populations. D’ailleurs, Leimebamba fut choisie par les Incas pour célébrer la fête du soleil. Il y avait probablement dans cette démarche un désir d’imposer un culte en lieu et place des cultes locaux. Ce qui renforce ainsi l’hypothèse de l’importance de cette région, notamment du site de La Congona, pour les populations préincas.
Celles-ci étaient organisées en ayllus , indépendants les uns des autres mais qui entretenaient d’étroites relations. Il n’y avait pas de structure politique unifiée et pas d’armée permanente, comme cela se voit dans un État, mais une confédération à base d’alliances se créait dans les moments d’urgence sous la tutelle d’un curaca dominant. Ainsi que nous le montrent les chroniques, ces systèmes d’alliances ont pu varier au cours du temps, lors des conquêtes réalisées par les différents Incas mais peut-être, aussi, bien avant. Ces derniers conquirent cette région aux environs de 1470 ap. J.-C. en y pénétrant par le sud et en suivant l’axe de la cordillère. Ils voulaient très certainement contrôler les richesses minières et se procurer un accès vers la forêt. À leur arrivée, les différentes populations se liguèrent pour leur résister. Elles opposèrent une forte résistance et se rebellèrent plusieurs fois. Cette rébellion s’exprima par les armes mais aussi par le maintien de leur identité puisqu’elles continuèrent à utiliser leurs symboles.
L’agriculture était au cœur de l’organisation des établissements. Ils occupaient le sommet des montagnes pour répondre à des nécessités agricoles, tout au moins dans le sud de l’actuel département d’Amazonas, mais aussi pour des raisons stratégiques. Ainsi, les populations avaient accès aux terres fertiles et, en même temps, disposaient d’une bonne visibilité sur leurs voisins mais aussi sur les vallées qui étaient des voies de pénétration à l’intérieur de leur territoire respectif. L’étude de la céramique nous enseigne que, contrairement à d’autres régions du Pérou, nous n’avons pas de traces d’occupation remontant au Formatif. Les premières manifestations céramiques datent de l’Intermédiaire ancien.
Les habitants de la région de Cuelap possédaient des récipients d’une plus grande variété de formes et de décors que ceux de la région de Chuquibamba qui, en revanche, présentent une cuisson mieux contrôlée. La région de Cuelap a vu l’apparition du motif sinusoïdal en premier, dès l’Intermédiaire ancien. Ce décor réalisé par pastillage caractérise la céramique de tradition chachapoya et peut être mis en relation avec le motif en dents de scie présent sur les bâtiments. Au début de l’Intermédiaire récent, les établissements se font plus nombreux, les contacts plus marqués, les formes et les décors céramiques se diffusent, ce qui est en adéquation avec l’affirmation de la tradition chachapoya. Le motif sinusoïdal se propage à partir de Cuelap et une unification iconographique, et donc certainement des croyances, se réalisent. Cependant, les différentes pratiques funéraires ainsi que les différents symboles attestent de la relative indépendance que partageaient ces populations.
À cette époque, la région de Cuelap se démarque par ses tasses de parois divergentes, par les rebords ajoutés et les bords d’ollas fortement retournés sur l’extérieur. Autant d’éléments absents de la région de Chuquibamba mais que l’on retrouve dans la vallée de l’Olia, mis à part les rebords ajoutés. Cela atteste qu’en fonction des régions, des formes de céramiques précises étaient privilégiées pour les échanges.
Si l’on considère l’étendue du Pérou, ces populations ne semblent pas avoir participé, à une large échelle géographique, à des relations d’échanges avec le reste du pays, si ce n’est avec leurs proches voisins. Leurs besoins basiques devaient être comblés par la richesse de leur environnement dont elles avaient très certainement une connaissance prononcée. Bien que la profonde vallée du Marañón présente un véritable obstacle topographique, la céramique cajamarca du type cursif - Cajamarca III - était largement distribuée pendant l’Horizon moyen (600 - 1000 ap. J.-C.) et les contacts avec cette région devaient être privilégiés. Cependant, on ne retrouve pas de céramique de tradition chachapoya dans la zone de Cajamarca. Cela atteste de relations, certainement au travers d’échanges de produits périssables, telles des denrées et des plantes médicinales très présentes dans la région de Chachapoyas, connues et usitées par les populations préhispaniques. Malgré cette relative autonomie, on a pourtant découvert des spondyles dans des caches souterraines dans la région d’Uchumarca, mais aussi à Cuelap. Avec les nombreux tessons de céramique de tradition chachapoya retrouvés sur le site de San José del Moro, ils attestent de relations entre la côte nord et notre zone d’étude. Cependant, nous manquons d’informations pour réellement comprendre l’ensemble de ces relations.
Quant à l’origine de la tradition chachapoya, elle pose problème. Les chercheurs essayent de déterminer une origine unique à un phénomène pluriel. En raison de sa situation géographique à la jonction des aires culturelles andine et amazonienne, la tradition chachapoya est très certainement constituée d’éléments ayant différentes origines. Tout comme il est envisageable qu’au cours du temps, les populations se soient enrichies au contact de ces deux aires culturelles même si, comme nous l’avons mentionné, les échanges étaient vraisemblablement assez limités.
Dans cette thèse, nous avons rassemblé l’essentiel des connaissances relatives à la tradition chachapoya. La confrontation, l’étude et l’analyse des données issues des chroniques des XVIème et XVIIème siècles, de la littérature scientifique, et de nos propres données de terrain, nous ont permis à ce jour de clarifier certains points sur lesquels jusqu’alors il subsistait des zones d’ombre. Mais, les données archéologiques sont encore rares et notre étude ne peut présenter qu’une image incomplète de cette tradition, et donc une image incomplète de ses composantes.
Nous pensons que les populations de tradition chachapoya vivaient en étroites relations et partageaient de nombreux traits culturels mais qu’en même temps, elles marquaient leurs différences par leurs iconographies, leurs types de sépultures et les rites funéraires s’y rattachant, l’architecture et les productions céramiques. Aussi, nous savons que, désormais, nous ne devons plus regarder la tradition chachapoya comme un ensemble de manifestations culturelles homogènes si nous voulons avoir la vision la plus exacte possible de la réalité préhispanique. Mais, par l’archéologie de terrain, l’envisager comme infiniment plus complexe, en espérant que la richesse des découvertes à venir nous permettra d’avancer et de compléter nos connaissances, tant sur les populations qui composent cette tradition que sur les différentes manifestations qui leur sont propres.

Vendredi 28 mai 2004
14h30
centre Malesherbes, salle 322
108, Bd Malesherbes
75017 PARIS

 Mme Louisa CHRISTODOULIDOU PAN soutient sa thèse de doctorat :

 Contribution à l’étude du parcours poétique à Chypre : 1878 - 1964 . La question de la restauration nationale : Mythe ou réalité ?

 en présence du Jury :

M. ARGYRIOU (STRASBOURG II)
M. JACOVIDES-ANDRIEU (PARIS IV)
M. PANTELODIMOS (ATHENES)
M. TONNET (PARIS IV)

Samedi 13 décembre
14 h
Centre Malesherbes, Amphi 122
108, bd MAlesherbes
Paris 17e

 Mme Isabelle BOEHM soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Contribution à l’histoire de la notion de perception en Grèce ancienne

 en présence du Jury :

M. BASSET (LYON II)
M. BILLAULT (PARIS IV)
Mme BOUDON-MILLOT (PARIS IV)
M. JOUANNA (PARIS IV)
M. LEVET (LIMOGES)
Mme SKODA (PARIS IV)

Lundi 4 octobre 2004
14 h
Sorbonne - Paris IV
Salle Paul Hazard, escalier C, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. SANG-JUN PARK soutient sa thèse de doctorat :

 Contribution à une étude de la transitivité en français

 en présence du Jury :

Mme CHOI-JONIN (TOULOUSE II)
M. FRANCOIS (CAEN)
M. LEMARECHAL (PARIS IV)
M. POTTIER (INSTITUT)

Jeudi 25 novembre 2004
9 h
Maison de la Recherche, salle D117,
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Anne GRESENGUET soutient sa thèse de doctorat :

 Contribution à une étude sur la littérature orale. Chants et chansons modernes en République Centrafricaine : valeur expressive, valeur didactique

 en présence du Jury :

Mme BEAUMGARDT (INALCO)
M. CHEVRIER (PARIS IV)
M. LECHERBONNIER (PARIS XIII)
M. NGAL (ZAIRE)

Samedi 15 janvier
14 h
Salle G366, en Sorbonne, Esc. G
17 rue de la Sorbonne
75005 Paris

 Mme Dominique ESCANDE soutient sa thèse de doctorat :

 Convergences et divergences de la musique et des beaux-arts autour de l’idéal classique en France

 En présence du Jury :

Mme BARBE (PARIS IV)
M. DENIZEAU (PARIS IV)
M. GUIOMAR (PARIS IV)
Mme LASSUS (LILLE III)
M. SABATIER (CNSMP)

Vendredi 5 décembre 2003
14 heures
Ecole Nationale Supérieure
Salle A2
48, boulevard Jourdan
Paris 14^ème

 M. Bruno DUMEZIL soutiient sa thèse de doctorat :

 Conversion et liberté dans les royaumes barbares d’Occident de l’Edit de Théodose à la conquête arabe

 En présence du Jury :

M. GUILLOT (PARIS IV)
M. JUDIC
M. ROUCHE (PARIS IV)
M. SOT (PARIS IV)
M. WOOD (LEEDS)

Samedi 3 juillet
14 h 30
Louis Liard, Rectorat
17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Taichi HARA soutient sa thèse de doctorat

 Création et communication chez Lautréamont

 en présence du Jury :

M. BERTRAND (LIEGE)
M. BESNIER (LE MANS)
M. COMPAGNON (PARIS IV)
M. GUYAUX (PARIS IV)
M. STEINMETZ (NANTES)

Vendredi 19 décembre
14 h 30
En Sorbonne, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Tatiana BARAZON soutient sa thèse de doctorat :

 Création et participation : le monde au seuil de l’Être

 en présence du Jury :

M. DAVAL (REIMS)
M. MAGNARD (PARIS IV)
M. MATTEI (NICE)
M. PINCHARD (LYON III)

Lundi 27 septembre
14 heures 30
Amphithéâtre Descartes
17 rue de la Sorbonne
75005 Paris

 M. Denis THOUARD soutient sa thèse d’habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Critique et herméneutique. La forme de la philosophie

 en présence du Jury :

M. BORSCHE
M. COURTINE (PARIS IV)
M. ESPAGNE (ENS)
M. FICHANT (PARIS IV)
M. LAKS (LILLE III)
M. MOREAU (PARIS IV)
M. WISMANN (EHESS)

Mercredi 22 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne, salon de la Présidence, 1er étage
54, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 M. Eric FRANCALANZA soutient sa thèse d’habilitation à diriger des Recherches (HDR) :

 Critique littéraire et socialbilité de la fin de l’Ancien Régime au Romantisme

 En présence du Jury :

Mme BERNARD-GRIFFITHS (CLERMONT 2)
Mme GEVREY (REIMS)
M. MENANT (PARIS 4)
M. MOUREAU (PARIS 4)
M. PASCAL (TOULOUSE 1)

Jeudi 30 novembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D223
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Frédéric CHAPOT soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Culture antique, théologie et discours polémique dans la littérature chrétienne des premiers siècles

 En présence du Jury :

M. FREDOUILLE (PARIS 4)
M. FREYBURGER (STRASBOURG 2)
M. MATTEI (LYON 2)
M. MORESCHINI (UNIVERSITÉ)
M. ZARINI (PARIS 4)

Samedi 6 décembre
14 heures 30
Bibliothèque de l’Arsenal
1, rue Sully
75004 Paris

 M. Jacques DAHAN soutient sa thèse de Doctorat d’Etat :

 Culture et écriture dans l’oeuvre de Charles Nodier

 en présence du Jury :

M. CABANES (PARIS X)
Mme MICHEL (PARIS IV)
M. MILNER (PARIS III)
M. NOIRAY (PARIS IV)
M. REGNIER (CNRS)
M. SANGSUE (NEUCHÂTEL)

Lundi 11 décembre 2006
14 heures
Institut Finlandais, l’Auditorium
60, rue des Ecoles 75005 Paris

 Mme SONIAVILMA ROSE soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Culture savante et enjeux politiques en Amérique espagnole coloniale

 En présence du Jury :

M. BRIESEMEISTER (UNIVERSITE)
Mme CHANG-RODRIGUEZ (NEW-YORK)
M. CLEMENT (PARIS 4)
Mme EZQUERRO (PARIS 4)
M. GRUZINSKI (EHESS)
M. ITIER (INALCO)
Mme MOLINIE (PARIS 4)

Vendredi 9 décembre 2005
14 heures
École Normale Supérieure
Salle des Actes
45, rue d’Ulm
Paris 5e

 M. Daniel LANCON soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 D’Egypte en France. Francophonie littéraire et rencontre de cultures

En présence du Jury :

M. MURAT (Paris 4)
M. COMBE (Paris 3)
Mme FINCK (Strasbourg 2)
M. MOUSA (CNRS)
M. NÉE (Poitiers)

Samedi 9 décembre 2006
14 heures
A la Maison de la Recherche, Salle D323, 3ème étage
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Paul-André CLAUDEL soutient sa thèse de Doctorat :

 Dans l’angle mort de l’histoire : Agostino J. Sinadino (Le Caire, 1876- Milan, 1956) ou le Grand Livre égaré entre les langues

 En présence du Jury :

M. GENOT (PARIS 10)
M. GHIDETTI (FLORENCE)
M. LANCON (TOURS)
M. LIVI (PARIS 4)
M. MASSON (PARIS 4)

 Partagée entre les pays et les langues, l’œuvre d’Agostino J. Sinadino, composée de huit livres publiés entre 1898 et 1934 à des tirages très limités, a totalement sombré dans l’oubli. Pourtant, le parcours de ce poète ne saurait être réduit à celui d’un mineur. Par sa conception très exigeante de l’activité poétique, héritée de Mallarmé, ce poète bilingue, écrivant à la fois en italien et en français, parcourt les souterrains de la modernité : entre Alexandrie, Milan et Paris, son chemin croise les figures les plus influentes de sa génération, de Lucini à Marinetti, de Gide à Valéry. Autour de ce singulier éclaireur, resté à l’écart de la mémoire collective, s’est construite une analyse en trois temps : à une première reconstitution documentaire succède une interprétation interne, qui amène à un élargissement critique, portant sur les catégories de la valorisation et les possibilités d’une réintégration. En montrant comment ce vétéran du symbolisme traverse son époque pour devenir un précurseur de l’hermétisme et de la poésie pure, il s’agit de pointer, à travers un phénomène marginal, le rôle essentiel de l’anachronisme et du contretemps dans les dynamiques de l’histoire littéraire.

Divided between countries as well as languages, Agostino J. Sinadino’s work comprises 8 books, published in very limited editions between 1898 and 1934. Despite their significance, these works fell into complete oblivion. Agostino J. Sinadino, a very versatile poet who wrote in French as well as Italian, had a highly demanding conception of poetry-making, inherited from Mallarmé. From Alexandria to Paris and Milan he explored Modernity’s subterraneans and met some of the most influential figures of his generation, including Lucini, Marinetti, Gide and Valéry. Our analysis focuses on three aspects, with a first part on documents, leading to a critical interpretation concerned with the possibility of reintegrating Agostino J. Sinadino’s work in literary history. The purpose of this work is to try and better understand the inner workings of literary history’s dialectics, with an emphasis on the notions of anachronism and historicity, by showing how Agostino J. Sinadino, one of Mallarmé’s first followers, became a forerunner of hermetism and pure poetry.

 Position de thèse :

1 - Un fantôme littéraire

Agostino John Sinadino appartient à cette catégorie d’auteurs que l’on dirait condamnés à une vie clandestine, à une présence retranchée aux marges de l’institution littéraire. De ce poète « sans visage » - dont les premiers critiques reconnaissaient ne savoir « pratiquement rien » - il ne reste aucune trace consistante, sinon quelques indices dispersés autour d’un vide : un nom inscrit sur la couverture de ses livres (Agostino J. Sinadino), deux dates qui marquent le début et la fin de sa parabole biographique (Alexandrie 1876 - Milan 1956), et une œuvre qui s’effeuille en de rares volumes dont chaque détail, de la reliure à la typographie, semble obéir à une double exigence d’élégance et de sophistication. Au total, l’auteur a laissé derrière lui neuf livrets, publiés entre 1898 et 1934 : six recueils, un poème, un récit, et une traduction. De ces minces plaquettes réalisées sur papier vélin avec des encres de couleur, imprimées à des tirages très limités puis distribuées hors commerce - plaquettes dignes de figurer dans la bibliothèque d’Entragues ou de Des Esseintes -, la liste des lieux d’impression esquisse une géographie en réduction, qui est déjà en elle-même appel à la poésie : Alexandrie, Lugano, Milan, Paris, New York (c’est-à-dire les capitales du Levant, de l’Europe et du Nouveau Monde), se côtoient dans l’inventaire des achevés d’imprimer ; cet éparpillement des volumes, disposés en une nébuleuse internationale, contribue au brouillage de la réception : l’œuvre apparaît totalement pulvérisée, presque impossible à reconduire à un projet unitaire, à une origine constante. Ne reste que ce tableau impersonnel, cette mosaïque de la « disparition élocutoire », ce mirage « anonyme et parfait comme une existence d’art ».
Agostino J. Sinadino se présente en effet comme une figure sans contours, au bord de la dissolution, tant du point de vue de l’existence sociale que de l’inscription dans la vie littéraire. C’est sans doute la caractéristique la plus frappante de cette expérience poétique, lorsqu’on l’aborde pour la première fois : on peut rencontrer les œuvres du poète, dispersées çà et là, dans le catalogue de certaines grandes bibliothèques - Biblioteca Nazionale de Florence, Biblioteca Braidense de Milan, Bibliothèque Nationale de France - ou dissimulées dans des cadres plus confidentiels - Bibliothèque Cantonale de Lugano, Biblioteca foresiana de l’Île d’Elbe, Vittoriale degli Italiani -, voire au domicile de certains bibliophiles éclairés - comme chez le critique d’art et collectionneur Armando Audoli -, on peut également consulter sans difficulté l’anthologie réalisée en 1972 par Glauco Viazzi, ou l’essai qu’a signé à son sujet Ernesto Citro, mais au-delà de ces quelques lectures, il apparaît extrêmement difficile de redonner une épaisseur, fût-elle minimale, à ce fantôme littéraire. L’effacement, la réduction des données touchent tous les types de documents qui concernent Sinadino, des fiches d’état civil qui enregistrent sa naissance jusqu’à la trace qui a traditionnellement pour fonction de résumer la vie d’un individu : le nom du poète n’apparaît même pas sur la dalle qui couvre sa sépulture, dans la galerie du Cimitero Monumentale où repose son corps. La pierre lisse ne conserve aucun signe de celui qu’elle abrite. Quant aux témoignages de ses contemporains, ils sont particulièrement rares, malgré les réseaux et les contacts souvent prestigieux dont Sinadino pouvait se prévaloir . Parmi ceux-ci, les quelques pages de présentation que Gian Pietro Lucini consacre à Sinadino en 1908 dans Il verso libero (essai monumental censé offrir un panorama complet de la production poétique contemporaine) représentent le document le plus développé qui nous soit parvenu sur le poète . Mais là encore, Sinadino se révèle insaisissable ; dans l’embarras devant cette figure excentrique, Lucini en vient dans son ouvrage à multiplier les références littéraires, les entrelacs et les arabesques : présenté comme un personnage de conte fantastique atteint d’une douce folie, né du croisement entre une « danseuse milanaise » et un « pacha levantin », le poète se transforme au fil du texte en un personnage de roman, et laisse derrière lui, encore une fois, une absence. Faute de documents, cette silhouette sans profil, cet « homme désertique et labyrinthique », finit par se confondre avec son seul résidu, sa trace, son empreinte, son précipité littéraire : les livres eux-mêmes. La principale conséquence de cette résistance obstinée au regard du lecteur est une difficulté critique : difficulté à réduire ou à cerner cet ensemble de traces qui obéissent à un mouvement centrifuge. D’un côté, la personne de Sinadino résiste à toute tentative de classement : Sinadino se laisse malaisément ramener à une figure reconnaissable, à un paradigme biographique, à une dérivation culturelle. Sa biographie n’est pas une histoire, mais bien plutôt une géographie. Tantôt trop riche en événements, tantôt criblée d’énigmes, elle passe et repasse par au moins quatre pays qui compartimentent son expérience : l’Égypte, l’Italie, la France et les États-Unis ; par sa fragmentation, l’existence de Sinadino résiste d’elle-même à tous les schémas pré-construits de l’« illusion biographique » relevés par Bourdieu, en particulier à ce mythe de la linéarité et de la cohérence, fondé sur le « postulat du sens de l’existence racontée » ; son histoire, noyée dans la sociabilité littéraire du début du Vingtième siècle - qui voit s’épanouir, pour reprendre le mot de Larbaud, une véritable « Internationale intellectuelle » -, n’offre aucune prise au « récit de vie ». De l’autre, la production littéraire de Sinadino ne permet aucune assimilation à un mouvement, une école, un cénacle : ses œuvres sont non seulement des œuvres des marges, hors d’une ligne précise, pour lesquelles, par exemple, le qualificatif de « symboliste » se révèle inexact (le symbolisme peut, tout au plus, qualifier un lieu d’origine ou un pôle d’attraction de son écriture, mais non son point d’arrivée, ni ses stations principales), mais aussi des œuvres partagées entre les sources et les influences, qui synthétisent des tendances parfois très divergentes : ainsi, pour s’en tenir au seul point de vue de l’univers culturel de référence, la production de Sinadino se divise entre littérature italienne, littérature française et littérature francophone d’Égypte ; ses œuvres se distribuent selon ces trois espaces, et leurs modèles respectifs. Au déplacement perpétuel entre les pays et les langues correspond ainsi un autre type de passage et de contrebande, littéraire cette fois : entre l’imprégnation et l’expérimentation, Sinadino garde une trace, dans son écriture même, de ses divers lieux de séjour. De ce fait, à force de rassembler - pour les refondre ensuite - les éléments les plus disparates de son expérience de lecteur, ce touche-à-tout génial contribue en profondeur au renouvellement des formes fixes du premier symbolisme, à leur transition vers les nouvelles configurations de la modernité. Malgré sa singularité, sa figure entre en résonance avec ses contemporains les plus novateurs, en nourrissant secrètement la veine “métaphysique” de l’hermétisme et le filon ‘‘onirique’’ du surréalisme.

2 - Les facteurs historiques d’une ‘‘malédiction’’

Il est essentiel de considérer - pour pouvoir, dans un second temps, restituer sa cohérence à l’expérience de Sinadino - les causes d’un état de fait si singulier : cela permettra par ailleurs de lever une ambiguïté fondamentale. Cette absence au monde, cet effacement peuvent se considérer selon deux perspectives. Elles peuvent au premier abord - selon une vision légitimiste de l’histoire littéraire - apparaître comme le résultat d’un processus de sédimentation à la fois fatal et nécessaire : l’institution littéraire opère comme chacun sait un jeu de sélection et de grossissement, conduisant à l’opposition constitutive de notre tradition moderne entre “majeurs” et “mineurs”. Dans cette perspective, Sinadino serait un simple mineur, semblable à ces reliquats de l’histoire dont Walter Benjamin réclamait l’étude . Pour n’être pas parvenu, pour de multiples raisons, à gagner une visibilité suffisante dans le panorama culturel, pour n’avoir pas eu non plus - du fait de son cosmopolitisme et de son écriture en plusieurs langues - la possibilité d’être absorbé par une “littérature nationale”, Sinadino n’aurait pas été intégré à la mémoire collective considérée en tant que survivance ou passé pertinent. Son étude vaudrait alors pour l’anecdote, la curiosité, le goût de la « vie minuscule » - et dans le même temps, servirait de révélateur des critères adoptés par une culture pour se constituer en tradition. Cette exploration de l’œuvre de Sinadino comme parcours dans les coulisses de l’histoire constitue une voie de recherche complexe et fascinante . Il y aurait en particulier à s’interroger, pour ce qui est de la littérature italienne, sur sa place dans une génération de poètes active à la fin du Dix-neuvième siècle - génération particulièrement inventive mais presque totalement occultée par la critique, comme si l’aube de la poésie moderne, fixée arbitrairement quelques années plus tard, faisait replonger dans les ténèbres et la barbarie, par un simple effet de contraste, toute la période précédente . Mais il existe une deuxième perspective - non pas opposée mais complémentaire, et tout aussi féconde - qu’il faut impérativement superposer à la première : cette perte de mémoire collective ne serait pas seulement un état subi a posteriori, mais une condition voulue, ou du moins librement acceptée, du vivant de l’auteur. L’œuvre de Sinadino serait à considérer comme la construction volontaire d’un “champ de l’absence”, comme un projet littéraire finalisé, dans le prolongement de ce que l’on pourrait appeler une poétique de l’effacement. Malgré son isolement, en effet, Sinadino a été en contact avec des personnalités littéraires de tout premier plan (André Gide et Paul Valéry en France, Gian Pietro Lucini en Italie, Constantin Cavafy à Alexandrie), ainsi qu’avec des animateurs culturels plus discrets, mais néanmoins très influents (Henri Thuile et Stephanos Pargas en Égypte, Giuseppe Vannicola en Italie). Signe que son invisibilité apparente n’excluait ni son appartenance à une communauté sans frontières d’artistes et d’écrivains - la « République mondiale des lettres » en cours de constitution , - ni sa participation à leurs débats esthétiques. Certains de ses textes, comme le surprenant poème La festa (1901), semblent même avoir exploré des pistes de recherche inédites, bientôt reprises par d’autres auteurs. Pour isoler deux influences, les expérimentations typographiques menées par Sinadino au tournant du siècle semblent anticiper de presque dix ans les recherches sur les aspects visuels du poème développées par Marinetti à partir des « mots en liberté » et de la technique du collage (comme n’ont pas manqué de le remarquer certains détracteurs du futurisme ), et certains stylèmes que l’on rencontre dans les premiers recueils de Sinadino annoncent un type d’écriture qui triomphera en Italie bien des années plus tard, avec l’hermétisme (ce qui a conduit par exemple Glauco Viazzi à estimer que Sinadino serait « le fil secret qui relie Mallarmé à Ungaretti »).
L’absence, l’oubli de Sinadino, doivent impérativement être considérés sous ce jour : la “solitude essentielle” du poète n’est pas de la même qualité que celle d’un écrivain isolé, d’un auteur d’arrière-garde, voire d’un pur et simple raté. Elle s’accompagne d’une contribution, silencieuse et peut-être paradoxale, mais néanmoins active, à ce qu’on a pu nommer l’« accélération esthétique » du début du siècle ; de ce point de vue, il n’y aurait ni à évoquer un hypothétique “accident de l’histoire” ayant conduit à l’oubli de son nom, malgré son mérite (selon une vision méritocratique de l’histoire littéraire), ni à déplorer qu’une absence de “vision stratégique” ait pu lui faire perdre ce que Julien Gracq nommait « l’omnibus du progrès » (selon une vision du champ littéraire comme espace d’auto-promotion) ; beaucoup plus radicalement, la voie clandestine de Sinadino semble relever d’un choix individuel, d’un acte extrême de sprezzatura : le poète considère apparemment la cécité de la collectivité comme une part essentielle - ou un critère d’évaluation - de l’écriture, vécue comme une activité réservée à quelques élus (dont le jugement est seul à compter), voire une recherche abstraite et impersonnelle (un jeu sur le langage qui n’a pas besoin de spectateurs) : qu’il soit payé en retour par le silence n’est que la conséquence logique de cette décision. À distance d’un siècle, le secret obstinément cultivé par Sinadino, dont la clef nous est refusée, finit d’ailleurs par provoquer un renversement magistral des perspectives : ce n’est pas le poète qui est enfermé dans les ténèbres de l’histoire, mais le monde entier et nous-mêmes, ses lecteurs .
Ce processus de malédiction volontaire porte la trace d’une série de modèles - modèles communs à une génération, mais dont Sinadino semble radicaliser le message. On songe d’abord à l’idéal de « dépossession » cher au Ménalque des Nourritures terrestres ; il y a une continuité certaine entre la valorisation gidienne - reprise par Sinadino - d’un « état nomade, sans attaches, sans possession », et le consentement à se laisser, justement, dessaisir de tout héritage, fût-il littéraire : un désir d’être à la fois hors du monde des hommes et hors de leur mémoire. Cet idéal se double, chez Sinadino, d’une conception de la vie littéraire qui renvoie à certains lieux communs de l’esthétique fin-de-siècle, marquée par une multitude de comportements qui représentent l’écriture comme un territoire aristocratique, un espace à la fois restreint et sélectif, parfaitement coupé de la barbarie contemporaine, à l’intérieur duquel la rumeur de la renommée serait moins une récompense qu’un avilissement. Ce type de conduite tient à l’évidence du « dilettantisme », tel que le définit précisément Paul Bourget dans les Essais de psychologie contemporaine : point de doctrine constituée mais une « disposition de l’esprit » hostile à toute instrumentalisation de l’art et de la littérature , regroupant sous sa bannière une confrérie d’esthètes de l’éphémère, qui n’ont d’autres signes de reconnaissance que leur culte solitaire du beau ; Wilde, Gide, le jeune Barrès, participent de ce comportement qui marque la culture des dernières décennies du Dix-neuvième siècle. Mais la paternité spirituelle la plus nette - pour s’en tenir à cette première reconnaissance - semble revenir à Mallarmé, image d’un détachement à la fois social (l’appartement de la rue de Rome est un symbole de ségrégation volontaire) et esthétique (l’idéal de l’« Homme aboli » - derrière le langage lui-même, seul principe de production de l’œuvre - semble toujours à l’horizon de l’écriture de Sinadino). Le programme mallarméen, greffé sur un style de vie globalement « dilettante », paraît d’ailleurs assimilé par Sinadino jusque dans ses dernières conséquences : la vie elle-même ne vaut que dans sa tension perpétuelle vers le rivage du livre, support de toutes les manifestations du monde. Il ne s’agit pas seulement d’une conception “matérialiste” de l’œuvre comme couronnement de la recherche poétique, mais d’une sacralisation du Livre comme seul horizon de l’existence humaine. Comme l’écrit Sinadino dans La Festa, « Ogni aspetto della Vita - geometricamente - concorre ad una sola FORMA, solenne essenziale immutabile : IL LIBRO ». Nous sommes à l’aube d’un mythe qui, de Mallarmé à Blanchot, se changera bientôt en une véritable hantise : être le dernier écrivain, capable de célébrer une fois pour toutes l’« adieu à la littérature » en donnant tout au livre et rien à la vie. La parenté de l’écriture à la mort, et du livre au tombeau, se lit en filigrane. Très logiquement, le premier espace d’application de cette formule sera l’existence même de Sinadino : en privilégiant l’œuvre - son refuge et son Élysée - le poète se fait ombre et spectre. Sa voix se dissout et se réincarne dans l’épaisseur de quelques pages. En ce sens, il n’est aujourd’hui rien d’autre que ce qu’il a écrit.

3 - Une aspiration à la lumière

Le résultat de ce parcours d’écriture solitaire - insouciant d’une reconnaissance qui, de toute façon, ne viendra pas - est aussi radical qu’une disparition. Tout entier prisonnier de son existence de papier, Sinadino en vient à échapper aux regards, à habiter une sorte de “face cachée de la littérature”. Depuis près d’un siècle, son œuvre subsiste indépendamment des tambours de la réclame. Condition silencieuse au bord de l’oubli, mais non passive : si l’imaginaire est épris d’obscurité, si la mémoire littéraire se développe non sur la base des œuvres visibles mais dans un va-et-vient incessant entre celles-ci et l’espace qu’elles laissent inoccupé, si, en somme, « une littérature vit des œuvres qui ne sont pas lues » (comme le remarque en 1912 le jeune Blaise Cendrars ), alors il n’est pas excessif de dire que l’œuvre de Sinadino a participé, avec tous les « joyaux ensevelis » d’une production culturelle fondée sur la dialectique entre conservation et oubli, à la part d’ombre de la littérature du Vingtième siècle : parole en deuil qui entoure les œuvres existantes et y projette sa lumière noire, espace de l’absence qui en constitue l’enfer. Les œuvres qui occupent cet univers silencieux sont d’une nature particulière : œuvres réellement existantes, directement consultables mais occultées ; œuvres qui ont bien vu le jour, mais ne se sont pas inscrites dans la mémoire de la modernité. On trouverait là, à côté des volumes de Sinadino, toutes « les apories et les antinomies soustraites des récits orthodoxes », c’est-à-dire la galerie des monstres de l’évolution littéraire. L’histoire culturelle de la première moitié du Vingtième siècle (que l’on définira simplement, pour l’heure, comme moment historique où le nouveau se constitue en valeur presque exclusive), semble en effet se raconter selon une dynamique orientée, en fonction du dénouement auquel elle veut parvenir ; elle retrace une évolution logique et nécessaire, fondée sur des ruptures et des innovations ; elle sélectionne et valorise des œuvres dans le cadre de ce postulat évolutionniste ; elle privilégie l’idée que toute œuvre est dépassement d’une situation antérieure ; elle articule son discours sur une série d’exempla qui illustrent ce fonctionnement. À tel point que l’on peut se demander si les œuvres vraiment indépassables - ou qui ne sont pas intéressées par un quelconque dépassement - ne passent pas inaperçues à ses yeux, si elles ne constituent pas un trésor enfoui, condamné à l’illisibilité par la perspective moderne, incapable de les identifier et de les lire.
C’est bien dans ces limbes de l’évolution littéraire que l’on pourrait situer l’œuvre de Sinadino : ni œuvre d’arrière-garde (comme culte obstiné de l’ancien, en réaction contre l’avant-gardisme), ni expression antimoderne (comme inertie volontaire face au mouvement de l’histoire, et conscience critique de ce mouvement), elle ne s’inscrit dans aucun horizon militant, dans aucune revendication collective (qui lui donnerait au moins une certaine épaisseur). Elle est plutôt un des revers de la modernité, un des résidus de l’histoire - à la fois part maudite du progrès littéraire et centre d’illisibilité dans l’attente d’une lecture nouvelle, d’une éventuelle réévaluation. On ne peut ignorer, en effet, le jeu de réversibilité qui existe entre enfouissement et dévoilement : la place obscure qu’occupent Sinadino et son œuvre dans l’espace littéraire contient la possibilité d’une réponse, d’une réaction, d’un acte de reconnaissance, qui vont bien au-delà de la tentation du révisionnisme posthume. Il y a dans la solitude de Sinadino une attraction du néant, mais aussi un appel à combler les espaces vides, à recomposer une unité, à transformer l’illisible en lisible : invitation désespérée, vœu d’un retour à la lumière. Si, pour reprendre le mot de Mallarmé, le créateur « traverse un tunnel - l’époque », le « tunnel » exprime à la fois le désir et la certitude d’une porte de sortie.

4 - Conditions d’une restauration

C’est cette lecture active, cette restauration critique que nous avons proposé d’accomplir dans cette recherche. Cette remontée à travers des signes dispersés se présente d’elle-même comme une exhumation (rassemblement et identification de traces dispersées) et une reconstitution (réduction des discontinuités, tentative d’intégration de ces vestiges, de ces fragments, dans une trame cohérente). Il s’agit bien, en ce sens, de « brosser à contresens le poil trop luisant de l’histoire » pour “lire” sur son revers élimé la chronique d’une vie oubliée . Mais pour rendre compte plus précisément de cette entreprise, il convient de présenter à la fois les critères de notre méthode d’enquête (tels qu’ils ont été définis puis appliqués pendant ces trois années de recherche), les principes d’exposition des résultats (tels qu’ils apparaissent au fil de notre exposé), et les grands nœuds problématiques rencontrés (en ce qu’ils ont structuré notre propos).

A) Critères d’enquête. Pour les premiers, la priorité essentielle a été de réunir ces fragments dispersés, de reconstituer pierre par pierre ce palais en ruine : d’abord faire jaillir la lumière sur les textes, c’est-à-dire rapporter à la surface, recenser et réparer tous les éléments d’une œuvre qui ne subsiste souvent qu’à l’état de lambeaux, dispersés sur trois continents (certains recueils, publiés à compte d’auteur et distribués à un cercle réduit de connaissances, semblent avoir vécu une existence souterraine depuis le moment de leur publication ; de même, certains poèmes, édités dans des revues au tirage confidentiel, paraissent avoir été condamnés à un repos éternel loin de toute inquisition extérieure). Ce type de recherche, menée sur le terrain, a visé à contrarier l’éclatement matériel de l’œuvre (mais aussi de la correspondance) par son rassemblement en un lieu unique. Pour réaliser cette collecte, la meilleure solution a été de suivre pas à pas l’itinéraire du poète. Après cette première étape, il a été nécessaire de souder ces éléments les uns aux autres : non seulement recueillir et classer le maximum de textes épars, mais aussi les réunir dans l’unité d’une lecture, qui fasse écho à l’unité première de leur écriture. C’est une évidence, certes, mais on rappellera que très probablement aucun lecteur n’avait lu, jusqu’à aujourd’hui, l’intégralité des poèmes de Sinadino. En ce sens, son œuvre n’existait pas en tant que telle. C’était une pure virtualité, qui, faute d’avoir été actualisée, vivait dans l’attente d’une lecture totale. Il a fallu réintroduire ces textes dans un réseau de sens, leur trouver une situation et une cohérence dans l’espace du corpus, les disposer selon leurs rapports réciproques. Petit à petit se sont dégagées des lignes directrices, des images et des obsessions, permettant d’organiser l’ensemble de l’œuvre. On pourrait parler à ce propos d’une fonction réparatrice offerte au lecteur. Voilà quel a été le foyer de la recherche - à la fois centre, point d’origine, et lieu d’achèvement. Enfin, dans un dernier temps, cette œuvre reconstituée a pu être livrée à un jeu de comparaisons et d’oppositions, permettant de rapprocher l’expérience littéraire de Sinadino de celle d’autres auteurs, et de préciser sa fonction de passerelle : passerelle entre la France et l’Italie, entre le symbolisme et l’hermétisme, bien sûr ; mais aussi entre d’autres mouvements périphériques : chemins divergents, par rapport à l’esthétique dominante, ou simplement tangents par rapport aux choix de la majorité. Par ce biais, on a pu mesurer enfin la contribution de Sinadino au développement de la poésie moderne.

B) Principes d’exposition. Quant à l’exposition des résultats, elle a été renversée par rapport à cet itinéraire régressif, parcouru des conséquences jusqu’aux principes : elle s’est disposée d’elle-même selon un ordre graduel, en trois volets. On a d’abord tenté, par une première approche biographique, de cerner cet itinéraire, de retrouver les conditions d’émergence et de construction de cette vocation très singulière. La figure de Sinadino s’est à jamais perdue, bien sûr ; on a pu, tout au moins, dessiner l’ombre qu’il a projetée, l’image en négatif qu’il a pu laisser ; non pour sculpter la statue de l’Auteur, mais pour en situer l’expérience et suivre la genèse de ses recueils. Cette quête est d’autant plus légitime que la biographie de Sinadino semble conçue comme une technique de production de sens, qui participe à l’œuvre et l’éclaire : on serait tenté de pasticher, pour l’appliquer au poète, la formule laconique que Blanchot avait choisi de faire figurer en première page de ses ouvrages, à la place de la traditionnelle note biographique, dans l’édition Gallimard de ses œuvres : « sa vie fut entièrement vouée à la littérature et au silence qui lui est propre ».
Il a ensuite été nécessaire, au terme de ce retour sur les “lieux” du poète, d’analyser la somme des œuvres retrouvées, comme expression d’une poétique ouverte sur l’extérieur. Cela nous a amené à identifier un réseau de thèmes et de figures propres à l’univers esthétique de Sinadino, qui semble toujours en expansion, prêt à déborder vers d’autres textes, d’autres disciplines, et à se dissoudre ou à se réduire en poussière. « Inalza l’Oblio tuo fin sopra la Memoria » : cette phrase de Sinadino pourrait être considérée comme une devise non seulement existentielle mais littéraire ; tout l’acte d’écrire tient dans ce geste de dépossession, par lequel le sujet se livre au monde dans la pureté d’une sensation impersonnelle qui le situe hors de l’humanité. Il est significatif que le thème de l’oubli, associé à celui de la disparition, soit au centre de la poétique de Sinadino. Enfin, il a été essentiel d’analyser la place de ce projet par rapport aux recherches du début du siècle, en observant la contribution des textes de Sinadino à l’éclosion de la modernité littéraire (dans des années cruciales pour la poésie européenne), mais également, en retour, le processus d’enfouissement qui les a sanctionnés ; on en est venu naturellement à considérer le fonctionnement de l’histoire littéraire et les possibilités de jeu avec ses codes - codes que chaque écrivain est plus ou moins disposé à exploiter. Trois voies d’accès à l’œuvre se sont ainsi dessinées :
  la première située en amont (du côté de l’auteur, de la production du texte, d’un choix d’écriture) ;
  la deuxième centrée sur l’objet (l’œuvre comme expression d’une poétique et comme réalisation de celle-ci dans un réseau d’images) ;
  la troisième en aval (les effets d’une réception particulière, l’inscription ou non dans la « tradition moderne »).

C) Protocoles théoriques. Par les questions qu’il a amené à soulever, chacun de ces chapitres s’est révélé autonome : les trois faisceaux de problèmes suscités par l’analyse de Sinadino ont ainsi amené, à chaque reprise, à l’élaboration d’un protocole. À chaque partie son discours de la méthode, dont on peut présenter brièvement les enjeux : au-delà des problèmes d’ordre théorique que pose toute enquête biographique (intérêt même d’une connaissance historique de ce type, caractère nécessairement fictif de la reconstruction d’une vie), au-delà des difficultés pratiques et concrètes de cette recherche particulière (carence des données, vie riche et aventureuse, mémoire triplement occultée : par l’auteur lui-même, par sa famille et ses proches, par l’histoire collective), on s’est demandé, au cours de la première partie, dans quelle mesure Sinadino n’avait pas élaboré lui-même sa destinée de maudit, en organisant sa vie en fonction d’un certain nombre de modèles littéraires. Le deuxième chapitre visait à retrouver le sens de cet acte d’écrire, à redéfinir la poétique propre aux œuvres de Sinadino, et à esquisser son articulation avec un réservoir de formes, d’images, de figures poétiques. On a tenté pour cela de rassembler ces œuvres disparates autour d’un projet commun. Il a fallu s’interroger sur la validité d’un tel regard unifiant : est-ce que cet ensemble de recueils rédigés çà et là, publiés d’un pays à l’autre, était suffisamment dense et unitaire pour faire œuvre ? Questions essentielles, qui renvoient au problème du rassemblement des textes autour d’une intention commune, à la possibilité de les aborder comme une œuvre complète. Enfin, en cherchant à redonner une place virtuelle, dans l’histoire littéraire, à l’œuvre de Sinadino, on a été amené à s’interroger sur le fonctionnement de la tradition littéraire et les conditions de création d’une mémoire collective, qui fige des personnages, isole des figures, et en efface irrémédiablement d’autres ; le problème rencontré a été celui de la valorisation (critères implicites de la valeur, possibilité de leur renversement) : on a cherché à déterminer quelle place accorder à Sinadino dans la perspective de l’histoire moderne, au titre de sa participation à un “renouvellement esthétique” - et quelle place lui attribuer, en revanche, si l’on tente de sortir de cette perspective déterministe (une fois que le nouveau n’est plus érigé en valeur absolue, quels critères de substitution peut-on forger pour évaluer son expérience ?).

5 - L’horizon d’une intégration

À travers ces trois séries de questions, ce travail sur Sinadino entend lutter contre la dispersion et l’effacement qui ont caractérisé pendant des années l’œuvre du poète. « Je souffre de cet éparpillement. Dans cette succession d’imperfections, j’aspire à me reposer moi-même dans une abondante unité. Ne pourrais-je réunir tous ces sons discords pour en faire une large harmonie ? » : ces phrases n’ont pas été prononcées par Sinadino, mais par le narrateur de la trilogie du Culte du moi. Ce diagnostic - énoncé par un auteur hanté par ses « mille âmes successives », au terme d’une jeunesse erratique qui n’est pas sans rapport avec celle de Sinadino - pourrait fort bien s’appliquer au poète d’Alexandrie, autre grand « inquiet de la diversité ». Mais à bien y regarder, rien n’est plus opposé à la philosophie d’homme libre et sans amarres à laquelle Sinadino restera fidèle pendant toute sa vie que le désir d’enracinement qui emportera finalement Barrès, et, à sa suite, une génération d’esthètes repentis. Terre, nation, tradition : entre la quête d’une foi dans laquelle se reconnaître et le nomadisme culturel de Sinadino, décidé à vivre entre les pays et les langues, on ne peut imaginer plus grande distance. « O l’assoluto lusso o l’estremo denudamento », écrit Sinadino en 1910, comme en réponse à Barrès . S’il est resté jusqu’au bout un homme sans racines, attaché à un idéal de liberté, de luxe et d’éclectisme, ce travail a cherché à offrir une hospitalité provisoire à la seule mémoire qui semblait compter à ses yeux, celle de sa poésie.

Mercredi 23 novembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Maryvonne ABRAHAM soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 Dans le contexte des Technologies de l’information et de la Communication : une écriture pictographique fondée sur des principes sémantiques

En présence du Jury :

M. DESCLES (Paris 4)
Mme CORDIER (Poitiers)
M. HASSOUN (ENSSIB)
M. HATON (Nancy 1)
M. JEANNERET (Paris 4)
M. JUTAND (Brest)

Mercredi 6 décembre 2006
Centre Administratif de Paris IV, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Sophie HOUDARD soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Démons, saints et libertins. Croyances, incroyances et discours au XVII siècle

 En présence du Jury :

Mme DENIS (PARIS 4)
M. DUFIEF (BREST)
M. FAVRE (EHESS)
M. FERREYROLLES (PARIS 4)
Mme FRAGONARD (PARIS 3)
M. LE BRUN (EPHE)
Mme MERLIN (PARIS 3)

Mercredi 6 décembre 2006
9 heures
Centre Administratif, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Sophie HOUDARD soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Démons, saints et libertins. Croyances, incroyances et discours au XVIIe siècle

 En présence du Jury :

Mme DENIS (PARIS 4)
M. FABRE (EHESS)
M. FERREYROLLES (PARIS 4)
Mme FRAGONARD (PARIS 3)
M. LE BRUN (EPHE)
Mme MERLIN (PARIS 3)

Samedi 4 décembre
9 h 30
En Sorbonne, Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 Mme Catriona SETH soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Déplacements et transferts culturels (de la poésie à l’inoculation)

 En présence du Jury :

M. DARMON (CNRS)
M. DELON (PARIS IV)
Mme FARGE NORDMANN (EHESS)
M. FRANTZ (PARIS IV)
M. MALLISON (OXFORD)
Mme MERVAUD (ROUEN)

Mardi 23 novembre
14 h
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. François MANCEBO soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Développement durable : critique et reconstruction du concept

 en présence du Jury :

M. FOUACHE (PARIS IV)
Mme HOTYAT (PARIS IV)
M. ROBERT (PARIS IV)
M. SCHERRER (LYON III)
M. SINGARAVELOU (BORDEAUX III)

Samedi 17 décembre 2005
14 heures 30
Centre Malesherbes
Salle 322
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Pratizia EPISTOLARI soutient sa thèse de doctorat :

 De "Sentimento Deltempo" à "Laterra Promessa". Ungaretti lecteur de valéry

En présence du Jury :

M. LIVI (Paris 4)
Mme BUFFARIA (Poitiers)
M. GENOT (Paris 10)
M. PETROCCHI (Tuscia)

Position de thèse

Mes années de travail consacrées à l’étude de Valéry et Ungaretti prennent forme, aujourd’hui, dans cette thèse qui m’a beaucoup passionnée et enrichie. Par cette recherche, commencée en Italie dans le cadre de ma Tesi di Laurea et développée ultérieurement à Paris dans le cadere d’un D.E.A., je voudrais enrichir l’ensemble des études critiques consacrées aux rapports entre Ungaretti et Valéry. Cet ensemble n’est d’ailleurs pas très vaste ; rappelons-en ses pièces essentielles : Liano Petroni, De poète à poète. Ungaretti interprète de Valéry (in Entretiens sur Paul Valéry, Actes du colloque de Montpellier, 16-17 octobre 1971, Paris, P.U.F., 1972, pp. 179-189 ; Luciano Rebay, « Ungaretti a Valéry : dodici lettere inedite. 1924-1936 », in Italica, LVIII, 1981, n. 4, pp. 312-323 ; Jorn Moestrup, « Ungaretti e Valéry », in Atti del Convegno Internazionale su Giuseppe Ungaretti, Urbino, 3-6 octobre 1979, Urbino, Ed. 4Venti, 1981, 2 voll., t. I, pp. 33-46 ; Anna Lo Giudice, « “Mio caro maestro”. 10 lettere inedite di Ungaretti a Valéry », Atti del Convegno su Giuseppe Ungaretti e la cultura romana, Roma, 13-14 novembre 1980, Roma, Bulzoni, 1983, pp. 173-189. Qu’il me soit permis de renvoyer également à mes propres articles : « I saggi di Ungaretti su Paul Valéry », in Otto/Novecento, 5, XVIII, septembre-octobre 1994, pp. 215-227 ; « Présence de Valéry dans la poétique ungarettienne », in Bulletin des Etudes Valéryennes, 22e année, novembre 1995, n. 69/70, pp. 63-100 ; « Sentimento del tempo e la poesia di Valéry », in La Rassegna della Letteratura Italiana, janvier-juin 1998, 102e année, Firenze, Le Lettere, pp. 109-120 ; « Ungaretti, Valéry e Contu : nuove luci » in Revue des Études Italiennes, n. s., t. 49, n° 1-2, janvier-juin 2003, p. 95-111.)

Grâce à la quantité considérable de matériaux nouveaux - publiés, peu connus ou inédits -, consultés dans les archives et dans les bibliothèques italiennes et françaises, on a pu constater que les rapports entre Ungaretti et Valéry s’inscrivaient dans un réseau complexe qu’il fallait analyser de plusieurs points de vue. Dans ce travail on a donc abordé ce sujet sous différents aspects : la « fortune de Valéry en Italie » - pour utiliser une formule quelque peu désuète -, et les essais critiques qu’Ungaretti et les autres écrivains et critiques contemporains lui ont consacrés ; les influences du poète français sur Ungaretti, leur rencontre et leurs échanges épistolaires ; leurs affinités et les influences croisées. Il a paru nécessaire d’utiliser, selon les chapitres et les sujets traités, deux approches critiques complémentaires : une approche chronologique ou historique pour les parties concernant la « fortune de Valéry en Italie », ses voyages en Italie, sa réception critique dans la péninsule, sa correspondance avec les écrivains italiens ; une méthode thématique pour l’analyse intertextuelle, et pour l’étude des affinités et des influences réciproques. Dans le premier chapitre, intitulé L’œuvre de Valéry dans les milieux littéraires italiens de l’après-guerre, suivant une perspective chronologique, j’ai montré qu’au début des années vingt l’œuvre de Valéry a commencé à être appréciée en Italie surtout grâce aux jeunes poètes que l’on appellera plus tard « hermétiques » et qu’elle est devenue l’objet et le catalyseur d’études et de discussions littéraires passionnées. La poésie valéryenne mène tout droit à la poésie pure et à l’« hermétisme » italien : l’emprise de Valéry se situe non seulement sur le plan de la pratique de la poésie, mais également sur celui de la réflexion sur l’acte poétique (« les intentions ») ; elle pose les bases théoriques d’une nouvelle façon de concevoir la poésie.
À l’intérieur du débat et de ces réflexions il convient de reconnaître à Ungaretti un rôle très important, surtout dans la « découverte » de Valéry en Italie. Ungaretti tient le poète français pour le Léonard que les avant-gardes n’ont jamais connu ; il le considère comme le porteur d’un esprit nouveau qui a conduit l’art sur « une route parallèle à celle où voyage la science ». L’entreprise d’Ungaretti est soutenue par Emilio Cecchi et Alfredo Gargiulo, qui créent autour du poète français un mouvement de « renouvellement » poétique, construit aussi à la lumière des essais littéraires et des articles de Valéry. Ungaretti, Cecchi et Gargiulo marquent, dans le milieu intellectuel italien de l’après-guerre, une nouvelle période littéraire : ils sont les intermédiaires entre la poésie pure valéryenne et l’Italie, entre la nouvelle critique stylistique et l’Italie. De même, les conférences et les voyages de Valéry à Milan et à Rome, posent les bases pour des liens de plus en plus étroits entre les milieux littéraires italiens et français. En particulier, en 1924 Valéry est invité à Milan par Il Convegno, la revue dirigée par Enzo Ferrieri de 1920 à 1940. C’est à Ungaretti et à Cecchi, auteurs des premiers articles sur l’écrivain français, qu’ on a voulu accorder une attention particulière. Leur propos se situe dans le dessein poétique de « retour à l’ordre » inscrit dans le projet d’expérimentation de La Ronda, auquel Ungaretti et Cecchi ont adhéré. Il y a là une certaine originalité, étant donné qu’à partir de 1925 la plupart des essais critiques italiens ont tendance à présenter au public plus le Valéry philosophe et théoricien que le poète, en exaltant L’Introduction à la méthode de Léonard de Vinci, La Soirée avec Monsieur Teste, Eupalinos ou l’Architecte et L’Âme et la Danse. De plus, les intellectuels italiens semblent vouloir obstinément chercher dans l’esthétique valéryenne un pendant à l’esthétique de Croce, même si les intentions de Valéry étaient autres. Après avoir analysé la correspondance entre Ungaretti et Valéry, qui commence en 1924, on a voulu démontrer que c’est plutôt Ungaretti poète qui a découvert Valéry dès 1919 (comme on le lit dans des lettres à Soffici et à Papini), tandis que le critique ne s’intéresse à lui qu’à partir de 1924, lors de la pubblication d’ « Esordio » (in Lo Spettatore Italiano, 1er mai 1924), et lors de sa première rencontre avec le poète français à Rome. L’intérêt d’Ungaretti pour Valéry naît avant 1924, ce clinamen est antérieur à leur rencontre : ses analyses se déplacent progressivement des textes aux essais, de la poésie aux programmes. Lorsque Ungaretti publie un article sur Valéry, le 1er mai 1924, d’autres essais avaient déjà paru Italie sur le poète français. Il s’agit de trois articles d’Emilio Cecchi : « Charmes di Paul Valéry » (in La Tribuna, 23 septembre 1922), « Valéry di Thibaudet » (in La Tribuna, 2 novembre 1923) ; « Paul Valéry » (in La Stampa, 24 avril 1924). Toutefois, dans les articles de Cecchi on relève en filigrane la présence d’Ungaretti qui, en plusieurs occasions, avait parlé à Cecchi de Valéry, comme on le voit dans leur correspondance. Ungaretti est un trait d’union important entre la France et l’Italie, c’est grâce à lui que Cecchi assimile et fait sien le symbolisme français et surtout la poésie de Valéry. N’oublions pas qu’Ungaretti a vécu à Paris jusqu’en 1922, il est au courant des dernières publications françaises et il en instruit régulièrement Cecchi. Aux alentours de 1920 bien des articles paraissent en France au sujet de Valéry. Dans cette partie du chapitre j’ai cité des lettres inédites retrouvées parmi les papiers de Cecchi.

Enfin, en conclusion de ce premier chapitre on a pu remarquer que l’interprétation qu’Ungaretti donne de la poésie de Valéry est réellement originale par rapport à la découverte parallèle du poète français par d’autres critiques (Cecchi, Gargiulo, Ortolani, Ojetti, Raimondi, Capasso, Consiglio, etc.). Cecchi et Gargiulo ont voulu faire connaître la nouvelle poésie aux milieux littéraires, en revanche Ungaretti a voulu mieux éclairer sa propre poésie en s’inspirant de l’exemple de Valéry ; leur affinité élective a comme point de départ une recherche théorique et expérimentale commune. L’approche critique d’Ungaretti vise à mieux éclairer et à mieux comprendre sa propre poésie. On pourrait en d’autres termes la définir une sorte de « critique de reconnaissance » envers le poète français qui, notamment sur le plan de la réflexion théorique, l’a aidé à mieux définir sa propre poétique. Le fait qu’Ungaretti n’ait jamais traduit Valéry, soutient paradoxalement ce que je viens d’affirmer. Dans le deuxième chapitre, où l’on a suivi une méthode chronologique et génétique, on a étudié les Polémiques autour du « cas Valéry » dans l’entre-deux-guerres, en remarquant qu’à partir de 1925, après les premiers articles de Cecchi et d’Ungaretti, on commença en Italie à beaucoup parler de Valéry et surtout à analyser son œuvre théorique. On pourrait parler d’un véritable « cas Valéry » - pour utiliser une expression de Libero de Libero - qui révèle un clivage entre Croce et son école et les tenants d’une autre esthétique. À plusieurs reprises Valéry avait souligné qu’il avait formulé une esthétique destinée à son propre usage : il ne se considérait pas comme un philosophe, parce que la philosophie « est une doctrine générale et généralisable », tandis que lui visait à créer sa propre « singulière doctrine » à sa mesure chaque fois qu’il compose une œuvre. Or, il est intéressant d’observer que même les critiques les plus polémiques, tels que Benedetto Croce et Francesco Flora ont contribué, en s’opposant à la nouvelle pensée, à créer malgré eux un « cas Valéry ». Ce chapitre rend compte des articles les plus polémiques parus en Italie sur Valéry et des essais qui le présentent comme un modèle au public italien. Ils commencent à paraître lors des premières conférences du poète en Italie (1924-1925). Aux critiques déjà mentionnnés il convient d’ajouter les poètes et critiques Sergio Solmi, Eugenio Montale et les articles publiés dans le Meridiano di Roma. Les intellectuels italiens sont plus intéressés par le conférencier et le théoricien que par le poète. À partir de 1925, presque tous les articles sur Valéry portent sur Introduction à la Méthode de Léonard de Vinci, ainsi que, mais dans une moindre mesure, sur d’autres textes théoriques : Monsieur Teste, Eupalinos ou l’Architecte, L’Âme et la danse, Variété. Ces considérations permettent de mieux comprendre le contexte dans lequel Ungaretti a commencé à écrire au moment de la publication d’« Esordio » (1924) et, par conséquent, l’importance de ses essais au sujet du poète français. En se situant d’une manière différente par rapport aux autres écrivains et poètes, Ungaretti s’arrête tantôt sur le Valéry poète tantôt sur le Valéry philosophe. En bon connaisseur des œuvres de Valéry, Ungaretti présente en Italie le poète. Dans ce chapitre on a analysé, dans un paragraphe, le numéro spécial quer la revue Poesia, dirigée par Enrico Falqui, consacre, en janvier 1946, à Valéry. Falqui réunit sous le titre de Testimonianze su Valéry di poeti italiani contemporanei, des témoignages de poètes à l’occasion de la mort de Valéry, survenue le 20 juillet 1945. Parmi les témoignages (Betocchi, De Libero, Grande, Luzi, Montale, Ortolani, Quasimodo, Saba, Sinisgalli, Solmi, Vigolo), les pages d’Ungaretti sont mémorables. Un autre paragraphe a été consacré à Rafaele Contu, compte tenu du rôle qu’il a eu dans la diffusion de l’œuvre de Valéry en Italie, mais surtout des importantes données inédites auxquelles on a eu accès, grâce à la bienveillance de son fils, Ignazio Contu. Contu a joué un rôle fondamental dans la culture italienne en tant qu’animateur de milieux littéraires, fondateur et directeur d’importantes revues et publications, traducteur de textes qui ont marqué l’histoire contemporaine. Il a été le premier grand traducteur italien de Valéry (Eupalino o dell’architettura, 1932), et il a contribué puissamment au rayonnement du poète français dans les milieux intellectuels italiens en créant autour de lui un groupe d’artistes et de critiques qui ont étudié et fait connaître l’œuvre de Valéry. Contu organisait des rencontres, des conférences et favorisait la publication des articles, des essais et des œuvres de Valéry dans les revues italiennes : il a eu le mérite de comprendre la valeur d’une nouvelle génération d’artistes, de poètes et d’hommes de science. En particulier, l’amitié Contu-Ungaretti, née à l’occasion de la traduction d’Eupalinos, pour laquelle Ungaretti a écrit son Introduction, a été, surtout à partir de 1932, le pôle de diffusion de nouvelles théories littéraires et culturelles qui présentent l’artiste comme un architecte bâtissant son temple d’après les règles géométriques et les mesures mathématiques, comme on fait pour les sciences exactes. Contu et Valéry représentaient pour Ungaretti l’aspect qui manquait à sa propre personnalité de poète, c’est-à-dire la géométrie, le calcul et la rationalité, la clarté. Cette clarté et cet « esprit de finesse » charmaient « l’homme de peine ». Contu, à la manière de Valéry, s’était créé un système intérieur fondé sur la géométrie et sur les règles : il avait cultivé, dès l’époque de ses études scientifiques, un amour passionné pour la rigueur des idées et pour l’harmonie des formes. Dans le troisième chapitre, on a fait une Lecture ungarettienne des œuvres de Valéry en suivant une perspective à la fois génétique, chronologique et thématique. Il s’agit des œuvres qu’Ungaretti connaissait, dont il a parlé à plusieurs occasions et qui ont influencé la nouvelle poétique de Sentiment du temps : La Soirée avec Monsieur Teste, L’Introduction à la Méthode de Léonard de Vinci, Eupalinos ou l’Architecte, Au sujet d’« Adonis », Album de vers anciens, La Jeune Parque et Charmes. Les analyses d’Ungaretti se distinguent encore une fois de celles des autres poètes et critiques en ce qu’elles se déplacent des textes aux essais, de la poésie aux programmes, et considèrent parallèlement, comme le voulait Valéry, le plan de la pratique de la poésie et celui de la réflexion sur l’acte poétique. Ungaretti connaît les œuvres du poète français dès 1919, l’époque de la parution de La Morte di Crono, et qu’il en apprécie aussi bien les recueils poétiques que les œuvres théoriques et philosophiques : la création artistique est une « gymnastique spirituelle » de son créateur qui cherche, à travers le travail, le « mot juste » né d’une langue poétique purifiée. Les œuvres de Valéry répondent toutes à leur fonction première de recherche intérieure, de work in progress ; elles sont l’expression d’un Moi « se voyant se voir ». En lisant Teste on pense à Léonard et ce dernier nous rappelle Eupalinos qui, à son tour, nous ramène à Narcisse ou à la Parque. Il convient de trouver les mots et la forme justes afin de traduire le mythe poétique. Eupalinos, Teste et Léonard sont le contrepoint des poèmes valéryens, ils disent en prose ce qui fait la tension de la poésie et que les poèmes ne peuvent réellement nommer. Le quatrième chapitre se présente comme une poursuite et un développement du chapitre précédent. On s’ arrête sur les nouveautés du Sentiment du temps et on analyse les influences valéryennes au niveau du contenu (mythes communs) et au niveau de la forme, étant donné que le travail de Valéry sur la forme et sur le contenu, vise à la purification et à l’abstraction poétique, c’est-à-dire à l’union intime du son et du sens. Dans le troisième chapitre on a analysé Les œuvres de Valéry les plus intéressantes dans une optique ungarettienne. Dans ce chapitre, on a voulu dégager la place que ces œuvres-là, en particulier les œuvres poétiques, ont eue dans la poésie d’Ungaretti. Dans « Punto di mira », en parlant de sa transformation poétique après la guerre, Ungaretti conclut que tout mot de reconnaissance serait inefficace à dire de quel secours lui a été la rencontre avec l’œuvre de Paul Valéry. « Punto di mira » représente pour Ungaretti le texte de sa nouvelle poétique, marquant le passage de l’Allegria di naufragi à Sentimento del tempo. Le double titre noté dans le manuscrit, « Punto di mira » et « Ginnastica spirituale », n’est pas sans rappeler la poésie valéryenne conçue comme instrument de recherche intérieure. Le poète, par un exercice de recherche de la parole et de la langue pure, fait un travail d’analyse de son Moi. Après la guerre, Ungaretti transforme profondément sa poétique, prenant les distances des mouvements d’avant-garde et en particulier du futurisme, qui avaient influencé sa poésie précédente. Il parle d’un « vent d’automne » qui « nous a glacés » pour nous faire devenir des « serviteurs de l’ordre ». Il s’agit du vent de la restauration, d’un véritable retour à l’ordre et à la rigueur poétique des formes traditionnelles. Après les vers de rupture et de forte émotivité de l’Allegria, avec Sentimento del tempo Ungaretti revient à la versification classique, aux « pentasyllabes, heptasyllabes, hendécasyllabes et ennéasyllabes » de Jacopone, de Dante, de Pétrarque et de Leopardi. Le retour à l’ordre d’Ungaretti est la recherche d’un classicisme qui se situe tant au plan thématique qu’aux plans linguistique et formel. En ce qui concerne les thèmes, on assiste à une découverte de la mythologie. Comme l’écrit Ungaretti, dans Sentimento il y a un recours « presque systématique » à la mythologie, pour traduire les états d’âme et évoquer les « fantasmes » intérieurs de l’auteur. Traduisant une réalité abstraite, la mythologie révèle le langage comme multiplicité et composition de forces hétérogènes. Cette multiplicité dont se sert la langue, présente plusieurs formes : la mélodie et le rythme, qui rendent abstrait le poème par l’union du son et du sens (onomatopées, assonances, allitérations, répétitions phoniques) ; la syntaxe (complexité figurée des phrases) ; le vocabulaire symbolique (métaphores et analogies). Pour atteindre à l’abstraction, le langage devient musical et symbolique : du monde concret on passe au monde psychique. Enfin, au niveau formel, le classicisme est une sorte de passage « d’une métrique élémentaire à une métrique complexe », comme l’écrit Giuseppe De Robertis. Déjà dans les poésies réunies en 1923 dans le Porto sepolto, on assiste à un retour à la versification traditionnelle. Dans la restauration métrique de Sentimento, la versification classique, en particulier les vers de Pétrarque, jouent un rôle primordial surtout dans la reconstruction de l’hendécasyllabe. Sentimento del tempo est un retour aux conventions et à la mesure, qui sont réalisés par le vers régulier. Dans le cinquième chapitre, consacré à La redécouverte des auteurs classiques par Ungaretti et Valéry, en privilegiant une perspective thématique. La tradition apparaît à la fois dans les structures formelles et dans les grands thèmes poétiques. En particulier j’ai analysé Virgile, Dante et Pétrarque, qui constituent des modèles fondamentaux. Dans le parcours poétique d’Ungaretti, la découverte de Valéry de 1925 à 1930, advient parallèlement avec la redécouverte, à la même époque, des grands classiques italiens, surtout Pétrarque et Leopardi. En outre, parmi les quatre classiques italiens que Valéry préférait, se trouvait Pétrarque. Il peut sans doute exister un rapport avec la redécouverte de Pétrarque qu’Ungaretti fait dans les années vingt. La grande tradition poétique issue de Dante et de Pétrarque, prend un sens nouveau chez Ungaretti, par la médiation de Valéry, frappé et influencé par les grandes figures de la plus haute tradition italienne. On peut presque soutenir que Ungaretti a été incité à la lecture de Pétrarque par Valéry. L’influence de Dante et de Pétrarque sur Valéry est attestée par le poète lui-même, dans ses réponses, en 1932, à une interview de la revue Educazione Fascista. Dans ces réponses se trouve l’exposé le plus clair qui soit des rapports intellectuels et esthétiques entre Valéry et Dante. En ce qui concerne Pétrarque, Valéry déclare dans Educazione Fascista : « Je l’ai assez lu, et beaucoup aimé ». Les Cahiers confirment cette idée, allant jusqu’à dire que la poésie romantique française est « issue de Pétrarque » et qu’elle tire profit de la discipline imposée par le sonnet. Ungaretti s’intéresse à Dante et à Pétrarque surtout à partir de 1924, l’année de son « retour à l’ordre » et de sa découverte de Valéry. Dans Punto di mira - où Ungaretti parle aussi de Valéry - Dante est considéré comme « le poète divin », qui est descendu dans les gouffres d’un enfer plus profond que l’enfer de Dostoievskij ou de Proust. Et à propos de Pétrarque, Ungaretti affirme que « le royaume de la musique », c’est le royaume de Pétrarque. Virgile a influencé l’évolution poétique de Valéry et d’Ungaretti surtout pour la perfection formelle du vers et pour l’importance qu’il accorde à la mémoire. Virgile est, pour les deux poètes, le symbole de la poésie-mémoire et de la poésie-mythe, un mythe issu de l’histoire et du temps, cherchant à l’intérieur du temps sa dimension éternelle. Virgile intéresse également Valéry et Ungaretti pour sa descente aux Enfers à la recherche de la mémoire. Le nouvel Enée d’Ungaretti et de Valéry descend dans les gouffres de la mémoire à la recherche de la parole trouvée dans le vocabulaire classique, signe d’un passé ancestral encore vivant. Valéry cite Virgile lorsqu’il illustre la genèse de La Jeune Parque, en faisant mention des poètes auxquels il s’est référé dans son projet initial d’élaboration du poème. Il est aussi intéressant de remarquer que Valéry a traduit Les Bucoliques et qu’Ungaretti a publié un essai sur Dante e Virgilio. Dans le sixième chapitre intitulé Convergences : la parole, la femme, le mythe du Narcisse, le rêve et la mort, consacré à des analyses textuelles, on s’est suis arrêtés sur des images communes aux deux poètes. À partir du Discorso per Valéry (1961), l’essai le plus complet qu’Ungaretti ait consacré à Valéry, on a analysé les poésies de Valéry qui ont particulièrement influencé le poète italien, en mettant en lumière les images communes. Dans son discours, Ungaretti mentionne d’un côté les premiers poèmes de Valéry - Baignée, Orphée, Hélène - mais aussi les poèmes suivants : Les Fragments du Narcisse, La Jeune Parque, Le Cimetière marin. Tous ces poèmes traduisent le voyage intérieur du poète à deux différents niveaux : celui du sens et du signifié, où la parole devient poésie, en évoquant la descente orphique du protagoniste ; celui du son et du signifiant, où l’évocation du voyage intérieur est rendue à travers la forme. Les poèmes cités par Ungaretti dans Discorso per Valéry, expriment le drame de l’homme moderne en quête de l’immortalité. Ce drame se traduit dans cinq thématiques valéryennes : le verbe, la femme, le mythe du Narcisse, le rêve et la mort. Il s’agit de différentes facettes qui trouvent leur unité idéale dans le cristal d’un prisme et qui cachent le mystère du temps et de l’existence. À la façon d’un miroir, ces images, homogènes dans leur diversité, semblent trahir leur signifié caché exactement dans l’acte de se refléter les unes les autres, l’une donnant à l’autre la condition d’exister, dans un kaléidoscope d’images dont le sens ultime réside dans la transformation perpétuelle du réel et dans la tentative de saisir, à travers « la fable poétique », l’instant de suprême vérité dans l’acte de se refléter. Une image crée l’autre, un poète se reflète dans l’autre et découvre des choses nouvelles de lui-même à travers les poèmes de son alter ego. Le fil conducteur est l’élément fécondateur marin, archétype du voyage à la source de la vie. Dans l’eau nous trouvons Baignée, où l’atmosphère éthérée le dispute à la sensualité ; dans l’eau nous saisissons l’image fluctuante de Narcisse à la recherche de son essence immortelle ; dans l’eau, encore, se bercent les rêves de La Jeune Parque courbée sur les rochers ; dans l’eau, enfin, du haut du Cimetière marin, on entend un message vital de palingénésie, qui inspire au poète « le calme des dieux ». À travers les analyses textuelles on peut relever chez les deux poètes, les thématiques qui traduisent la naissance de la création poétique. Il s’agit, comme le dit Ungaretti, d’une poésie née « d’après un dialogue dramatique entre l’être et la connaissance ». Le but principal du poète consiste à chercher la parole pour dépasser les limites, pour embrasser son image reflétée dans l’eau. La poésie naît du désir qu’a le poète de réunir les « petites pièces de miroir ». Ce désir est comparable à une soif survenue soudainement, différente de la soif commune, puisqu’elle s’accroît excessivement chaque fois que l’homme essaie de l’étancher. C’est la soif dont parle Ovide dans les Métamorphoses. Le drame de Narcisse est le drame de l’homme moderne, d’un homme qui regarde l’univers d’une façon emblématique pour s’interroger sur son destin à travers la science, assoiffé de l’altera sitis »d’Ovide. Grâce à cette soif naissent à la fois la poésie et la science : toutes deux visent le mystère de l’existence, en se servant l’une de la raison, l’autre du sentiment. Le binôme âme-forme, en dépassant l’identité crocienne d’intuition et d’expression, marque la naissance de la nouvelle poésie pure en Italie. Ce binôme est bien représenté par la poésie valéryenne, qui s’inscrit dans le nouveau contexte culturel italien, devenant le modèle essentiel d’une poésie consciente que tout lien possible entre Idée et image ne saurait en aucun cas faire abstraction du conflit qui s’est ouvert entre ces deux termes. Dans le septième chapitre on a fait une analyse intertextuelle des poésies d’Ungaretti et de Valéry. En suivant une perspective thématique, on a créé une sorte de constellation verbale afin de rechercher des convergences parmi des mots choisis chez Ungaretti et Valéry. On a établi des concordances communes construites sur des réseaux thématiques particuliers. Il s’agit d’une liste qui suit un ordre non pas alphabétique mais logique : les différentes connotations visent à enrichir une série de mots chez les deux poètes, liés aux contextes, aux souvenirs, aux émotions. Les champs sémantiques que établissont un instrument pour exploiter au mieux les textes des deux poètes en vue d’une meilleure analyse thématique et stylistique. Il est évident que cette analyse relève plus d’affinités entre eux deux que d’influences. Les analogies et les différences thématiques procèdent parallèlement avec les analogies et les différences formelles, métriques et rythmiques. Ce travail de sélection et d’interprétation est, nous semble-t-il, nouveau, puisqu’il n’existe à présent aucune étude visant à tracer, chez Ungaretti et Valéry, des concordances thématiques et lexicales. Cette recherche sur les rapports entre Ungaretti et Valéry a été possible grâce aux documents consultés dans plusieurs archives et bibliothèques italiennes et françaises : la Biblioteca Nazionale Centrale de Rome, la Biblioteca Nazionale de Florence, la Biblioteca Universitaria Alessandrina de Rome, la Biblioteca di « Villa Mirafiori » de Rome, la Bibliothèque Nationale de Paris, la Bibliothèque Universitaire de Paris IV - Sorbonne, la Bibliothèque Littéraire « Jacques Doucet » de Paris, la Bibliothèque du Centre Pompidou de Paris, la Bibliothèque Universitaire de Montpellier. En ce qui concerne les textes inédits, on a travaillé dans l’Archivio Contemporaneo « A. Bonsanti » del Gabinetto « G.P. Vieusseux » de Florence, dans le Centro di ricerca sulla tradizione manoscritta di autori moderni e contemporanei de l’Université de Pavie, dans le Fond Valéry de la Bibliothèque Littéraire « Jacques Doucet » de Paris et dans le Fond Valéry de la Bibliothèque Nationale de Paris.

Lundi 4 avril
9 heures 30
Institut National d’Histoire de l’Art
Carré Colbert, Salles Ingres
4-6, rue des petits champs
Paris 2e

 M. Matthias SCHAFER sotient sa thèse de doctorat :

 De l’action à l’image : le rôle du médium dans l’actionnisme Viennois

En présence du Jury :

M. DAGEN (Paris 1)
M. FOUCART (Paris 4)
M. LEMOINE (Paris 4)
M. PIERRE (Grenoble 2)
Mme WILSON (Londres)

Mardi 5 décembre 2006
14 heures 30
A la Maison de la Recherche, Salle D116, 1er étage
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Francesca SENSINI soutient sa thèse de Doctorat :

 De l’Antiquité classique à la poésie symboliste : recherches sur les "Poèmes conviviaux" de Giovanni Pascoli (1904)

 En présence du Jury :

M. COLETTI (GENES)
M. CONTORBIA (GENES)
M. GENOT (PARIS 10)
M. LIVI (PARIS 4)
M. PERUGI (GENEVE)

 Résumés :

Cette étude des Poemi conviviali se fonde sur l’analyse des prémisses esthétiques et philosophiques de l’œuvre. Le chapitre I analyse les thèmes primordiaux dans le système du poète, tels que le passé, la tradition classique greco-latine, l’enfance au sens psychologique et historique. Après avoir déterminé la poétique qui est au fondement des Poemi conviviali, le chapitre II définit les notions de « rêve » et de « songe poétique » au sein de la production de Pascoli, tant en prose qu’en poésie ; celles-ci s’avèrent, en effet, très importantes pour cerner non seulement l’inspiration mais aussi la structure interne des Poemi conviviali. Après avoir éclairci les théories propres à Pascoli, on analyse, vers par vers, « Solon », « Il cieco di Chio », « La cetra di Achille », « Le memnonidi » et « I gemelli », en réservant un long développement au personnage d’Achille, alter ego du « fanciullino ». L’approche philologique permet d’apprécier les rapports entre la poésie de Pascoli et les hypotextes classiques, ainsi que les expressions de son symbolisme « fin de siècle ».

This research on the Poemi conviviali focuses on the analysis of the work’s esthetical and philosophical aspects. The first chapter is devoted to a thorough examination of the subjects that are the fundamentals of the author’s poetics and thought, namely the past, the classical tradition and childwood, both in psychological and historical perspectives. After understanding the basics aesthetics of the Poemi conviviali, the second chapter defines the concepts of « dream » and « poetical dream » in Pascoli’s production, both in prose and in verses ; these are key concepts since they allow a better understanding of the inspiration as well as the internal structure of the Poemi conviviali. After explaining the theories of the authors, five poemes are analysed vers by vers ; they are « Solon », « Il cieco di Chio », « La cetra di Achille », « Le memnonidi » and « I gemelli ». Furthermore a chapter is devoted to examine the character of Achilles, alter ego of the « fanciullino ». The philological approach of this research helps clearly see the link between Pascoli’s poetry, and his classical models, as well as his own late-century symbolism.

 Position de thèse :

Nous avons étudié les Poemi conviviali de Giovanni Pascoli à la lumière des prémisses de l’œuvre : la littérature gréco-latine en tant que sujet du recueil et paradigme esthétique absolu, la réflexion philosophique et métalinguistique sur le mythe classique et sur la pensée mythique, la critique du positivisme et du matérialisme en vue de l’élaboration d’une utopie poético-sociale. Le chapitre I, L’esthétique de l’antique, est consacré à l’étude des textes en prose où le poète expose sa conception du passé, pris en tant que mémoire collective et mémoire individuelle, ainsi que sa vision du monde classique. Nous recourons à la notion d’‘antique’ pour distinguer le passé en tant que concept propre à la réflexion esthétique de Pascoli du passé classique au sens historique et littéraire. Par cette notion, nous faisons référence au monde gréco-latin en tant qu’archétype de la condition originelle, celle qui est propre au « petit enfant » pascolien. Ce chapitre plonge donc au cœur de la structure du recueil, où l’on peut distinguer un premier parcours axé sur la recherche des racines de la civilisation occidentale, et un second, métalinguistique, qui vise à une nouvelle fondation de la poésie moderne sur le paradigme de la poésie antique, c’est-à-dire la poésie originelle.
Ce chapitre tend également à déterminer les rapports que cette œuvre entretient avec les poétiques contemporaines, notamment le decadentisme, le symbolisme et le Parnasse, et la nouvelle vague d’études critiques et philologiques consacrées à la civilisation classique.
L’étude est ensuite concentrée sur cinq poèmes conviviaux, Solon, Il cieco di Chio, La cetra di Achille, Le memnonidi et I gemelli, qui partagent une même source d’inspiration que nous définissons comme « songe poétique ». Le chapitre II, Celui qui rêve avec le souvenir de choses jamais vues, qui précède l’analyse textuelle de ces poèmes, a pour objet, d’une part, d’éclaircir ce que Pascoli entend par rêve et, d’autre part, d’exposer la relation complexe existant entre souvenir et rêve de l’antique au sein des Poemi conviviali. Ce projet passe par un examen des occurrences et des différentes valeurs de « sogno », tout d’abord dans les proses, ensuite dans les vers des autres recueils, enfin dans l’ensemble des Poemi conviviali. La notion de « sogno », qui est à l’origine du processus de génération et de création de la poésie pascolienne, est aussi à la base de deux parcours de recherche, l’un historico-culturel et l’autre métalinguistique, qui déterminent la macro-structure des Poemi conviviali. Le dessein de l’auteur présuppose le renouvellement de la poésie, appelée à créer des signifiés au moment où la civilisation européenne s’est retrouvée confrontée à l’incertitude de son propre avenir ainsi qu’au vide de l’existence - un sentiment naturellement lié à une époque de transition. En effet, Pascoli s’est proposé de reconstruire le présent et le réel sur des fondements nouveaux, moyennant une parole nouvelle, censée guider l’homme moderne à travers la dernière étape de son évolution : celle qui mène à l’acquisition d’une identité qui comprend l’héritage du passé, en même temps qu’elle en constitue l’accomplissement. Au début de son expérience, Pascoli a confié la tâche d’inspirer cette poésie à l’épopée d’Homére, considérée comme le paradigme de la parole et de la pensée mythique qui caractériserait la condition enfantine. À cet effet, le poète donne des récits et des mythes épiques une lecture philologique rigoureuse, mais qui est à la source d’une vision extatique, autrement dit un « songe poétique ». Puis se donne à voir une véritable remise en cause du songe de l’épopée, tant sur le plan de sa valeur éthique que de son efficacité dans la réalisation de l’utopie sociale pascolienne par la voie de la poésie. Dangereusement hédoniste et illusoire par rapport à la réalité factuelle, celui-ci s’efface devant une source d’inspiration au caractère moins littéraire et moins détaché de l’expérience ordinaire de la vie : la caritas/ajga>ph considérée comme le caractère distinctif de la nature humaine et, par conséquent, le véritable moteur de son évolution.
À l’aune des premières résultats de notre recherche, et afin de rendre compte de la technique et des procédes de cette poétique, la seconde partie dévéloppe une analyse textuelle resserrée sur les cinq poèmes conviviaux précités qui portent le songe de la parole originelle. Car les modèles antiques n’y font pas seulement l’objet d’une expérimentation linguistique, mais aussi d’une profonde réflexion métalinguistique de la part de Pascoli. Nous étudions dans cette partie la mise en œuvre des principes de ‘l’esthétique de l’antique’ au sein de la poíesis conviviale, sur le plan métrique, lexicale, syntaxique et sémantique. Dans le même temps, nous essayons de préciser, au travers de l’analyse des textes, les relations de cette esthétique avec la poétique du rêve au sens pascolien. Il apparaît que le songe de la poésie originelle consiste essentiellement dans la pratique d’un art capable d’endiguer les effets de la mort, aussi bien que les conditionnements que celle-ci exerce sur le destin humain. Dans cet art, la parole n’est pas uniquement souvenir de l’antique ; elle est un signe vivant, une parole-chose. Grâce à la vision onirique du poète, elle parvient à accomplir un véritable retour à la vie de la psyché enfantine qui s’exprime par les mythes antiques. Ce retour qui s’opère par les mots se pose aussi en entité transcendante par rapport à la langue elle-même. L’analyse met ensuite en lumière les procedés formels par lesquels Pascoli a transposé les structures psychiques propres à la pensée mythique des classiques, ainsi que leurs expressions littéraires, dans des récits à valeur allégorique et symbolique. Dans le même temps, nous mettons en évidence les innovations du code métissé que Pascoli a créé à partir du paradigme de l’antiquité gréco-latine. En tant que projet esthétique qui ne laisse aucune place à la mimésis, la poésie ‘conviviale’ n’apparaît pas comme une simple reproduction des modèles classiques, destinée à figurer l’expression de ce désespoir qui est propre à un art ‘décadent’, cristallisé dans le raffinement d’une écriture artificielle. Bien au contraire, la comparaison entre les poèmes pascoliens et leurs hypotextes fait ressortir une poésie qui vise à dévoiler les significations éternelles de la parole et du mythe antiques.
Dans Solon, nous définissons les concepts fondateurs du recueil : la signification métahistorique que Pascoli attribue au banquet classique, l’expérience de la poésie, à la fois « écho » venant de « l’Inconnu » et source d’émotion transfigurant la douleur et la mort, la valeur métalinguistique du « crépuscule » et d’autres termes techniques dont l’emploi est transversal au sein non seulement des Poemi conviviali, mais aussi de l’intégralité de l’œuvre Pascoli. Nous décelons également les composantes culturelles qui participent à la structuration du récit et des personnages aussi bien dans Solon que dans les autres poèmes. Il s’agit, d’une part, du code d’interprétation de l’âme propre à Dante, tel qu’il résulte des études que Pascoli a consacrées à la Commedia, d’autre part des acquisitions de la philosophie contemporaine, notamment de l’évolutionnisme, réinterprété sous un angle tout à fait personnel. De l’influence de ces deux systèmes de lecture de la réalité découlent, au sein des Poemi conviviali, la relevance de la dialectique entre vie active et vie contemplative, de même que la présence de personnages in fieri, complémentaires et doubles l’un par rapport à l’autre. Dans le même temps, nous mettons en évidence les mécanismes de la codification allégorique harmonisant ces composantes hétérogènes et leurs implications au plan ‘supérieur’ des significations symboliques.
De plus, dans le poème Solon, Pascoli donne un exemple très clair du fonctionnement de l’art ‘combinatoire’ et allusif qui est à la base de l’esthétique de l’antique et du rêve de la poésie originelle. Dans ce premier poème, en effet, l’auteur, ne dissimule pas les hypotextes classiques qui nourissent son inspiration. Au contraire, il arbore ses références, afin de mettre au jour, tant sur le plan de la poíesis, que sur celui des contenus, les effets de son rêve qui redonne de l’intérieur une nouvelle signification à la parole des modèles.
Le chapitre Il cieco di Chio étudie l’entrelacs des sujets littéraires et mythiques (l’u[briv et la punition divine qui s’ensuit, l’évocation de l’archétype littéraire du poète aveugle, de Nausicaa et à d’autres passages célèbres d’Homère) avec des réflexions sur la nature de l’inspiration, le songe poétique, et le désarroi de l’âme du poète-enfant face aux contradictions de son désir et, plus précisément, de l’éros. L’analyse des valeurs allégoriques propres aux situations et aux personnages permet de mieux cerner ces contenus si hétérogènes, ainsi que le résultat de leur interaction. Tout comme dans l’histoire de Solon, la rencontre des deux personnages du poème est, au fond, la tentative de reconstruire l’identité brisée du moi. Les protagonistes du récit en représentent, en effet, les deux moitiés tâchant de se réunir : un moi vieux/vieilli et un moi jeune/enfant. Dans le chapitre Prolégomènes à l’Achille pascolien, nous cherchons à éclaircir le rôle du personnage d’Achille au sein du système pascolien, afin de mieux saisir les significations propres aux poèmes conviviaux qui ont ce mythe comme thème : La cetra di Achille et Le memnonidi. Il en résulte un portrait équivoque : Achille apparaît comme le paradigme épique du « petit enfant » et, à la fois, comme l’homo sapiens qui n’a pas encore achevé la dernière étape de son évolution.
Dans La cetra di Achille, nous retrouvons les expressions les plus caractéristiques du personnage d’Achille selon l’interprétation de Pascoli : le chant accompagné par la lyre, les pleurs solitaires au bord de la mer, le cri surhumain lors de son retour sur le champ de bataille, sa nature à la fois violente et magnanime. À la lumière des hypotextes tirés de l’Iliade, La cetra di Achille apparaît comme une reprise métamorphosée de la visite du roi Priam aux tentes des Mirmidones, relatée dans le dernier livre du poème d’Homère. Pascoli garde la signification originelle de cet épisode qui représente le moment où Achille abandonne sa colère pour retrouver enfin son « amour » - sa filo>thv - et rendre le corps d’Hector à son vieux père. Toutefois, le poète a remplacé le champion des Troyens par une lyre, et le roi Priam par un aède thébain. Obtenue par Achille lors du siège de Thèbes, la lyre n’est qu’une dépouille de guerre, tout comme Hector. L’aède anonyme a la vieillesse vénérable et le courage de Priam ; de plus, les deux personnages partagent la même condition de victimes face à la violence du héros. Ce faisant, Pascoli donne à voir l’élaboration, à partir du récit d’Homère, d’un thème primordial au sein de sa pensée : la fascination pour les légendes héroïques en tant que source d’émerveillement et de rêve, en même temps que le danger représenté par une poésie dont l’inspiration vient de ‘fables anciennes’. Celles-ci, en effet, n’éloignent pas seulement de la réflexion sur la réalité et le vrai, mais témoignent d’un éthos marqué au sceau de la violence et, partant, incompatible avec le projet de la poésie pascolienne qui vise à la transformation de l’homo sapiens en homo humanus. Une fois de plus, l’analyse des composantes allégoriques du texte atteste que la conciliation de ces contradictions, propres à la pensée ‘expérimentale’ de l’auteur, se réalise sur le plan des significations symboliques.
Le chapitre Le memnonidi développe le rôle d’Achille en tant que paradigme d’un homme-enfant ambivalent, partagé entre haine et amour, souffrance et rachat, inconscience non-poétique et vérité poétique. Une fois démêlé cet échevau d’équivalences grâce à l’analyse comparée des modèles, nous examinons les implications anthropologiques inhérentes au sujet de l’identité double du héros homérique. Plus précisément, nous étudions les réflexions de Pascoli sur les notions d’évolution-involution qui sont utilisées tout au long de son œuvre. De plus, le poème Le memnonidi offre un exemple particulièrement significatif de la difficulté et du raffinement propre à la codification allégorique visant à la « vivification » d’idées abstraites - esthétiques, philosophiques et éthiques - à l’aide de l’imagination mythique. Le chapitre I gemelli montre comment Pascoli applique le schéma d’une ‘fable ancienne’ à la réflexion psychologique portant sur l’éros et l’immaturité du moi poétique. Inspiré par la métamorphose de Narcisse, ce mythos pascolien étale au grand jour la condition accablante du sujet, à la fois dédoublé et réduit de moitié après la perte de ‘l’enfance’ perçue comme condition d’harmonie avec la réalité. Le personnage apparaît toujours à la recherche de son jumeau représentant son identité reconstitué, en même temps que l’objet d’un amour aussi illusoire que fautif. Primordial au sein de l’anthropologie de Pascoli, le paradigme de l’homme/plante, tiré de Dante, permet d’interpréter la transformation des jumeaux en fleurs comme le signe de la défaite du moi. Incapable de mener au bout sa recherche, celui-ci est condamné à ne pas mûrir tant sur le plan de la vie active - représenté par l’éros - que sur celui de la vie contemplative - représenté par le recouvrement de son identité ‘simple’, originelle.
L’analyse comparée de ces poèmes éclaire la notion de symbolisme propre à la poésie de Pascoli, notamment des Poemi conviviali. Il en ressort de manière évidente que le symbole présuppose les structures psychiques du poète-enfant, assembleur de mythes. Celui-ci fait l’expérience d’une réalité vivante et animée, où les relations entre les choses se soustraient à toute instance de prédétermination d’ordre logique, en même temps qu’elles laissent entrevoir la révélation du mystère inhérent à l’être. L’intuition de ce mystère, non moins enivrante que fuyante, exige le recours à un message symbolique qui tend à réunir la réalité positive, que la langue exprime elle-même, à son sens révélé par l’intuition.
Le processus d’activation de la charge symbolique est forcément soumis à la médiation exercée par le code linguistique : elle se réalise donc par le biais d’une opération de nature intellectuelle, à savoir l’allégorèse, ainsi que par le recours à une rhétorique hautement codifiée. Tout comme l’identité du moi moderne, le langage lui-même est perçu par Pascoli comme une entité scindée, un symbole brisé, dont le fonctionnement est double : d’une part, il agit comme un conditionnement réfractaire à exprimer les intuitions de la psyché enfantine, d’autre part il se pose en instrument absolu, dont les potentialités seraient infinies.
Il ressort de notre analyse un modèle d’expérimentation où le poète semble attribuer aux formes du langage des potentialités expressives dépassant la réalité du langage lui-même, et susceptibles d’évoquer la réalité vivante propre des perceptions enfantines. C’est par ce trait que la recherche personnelle de Pascoli - son symbolisme « fin de siècle » - parvient à s’intégrer dans le plus vaste domaine du symbolisme européen. Ce courant vise justement à construire un langage qui, censé se soustraire aux nécessités de la communication naturelle, est finalement destiné à l’élaboration de messages ‘poiétiques’, c’est-à-dire capables de créer un monde par le langage. Verbal, ce monde s’avère cependant plus significatif que les données de l’expérience positive car il renvoie de façon symbolique à l’essence mystérieuse de l’être. Objet de l’intuition du poète, le mystère est donc soustrait au domaine psychique individuel et transmis à la réalité du langage. Ce n’est qu’après avoir renoncé à la fonction dénotative de la parole que ce mystère peut faire surface. Il trouve sa propre explicitation sur le plan des correspondances formelles et de la nature équivoque des messages poétiques, dont le réseau d’allégories et l’entrelacs des renvois internes, caractéristiques des Poemi conviviali, offre un exemple.

Samedi 10 décembre 2005
14 heures
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences D 035, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Laurence BOUGAULT soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 De l’approche littéraire à la stylistique du genre poétique

En présence du Jury :

M. SOUTET (Paris 4)
M. DURRENMATT( Toulouse 2)
M. FETZER
Mme GARDES (Aix-Marseille 1)
M. HAMON (Paris 3)
M. MOLINIÉ (Paris 4)

Vendredi 17 décembre
14 h 30
Centre Malesherbes
Salle 322
108 Bd Malesherbes
75017 PARIS

 Mme Alketa SPAHIU soutient sa thèse de doctorat :

 De l’épopée au roman : Culture et création dans l’oeuvre d’Ismaïl Kadaré

 En présence du Jury :

M. BRUNEL (PARIS IV)
Mme GELY (REIMS)
M. SERGENT (CNRS)
M. ZOTOS (ST ETIENNE)

Mercredi 16 juin
14 h 30
En Sorbonne, amphi Michelet
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Virginie BARRIER soutient da thèse de doctorat :

 De l’Empire britannique au Commonwealth des Nations : le sens de la question de Rhodésie

 en présence du Jury :

M. GOURNAY (LILLE III)
M. HUETZ DE LEMPS (PARIS IV)
Mme NEDELJKOVIC (LE HAVRE)
M. REDONNET (PARIS IV)
M. SOUTOU (PARIS IV)

Mardi 6 juin 2006
14 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

 M. Stéphane BRUN soutient sa thèse de doctorat :

 De l’erg à la forêt. Dynamique des unités paysagères d’un boisement en région littorale. Forêt des dunes de Menzel Belgacem, Cap Bon, Tunisie

En présence du Jury :

Monsieur Jean-Paul AMAT, Professeur à l’Université de PARIS IV- SORBONNE
Monsieur Paul ARNOULD, Professeur à l’ENS LSH LYON
Monsieur Jean-Jacques DUBOIS, Professeur à l’Université de LILLE I
Madame Micheline HOTYAT, Professeur à l’Université de PARIS IV-SORBONNE
Monsieur Amor Mokhtar GAMMAR, Professeur à l’Université de LA MANOUBA

Résumés

Dans la péninsule du Cap Bon, située au Nord Est de la Tunisie, le boisement des dunes de Menzel Belgacem constitue l’une des premières tentatives de reconstitution de la forêt sous le protectorat français. Depuis 1930, les sables connaissent une stabilisation progressive et, aujourd’hui, la nouvelle forêt a pris le dessus sur les accumulations dunaires. La forêt de Dar Chichou, de plus de 6000 ha d’un seul tenant, représente un remarquable exemple de forêt dunaire méditerranéenne. L’étude entreprise cherche avant tout à réaliser un bilan des interventions menées par les services forestiers depuis le début du XXème siècle. L’approche adoptée repose sur l’utilisation de données issues de télédétection, confrontées à des relevés de terrain, pour la réalisation d’une carte des unités paysagères.
La région Nord du Cap Bon, où l’empreinte du domaine littoral est omniprésente, se caractérise par une évolution très rapide du milieu naturel et par d’importantes transformations paysagères. Les aménagements en cours sont nombreux et les attentes de la société y sont très pressantes et souvent contradictoires. Ainsi notre étude tentera de participer à l’analyse des changements qui ont affecté les caractéristiques paysagères de la région. La comparaison de données géoréférencées multidates permet de suivre l’évolution de l’espace rural dans le nord du Cap Bon depuis les années 1900. Elle montre une modification sensible des paysages qui s’illustre, en particulier, par la mise en forêt progressive de l’importante écharpe dunaire de Dar Chichou. Nous tenterons de démontrer l’intérêt d’une telle méthodologie pour parvenir à la proposition de nouveaux modes de gestion capables d’intégrer les diverses fonctions du milieu forestier.

In the Cap Bon peninsula, located in the north-eastern Tunisia, the forestation of the Menzel Belgacem’s dunes constitutes one of the first attempt of forest creating during the French protectorate. From 1930, sands have been gradually stabilized and today the new forest came over the sand deposits. The Dar Chichou’s forest, more than 6000 adjoining hectares, represents an striking example of Mediterranean dunal forest. Before all this study seek to draw up the balance sheet of the interventions conducted by the forest services from the beginning of the 20th century. The approach is based on the use of remote sensing data, compared with field information, for the build-up of a landscape units map.
The Northern area of the Cap Bon, where the stamp of the coast is omnipresent, is characterized by a fast evolution of the natural habitat and by heavy landscapes changes. Many projects are planned and the society expectations are becoming insistent and often contradictory. Thus our thesis aim to analyse the changes assigned to the landscapes features. The comparison of georeferenced and multidate data allows to follow up the evolution of the rural landscape in the northern Cap Bon from 1900. It shows a sensitive change of the landscapes which illustrate itself by the progressive forestation of the large dunal sling of Dar Chichou. We endeavour to demonstrate the interest of such a methodology in reaching recommendation of new terms management able to fit the various functions of the forest habitat.

Position de thèse

Mercredi 16 juin
9 h 30
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Romain BRETHES soutient sa thèse de doctorat :

 De l’idéalisme au surréalisme : pour une étude du comique dans les romans de Chariton, Xénophon d’Ephèse, Achille Tatius et Héliodore

 en présence du Jury :

M. BILLAULT (PARIS IV)
Mme FOLLET (PARIS IV)
Mme JOUANNO (CAEN)
M. KONSTAN (BROWN)

Samedi 4 juin
14 heures
Amphithéâtre Michelet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Anca VASILIU soutient son habilitation à diriger les recherches :

 De l’image, du regard, de la parole. Statut, liens et lectures. Byzance et après Byzance, Moyen-Age latin, antiquité grecque

En présence du Jury :

M. MARION (Paris 4)
Mme CASSIN (CNRS)
Mme FRONTISY-DUCROUX (Collège de France)
M. HOFFMANN (EPHE)
M. IMBACH (Paris 4)
M. BIARD (Tours)

Samedi 15 janvier
9 h 30
Centre Malesherbes, salle 322
108 bd Malesherbes 75017 PARIS

 Mme Smadar BUSTAN soutient sa thèse de doctorat :

 De l’intellectualisme à l’éthique : Emmanuel Lévinas et la phénoménologie d’E. Husserl

 En présence du Jury :

M. BARBARAS (PARIS I)
M. COURTINE (PARIS IV)
M. OPHIR (Université)
M. SALANKSIS (PARIS X)

Lundi 16 octobre 2006
Université de Pékin (Chine)

 M. HAN QIAN soutient sa thèse de Doctorat :

 De la conception de l’oeuvre à celle du texte. La double face de la littérature

 En présence du Jury :

M. COMPAGNON (PARIS 4)
M. LUO (PÉKIN)
M. MOLINIÉ (PARIS 4)
M. WANG (PÉKIN)

Vendredi 23 janvier
14 h
Centre Malesherbes, salle 322
108, bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Anne-Sophie GODFROY GENIN soutient sa thèse de doctorat :

 De la doctrine de la probabilité à la théorie des probabilités. Pascal, la "Logique de Port-Royal", Jacques Bernoulli

 en présence du Jury :

M. ANDLER (PARIS IV)
Mme BENSAUDE (PARIS X)
Mme DASTON (Max Planck)
M. FICHANT (PARIS IV)
M. PARMENTIER (LILLE III)

Mercredi 5 juillet 2006
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Michelet ou Quinet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 M. Yanni GUNNEL soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 De la géomorphologie à l’écologie : théories, modèles et temporalités des systèmes naturels et anthropisés

En présence du Jury :

M. BISHOP
M. CALVET (Perpignan)
Mme HOTYAT (Paris 4)
M. LAGEAT (Brest)
M. LATOUR (EMP Paaris)
M. PEULVAST (Paris 4)
M. VAN DER BEEK (Grenoble 1)

Lundi 6 décembre
9h
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 Mme Cedricia MAUGARS soutient sa thèse de doctorat :

 De la notation en évaluation en éducation musicale : des représentations d’enseignants

 En présence du Jury :

M. ASTOLFI (ROUEN)
M. DURNEY (DIJON)
M. MIALARET (PARIS IV)
Mme PISTONE (PARIS IV)
Mme SOREL (PARIS V)

Samedi 13 novembre
14 h
En Sorbonne, Amphi Descartes
17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Sophie GABEREL soutient sa thèse de doctorat :

 De la page à l’écran : David Lodge romancier et adaptateur

 en présence du Jury :

M. GALLIX (PARIS IV)
M. GANTEAU (MONTPELLIER III)
Mme GUIGNERY (PARIS IV)
Mme MARI (PAU)
M. SIPIÉRE (DUNKERQUE)

Samedi 3 décembre 2005
9 heures
Centre Malesherbes
Salle 322
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Elsa JAUBERT soutient sa thèse de doctorat :

 De la scène au salon. La réception du modèle français dans les comédies allemandes des lumières (1741-1766)

En présence du Jury :

M. KREBS (Paris 4)
M. CHEVREL (Paris 4)
M. HAQUETTE (Reims)
Mme KNOPPER (Toulouse 2)
M. LAUDIN (Paris 10)

Résumés

La comédie allemande des Lumières est souvent qualifiée de « théâtre à la française » ; cet ouvrage se propose de l’étudier du point de vue des transferts culturels, pour déterminer dans quelle mesure la réception du modèle français a réellement influencé la production allemande. Nous évaluons tout d’abord la présence de la comédie française en Allemagne, dans la théorie et dans la pratique des auteurs. La deuxième partie est consacrée à la notion d’originalité et à l’analyse comparée de la dramaturgie. Nous étudions ensuite les thèmes de la satire, en soulignant leurs rapports à la tradition comique française, mais aussi leur spécificité. Enfin, puisqu’à l’époque la France est aussi un modèle de civilité, et que la comédie doit être une « école des bonnes mœurs », nous examinons cette question, essentielle pour l’identité nationale allemande. Il ressort de ces analyses une image nuancée de la réception du modèle français, qui révèle le rapport complexe de l’Allemagne à la France.

The German Enlightenment comedy has often been labeled as theatre « a la francaise », or Frenchlike ; the present work aims at studying these comedies under the perspective of cultural transfers, in order to measure the extent of the French influence over the German production. First it evaluates the actual presence of French comedy in Germany, from a theoretical and practical point of view. The second part is devoted to originality and comparative analysis of drama. We then turn to satirical themes, so as to underline their links to the French tradition of comedy as well as their specificity. Last, since France at that time was also a role-model in civility, and comedy a « school of good manners », we concentrate on this aspect, which is so central to German national identity. These analyses qualify the reception of the French model, which is revealing of the complexity of Franco-German relationships.

Mots-clés : FRANCE - ALLEMAGNE - XVIIIe SIÈCLE - LUMIERES - THÉÂTRE - COMEDIE - DRAMATURGIE - RÉCEPTION - TRANSFERTS CULTURELS - MŒURS - CIVILITÉ - SOCIÉTÉ - IDENTITÉ NATIONALE - MOLIÈRE - DESTOUCHES - MARIVAUX - REGNARD - LA CHAUSSÉE - LESSING - LA GOTTSCHEDIN - SCHLEGEL - KRÜGER - WEIβE - UHLICH - MYLIUS

Position de thèse

La comédie allemande des Lumières, communément réduite à la « comédie saxonne », est présentée dans l’histoire littéraire comme un genre né sous l’impulsion de Johann Christoph Gottsched et appliquant à la lettre ses principes théoriques, notamment en ce qui concerne l’imitation des Français. Ce jugement s’appuie sur des critiques de l’époque et sur quelques études ponctuelles, mais n’a jamais été véritablement soumis à une analyse précise. C’est cette analyse que nous nous proposons de mener à bien dans notre étude. Quels sont, en réalité, les rapports de la comédie de l’Aufklärung à la comédie française ? Quels choix se dégagent parmi les différents modèles possibles ? Y a t-il imitation pure et simple ou seulement reprise partielle de certains éléments ? Observe-t-on des signes de critique ou de rejet ? Telles sont les questions qui ont guidé notre analyse. L’essor des études de réception et la notion de transferts culturels nous offrent un outil méthodologique pertinent pour notre démarche, qui s’inscrit dans un cadre plus large que celui de l’étude strictement littéraire du texte. Le corpus se compose d’une quarantaine comédies, composées entre 1741 et 1766 . L’ampleur de cette base de travail est essentielle, car elle seule permet de fonder une conclusion crédible sur le genre et l’époque. Notre analyse de la réception du modèle français dans la comédie allemande des Lumières nous mène « de la scène au salon », c’est-à-dire du modèle littéraire au modèle de civilité, car les deux sont intimement liés.

La première partie s’attache à déterminer la présence de la comédie française en Allemagne au XVIIIe siècle, à la fois dans la théorie et dans la pratique théâtrale. L’étude des répertoires et des textes révèle l’omniprésence de la production française à partir des années 1730, à la fois sur la scène allemande, dans les réflexions esthétiques et dans la pratique de traduction des dramaturges. À tel point d’ailleurs que les classiques de la comédie française constituent à l’époque une référence culturelle évidente pour les classes cultivées. La méthode de l’imitation des Français, censée perfectionner le théâtre allemand et l’amener progressivement à prendre sa place au niveau européen, est recommandée par Gottsched, mais aussi par tous les auteurs de notre corpus. Même si, en l’occurrence, le ou les modèles de comédie française sont variables selon les choix esthétiques de chacun, le principe, lui, n’est jamais remis en cause, tout comme le désir de « purifier » le théâtre allemand : certains, tels Gellert, donnent la priorité à l’émotion et à la vertu sur le rire et sur la satire des vices, mais tous s’accordent sur la mission morale de la comédie, le rejet de l’improvisation et de la farce, le choix d’une langue naturelle et décente. La réforme gottschédienne et la comédie française sont bien les deux autorités qui président au développement de la comédie allemande des Lumières. Cette première partie nous permet également de préciser la fonction de la comédie à l’époque : pour tous les hommes de lettres et de théâtre engagés dans la réforme, elle doit être une « école des bonnes mœurs ». Elle s’inscrit ainsi pleinement dans le mouvement de l’Aufklärung.

Nous abordons ensuite les œuvres, en analysant dans la deuxième partie les choix dramaturgiques des auteurs, afin de préciser dans quelle mesure on peut réellement parler d’imitation et de « théâtre à la française ». Après avoir précisé les notions d’originalité et rappelé les règles qui régissent à l’époque la pratique de la traduction, nous étudions des exemples de comédies « originales » que leurs auteurs présentent de façon explicite comme des adaptations d’œuvres françaises. On observe déjà dans ces pièces d’importantes modifications par rapport à leur modèle. Ces adaptations ont en effet un caractère indéniablement allemand, qui se manifeste avant tout par les thèmes traités et par la mise en valeur de l’intention morale. L’ensemble des comédies témoigne d’ailleurs d’un choix très clair parmi les modèles : les auteurs des Lumières écartent un certain nombre de traits caractéristiques des comédies françaises. C’est particulièrement frappant dans le cas du rôle traditionnel des domestiques. Condamnée par la plupart des dramaturges, leur importance est beaucoup plus faible en Allemagne qu’en France. La question de l’intrigue amoureuse est pour sa part plus délicate, car elle reste un canevas dont les auteurs, malgré leurs critiques, peuvent difficilement se passer. On ne retrouve donc pas dans les œuvres allemandes l’ensemble des caractéristiques des pièces françaises. Cette observation est également valable pour les personnages, souvent accusés d’avoir été importés et de n’être pas des caractères allemands. Ce reproche n’est fondé que dans de rares cas, et les types les plus français ne trouvent aucune résonance en Allemagne. La sélection des modèles et des techniques fait clairement apparaître la prééminence de l’intention didactique. En effet, tout ce qui, dans la comédie française, relève du pur divertissement, ne trouve aucun écho - ou presque - dans notre corpus. Les auteurs allemands donnent la priorité au contenu par rapport à la forme, à la transmission de données par rapport au jeu théâtral. Les schémas farcesques et le comique visuel sont réduits à la portion congrue, la fantaisie verbale et les accumulations de sonorités comiques sont quasiment absentes, tout comme les stichomythies, si fréquentes dans le théâtre français. C’est sans conteste la primauté de l’intention morale qui entraîne l’élimination ciblée de ces éléments gratuits, qui constituent la mécanique comique traditionnelle. Il faut cependant souligner que toutes les techniques utilisées par les auteurs allemands (des jeux de mot au dialogue comique en passant par les jeux de scène) peuvent trouver un « modèle » dans la comédie française, plus ou moins patent. Dans certains cas, la référence à la source française est indubitable ; mais les auteurs allemands se livrent alors à un travail de réécriture et d’enrichissement que l’on ne peut assimiler sans anachronisme à du plagiat. Leur méthode est celle de tous les auteurs comiques depuis l’Antiquité. Les comédies de notre corpus sont ainsi à mi-chemin entre la tradition classique française et une nouvelle forme allemande de théâtre épuré et moral. Cette production normalisée se détache nettement de la tradition dramatique allemande, et apparaît donc - à juste titre - comme française. Mais cette « classicisation » n’est pas le produit d’une imitation servile : elle reste allemande dans son esprit et dans sa réalisation. Tout comme Gottsched met les canons classiques au service d’une poétique allemande, et choisit soigneusement ses références, les dramaturges appliquent eux aussi un processus de sélection des modèles : ils s’inspirent des Français et s’approprient leurs techniques, mais ils les mettent au service de leurs objectifs propres.

C’est d’ailleurs particulièrement manifeste lorsque l’on considère les thèmes abordés par les comédies, que nous étudions dans la troisième partie. Leur satire se nourrit de motifs traditionnels français, mais uniquement lorsqu’elle est pertinente pour son propos. Les Allemands réactualisent les clichés comiques en les intégrant dans une problématique nationale et contemporaine. On le constate en analysant l’image de la société et les relations entre les différents états qui la composent, en particulier dans le cas des rapports entre noblesse et bourgeoisie, mais c’est encore plus frappant pour le traitement des types sociaux. L’exemple le plus manifeste est celui du pédant, auquel les Aufklärer accordent une attention toute particulière : ils reprennent les caractéristiques du type traditionnel, mais ils mettent l’accent sur certains aspects bien particuliers, comme leur concentration sur des détails ridicules et inutiles à la science, et ébauchent en contrepoint l’image du savant idéal tel qu’ils le conçoivent. Ils développent aussi le personnage du poète de profession, une variante du pédant spécifique à l’Allemagne du XVIIIe siècle. Quant au sort différencié réservé aux types français de la coquette et du petit-maître, il est révélateur du processus de réception et des mécanismes de transfert. Ces deux personnages caractéristiques de la scène française connaissent en effet un succès très inégal sur la scène allemande : tandis que la coquette n’apparaît que de façon très sporadique et partielle, le petit-maître, lui, se pavane dans bon nombre de comédies. Cette différence ne s’explique que par les conditions du pays récepteur, dans lequel la coquette ne correspond pas à la réalité sociale. Non seulement les types sont sélectionnés, modifiés et enrichis, mais la perspective satirique elle-même répond à un objectif proprement allemand, comme l’illustre, par exemple, la satire des jargons. Elle ne se contente pas d’utiliser le ridicule du jargon : elle fustige son caractère hermétique, car il offre la possibilité de masquer l’incompétence et fait obstacle à la compréhension. Cette satire est à la fois un héritage de la tradition comique européenne et la conséquence d’une conviction patriotique et éclairée : le savoir doit être accessible à tous, ce qui implique l’usage d’un langage commun, simple et compréhensible, qui deviendra ainsi le véhicule de la raison et des Lumières. Entre tradition et germanisation, la comédie allemande développe ainsi un réseau de motifs et de codes qui lui sont propres. Ils témoignent de l’utilisation de la comédie au service des Lumières, car malgré la pérennité de certaines figures traditionnelles et de certains motifs, c’est bien l’image d’une scène éclairée « militante » qui ressort nettement de l’analyse thématique du corpus. On peut donc s’étonner du caractère récurrent des critiques allemandes de l’époque vis-à-vis de l’imitation. En réalité, les Allemands sont à ce point sensibles à l’imitation, qu’ils ne voient pas ce que leur production a d’original et se focalisent sur l’idée d’imiter. C’est cette hypersensibilité qui explique la violence et la systématisation du reproche. Il ne s’agit pas ici d’une question de pratique littéraire objective, mais d’un problème subjectif d’identité. Ce qui suscite l’inquiétude chez les critiques, plus que le résultat effectif de l’imitation, c’est par principe l’idée même de prendre modèle sur l’étranger. Le caractère français est étranger, donc ennemi de l’identité allemande, voilà le fond du problème. Aussi, bien loin d’être françaises, certaines comédies sont même fondamentalement gallophobes, comme le montrent clairement les propos sur les mœurs.

Nous abordons ainsi dans la dernière partie la question de la civilité. La comédie se voulant de façon explicite « une école des bonnes mœurs », elle s’attaque à tout comportement ridicule et/ou moralement condamnable, tente de le discréditer aux yeux des spectateurs, et de présenter en contrepoint l’attitude conforme aux lois qui régissent la vie en société. Les multiples facettes de cette question des mœurs apparaissent comme un fil rouge dans l’ensemble de notre corpus, et là aussi, la référence française joue un rôle essentiel. En effet, les Aufklärer voulant réformer les mœurs et les élites allemandes s’orientant vers le modèle de civilité français, une réflexion sur ce modèle se révèle inévitable. Le reproche de « théâtre à la française » adressé aux comédies des Lumières ne se limite d’ailleurs pas à une querelle esthétique, puisque certains critiques les accusent de propager les mœurs françaises, et de contribuer par là à la corruption des mœurs germaniques. On entre dès lors de plain-pied dans la sphère des représentations nationales, avec leur cortège de stéréotypes et d’outrances. Ces représentations connaissent au milieu du XVIIIe siècle une évolution majeure, marquée par un renversement des valeurs, que les comédies illustrent et auquel elles participent activement. La question des mœurs est un enjeu central dans les comédies allemandes des Lumières, qui entreprennent de propager un nouvel idéal de civilité. La pratique des dramaturges se révèle fidèle à l’idée qu’ils se font de la mission du théâtre, et les comédies sont conçues, de façon plus ou moins manifeste selon l’intrigue, comme une sorte de « traité de civilité illustré ». Aucun aspect n’est laissé dans l’ombre : sociabilité, politesse, éducation des femmes, lectures et loisirs, langue, conversation, galanterie, ou encore esprit, c’est un tableau complet des mœurs que l’on peut brosser à partir de ces pièces. Il ressort cependant de ce tableau une image souvent ambiguë, et en tous les cas complexe et changeante. Car le débat sur la civilité est marqué par le désir contradictoire d’un affinement des manières et d’une fidélité aux mœurs dites originelles. Dans ce contexte, la France représente à la fois un modèle et un repoussoir, ou plus précisément, elle passe progressivement du statut de modèle à celui de repoussoir. L’admiration des Allemands pour le modèle de civilité de leurs voisins, et le mépris dont ces derniers les payent en retour, entraînent une situation de déséquilibre, où l’adoption des mœurs françaises et le refus de tout ce qui est allemand devient signe de distinction et de bon goût, en particulier dans les milieux aristocratiques. Le mouvement patriotique et bourgeois qui s’amorce avec les débuts de l’Aufklärung remet en question cette situation, jugée néfaste pour le développement de l’Allemagne, car le pays et ses habitants risquent de perdre leur caractère propre et leur indépendance. La réaction des Aufklärer passe donc par le rejet du modèle français. Ce rejet est d’autant plus logique qu’il ne se fait pas seulement au nom de la patrie, mais aussi au nom de valeurs morales différentes de celles qui déterminent la civilité française, et qu’il recoupe en outre l’opposition sociale entre noblesse et bourgeoisie. En Allemagne, le modèle français est incarné par la noblesse et la critique de l’un se confond par conséquent avec celle de l’autre. La revalorisation des antiques vertus germaniques s’accompagne de la révision du statut exemplaire des manières françaises, qui sont désormais considérées comme immorales et font figure de contre-modèle. La politesse à la française est dénoncée comme une vile hypocrisie, le bel esprit est décrié comme un faux brillant et la conduite « galante » tombe petit à petit dans le discrédit. On leur oppose la franchise et la fameuse probité germanique, la raison et le bon sens, la chasteté et la fidélité. Les formes de sociabilité et la civilité qui caractérisent le grand monde parisien, avec pour modèle le salon, sont donc rejetées par les Aufklärer, pour des raisons morales mais aussi sociales. En effet, le strict cloisonnement des classes et le mépris des nobles pour le bourgeois rendent impossible l’émergence d’un lieu comparable au salon parisien, né de la symbiose entre aristocratie et hommes de lettres et de science. C’est aussi cette impossibilité qui fait que les Aufklärer se détournent d’un modèle inapplicable. Par le biais des sujets abordés, des personnages mis en scène, et de multiples détails et réflexions, les comédies tentent de définir une « civilité allemande » spécifique, fondée sur des valeurs bourgeoises, une civilité qui aspire à un certain polissage des mœurs tudesques, par le théâtre et les belles-lettres en général, tout en dénonçant les raffinements français et en affirmant la dignité de l’Allemagne. Pris entre ces deux injonctions, les dramaturges tentent de trouver un équilibre ; ils esquissent ainsi une voie médiane alliant politesse et probité, et ne se réglant ni sur la mode, ni sur la tradition, mais sur la raison. Les nouvelles valeurs de l’Aufklärung entraînent ainsi une modification considérable du modèle de civilité français, qui semble à première vue prendre la forme d’un rejet, mais qui est pourtant plus complexe, puisque l’on observe des signes d’assimilation et d’adaptation. Cependant, ce phénomène reste relativement discret, et l’aspect le plus visible est bien évidemment celui de la critique du modèle français, dont la violence s’explique avant tout par l’enjeu identitaire.

L’analyse précise de notre corpus conduit donc à une évaluation nuancée de la réception du modèle français. La forme des comédies allemandes des Lumières s’inspire bien du modèle classique français, mais les motifs mêlent tradition et actualité, et le propos, lui, est clairement national. Le patriotisme qui est à l’origine de la réforme gottschédienne et de l’action de ses successeurs, détermine en grande partie les thèmes abordés par les Aufklärer et surtout leur relation à la France. Dans ces conditions, c’est l’enjeu national qui confère au phénomène de réception du modèle français sa tension particulière, entre admiration et tentative d’assimilation d’un côté, rejet et volonté de démarcation de l’autre. Le théâtre allemand qui naît dans les années 1740, bien loin d’être un « théâtre à la française », est déjà un « théâtre national ».

Samedi 29 novembre
14 heures
Amphi Guizot
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Philippe MONNERET soutient sa thèse d’habilitation à diriger des recherches (HDR)

 De la systématique du langage à la linguistique analogique

 en présence du Jury :

M. ARRIVE (PARIS X)
M. ERMAN (DIJON)
Mme FISCHER (AMSTERDAM)
M. MOLINIE (PARIS IV)
M. PUECH (PARIS III)
M. SOUTET (PARIS IV)

Lundi 12 juin 2006
14 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. François-Xavier FÉRON soutient sa thèse de doctorat :

 Des illusions auditives aux singularités du son et de la perception : l’impact de la psychoacoustique et des nouvelles technologies sur la création musicale au XXe siècle

En présence du Jury :

M. BATTIER (Paris 4)
M. CASTANET (Rouen)
Mme CASTELLENGO (CNRS)
M. PRESSNITZER (CNRS)
M. RISSET (CNRS)

Résumés

La psychoacoustique étudie les rapports complexes entre la structure physique des sons et la façon dont ils sont interprétés auditivement. Depuis l’avènement de la téléphonie et de la reproduction sonore jusqu’aux outils numériques, les technologies n’ont cessé de s’affiner et permettent dorénavant de manipuler minutieusement les signaux acoustiques.

Les connaissances sur la perception auditive et les progrès technologiques ouvrent de nouvelles voies compositionnelles tournées sur l’exploration des phénomènes sonores, i.e. les singularités du son, de la perception et les illusions ou autres effets ’’spéciaux’’ qui en résultent.

L’objectif est de proposer une typologie de ces phénomènes tout en soulignant leur impact sur la créativité artistique. Chaque phénomène, classé selon sa nature (physique ou perceptive) et selon les paramètres impliqués (hauteur, temps, espace, timbre, intensité), est expliqué scientifiquement, décrit auditivement et illustré musicalement.

Aural illusions, singularities of sound and perception : the impact of psychoacoustics and new technologies on musical creation in the XXth century

Psychoacoustics is the study of the complex relations between the physical nature of sounds and the way in which such sounds are interpreted aurally. From the inception of telephony and of sound reproduction to current digital tools, technology has constantly progressed so that today, acoustic signals may be handled with great precision.

Knowledge of aural perception together with technological progress create new opportunities for composition, focusing on the exploration of sound phenomenon, i.e. the singularities of sound, of perception and illusions or other ’’special’’ effects resulting therefrom.

Our objective is to offer a typology of all such sound phenomena, emphasizing their impact on artistic creativity. Each phenomenon, classified according to its nature (physical or perceptive) and relevant parameters (pitch, time, space, timbre, intensity), is scientifically explained, aurally described and illustrated with musical examples.

Position de thèse

Samedi 29 avril 2006
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Descartes
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Razvan Adrian APAHAGI soutient sa thèse de doctorat :

 Destin, prédestination et providence : une exploration conceptuelle du corpus poétique viel-anglais

En présence du Jury :

M. CARRUTHERS (Paris 4)
M. CRÉPIN (Paris 4)
M. GODDEN (Oxford)
M. SAUER (Munich)
Mme STÉVANOVITCH (Nancy 2)

Vendredi 23 juin 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Ruxandra VULCAN soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 Dialogues renaissants

En présence du Jury :

M. CEARD (Paris 10)
Mme HUCHON (Paris 4)
M. MILLET (BÂLE)
M. MOLINIÉ (Paris 4)
M. ROUSSEL (EPHE)

Samedi 12 novembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Nadine ABOU ZAKI soutient sa thèse de doctorat :

 Dieu personnel et impersonnalité de l’absolu selon çankara et dans le Tawhid

En présence du Jury :

M. CHENET (Paris 4)
M. BRAGUE (Paris 1)
Mme KAPANI (Paris 10)
M. KHALIL

Résumés

« Dieu personnel et impersonnalité de l’Absolu chez Çankara et selon le Tawhīd » se présente comme une étude comparée entre une doctrine philosophique qui se fonde sur les textes de la Révélation et qui vise la délivrance _l’Advaita Vedānta de Çankara_ et une voie philosophique, spirituelle et religieuse, celle du Tawhīd (druze). La comparaison tourne autour de trois axes principaux : le brahman et/ou Dieu, la relation du monde à l’Absolu et la délivrance. Cette étude s’efforce de dégager les points communs, ainsi que les points de divergence entre ces deux doctrines. Celles-ci ressortissent toutes deux au non-dualisme, bien que l’école de Çankara soit celle du non-dualisme pur (Advaita Vedānta), tandis que ce non-dualisme contient de la dualité dans le Tawhīd.

Personal God and impersonality of the Absolute according to Çankara and the Tawhīd

« Personal God and impersonality of the Absolute according to Çankara and the Tawhīd » is a comparative study between a philosophical doctrine which is based on the text of the Revelation and which aims for liberation _the Advaita Vedānta of Çankara_ and a philosophical, spiritual and religious path of the (druze) Tawhīd. The comparison turns around three principal axes : the brahman and/or God, the relation of the world to the Absolute and liberation. This study tries to identify the common ground and the points of divergence between these two doctrines. Both of them come under non-dualism, even if this non-dualism contains duality in the Tawhīd.

Position de thèse

« Dieu personnel et impersonnalité de l’Absolu chez Çankara et selon le Tawhīd » se présente comme une étude comparée entre une doctrine philosophique qui se fonde sur les textes de la Révélation et qui vise la délivrance _l’Advaita Vedānta de Çankara_ et une voie philosophique, spirituelle et religieuse, celle du Tawhīd (druze). Cette étude s’efforce de dégager les points communs, ainsi que les points de divergence entre ces deux doctrines. La comparaison tourne autour de trois axes principaux : le brahman et/ou Dieu, la relation du monde à l’Absolu et la délivrance. La conception de la divinité pour Çankara et selon le Tawhīd présente l’aspect le plus original pour cette présente comparaison. Le plus frappant, et qui vaut pour les deux pensées, est une conception de la divinité qui se démarque de la conception habituelle de Dieu dans les autres religions, et même au sein de l’hindouisme. En effet, dans l’Advaita Vedānta de Çankara et dans le Tawhīd, Dieu n’est pas personnel, mais il faudrait plutôt parler d’impersonnalité de l’Absolu. En effet, nous allons monter que : · L’impersonnalité peut être une impersonnalité pure, sans aucun élément personnel, comme dans la philosophie de Çankara, lorsqu’elle se place du « point de vue » de l’absolu. La personnalité fait défaut à l’impersonnalité ; seul le brahman est réel. Mais pour le Tawhīd comme pour Çankara, l’impersonnalité divine exclut bien, en effet, toute réductibilité à une quelconque personnalité. · L’impersonnalité peut être accompagnée d’un ou de plusieurs éléments personnels, mais qui ne possèdent pas de réalité. Ainsi, la personnalité est seulement une illusion pour ceux qui n’ont pas encore fait l’expérience du brahman. Tel est le cas de la doctrine de Çankara lorsqu’elle se place d’un point de vue relatif. · L’impersonnalité peut coexister avec un ou plusieurs éléments personnels qui possèdent de la réalité. Tel est le cas de la doctrine du Tawhīd.

Les doctrines de Çankara et du Tawhīd se démarquent à la fois du panthéisme pour lequel Dieu n’est qu’immanent au monde et d’un monothéisme pour lequel Il ne serait que transcendance par rapport à lui. En effet, pour Çankara, d’un point de vue relatif, le monde est un effet du brahman qui est Sa cause. Du « point de vue » de l’absolu, l’effet n’est qu’une manifestation apparente de sa cause et la « création » n’est donc qu’un changement apparent, une illusion. La conception du Tawhīd est très subtile quant à la question de la « création ». Contrairement à Çankara, Dieu n’est pas la Cause du monde dans le sens d’une relation de causalité. Mais aussi, la « création » n’est pas réduite à une apparence. Elle n’est cependant pas une création au sens commun du terme, mais le Tawhīd établit une distinction entre l’ibdā’ (instauration), le khalq (création) et l’izhār (manifestation). Ensuite, pour les deux doctrines, il existe un principe cosmique d’illusion, la māyā ou le didd, qui est un facteur réel et positif nécessaire pour expliquer l’existence du monde. Toutefois, pour Çankara, l’univers, la diversité et l’individualité sont irréels, tandis que pour le Tawhīd, le processus de manifestation (at-tajallī), ainsi que les différences sont réelles.

Pour Çankara et le Tawhīd, la voie de la connaissance est la voie suprême et convient le mieux à la conception de l’impersonnalité de l’Absolu, car elle implique une plus grande capacité d’affranchissement des apparences qu’une autre voie comme celle de l’action. Celle-ci ne passe pas par la méthode discursive ou les facultés sensorielles. Elle est, pour Çankara, identification de l’ātman au brahman, alors que selon le Tawhīd, elle est identique à l’amour, étant union au ‘aql. De plus, alors que pour Çankara, la connaissance supérieure suppose une identification totale de l’individualité avec le brahman (même si elle ne s’y « perd » pas) et se produit sans aucun intermédiaire, pour le Tawhīd, l’homme n’est pas identique à Dieu, puisque l’individualité n’est pas illusoire et l’homme reste distinct de Lui. Quant à la transmigration, elle revêt une valeur différente pour les deux doctrines. Pour Çankara, le samsāra ne peut être une valeur positive. Au contraire, selon le Tawhīd, la transmigration est nécessaire pour accéder à la connaissance. Mais aussi, dans l’hindouisme, l’homme peut sortir de la roue de la transmigration, à condition de se délivrer de son individualité, alors que pour le Tawhīd, l’homme est appelé par essence à renaître, car la transmigration est inhérente à sa nature même.

Les trois chapitres de cette étude ont gravité autour de trois grands axes principaux. Les doctrines de Çankara et du Tawhīd tournent toujours autour d’une distinction entre le « point de vue » absolu et le point de vue relatif, et cela est essentiellement dû à leur aspect initiatique et gnostique. Leur interprétation passe nécessairement par cette distinction et n’a de sens qu’en fonction d’elle. Ces doctrines portent donc deux messages, ce qui explique parfois certaines contradictions apparentes et certaines ambiguïtés. Les commentaires de Çankara, mais aussi des ES s’adressent de deux manières différentes à deux catégories d’hommes : les hommes éclairés et les hommes non-éclairés. Chaque questionnement philosophique abordé dans cette étude a pris en compte cette double orientation. Il existe donc deux manières de concevoir la divinité : pour celui qui se place du « point de vue » de l’absolu, le saguna brahman est identique au nirguna brahman tout comme le lāhūt (le voilé) est identique au nāsūt (le voile), la différence entre eux n’étant qu’une illusion. Au contraire, pour celui qui se place du point de vue relatif, il existe une différence entre le saguna brahman et le nirguna brahman et entre le lāhūt et le nāsūt. De même, le monde phénoménal est doué de réalité aux yeux de l’homme non-éclairé, pense Çankara, mais il est irréel du « point de vue » absolu, car la création n’existe pas du « point de vue » du brahman. Cette distinction entre deux points de vue vaut également pour le Tawhīd, puisque d’après le point de vue relatif, le monde a été créé par Dieu, tandis que du « point de vue » absolu, on peut dire que Dieu n’est pas en soi Créateur, au sens où Il ne lui est pas inhérent de créer. Mais c’est ici qu’il faut distinguer l’opposition du relatif et de l’Absolu selon Çankara et selon le Tawhīd : dans le premier cas, elle recouvre celle de l’illusoire et du réel, dans le second, le point de vue du relatif n’est pas nécessairement illusoire, il est aussi celui de la relativité qui peut être la relativité même du réel dès lors qu’il n’est pas identifiable au lāhūt. C’est en ce sens que le monde n’est pas illusoire et que l’on peut légitimement parler de création, même si elle n’a de sens que relatif, mais en tant qu’elle est réellement et intégralement relative à l’Absolu (sans qu’il en soit lui-même relativisé, puisque cette relativité du monde à l’Absolu est, par définition, unilatérale). D’autre part, pour Çankara, la connaissance inférieure (apara vidyā) est inutile du point de vue de la connaissance supérieure (para vidyā), pour ceux qui ont réalisé l’identité avec le brahman, mais elle est valable pour ceux qui n’ont pas encore atteint la sagesse. Ainsi, le karma yoga est enseigné à celui qui voit une distinction entre Īçvara et le brahman, mais il n’est pas enseigné au sannyāsin qui ne voit pas de distinction entre eux. Or ce n’est que d’un point de vue relatif, c’est-à-dire, ici, du point de vue illusoire du monde, que le samsāra, la servitude et la délivrance sont réels, tandis que du « point de vue » de l’absolu, ils ressortissent au domaine de l’illusion. Quant au Tawhīd, d’un « point de vue » absolu, ou encore en soi, il n’y a pas à supposer de but à la transmigration, tandis que du point de vue relatif, qui est celui de la relativité inhérente à la réalité de l’homme, la transmigration a bien pour fonction d’aider à la purification qui permet de progresser dans la connaissance. Voilà pourquoi aussi, attaché à la corporéité nécessaire de l’homme, le Tawhīd contient, d’un côté, le mythe et l’analogie (ce que Çankara essaye d’éviter) concernant la création du monde, l’apparition des hudūd, l’enfer et le paradis, les châtiments et les récompenses, etc., et, de l’autre, les passages philosophiques et le contenu spirituel du message du Tawhīd. Ainsi, la question de savoir si Dieu est personnel ou s’Il est une divinité impersonnelle dépend du point de vue où on se place.

C’était donc à la lumière du premier chapitre sur la personnalité de Dieu et l’impersonnalité divine, qu’il semblait nécessaire de traiter les deux chapitres suivants, c’est-à-dire celui qui concerne l’Origine du monde et celui qui aborde la question de la délivrance. En effet, la question de savoir en quoi consiste l’univers et la délivrance dépend de la manière dont il faut considérer le brahman ou Dieu. Ainsi, la création se détermine à partir de la personnalité, car l’impersonnalité et la création sont incompatibles. De plus, la notion d’impersonnalité divine suppose une voie de délivrance distincte des voies préconisées pour un Dieu qui se présente comme personnel.

Enfin, plus généralement, les deux doctrines de Çankara et du Tawhīd ressortissent toutes deux au non-dualisme. Selon elles, le brahman et/ou Dieu est l’Un-sans-second. Que ce soit pour Çankara ou pour le Tawhīd, il n’existe pas deux réalités opposables et indépendantes, le brahman et/ou Dieu, d’un côté, et le monde, de l’autre, mais il n’existe qu’une seule Réalité. En ceci, le brahman ou Dieu est l’Un-sans-second, car il n’y a rien en « dehors » de Lui. Toutefois, ces deux doctrines se distinguent sur un aspect important, puisque Çankara affirme un non-dualisme pur qu’il sauvegarde à l’aide de la notion de māyā associée à celle de surimposition, et qui postule l’Un-sans-second dépourvu de toute dualité, tandis que le non-dualisme dans le Tawhīd, sauvegardé par l’immanence, n’exclut pas la dualité qui est réelle au sein de l’Un. En cela, le Tawhīd rejoint le non-dualisme du divers proclamé par Râmânuja, puisqu’il maintient comme lui une place intermédiaire entre le non-dualisme pur (Advaita Vedānta) et le dualisme (Dvaita Vedānta).

Pour conclure, face à la question de savoir si le brahman et/ou Dieu est personnel ou impersonnel, on peut affrimer que le brahman et/ou Dieu n’est ni personnel ni impersonnel, puisque la personnalité et l’impersonnalité sont des termes qui sont en relation d’alternative l’un par rapport à l’autre. Le brahman et/ou Dieu n’est ni qualifié ni non-qualifié, mais Il est au-delà des deux caractéristiques ; Il est l’Indicible vers lequel ne fait que tendre la voie apophatique.

Samedi 14 mai 2005
9 heures
Salle G 366
Gal. Richelieu
Esc. F, 3e étage
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. KOICHIRO HATA soutient sa thèse de doctorat :

 Différence et individualité dans les récits de voyage en Orient à l’époque romantique

En présence du Jury :

M. GUYAUX (Paris 4)
M. COMPAGNON (Paris 4)
M. MOUSSA (CNRS)
Mme PELTRE (Strasbourg 2)

Samedi 31 janvier 2004
9 h
Bibliothèque de l’UFR de grec, 2e étage
16, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Christine MAISONNEUVE SNYD soutient sa thèse de doctorat :

 Diodore de Sicile, Bibliothèque Historique, Livre XIII, Etablissement du texte, traduction et commentaire

 en présence du Jury :

M. BILLAULT (PARIS IV)
M. CARLIER (PARIS X)
M. FOULON (CLERMONT)
M. JOUANNA (PARIS IV)

Samedi 28 février
14 h
Rectorat, salle Louis Liard
17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Xavier-Laurent SALVADOR soutient sa thèse de doctorat :

 Dire le vrai dans la Bible au Moyen Age. Les particules du discours dans les traductions en prose vernaculaire du Livre de la Genèse (Bible du XIIIe et Bible historiale)

 en présence du Jury :

Mme CONNOCHIE (AIX-MARSEILLE I)
M. FORMISANO (BOLOGNE)
M. SOUTET (PARIS IV)
M. THOMASSET (PARIS IV)
M. ZINK (COLLEGE DE FRANCE)

Mardi 13 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Clothilde THOURET soutient sa thèse de doctorat :

 Discours de récitants et paroles de personnages. Le monologue de théâtre en Europe. Angleterre, Espagne, France, 1580-1640

En présence du Jury :

M. LECERCLE (Paris 4)
M. FORESTIER (Paris 4)
Mme GELY (Reims)
Mme LAVOCAT (Paris 7)
M. VITSE (Toulouse 2)

Samedi 11 décembre
14 h
Salle Louis Liard
Rectorat, 17 rue de la Sorbonne
75005 PARIS

 Mme Sylvie TACCEHELLA BAZIN soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Discours et langue de la médecine aux XIVe et XVe siècles d’après les premiers textes médicaux en français

 En présence du Jury :

M. COMBETTES (NANCY II)
M. GUIDOT (NANCY II)
M. MARTIN (PARIS IV)
M. SOUTET (PARIS IV)
M. THOMASSET (PARIS IV)

Samedi 6 décembre
15 heures
Amphi Descartes
17 rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. OLivier PIVETEAU soutient sa thèse de doctorat :

 Don Miguel Manara à l’épreuve de Don Juan. Un gentilhomme sévillan du XVIIe sièce entre histoire, légende et littérature

 en présence du Jury :

M. BENNASSAR (TOULOUSE II)
M. BRUNEL (PARIS IV)
M. FAGEAUX (PARIS III)
M. ROGELIO (SEVILLE)

Vendredi 25 mars 2005
14 heures
Salle D 323, Maison de la Recherche
28, rue Serpente
Paris 75006

 Mme Maud ASSILA soutient sa thèse de doctorat :

 Doubles et dédoublements en art contemporain

En présence du Jury :

Mme COQUIO (Poitiers)
M. MOLINIE (Paris 4)
M. RINN (Brest)
M. TROUBETZKOY (Versailles)

Vendredi 29 septembre 2006
14 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Guizot,
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme LISE MICHEL soutient sa thèse de doctorat :

 Dramaturgie et politique dans la tragédie française (1634-1651)

En présence du jury :

M. BURY ( Versailles)
M. FORESTIER (Paris 4)
M. LECERCLE (Paris 4)
M. MONCOND’HUY (POITIERS)
Mme NEDELEC (ARRAS)

Résumés

La dramaturgie de la tragédie française des années 1630-1640 se nourrit de la forme, de la valeur et du sens des discours politiques de son temps, que ceux-ci procèdent d’une pensée proprement politique, d’un fonds rhétorique, ou de commentaires philosophico-historiques. Intégré à la structure tragique, le discours politique la sert et l’informe. Le politique, dans la tragédie, est un politique de tragédie, médiatisé par les codes d’un genre. Dans la manière dont la tragédie accueille - et parfois recrée - le discours politique, se dessinent les principes de sa propre forme, qui joue des zones de débat et de confrontation de la pensée contemporaine. Éléments essentiels de la rhétorique intra scénique, les idéologies y sont volontiers mobilisées dans leur valeur argumentative, mais la conciliation entre les exigences politiques et poétiques s’apparente parfois à un véritable coup de force.

French tragic drama during the 1630-1640 is sustained by the form, the value and the meaning of political discourse, i.e. philosophical, rhetorical or proper political treatises, or historical commentaries. Political discourse, when integrated into the tragic structure, supports and modifies this structure. The way tragedy takes in - and sometimes distorts - the political discourse of its time reveals the principle of its own form. Tragic drama takes full advantage of the content of the contemporary debate. Political principles are used as a reason for justifying the character’s acts. Ideologies are therefore often mobilized as a way of arguing, but reconciling political and dramatic requirements is sometimes a very difficult task.

Position de thèse

La politique imprègne à ce point la tragédie du XVIIe siècle que l’appréhension même de l’articulation entre tragédie et politique est un exercice intellectuellement, logiquement, voire idéologiquement périlleux. La première tâche critique consiste à savoir ce qui, dans la tragédie, est politique. Or les réponses divergent considérablement. Dire que la tragédie est politique, ou qu’ « il y a » du politique dans la tragédie, c’est, selon les cas, dire que la pièce est traversée par des thèmes politiques, que la structure de la pièce est politique, que son sujet l’est, ou que l’écriture même de la tragédie s’inscrit chez l’auteur dans une stratégie politique. Le plus souvent, c’est dire aussi que la tragédie véhicule un message, ou au minimum une idéologie. Outre l’évidence écrasante de la présence du politique dans la tragédie - qui entraîne une imprécision quant à ses limites, à ses formes, et à son sens - l’hétérogénéité des éléments concernés explique la difficulté à définir l’objet. Il faut donc découper, sur l’immense territoire où théâtre et politique se croisent, se heurtent et interagissent, les contours d’un champ d’investigation. Le présent travail se donne pour objet la dramaturgie de la tragédie, en tant qu’organisation de l’action tragique faisant intervenir le politique. Mais le politique n’est pas un objet dramatique comme un autre : son imitation ne renvoie pas à un modèle simple ; il engage un système de pensée déjà construit sur le plan idéologique. Imiter le politique, c’est imiter un sens politique. Le statut de la mimesis est donc ici particulièrement ambigu, parce qu’il pose la question du sens au sein même de la question poétique. De là un certain nombre de questions préjudicielles : pourquoi le politique apparaît-il si fréquemment au sein de la dramaturgie tragique ? Si le politique est un élément du fonctionnement dramatique de la tragédie, cet élément est-il nécessaire ? Quelle est la raison d’être, et quelle est la nature de ce politique de tragédie ? Dans quelle mesure ce politique lui-même procède-t-il directement d’une conception politique hors du drame ou est-il informé par la dramaturgie ? Comment la tragédie imite-t-elle le/la politique ? L’emploi du terme « politique », aux XVIe et XVIIe siècles, porte en lui toute l’idée de polis : il englobe à la fois ce qui est relatif au gouvernement des États et ce qui est relatif à la vie sociale. Au XVIIe siècle, la politique fait partie de la morale, conçue comme science de la société et des mœurs. Dans le sens moderne, les présupposés philosophiques qui sous-tendent l’usage du terme sont différents, puisque le domaine du politique, comme dimension de l’activité humaine, est conceptuellement distingué du domaine du social, même si le politique est consubstantiel à la société. Dans la mesure où ce travail ne porte pas sur une question terminologique, mais sur un certain objet, nous avons délimité le domaine d’application du terme selon la conception moderne, qui n’est pas exclusive de l’emploi du XVIIe siècle, et avons considéré comme politique ce qui touche aux questions de l’État et du pouvoir, questions envisagées dans leur dimension publique, par opposition à la dimension individuelle ou privée. Au sein de ce domaine, nous avons distingué ce qui relève du politique et ce qui relève de la politique, aussi bien dans leur aspect spéculatif que dans leur aspect pratique, en nous conformant aux emplois des termes pendant le premier dix-septième siècle. Notre recherche se fonde sur le postulat simple qu’une tragédie procède d’une démarche poétique, mais que les exigences d’une forme, construites par un héritage théorique et par les usages d’une pratique, font de la tragédie le lieu d’un discours politique : la dramaturgie tragique porte donc de fait la marque d’un état du discours politique de son époque - ce qui ne veut pas dire qu’elle fasse forcément référence à un discours contemporain. En partant de ce constat, au moins deux démarches critiques sont possibles. On peut s’intéresser à la pensée politique en tant qu’elle est vue au travers du prisme de la tragédie, ou l’on peut - c’est l’objet que nous nous proposons - interroger le fonctionnement de la dramaturgie tragique dans la manière dont elle mobilise la pensée et les discours politiques qui lui sont contemporains. Ces discours peuvent procéder d’une pensée politique, mais ils sont aussi puisés dans un héritage littéraire ou dans un fonds rhétorico-politique. Nous souhaitons montrer que la tragédie joue pleinement, sur des plans différents, de la forme mais aussi de la valeur idéologique de ces discours politiques au regard de la pensée contemporaine. Nous cherchons de quelle manière la tragédie, en tant que forme littéraire, réfléchit un discours politique. Intégré à la structure tragique, le discours politique la sert et la modifie. Dans la manière dont la tragédie accueille, et parfois déforme, les discours politiques de son temps se dessinent les principes de sa propre forme. Cette question se pose sous une forme spécifique dans le deuxième quart du dix-septième siècle. Les règles dramatiques sont à cette période clairement définies sur le plan théorique, mais elles ne correspondent pas encore nécessairement à la pratique des auteurs tragiques, et elles ne constituent pas encore forcément pour eux une véritable contrainte. La notion d’orthodoxie politique, à la notable exception près des lois fondamentales de la monarchie française, ne recouvre pas non plus un sens fixe ni stable dans tous les domaines. Etudier l’inscription de la pensée du politique dans la tragédie à une période où le politique se pense encore comme coexistence de discours potentiellement contradictoires permet de faire la part de ce qui relève de telle ou telle pensée politique, et de ce qui relève de la mobilisation d’une pensée du politique. Dans la seconde moitié du siècle, le poids réel des règles aristotéliciennes d’une part, la prégnance de l’orthodoxie politique d’autre part, donneraient un autre contenu à une telle étude. En prenant en compte de façon systématique toutes les pièces publiées comme tragédies entre 1634 et 1651, le corpus étudié comprend 116 pièces. Une première partie de ce travail (Politique et genre tragique) pose la question de la nécessité, de fait et de droit, du politique dans le genre tragique. Dans la tragédie française des années 1630-1640, les princes ont pris la place des héros, et l’action politique incarne par excellence le grand renversement propre à l’action tragique. Ni les princes ni l’action politique ne font pourtant partie, en eux-mêmes, des exigences premières du genre, et la tragédie n’étant plus conçue comme le miroir des princes, les actions des personnages de condition ne sont plus directement appelées par une fonction spéculaire. Il semble que la présence des personnages de condition et de l’action politique s’explique d’abord par la dignité qu’ils apportent au genre. Cette dignité conditionne l’efficacité de la dramaturgie sur le plan de sa réception. C’est donc en premier lieu pour sa valeur que le politique est engagé dans la dramaturgie tragique. La présence des princes dans la tragédie est rationalisée sur le plan théorique depuis la fin du XVIe siècle. Dans la transmission italienne de la Poétique, la « qualité » du personnage tragique, telle que la décrit - ou, pour l’époque classique, l’exige - Aristote, a en effet été assimilée à sa qualité sociale. La « bonté » du personnage de tragédie, même comprise en termes moraux ou interprétée comme convenance poétique, implique, dans une échelle de valeurs aristocratique, une qualité sociale. La plupart des théoriciens français héritent de cette conception. Seul Corneille distingue expressément la qualité du personnage - pensée en termes poétiques - de sa condition sociale, et légitime, sur le plan théorique, une tragédie sans princes. Tous les théoriciens français s’accordent surtout à reconnaître la grande efficacité des princes dans la production de l’effet tragique. L’exemple royal est conçu comme efficace par lui-même dans le processus cathartique, selon des modalités diverses (chapitre 1 : Les princes sont-ils nécessaires à la tragédie ?). Il existe pourtant aussi des princes dans la tragi-comédie, et même dans la comédie. Une présence si extensive du politique dans la tragédie engageait une interrogation plus radicale sur la nature essentiellement politique ou non de l’action tragique. Nous avons été amenée à préciser ce que l’on entendait par action politique, et à délimiter comme objet d’investigation l’action représentée sur la scène, et non l’intérêt ou le sujet de la pièce. On a pu constater que la motivation des personnages est un critère insuffisant de différenciation générique, mais que la plupart des tragédies, dans les années 1630-1640, représentent bien de grands bouleversements politiques : plus que leur caractère politique, c’est cependant le caractère extraordinaire de ces bouleversements qui constitue une exigence du genre. Le renversement politique est (seulement) une forme privilégiée de l’action extraordinaire (chapitre 2 : L’action politique dans la définition de la tragédie). Une deuxième partie (Inscription du politique dans la dramaturgie), interroge plus précisément ce qui, du politique, intéresse la dramaturgie de la tragédie. Celle-ci joue de la structure du fait politique, mais son efficacité repose également sur l’intégration, dans ses principes mêmes, de la teneur politique et du sens des discours contemporains. Le principe même de la vraisemblance est affecté, dans les années 1630 et surtout 1640, par un type de discours bien précis : tout se passe comme si le respect du pouvoir en place était implicitement érigé comme norme pour fonder la vraisemblance des destins individuels des personnages. Par ailleurs, dans les années 1630-1640, le rétablissement de l’ordre, en termes dramatiques, est étroitement lié à la logique du pouvoir, devenue norme de l’ordre et du désordre de l’action. La dramaturgie tragique intègre également au cœur de son fonctionnement la dialectique entre un enjeu individuel et un enjeu collectif. La spécificité de la tragédie réside dans la collaboration de cette dialectique sur des niveaux très différents. Si l’enjeu proprement tragique est toujours d’ordre individuel, particulier et privé, son efficacité dramatique, donc la production des émotions tragiques, est subordonnée à la perspective que lui confèrent, au sein même de l’action, les enjeux collectifs, généraux et publics du politique (Chapitre 3 : Enjeu individuel et dimension politique). La dramaturgie tragique mobilise également les zones de débat de la pensée contemporaine du politique, en particulier autour des notions de légitimité et de souveraineté. Ces débats servent le tragique parce qu’en eux s’affrontent des systèmes de valeur incompatibles. Le caractère équivoque de la notion même de souveraineté au XVIIe siècle autorise également des usages plus complexes. Les dramaturges jouent des tensions internes à la notion même de souveraineté, en particulier dans le cas des « lieu-tenants » du pouvoir, qui empruntent la souveraineté. Les limites de leur souveraineté font surgir des mécanismes de piège, qui créent la violence au sein des alliances, et l’ambiguïté de leur statut construit l’hamartia tragique. Utiliser la pensée contemporaine dans une perspective dramaturgique n’exclut pas de prendre en charge la valeur de cette pensée elle-même. C’est ce dont témoigne une évolution dans l’usage du concept de légitimité : de plus en plus, la prégnance d’une conception de la légitimité comme consécration du fait du pouvoir en place modifie les configurations dramatiques des tragédies, puisqu’il devient presque impossible d’équilibrer, sur le plan moral ou politique, la faute suprême que constitue l’atteinte au pouvoir en place (chapitre 4 : La mobilisation du débat politique). Parce que le politique, dans la tragédie, est avant tout un ensemble de discours politiques, le troisième moment de la réflexion (Statut du discours politique) cherche à évaluer comment, en tant que discours sur le politique, les idéologies politiques intéressent la dramaturgie tragique. Le contenu des principes politiques, dans la tragédie, se révèle souvent neutre : la teneur du principe n’est pas en elle-même suffisante pour caractériser le bon ou le mauvais monarque, ni le bon ou le mauvais conseiller. La véritable distinction réside dans l’usage de ces principes. Ce qui définit le « bon » usage des principes politiques se résume dans la notion de justice, alliance de la vertu et de la considération de l’intérêt de l’État. Il est significatif que ces notions ne soient pas elles-mêmes investies d’un contenu définissable, et qu’elles semblent plutôt à chaque fois construites dans et par le drame, souvent par leur propre énonciation (chapitre 5 : Principes politiques et caractérisation éthique). Cela nous amène à nous demander si les principes et préceptes de prudence politique ne sont pas avant tout employés pour expliquer, justifier ou motiver les actes des personnages politiques, et par conséquent pour rendre le déroulement de l’action vraisemblable. Ceci expliquerait la forme et le contenu que prennent ces discours dans la tragédie. Parce qu’ils fondent la vraisemblance des actions, il importe en effet que les arguments politiques aient l’air efficaces dans la rhétorique intra scénique. Ainsi les arguments employés dans la tragédie semblent en réalité puisés dans un fonds politico-rhétorique constitué à la fois par les enseignements politiques des manuels de rhétorique, par des ouvrages mixtes de commentaires historiques ou philosophiques, et par des discours proprement politiques, envisagés dans leur valeur argumentative. Cet usage et cette origine en grande partie rhétorique des principes politiques ne sont en aucun cas une indifférence à leur sens. Au contraire, c’est bien la valeur prédéfinie de leur sens qui donne aux arguments tirés des commentaires philosophiques et historiques leur puissance argumentative : parce qu’elle est pré-jugée, cette sagesse politique est « prête à l’emploi » (chapitre 6 : L’efficacité des principes politiques). L’étude du machiavélisme dans la tragédie a pu montrer le fonctionnement de cette mobilisation, par la dramaturgie, des discours politiques contemporains. On a pu établir une cohérence, dans la tragédie, entre un certain type de situation rhétorique et un certain type d’idéologie. Le fonds machiavélien possède une valeur argumentative intrinsèque pour servir la finalité du genre délibératif, qui est la détermination de ce qui est utile et de ce qui est nuisible. En effet, le machiavélisme est, sur le plan politique, la théorie qui subordonne toutes les raisons à l’argument ultime de l’utilité. À l’inverse, parce que la finalité du genre judiciaire est la détermination du juste et de l’injuste, les situations judiciaires, dans la tragédie, appellent des discours non machiavéliens, qui subordonnent l’action politique à sa justice. Le machiavélisme n’est certes pas inventé par la rhétorique du drame, mais il y est en quelque sorte engagé par les idées même qu’il véhicule. Ce fonctionnement est autorisé, de façon ultime, par la prégnance des discours du machiavélisme - parfois très éloignés d’ailleurs de la pensée de Machiavel - qui circulent en France depuis le siècle précédent (chapitre 7 : le statut du machiavélisme). Une dernière partie (Politique et politique de tragédie) interroge le statut du politique de tragédie par rapport au politique hors du drame. Les années 1630-1650 voient le passage d’un régime d’inscription directe du politique dans la tragédie à un régime d’intégration indirecte. Le politique, dans la tragédie, est un politique de tragédie, médiatisé par les codes d’un genre. Ce fonctionnement est théorisé, en grande partie a posteriori, à la fois par l’abbé d’Aubignac et par Corneille, dans des perspectives contraires. La théorisation, par d’Aubignac, de la vraisemblance laisse paradoxalement plus de place à l’idéologie politique que la théorie cornélienne fondée sur la fidélité à la vérité ; mais dans tous les cas, cette présence du politique est médiate (chapitre 8 : L’articulation théorique). Cela ne veut pas dire qu’elle n’est pas soumise à l’histoire. Un genre qui fonctionne en assimilant les discours de son temps pour jouer de leur valeur est nécessairement affecté par l’évolution réelle de ces discours. Mais les changements sur le plan historico-philosophique ne se traduisent pas toujours directement par une modification des discours politiques dans la tragédie. Il est plus juste de dire qu’ils changent le sens et les modalités de l’utilisation des discours - parfois des mêmes discours. Ils affectent donc en réalité la démarche dramaturgique. Enfin, les exigences dramaturgiques de la tragédie, qui sont elles mêmes très souples dans les années 1630-1650, se heurtent très concrètement à des exigences matérielles et à des exigences d’ordre politique, soumises aux variations historiques. La forme que prend le politique dans la tragédie révèle au regard critique un fonctionnement dramatique complexe. On a ainsi pu lire dans certaines « étrangetés » dramatiques la trace d’une tentative de conciliation de contraintes parfois contradictoires. Dans certains cas, concilier les exigences dramatiques et les exigences politiques s’apparente à un coup de force, et les auteurs font, dans le deuxième quart du siècle, des choix très différents dans ce domaine (chapitre 9 : Formes de l’inscription politique dans la tragédie). On peut penser que la question même de l’articulation entre politique et dramaturgie tragique se posera différemment à partir des années 1660. La saturation de l’espace littéraire par le discours amoureux, en grande partie sous l’influence de la production romanesque, aura pour effet de réinvestir le concept de dignité. Un héros peut désormais contrevenir à l’ordre du politique sans être sanctionné sur le plan dramatique. Surtout, dans un contexte où la doctrine d’un pouvoir fort constitue une véritable parole d’autorité en matière politique, et où, de façon conjointe, les règles dramatiques sont elles aussi érigées en véritables contraintes, le jeu des idéologies et des valeurs, appelé par la souplesse de la tragédie rénovée des années 1630-1640, et informant lui-même sa structure dramatique, n’est plus pensable selon les mêmes termes. Le discours politique nourrira d’autres configurations de la dramaturgie tragique.

Jeudi 27 novembre 2003
14 heures
Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Bernard FRANCO soutient sa thèse d’Habilitation à diriger des Recherches (HDR)

 Dramaturgie, critique et mythologie romantiques. Transferts culturels et esthétique comparée.

 en présence du Jury :

M. BIRUS (MUNICH)
M. CHEVREL (PARIS IV)
M. FRANTZ (PARIS IV)
M. GENGEMBRE (CAEN)
M. MONTANDON (CLERMONT II)
M. VALENTIN (PARIS IV)

Jeudi 21 octobre
14 h
Salle des Actes, centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Renaud VILLARD soutient sa thèse de doctorat :

 Du bien commun au mal nécessaire : Tyrannies, assassinats politiques et souveraineté en Italie, vers 1470 - vers 1600.

 en présence du Jury :

M. BERCÉ (PARIS IV)
M. CROUZET (PARIS IV)
Mme CROUZET-PAVAN (PARIS IV)
M. KAISER (AIX-MARSEILLE)
Mme NICCOLI (TRENTO)
M. REVEL (EHESS)

Vendredi 13 octobre 2006
14 heures
Maison de la Recherche,
28, rue Serpente 75006 Paris
Salle D116

 Mme MAYA SUEMI LEMOS soutient sa thèse de doctorat :

 Du discours moral au discours musical - le thème de la vanité dans la musique italienne post-tridentine

En présence du Jury :

M. DECLERCQ (Paris 3)
Mme DUROSOIR (Paris 4)
M. PRIVITERA
Mme SPICA (METZ)

Résumés

Le thème de la vanité est sous-jacent à toute l’épistémè des XVIe et XVIIe siècles : véritable discours sur la fugacité de la vie, sur le caractère éphémère et vain de toute chose terrestre, il affecte alors tous les domaines représentatifs - les arts plastiques, la littérature, mais aussi la musique. En effet, les représentations musicales du thème de la vanité foisonnent dans l’Italie post-tridentine, où elles nous apparaissent comme une catégorie à part entière à l’intérieur de l’ensemble de la musique dévotionnelle. S’appropriant à peu près tous les genres musicaux en usage - des genres sacrés aux genres profanes, des genres sérieux et savants aux formes légères -, elles se déclinent en des modalités discursives et opératoires diverses. Cette variété témoigne de la nécessité d’étendre le discours moral qu’elles portent à tous les secteurs sociaux : les Vanités, fussent-elles picturales, littéraires ou musicales, semblent matérialiser, dans leur condensé de significations, le code moral de l’époque. Donnant forme à celui-là elles l’affirment et le diffusent, sans doute, ne contribuant pas moins, pourtant, à l’abolir.

From Moral Discourse to Musical Discourse - The Theme of Vanity in Italian Post-Tridentine Music. Abstract The theme of vanity underlies the entire episteme of the sixteenth and seventeenth centuries : veritable discourse on the transience of life, on the ephemeral and vain character of all earthly things, it affects all the domains of artistic expression -literature, the visual arts, but also music. The musical representations on the theme of vanity abound in Post-Tridentine Italy, where they constitute an autonomous category within the ensemble of devotional music. Through the appropriation of almost every musical genre of the time -the sacred and the secular, the serious and learned but also the lighter forms -they take various discursive and operational paths. This variety testifies of the necessity to extend the moral discourse to all parts of society : the Vanities -be they pictorial, literal or musical -seem to materialize, in their condensation of meaning, the moral code of the time. Giving form to it, they affirm it and spread it, but can’t, nevertheless, avoid to exhaust it.

Position de thèse

Vanitas vanitatum et omnia vanitas, infère l’Ecclésiaste. Depuis son apparition dans l’Antiquité, la sévère sentence de ce livre vétérotestamentaire semble n’avoir jamais cessé d’interpeller les esprits, partout où furent disséminées les Ecritures. Elle se révèle comme un écho et en même temps une réponse au doute existentiel essentiel de l’homme, hanté par l’évidence de sa propre finitude et de tout ce qui l’environne. Comment se positionner face à l’inéluctabilité de la mort ? Résonance d’une problématique qui mobilisa de façon intense la philosophie et la morale antiques - ce dont témoigne notamment la littérature stoïcienne -, la sentence célèbre résume le choix d’une attitude consistant à dévaloriser le temporel au profit du spirituel et du transcendant, dans une attente eschatologique censée être capable de résorber et donner sens à un tel embarras. Elle porte en elle, implicitement, le principe moral d’un nécessaire et souhaitable « mépris du monde », un discours du détachement basé sur l’argument de la fugacité et de l’instabilité de tout ce qui appartient à la sphère humaine et temporelle. Ce discours émerge avec une force remarquable en Occident à partir de la moitié du XVIe siècle, conservant sa vigueur tout le XVIIe siècle durant. Manifestation de l’idéal éthique caractéristique de cette époque de réformes religieuses, il est sous-jacent à toute l’épistémè de la période et finit par apparaître dans tous les champs de l’expression artistique. Il est le ferment de l’essor d’un ensemble très important d’oeuvres picturales prenant comme sujet premier la « vanité » de toute chose mondaine, que la tradition et ensuite l’historiographie de l’art ont pris l’habitude de désigner, par réduction métonymique, Vanités. Vanitas, donc, comme le terme proverbial de l’Ecclésiaste, dans la traduction latine du texte hébreu. Ces peintures véhiculent le principe moral du détachement, exposant à travers un tissu composite d’éléments symboliques tous les loci de la méditation sur l’impermanence humaine et terrestre. Elles furent étudiées et décryptées par les historiens de l’art à partir notamment de la deuxième moitié du XXe siècle de notre siècle. On a trouvé dans la représentation des tables richement dressées, dans l’entassement confus d’objets - fleurs fanées, bijoux, couronnes, crânes, livres, instruments de musique et autres - des témoins d’un sentiment de perte, de néant, de mélancolie. Sous l’image de l’abondance, c’est le vide qui est représenté ; sous les symboles du pouvoir, de la richesse ou de la beauté c’est la déchéance de ces biens

que nous voyons dénoncée. Car si les Vanités dénombrent tout ce que peut produire et rassembler la nature humaine, c’est pour mieux la montrer fragile, vouée à la corruption : les biens de ce monde sont, dans l’inventaire sombre des Vanités, frappés de précarité, rongés par le voisinage toujours pressant de la mort, de l’anéantissement. Et c’est bien cette menace constante et inéluctable qui les met en suspicion : trop instables, trop fugaces, ils ne sont rien donc sinon de la tromperie, de l’illusion. Dévalués, ils ne sauraient être qu’objet de renoncement en faveur des biens véritables et stables, ceux-là placés dans un au-delà prometteur. Les Vanités picturales ne seront pas les seules oeuvres artistiques de leur époque à s’élever contre les attachements mondains, moralement condamnables. Elles partagent avec une vaste littérature et aussi avec un vaste répertoire musical vocal le même regard désenchanté sur l’existence, le même discours de mise en garde contre un monde temporel défaillant, ontologiquement affaibli. Si les manifestations picturales et littéraires de ce discours furent objet d’études critiques1, le cas musical demeure inexploré. La seule référence que nous ne connaissons est l’article qu’y a consacré Silke Leopold, présenté en 1994 à Darmstadt, à l’occasion du colloque Aspekte der Gegenreformation 2. Certaines pièces musicales composées sur le thème de la vanité sont, il est vrai, bien connues du public et des chercheurs. Pourtant, elles n’ont jamais été considérées comme constituantes d’un corpus cohérent. Une telle production musicale, qui s’avère pourtant abondante et riche, mérite sans doute une investigation. Celle-ci présente un intérêt, à la fois pour la sociologie de l’art et pour l’histoire des idées et des mentalités, en ce qu’elle peut contribuer à rendre à l’ensemble transdisciplinaire des oeuvres artistiques au sujet de la vanité toute sa dimension : celle d’un phénomène esthétique plus large qui, dans la multiplicité de ses registres, reflète la pensée morale, éthique et existentielle de son époque. Les représentations de la vanité nous apparaissent en effet comme un miroir privilégié du contexte de transformation des mentalités qui s’opère dans ce seuil de la modernité : nous verrons que le discours qu’elles soutiennent 1 Il serait vain de tenter de lister ici la volumineuse bibliographie concernant le cas pictural. Pour cela, nous renverrons à celle répertoriée dans : Alain TAPIE (dir.) Le thème de la vanité dans la peinture au XVIIe siècle, catalogue de l’exposition, Caen, Albin Michel, 1990 ; Sybille EBERT-SCHIFFERER, Natures mortes, Paris, Citadelles et Mazenod, 1999. Quant au cas littéraire, citons la thèse d’état de Marcel Israël , soutenue en 1976 à l’Université d’Aix-Marseille 1, sous la dir. de Roger Duchêne et intitulée Quelques aspects du thème de la vanité à l’époque baroque ; la thèse de Karine Lanini, Dire la Vanité à l’âge classique. Paradoxes d’un discours, soutenue en 2003 à Paris III-Sorbonne Nouvelle, sous la direction de Alain Viala ; l’ouvrage de Agnès Verlet, Les Vanités de Chateaubriand, Genève, Droz, 2001. 2 Silke LEOPOLD, « Die Vanitas-Idee in der Musik des frühen 17. Jahrhunderts », in : Zeitsprünge - Forschungen zur Frühen Neuzeit, Band I (1997), Heft 3/4, Sonderheft « Aspekte der Gegenreformation », Frankfurt am Main, Vittorio Klostermann, p. 645-669.

peut être lu comme une attitude de réaction à un processus de mutation sociale qui se traduit pas un changement radical de valeurs. Produits d’une tentative ultime - peut-être instinctive - de préservation de principes éthiques en voie de disparition, elles s’impliquent en tant que médiatrices d’un moment particulièrement trouble de la transition du monde occidental vers une civilisation moderne. Dans un degré plus particulier, ce répertoire musical présente un intérêt historique et sociologique dans la mesure où il résulte, pour sa plupart, d’une démarche institutionnelle dont le contexte est celui des réformes religieuses du XVIe siècle : véritable matériel de propagande doctrinaire, il est la transposition en musique d’une modalité spécifique de prédication morale/religieuse qu’on va devoir étendre à tous les espaces sociaux, publics comme privés, dans une époque de troubles confessionnels sans doute, mais où se fait jour également une véritable crise de foi. Il est ainsi sans doute profitable d’en étudier les mécanismes de production et de réception, ainsi que son insertion sociale : qui étaient ses commanditaires ? quelles étaient les conditions de sa production et de son exécution ? quelle était la pénétration de cette musique moralisante dans les divers secteurs sociaux de l’époque ? comment s’inscrivait-elle dans l’univers musical qui l’environne ? Finalement, dans un degré de lecture qui concerne plus spécifiquement l’histoire de la musique et la musicologie, ce répertoire a une caractéristique exceptionnelle qui lui confère un intérêt particulier. Le caractère moralisant des textes littéraires dont il se sert, les motivations et les enjeux qui le génèrent impliquent qu’il s’étende sur à peu près tous les genres musicaux de son époque : en tant que véhicule des principes moraux et éthiques qui donnent cohésion à la société, le discours sur la vanité des choses du monde doit pénétrer dans toutes les sphères, secteurs et couches sociales, et investir, par conséquent, la musique populaire comme celle de cour, les genres musicaux profanes comme les sacrés. Un tel répertoire, à la fois uni dans sa thématique, et hétéroclite dans ses registres d’expression, s’offre ainsi comme un terrain privilégié d’étude sur les différentes modalités rhétoriques et opératoires que peut revêtir un discours dans sa transposition en musique. Nous trouvons des représentations musicales du thème de la vanité parmi les laudi spirituali et les motets, mais aussi parmi les madrigaux, les canzoni et canzonette, les villanelle, les napolitane, les airs ou les cantates. Cette variété de supports implique des stratégies discursives diverses qui sollicitent la matière musicale de manière inégale. En effet, nous pouvons constater que, dans le cas du répertoire des laudi spirituali, l’efficace du discours est garantie, non pas par la capacité de la musique de convaincre à travers une réussite dans l’expression des contenus textuels, mais par sa capacité de distraire et amuser, et

aussi de s’adapter à toute sorte de public. C’est dans une certaine passivité qui aurait lieu l’adhésion de celui-ci aux idées morales véhiculées ; par l’intonation quotidienne et plaisante de ces chants, qui finit par inscrire le message dans les esprits et les mémoires. Dans le cas des motets, contrairement, c’est bien dans les possibilités qu’offre la musique de renforcer le discours verbal par les moyens expressifs qui lui sont propres que réside le succès persuasif. Car dans ce cas, c’est bien l’intelligence des textes le garant de l’acte rhétorique. Il s’agit de les rendre aussi clairs et éloquents que possible. Dans une autre catégorie se situent les pièces profanes destinées aux milieux aristocratiques, académiques et princiers : il s’agit-là de madrigaux, canzoni, airs, cantates, etc. qui, visant un public cultivé et raffiné, obéissent au goût et aux exigences de celui-ci, ce dont témoigne le caractère recherché et savant de leur écriture musicale, mais aussi des textes employés. L’on y trouve parfois des lectures actualisées de la poésie de certains grands auteurs du passé - l’importance, notamment, de la figure du Pétrarque dans la culture du temps ne saurait faire défaut dans ce répertoire -, dont l’autorité pourvoit ces pièces musicales d’une valeur supplémentaire ; ou bien parfois sont employées des poésies composées par des personnages éminents du temps, ce qui conférerait à la pièce un certaine garantie éthique. Finalement, nous pouvons identifier, au-delà des genres musicaux, une modalité de « Vanité musicale » que nous appelons ici méditative, où l’auditeur est impliqué activement dans la stratégie persuasive : la condition de la réussite de celle-ci paraît être la capacité de la musique de le plonger dans l’incertitude, dans la grisaille, le contraignant à une méditation volontaire et auto-persuasive. Cette catégorie s’assimilerait ainsi aux Vanités picturales, jouant, tout comme celles-ci le rôle d’un support de méditation, médiatisant un acte réflexif individuel et intériorisé qui, identifiable à un « exercice spirituel », se présente comme un trait culturel qui caractérise l’époque. Si la représentation du thème de la vanité en musique apparaît selon des modalités distinctes, qui correspondent à des stratégies opératoires diverses, elle ne possède pas moins, en outre, une historicité propre. L’étude de son évolution, c’est-à-dire, des particularités que peuvent présenter les « Vanités musicales » dans leur diachronie, nous permet de constater, en effet, que le thème de la vanité, expression d’abord d’une mélancolie diffuse - et d’autant plus puissante -, se matérialise peu à peu dans un discours de structure à peu près constante, donnant corps et représentation au code moral qu’il véhicule, pour très vite se figer dans des formules stéréotypées. Celles-ci, dans une rhétorique affaiblie, annoncent l’épuisement des valeurs qui soutiennent le discours. En effet, l’interrogation plus authentique et philosophique sur la finitude humaine qu’on devine sous les expressions primitives de la thématique de la vanité, du milieu du XVIe siècle, semble être vite récupérée au profit d’une véritable doctrine

d’inscription morale et religieuse. Le sentiment d’angoisse et vacuité existentielle se résorbe en une attente eschatologique aussi réductrice que rassurante - glissement de sens qui s’accompagne de la dissémination massive du discours sur la vanité et, par là même, de sa banalisation. C’est là peut-être le paradoxe majeur de ce discours. Il nous apparaît comme une réaction aux profondes transformations sociales qui ont lieu alors dans le monde occidental, auxquelles il semble tenter de s’opposer, par l’affirmation d’un code moral menacé et affaibli par les pratiques sociales modernes. Pourtant, en niant et en problématisant les nouvelles données sociales et mentales, il finit par contribuer à leur intégration : de plus en plus banalisé, de plus en plus extérieur et artificiel, son pouvoir persuasif s’épuise, à la fois témoignant du et participant au processus d’évacuation des valeurs morales qu’il véhicule. Le temps des Vanités arrive à son terme et, avec lui, s’effacent les traces des valeurs anciennes. Elles laisseront la place à une nouvelle disposition morale, à une nouvelle vision du monde, à une confiance renouvelée en l’homme et en ses possibilités. Les Vanités auront contribué à créer les conditions mentales de la transition vers la modernité, dont elles auront constitué, dans leur propre historicité, une étape nécessaire. Notre corpus de vanités musicales dessine cette trajectoire, et c’est là un des aspects de l’intérêt de son étude.

Mardi 24 mai 2005
14 heures 30
À la Maison de la Recherche
D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Connie KWONG soutient sa thèse de doctorat :

 Du langage au silence : l’évolution de la critique littéraire au XXème siècle

En présence du Jury :

M. BRUNEL (Paris 4)
M. MADELENAT (Clermont 2)
M. MOLINIE (Paris 4)
M. ZHANG (Paris 3)

Vendredi 28 novembre
14 heures
Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Gilly HENSHAW LEHMANN soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Du livre de cuisine à l’art culinaire

 en présence du Jury :

M. CARRE (PARIS IV)
Mme FINCK (PRINCETON)
Mme HALIMI (PARIS III)
M. HOPES (LE MANS)
Mme ROUYER-DANEY (BORDEAUX III)
M. RUGGIU (BORDEAUX III)

Samedi 4 décembre
14 h
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Trung TRAN QUOC soutient sa thèse de doctorat :

 Du livre illustré au texte imagé : image, texte et production du sens au XVIe siècle

 En présence du Jury :

M. CHATELAIN (BN)
Mme DAUVOIS (TOULOUSE I)
Mme HUCHON (PARIS IV)
M. LECERCLE (PARIS IV)
M. LECOINTE (POITIERS)

Samedi 13 décembre
13 h 30
Centre Malesherbes, amphi 111
108, bd Malesherbes
Paris 17e

 M. Silvere MENEGALDO soutient sa thèse de doctorat :

 Du personnage au masque : le jongleur dans la littérature narrative des XIIe et XIIIe siècles

 en présence du Jury :

M. BOUTET (PARIS IV)
Mme CERQUIGLINI-TOULET (PARIOS IV)
M. DUFOURNET (PARIS III)
M. FRITZ (DIJON)
M. MARTIN (ARRAS)
Mme MORA (VERSAILLES)

Mardi 7 novembre 2006
14h30
Salle D116
Maison de la Recherche
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Nicolas WANLIN soutient sa thèse de doctorat :

 Du pittoresque au pictural. Valeurs et usages des arts dans la poésie française de 1830 à 1872 : Aloysius Bertrand (Gaspard de la Nuit), Théophile Gauthier (Poésies complètes), Paul Verlaine (Poèmes saturniens et Fêtes galantes)

En présence du Jury :

Mme LE MEN (PARIS 10)
M. MARCHAL (PARIS 4)
M. MOLINIÉ (PARIS 4)
M. MURPHY (RENNES 2)
M. VOUILLOUX (BORDEAUX 3)

_ Résumés

Les poètes français du XIXe siècle ont fait des arts plastiques une référence importante de leur poésie. Cette thèse porte sur les œuvres d’Aloysius Bertrand (Gaspard de la Nuit), Théophile Gautier (Poésies complètes) et Paul Verlaine (Poèmes saturniens et Fêtes galantes) et s’attache à montrer quelles valeurs artistiques y sont manipulées et quel usage y est fait des références artistiques. L’approche transsémiotique ne rendant pas compte de l’inscription historique et sociale des pratiques poétiques, la démarche mise en œuvre ici est pragmatique, sociologique et historique. Ainsi, la notion de transposition d’art est remise en cause et l’accent est mis sur les différences entre les œuvres d’art et les poèmes. Les références poétiques aux arts sont interprétées comme des décontextualisations, des transformations et des réinterprétations imposées aux œuvres d’art. Les œuvres, les artistes, les techniques, les genres et les mouvements artistiques sont invoqués en raison des valeurs qu’ils permettent de promouvoir. Bertrand met en évidence dans l’art la valeur de l’humble et fonde sur elle une poétique de l’Histoire tournée vers le peuple. Gautier passe tout d’abord d’une poétique du pittoresque à une spiritualité laïque, puis trouve dans l’art un moyen d’exprimer la dialectique du désir et de la frustration et dépasse le clivage du néoplatonisme et du matérialisme. Sa relation au monde des arts est une stratégie de positionnement social autant que le reflet d’un credo esthétique. Verlaine représente la fin d’un parcours : il prend acte du mode de définition de la poésie par l’analogie artistique et en tire la définition de son originalité poétique. Il découvre ensuite dans la peinture les valeurs de superficialité et d’artificialité. Le paradigme plastique est enfin dépassé au profit d’autres relations aux arts, moins systématiques.

Nineteenth-century French poets have used the arts as a major reference in their poetry. This work deals with Aloysius Bertrand’s Gaspard de la Nuit, Théophile Gautier’s poetry, and Paul Verlaine’s Poèmes saturniens and Fêtes galantes. It brings to light which artistic values are handled by the poems and for what purpose. As it is not possible to give account of the historical and social grounding of poetic practices by transsemiotic approaches, our method will be pragmatic, sociological and historical. We will reassess the notion of transposition d’art, and highlight the differences between works of art and poems. Referring to the arts in a poem means drawing the works out of a context into another, twisting and reinterpreting them by force. Works, artists, techniques, genres and trends are referred to by poetry because of the values they are likely to promote. To Bertrand, art reveals the value of humbleness, and he grounds a poetics of popular History on it. Gautier first passes from a poetics of the picturesque to a secular spirituality. To him, art is a means to express the dialectic of desire and frustration, beyond the split of neo-Platonism and materialism. His references to the world of arts imply a social strategy of positioning, while they also reflect an aesthetic creed. Verlaine concludes a course : he takes for granted that poetry defines itself through artistic analogy and thus defines its own originality. Further, he finds in painting the values of superficiality and fake. The plastic paradigm comes to an end and is replaced by other, less systematic, relationships to the arts.

Position de thèse

Nous consacrons cette partie de notre introduction à une revue des notions théoriques généralement mises en œuvre dans les études sur les relations entre la littérature et les autres arts. La notion d’ekphrasis est examinée et nous donne l’occasion d’insister sur l’historicité des concepts théoriques et les limites qu’il faut assigner à leur domaine de pertinence. La conception rhétorique de la description d’œuvre d’art amène notamment à remarquer que la notion d’art est elle-même historique et que nous devrons tenir compte de cette historicité pour caractériser spécifiquement les pratiques du XIXe siècle. Un autre apport intéressant et discutable de la rhétorique consiste en la théorie de l’enargeia : nous considérons à la fois sa prégnance dans les discours et les pratiques et son insuffisance conceptuelle dans le cadre d’une étude moderne. L’approche sémiotique est ensuite envisagée et critiquée. Nous tentons de circonscrire l’objet limité d’une étude trans-sémiotique des relations entre texte et image et nous en déduisons quelques principes pour notre travail, notamment la prise en compte des spécificités des media envisagés, de leurs conditions de mise en œuvre et de leurs traditions propres. Ce faisant, c’est essentiellement la notion de transposition que nous critiquons et nous mettons l’accent sur les différences entre la littérature et les autres arts plutôt que sur leur parenté. Nous considérons alors les références poétiques aux autres arts comme des décontextualisations, des transformations et des réinterprétations imposées aux œuvres. Cette option nous amène à privilégier une approche pragmatique, c’est-à-dire une prise en compte maximale des conditions de production des œuvres plastiques et des poèmes, donc une compréhension de la poésie non seulement comme produit textuel mais aussi et surtout comme pratique sociale. D’où l’emploi des outils notionnels de la sociologie : nous définissons la référence artistique comme un usage et une manipulation de valeurs. Le texte poétique attribue à l’œuvre d’art des valeurs et retire tout à la fois certaines valeurs de celui-ci. Cette pratique produit des représentations de l’activité artistique en général et de la poésie en particulier ainsi qu’une conception particulière de la culture. La réflexion sur les références artistiques comme représentations sociologiques amène à s’interroger sur la réalité des propriétés « plastiques » des poèmes : ne sont-elles que des illusions ou des faits de style objectivement observables ? Il s’agit en fait de concevoir quelles sont les conditions requises pour qu’un lectorat reçoive les textes comme doués des propriétés « plastiques » visées et revendiquées par les auteurs. Les problématiques évoquées et les outils notionnels retenus nous permettent alors de procéder à une critique de la notion de description. Nous exposons donc la diversité formelle rencontrée dans les références artistiques. Surtout, nous faisons valoir la nécessité d’une théorie de la description qui, contrairement à l’approche structurale généralement utilisée, accorde toute son importance à la nature de l’objet décrit. D’une part, ceci permet de comprendre que chaque description est porteuse de valeurs spécifiques en fonction de son objet, d’autre part cela met en évidence la distance culturelle entre l’objet décrit et sa description. Autre distinction de notre approche par rapport à l’approche structurale de la description et à la linguistique textuelle, notre corpus nous amène à considérer des descriptions autonomes ou s’autonomisant, c’est-à-dire indépendantes de cadres narratifs ou argumentatifs ; nous remettons donc en cause le fondement même de l’approche narratologique de la description qui en fait l’auxiliaire d’autres formes discursives.

2. Aspects du corpus La description de notre corpus suppose tout d’abord d’expliquer la spécificité des textes poétiques. Nous les distinguons d’une part des textes non littéraires par leurs fonctions, d’autre part des autres genres littéraires par les caractères énonciatifs et stylistiques ainsi que les enjeux idéologiques spécifiques à la poésie. Il importe ensuite de dégager la spécificité du moment historique envisagé, entre 1830 et la fin du Second Empire. Nous présentons donc un très rapide historique des poèmes sur les arts depuis le XVIIe siècle au cours duquel nous relevons ce qui éclaire le traitement de notre objet au XIXe siècle : les prérogatives du poète quant au discours sur l’art, le type de valeurs manipulées par les discours, le statut de l’analogie entre peinture et poésie et la différence entre discours didactique et discours poétique. Ce rappel historique nous amène à présenter l’évolution de quelques notions théoriques, telles que la description, le tableau et le pittoresque. Nous nous donnons ainsi les moyens de comprendre quels rapports les théories de la littérature et de la peinture établissent entre leurs objets et quels en sont les enjeux ; autrement dit, pourquoi et à quelle époque la littérature est un modèle pour la conception de la peinture et vice-versa. C’est tout particulièrement la constitution de la notion de pittoresque, au confluent de deux pratiques artistiques, qui permet d’aborder la poétique romantique autour de 1830. Nous justifions enfin la constitution de notre corpus. Nous expliquons sur quels critères nous avons fixé ses bornes chronologiques et les raisons pour lesquelles nous avons considéré Aloysius Bertrand, Théophile Gautier et Paul Verlaine comme représentatifs. Corollairement, d’autres auteurs sont tenus pour accessoires dans l’histoire littéraire ou du moins non nécessaires à notre exposé. Nous pensons que la définition de ce corpus offre un ensemble de documents, qui sont aussi des œuvres à part entière, révélateurs mais non univoques quant à l’avènement de la modernité esthétique.

I Aloysius Bertrand, Gaspard de la Nuit (1842) 1. Quel type d’homologie chercher entre l’œuvre de Bertrand et les arts ? Nous commençons par réfuter l’idée d’homologie structurelle entre les arts plastiques et la littérature telle qu’elle peut être développée dans le cadre d’une sémiotique structurale. Nous exposons ensuite les faiblesses épistémologiques de l’associationnisme illustrateur, avatar de la critique de sources, en même temps que les causes de son succès. Les raisons de sa faible pertinence dans le cas de Bertrand sont d’une part la préférence du poète pour une logique plus nettement textuelle que trans-sémiotique, une visée de l’ethos d’artiste plutôt que d’une identité précise et un recours massif aux arts populaires anonymes et sériels. Enfin, le modèle de la transposition d’art est remis en cause au profit d’une explication sociologique par les relations entre personnes plutôt qu’entre œuvres. Nous contestons ensuite l’analogie des poèmes avec la photographie, le daguerréotype et les fantaisies d’optique, y préférant une description en termes de rhétorique. Nous argumentons enfin contre l’interprétation phénoménologique des poèmes selon le modèle du paysage. En conclusion, nous proposons d’interpréter la référence aux arts comme un moyen pour le poète de promouvoir une image de lui-même. 2. Une approche générique de la relation entre les arts Nous développons l’hypothèse que l’évolution historique de la hiérarchie des genres picturaux fournit une explication à la picturalité de Bertrand. Sur le plan sociologique, les prises de position des peintres romantiques servent de modèle au poète. Sur le plan stylistique, les options génériques dans la théorie de la peinture trouvent des équivalents dans la pratique poétique. La poétique « flamande » et notamment le genre de la « bambochade » sont déclinés en nombre de motifs stylistiques opérant la clôture du poème. Les formes poétiques développées par Bertrand sont alors interprétées comme des prises de position dans le champ littéraire s’accompagnant d’une stratégie de légitimation de sa pratique.
Cette légitimation est paradoxale puisqu’elle passe par une marginalisation générique et sociologique. À partir de là, la référence artistique apparaît comme un apport de légitimité : elle passe par une forme d’écriture artiste mais aussi par la référence à la chanson populaire et l’influence du « tableau » dramatique. Nous déplaçons finalement la problématique du genre vers celle du livre : en examinant le rapport de Bertrand à l’illustration et à l’imprimerie romantique, nous mettons en évidence la visée d’une esthétique du « kitsch » plutôt que du grand art.
3. Le portrait du poète en maçon Nous exposons pourquoi Bertrand choisit comme figure tutélaire, comme son analogue et son modèle, le maçon du Moyen-Âge plutôt que le peintre. Ceci s’explique par le mythe que les romantiques forgent autour des bâtisseurs de cathédrale. Cette figure fait émerger particulièrement le problème de l’anonymat de l’artiste et de l’idée de génie populaire. _ Appliqué à la lecture de l’œuvre de Bertrand, le mythe du maçon permet notamment d’interpréter le poème matriciel « Le Maçon » : il propose à la fois un mode de représentation du monde et une position du sujet observateur qui déterminent fortement l’esthétique de Bertrand. Nous proposons d’y voir une « forme symbolique ». 4. Le pittoresque comme poétique de l’histoire Nous expliquons tout d’abord comment les pratiques d’écriture de Bertrand peuvent associer étroitement poésie et Histoire. D’un point de vue génétique, sa poésie dérive d’une écriture historique et du point de vue idéologique, Bertrand confie aux artistes et aux poètes une mission d’historiens. _ L’« école flamande » apparaît alors comme une manière particulière d’écrire l’Histoire. Elle s’apparente à la méthode de Michelet dans son utilisation des œuvres d’art, à l’esprit de Nodier dans son recours aux sources populaires. Elle rappelle également Hugo dans son exaltation du grotesque mais s’en démarque en développant une tonalité originale et participe de l’Histoire « ressuscitante », donnant à la poésie l’ambition de faire revivre le passé. _ Cette analyse du rôle du pittoresque dans le traitement de l’Histoire mène au constat d’une attention très particulière portée au peuple. Elle permet finalement d’établir que l’usage des arts dans Gaspard de la Nuit a une portée politique puisqu’elle trahit, sinon une conviction républicaine, du moins une solidarité foncière avec la cause du peuple. Nous concluons en justifiant l’orientation globale de notre lecture de Bertrand, plus tournée vers le premier romantisme que vers la modernité de la théorie spéculative de l’art. Nous soulignons en particulier que la caractérisation esthétique, idéologique et politique que nous avons donnée de Bertrand ne peut s’accommoder d’un rattachement de Bertrand aux poétiques de l’Art pour l’Art. Son usage des valeurs artistiques est fondamentalement social, historique et populaire.

II. Théophile Gautier, Œuvres poétiques complètes dont Poésies (1830), Albertus (1832), La Comédie de la mort (1838), España (1845), Émaux et camées (1852-1872). 1. Peintre ou poète : faut-il choisir ? Comment choisir ? Les premières années de Gautier sont marquées par une pratique encore scolaire de l’éloge ekphrastique au travers duquel apparaît un discours sur la position sociale de l’artiste contemporain. Sur la base d’une relation de solidarité et d’émulation avec le milieu artiste, le poète peut développer une poétique pittoresque qui revendique les traits du paysage romantique tout en se fondant sur des procédures stylistiques proprement poétiques. Cette pratique du pittoresque est également le laboratoire d’une modernité poétique qui dépasse les cadres romantiques. _ Ce sont encore les genres mineurs de l’« intérieur » et du portrait qui sont mis à contribution pour les valeurs potentiellement originales et novatrices qu’ils peuvent apporter à la poésie. Ils sont l’aiguillon d’une poétique descriptive qui ne se contente ni de la caution légitimante des artistes de référence ni du déploiement systématique des clichés descriptifs : les traits de la vogue gothique y acquièrent une profondeur psychologique et symbolique qui atteindra sa pleine expression trente ans plus tard, dans un retour sur les thèmes gothiques de jeunesse. _ Le premier grand tournant dans la théorie et la pratique de Gautier est caractérisé par une réflexion sur la spiritualité dans l’art : au-delà des manifestations spirituelles de l’art religieux, largement désacralisé dans un contexte de désenchantement général, Gautier cherche la voie d’une spiritualité originale et émancipée. Surtout, la sacralité perdue de la religion semble compensée par une sacralisation de l’art. En fait, le poète s’emploie à réinterpréter à sa manière, esthétique, l’élan idéaliste représenté par l’art religieux. _ C’est cet idéalisme esthétique qui explique le discours poétique de Gautier sur l’art à cette époque. Malgré l’extrême proximité et les constants échanges entre la poésie et les autres arts, il ne s’agit pas d’une relation de transposition. L’esthétique romantique se fondait trop sur la spécificité des moyens de chaque art pour se satisfaire d’une analogie sommaire. C’est plutôt une conception idéaliste de l’esthétique (de type hégélien) qui permet de comprendre la complémentarité des arts plastiques et de la poésie dans un système des arts.
2. Poète au mépris des peintres ou à leurs dépens ? _ La référence à d’autres arts est subordonnée, chez Gautier, au primat de la logique poétique : la description d’art exige de l’œuvre plastique un contenu susceptible de réappropriation par le poète. Gautier recherche même des occasions de briller par sa technique descriptive plutôt que de rendre compte de l’œuvre à la manière d’un critique. Il ne répète pas la vision d’un artiste mais développe la sienne propre en fonction de ses conceptions esthétiques et de sa vision singulière du monde. _ L’hommage aux peintres contemporains est certes dans la continuité de la critique d’art, même quand il s’exprime en vers, mais Gautier y développe une stratégie de différenciation de son activité poétique par rapport à son activité journalistique : il dévalue d’autant plus la prose journalistique qu’il singularise la pratique poétique. Et cette distinction n’est pas seulement d’ordre générique et sociologique mais recouvre des traitements différents des valeurs artistiques.
3. La description d’art comme allégorie et détournement de l’usage des œuvres La description d’art se constitue, sous la plume de Gautier, en système de réinterprétation des œuvres, voire de métamorphose, au profit des usages particuliers du poète. C’est en cela qu’elle est fondamentalement allégorique : elle dissocie la signification ultime de l’œuvre de son sens immédiat. De ce fait, Gautier peut opérer des reconfigurations spectaculaires des œuvres et même de l’histoire de l’art, réinventant au besoin l’auteur ou le sujet d’une œuvre. _ Cette pratique herméneutique est pleinement exploitée dans le traitement de l’art religieux : Gautier réintègre celui-ci à divers contextes d’interprétation qui en subvertissent la substance originelle. Cette pratique permet le développement d’une pensée personnelle portant essentiellement sur le statut du corps dans l’art et sa compatibilité avec une exigence spirituelle. Gautier manifeste alors une émancipation nette et définitive de l’esthétique et de la morale chrétienne : il renonce au modèle gothique et chrétien au profit de la référence antique et païenne afin de concilier érotisme et idéalisation du corps.
4. Du pittoresque au sculptural : idéalisme et matérialité de l’art C’est à l’époque de la Seconde République que Gautier stabilise son esthétique et amorce la production de sa maturité poétique. La référence artistique devenant un élément essentiel de sa pratique poétique dans Émaux et camées, il convient de distinguer différents types de plasticité, notamment pour ne pas confondre la vivacité descriptive avec les références artistiques à proprement parler. Une tendance remarquable de cette période est le passage de la référence picturale à un paradigme sculptural : la statuaire et l’orfèvrerie représentent les valeurs de durabilité de l’œuvre, d’effort du créateur, d’un objet précieux et décoratif. Surtout, en tant que référence à la statuaire antique, le paradigme sculptural est ce qui fait de l’art une médiation dans le rapport au corps désiré. Sa figure par excellence est la chimère, tentante mais fatalement inaccessible, à l’image de l’Idéal. C’est ce qui permet de reconsidérer l’idée d’un platonisme de Gautier en restituant sa contrepartie foncièrement matérialiste et érotique.
5. Le poète, l’art et le monde Ce parcours poétique aboutit à la représentation de l’activité poétique comme une manière de gérer une relation au monde et non seulement une relation personnelle, mais tout le jeu des rapports sociaux. Il faut en effet reconsidérer les poésies de circonstance de Gautier, et non les compter pour rien dans sa pratique de poète, pour comprendre à quel point il pouvait considérer la poésie comme son mode privilégié d’auto-représentation et de positionnement social. Cela apparaît d’une part dans sa poésie galante, où la référence artistique est un moyen d’exprimer le désir tout en gérant son ethos, d’autre part dans ses relations avec les artistes. Gautier écrivait non seulement sur mais aussi pour les peintres, les sculpteurs, les architectes et pour les compositeurs. La musique lyrique est en effet un puissant moyen d’intégrer la poésie au monde de l’art, donc à un fonctionnement social valorisant. _ C’est cette considération de la poésie comme pratique de sociabilité qui permet de comprendre l’idéologie sociale et politique de Gautier. Cela explique en particulier qu’il n’a pas tant fait des infidélités à la doctrine de l’Art pour l’Art, en donnant son crédit à divers régimes politiques, qu’il n’a cherché sans cesse l’intérêt des arts dans toute forme de régime. En cohérence avec son matérialisme esthétique, Gautier cultive une conception bourgeoise de l’art comme le luxe de toute société civilisée. De là à un positionnement social de l’artiste comme bourgeois, il n’y a qu’un pas que Gautier franchit, mettant définitivement à distance la représentation romantique de l’artiste bohème.

III. Paul Verlaine, Poèmes saturniens (1866), Fêtes galantes (1869) 1. Poèmes saturniens : du Parnasse à Baudelaire À ses débuts, Verlaine se trouve au confluent de plusieurs influences et non seulement ses références aux arts manifestent la tension entre l’adhésion parnassienne et le baudelairisme esthétique mais elles lui permettent d’articuler ces deux tendances. Les thèses esthétiques de Baudelaire nourrissent sa pratique du paysage et y font primer l’investissement pathétique sur l’exigence d’impassibilité. C’est aussi par le biais de l’eau-forte que Verlaine peut développer l’image d’un art de la spontanéité géniale sans reconduire la doctrine romantique de l’inspiration. On peut même trouver dans les Poèmes saturniens l’origine d’un paradigme aquafortiste, sans pour autant que soit possible une stylistique de l’eau-forte textuelle. C’est enfin en traitant le genre du tableau historique que Verlaine règle sa relation avec la poétique parnassienne, en réfléchissant en particulier sur la possibilité et l’opportunité de l’expression politique. 2. De l’allégorie baudelairienne au paysage intérieur verlainien Au delà des différentes valeurs empruntées à Baudelaire dans son approche des techniques et des genres artistiques, Verlaine se rallie à sa conception de l’imagination et au rôle qu’il lui donne dans l’activité artistique en général et dans la poésie en particulier. Une des conséquences de ce principe est l’émergence d’un nouveau type de paysage moderne, le paysage urbain. Il s’agit alors de s’émanciper du mythe de la nature comme fondement de l’art. Ce geste s’accompagne d’une ressaisie de l’allégorie telle que Baudelaire l’avait élaborée dans Les Fleurs du mal : Verlaine y trouve le moyen de dépasser l’antinomie du lyrisme et de l’impersonnalité. La picturalité devient alors synonyme de décomposition du sujet lyrique en ses images. Mais cette démarche allégorique manifeste une crise de la représentation du sujet. Dans « Nuit du Walpurgis classique », c’est la possibilité même d’une allégorie du sujet qui est mise en cause : l’art des jardins a remplacé la nature, ce qui signifie que le moi ne peut trouver dans l’extériorité qu’une image de lui-même artificielle, artistement construite. Verlaine commence à poser le problème de l’expression du moi en termes d’artificialité autant que d’art. 3. Fêtes galantes et la psychologie du lyrisme Notre hypothèse est que non seulement les Fêtes galantes doivent beaucoup à Watteau, mais que c’est même grâce à une réflexion sur ce peintre et sur sa critique que Verlaine a fait un pas décisif dans la maturation de sa poétique. Il constate en effet que la critique romantique de Watteau se confronte à la difficulté de tableaux censés être mélancoliques mais qui ne donnent pas de signe positif de mélancolie. Il en déduit que l’expression de l’intériorité est fondamentalement ambiguë car elle ne peut démontrer l’adéquation d’un état mental avec des manifestations extérieures. C’est alors en cohérence avec la théorie psychologique qui lui est contemporaine que Verlaine élabore une déconstruction de l’expression lyrique fondée sur les valeurs d’artificialité et de superficialité de l’art. _ Nous explicitons quels sont les fondements théoriques - c’est à dire la psychologie du lyrisme - qui mènent Verlaine à remettre en cause la poétique lyrique. La philosophie de la psychologie de Wittgenstein nous aide à conceptualiser l’approche verlainienne de l’intériorité. 4. Perspectives : l’impressionnisme de Verlaine et la fin du paradigme plastique Le fonctionnement paradigmatique des références artistiques, exploité intensivement par Verlaine dans ses premiers recueils donne lieu à une réception qui surinterprète toute son œuvre en termes d’impressionnisme poétique. Nous opérons une critique de cette notion en montrant quels en sont les ressorts et les insuffisances. Nous étudions ensuite comment le paradigme musical prend la suite du paradigme plastique puis nous examinons le fonctionnement des références artistiques dans les dernières œuvres de Verlaine. Nous proposons alors une interprétation du positionnement de Verlaine dans le champ poétique et nous concluons sur sa conception du rôle de la poésie dans la culture et du poète dans la société.

Notre parcours du corpus de trois poètes nous permet de conclure que les références artistiques ne sont pas essentiellement métapoétiques : elles consistent bien plutôt en un travail de manipulation de valeurs et en une série d’usages qui modèlent la relation de la poésie avec le monde. Dans sa relation aux autres arts, la poésie cherche certes pour une part à sa définir elle-même, mais elle procure également une définition de la culture et de ses valeurs fondamentales. Dans cette perspective, il faut donc concevoir le mouvement d’autonomisation de la littérature comme nuancé et contradictoire. La constitution du champ artistique attire les poètes du fait d’une certaine communauté de valeurs. Elle confère à l’analogie avec les autres arts une vertu instrumentale de positionnement social et de déclaration esthétique. Les poètes s’en servent pour structurer leur pratique et programmer leur réception en fonction de paradigmes (modèles exemplaires d’usages et de valeurs). Mais cette même autonomisation des pratiques artistiques exige rapidement une autonomisation des moyens de chaque art, y compris de la poésie ; d’où la succession rapide des paradigmes et la dissolution à terme des références artistiques. Nous questionnons enfin la représentativité de notre corpus et ses limites par rapport à l’histoire littéraire. Si l’usage paradigmatique des arts s’accompagne d’un mouvement de repli de la poésie sur elle-même, trois facteurs nuancent ce constat : le genre poétique n’est pas représentatif de toute la littérature, les trois auteurs traités ne représentent qu’une vision canonique de la modernité poétique et on ne saurait voir le parcours décrit comme manifestant une nécessité historique ni comme préfigurant le destin de toute poésie moderne.

Jeudi 1 juin 2006
14 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Gaëlle LIEDTS soutient sa thèse de doctorat en cotutelle avec LUDWIG MAXIMILIANS UNIVERSITÄT MÜNCHEN :

 Du pouvoir de l’image : la photographie de propagande et de contre-propagande national-socialiste en Allemagne et en France (1933-1945)

En présence du Jury :

Directeurs de thèse :
M. Prof. Dr. Jean-Paul BLED
M. Prof. Dr. Hubertus KOHLE

M. Prof. Dr. François-Georges DREYFUS
M. Prof. Dr. Pierre DU BOIS
M. Prof. Dr. Serge LEMOINE
M. Prof. Dr. Rolf SACHSSE

Résumés

On power of image : national-socialist propaganda and contra-propaganda photography in Germany and France (1933-1945)

Whereas the cinema of the Thirties and Forties has been the center of attention, photography remains one of the most effective weapons of the propaganda for this period. Studies on the subject remain scarce. Photography has been very much used by National-Socialist Germany between 1933 and 1945, and in France during the occupation. But the Nazi Germany is not the only one to have used the photography, which is especially conveyed by the illustrated press and the booklets of propaganda. The French government also used photography for its own propaganda and was strongly inspired by the techniques implemented in Germany. If local circumstances often influence the topics chosen for photography propaganda ; main characteristics remain the same, whatever the country is, the cult of the chief is omnipresent. Photography served totalitarian propaganda of the Nazi Germany and Vichy’s France, but it was also the weapon of the antifascists. They oppose other uses of this medium to Nazi propaganda, such as the political photomontage.

Du pouvoir de l’image : la photographie de propagande et de contre-propagande national-socialiste en Allemagne et en France (1933-1945)

Alors que c’est surtout le cinéma qui a retenu l’attention pour la période des années trente et quarante, la photographie reste l’une des armes les plus efficaces de la propagande de l’époque. Encore trop peu étudiée, elle a notamment été très utilisée par le gouvernement national-socialiste entre 1933 et 1945, que ce soit en Allemagne ou en France lors de la période d’occupation. Mais l’Allemagne nazie n’est pas la seule à avoir utilisé la photographie, surtout véhiculée par la presse illustrée et les brochures de propagande, à ses fins. Le gouvernement français a, lui aussi, utilisé la photographie pour sa propagande en s’inspirant fortement des techniques mises en œuvre en Allemagne. Si les thèmes abordés par la photographie de propagande relèvent de particularismes locaux spécifiques à chaque pays, le « culte du chef » est l’un des points communs les plus importants. La photographie a donc servi les propagandes totalitaires de l’Allemagne nazie et de la France vichyssoise, mais elle a aussi été l’arme de combat des anti-fascistes. Ces derniers opposent à la propagande nazie d’autres utilisations de ce médium tels que le photomontage politique.

Position de thèse

Depuis une vingtaine d’années, les historiens - et non plus seulement les historiens de l’art - se penchent un peu plus sur la photographie et le rôle qu’elle a pu jouer dans les différentes périodes de l’histoire récente. La propagande national-socialiste pendant la période 1933-1945 a, quant à elle, été traitée dans de nombreux ouvrages dès la fin de la Deuxième guerre mondiale. Même dans les années trente et quarante, certains contemporains s’étaient déjà interrogés sur le rôle de la propagande dans le développement de la politique national-socialiste en Europe. Dans ces différentes études, on constate pourtant rapidement une lacune importante : si les pratiques artistiques ont été envisagées du point de vue de la propagande national-socialiste, depuis l’architecture jusqu’au cinéma en passant par la peinture, la sculpture ou même le théâtre, la photographie est la grande oubliée de l’historiographie. Même les « classiques » français concernant l’art nazi ne font aucune allusion au rôle de l’image photographique dans la propagande national-socialiste. Alors que la propagande photographique allemande a aussi été diffusée en France, très rares sont les études qui abordent le sujet en profondeur en France. Des études ont été réalisées sur l’influence de la photographie en France lors de la même période, mais il semble que les recherches s’arrêtent toujours à la frontière du Rhin. Il n’est pourtant pas possible de comprendre comment la propagande nazie a eu tant de répercussions sur les événements des années trente et quarante en Europe - et plus particulièrement en France - sans comprendre comment elle s’est répandue en Allemagne auparavant. C’est en partant de ces observations et afin de combler cette lacune que cette thèse réalisée en cotutelle entre les universités de Paris IV-Sorbonne et Ludwig-Maximilians-Universität de Munich tente de montrer l’importance de la photographie dans la propagande national-socialiste des années 1933 à 1945, grâce notamment à des parallèles avec la propagande photographique de la France à la même période. Si la photographie a été une arme importante pour la propagande nazie et vichyssoise, elle a aussi été utilisée par les artistes qui ont combattu le nazisme. La différence entre le succès de la propagande photographique national-socialiste et le relatif retentissement de l’anti-nazisme en photographie est l’objet principal de cette thèse.

Cette thèse est divisée en trois parties. Afin de se mettre d’accord sur les termes et sur l’enjeu de la démonstration, la première partie précise ce qui fait de la photographie une source essentielle de l’histoire, elle tente ensuite d’expliquer pourquoi cette source a été négligée et donne un aperçu de la diversité des types de photographies. Elle montre aussi quel était l’état de la pratique photographique en 1933 et quelles ont été les causes qui ont opéré le glissement d’une photographie comme moyen d’expression artistique à une arme de propagande. La deuxième partie de la thèse est d’abord consacrée à l’organisation administrative de la propagande photographique en Allemagne. Un parallèle est fait avec l’administration française de la photographie, qui n’est en place qu’à partir de 1942. Cette deuxième partie présente ensuite une analyse des spécificités de la propagande national-socialiste en photographie : comment est-elle véhiculée ? Qu’est-ce qui est autorisé et qu’est ce qui est censuré ? Quels sont les thèmes de prédilection de la photographie de tradition national-socialiste ? L’observation de la situation amène à une autre interrogation : la photographie est-elle simplement, au final, juste un moyen de propagande, une image d’une société à un instant donné, ou ne peut-elle pas aussi et ensuite, servir de « pièce à conviction » ? A ce sujet, l’utilisation de la photographie dans les camps de concentration pose problème : est-elle simplement une documentation comme les autres - qui a aussi servi en propagande nazie - ou acquiert-elle une dimension supplémentaire du fait même se son sujet ? La dernière partie de la thèse traite de la contre-propagande national-socialiste au moyen de la photographie. Quelle a été l’action des photographes contre le nazisme ? Comment s’est elle manifestée ? Et quelle forme a-t-elle a pris ? On verra aussi le rôle de la presse illustrée et des partis communistes allemand et français dans la diffusion des images photographiques anti-nazies. Puis on s’attachera plus particulièrement à la seule émanation de l’image photographique qui a pu avoir une certaine influence en contre-propagande, c’est-à-dire le photomontage.

Au terme de cette étude franco-allemande, plusieurs observations sont à faire au vu des résultats obtenus. Il s’agissait en la menant de combler une lacune sur les connaissances historiques du pouvoir de l’image photographique et de son rôle dans la propagande national-socialiste d’une part, et dans la contre-propagande national-socialiste d’autre part durant la période où Hitler et le NSDAP régissent la vie politique, sociale et culturelle de l’Allemagne. Il était aussi question d’étudier le rôle qu’avait pu avoir la photographie en propagande national-socialiste et de voir si elle avait eu un rôle comparable dans les camps adverses. Force est de constater, à l’issue de cette recherche, que la photographie a eu un rôle déterminant dans la propagande national-socialiste, mais qu’elle n’a pas réussi à avoir un rôle aussi important en propagande anti-nazie qu’en propagande national-socialiste. Quelles sont donc les raisons de cette différence tangible ? Tout d’abord, l’appareil d’Etat national-socialiste a réussi à mettre la main sur tout le processus de création photographique. Depuis les fabricants de matériel photographique - industrie chimique et savoir-faire optique en tête - jusqu’à la photographie qui se trouve dans l’album familial, tout est contrôlé par le ministère de la propagande. Il n’est pratiquement plus possible de photographier sans adhérer à l’une ou l’autre des associations d’amateurs ou groupements de professionnels. Même l’armée est dotée d’importants effectifs de photographes (et aussi d’opérateurs de cinéma) grâce aux Propaganda Kompanien. De leur côté, les artistes qui ne sont pas d’accord avec les directives ministérielles soit quittent le pays, soit portent leur attention sur d’autres sujets. Le ministre de la propagande Joseph Goebbels l’avait déjà déclaré en 1933 lors de l’inauguration de l’exposition Die Kamera : chaque Allemand possédant un appareil photo a le devoir de s’en servir pour son pays ! Les images ainsi produites sont utilisées pour la propagande nazie : on exalte les corps parfaits des forts paysans aryens, on documente la modernisation de l’Allemagne en photographiant les autoroutes, les ponts ou l’architecture monumentale, et on voue une admiration sans bornes au chef qui a permis tout cela. Le culte de la personnalité voué à Hitler est certainement en grande partie le résultat de la diffusion de son image par la photographie. Pas un seul village où n’arrive en Allemagne et parfois au-delà même du Reich, les portraits photographiques du Führer. Heinrich Hoffmann, son photographe personnel, en a fait un démiurge : à la fois inaccessible quand il préside les rassemblements du NSDAP et proche des gens quand il se promène, rêveur, dans les montagnes bavaroises. Tout concourt à faire de lui le sauveur de l’Allemagne, depuis les cartes postales à son effigie jusqu’aux immenses portraits de presque 20 mètres de haut affichés lors d’expositions monumentales. C’est aussi en grande partie la presse qui véhicule cette image de l’Allemagne. A la fois à l’intérieur du pays et hors des frontières, toutes les images qui sont publiées sont contrôlées et doivent recevoir un visa d’exploitation. Elles sont rares, ces images qui montrent le vrai visage de l’Allemagne d’avant la Deuxième guerre mondiale. Et lorsque la guerre éclate, la censure est encore plus forte. En France, à la même époque, la situation est très différente. Très hostiles à l’idée de faire confiance à la photographie, les autorités françaises n’ont pas su profiter des possibilités qu’elle offrait. A l’époque où en Italie ou en URSS, la photographie a aussi été le support d’une propagande politique d’Etat très efficace, la France joue les timides. Des querelles entre les différents syndicats et plus tard des rationnements en matériel (produits chimiques, encre, papier) ne permettent pas à la photographie d’égaler le niveau d’utilisation de l’image photographique en Allemagne. Certes, la presse illustrée connaît aussi un essor considérable, mais les reportages qui sont publiés ne concernent pas autant l’action anti-nazie. La résistance à la propagande nazie est plutôt le fait des artistes de la plume ou alors des peintres, des sculpteurs, dont bon nombre sont des émigrés de l’Allemagne et de l’Autriche. Les photographes, eux, n’ont pas reçu l’accueil qu’ils auraient pu espérer. S’ils n’ont pas été rejetés, loin s’en faut, ils n’ont néanmoins pas bénéficié du soutien qu’ils auraient pu attendre de Paris, qui avait pourtant la réputation d’être la ville de la liberté. L’action anti-nazie en photographie a surtout été véhiculée par les journaux ouvriers. C’est John Heartfield en particulier qui a initié le mouvement dans le journal créé par Willi Münzenberg et intitulé Arbeiter-Illustrierte Zeitung, bientôt continué par des illustrés comme Regards ou Marianne et dans une moindre mesure Vu. Mais après une période prometteuse, la lutte anti-fasciste de ces journaux illustrés en partie dirigés, ou du moins influencés, par le parti communiste, se confond avec la lutte des classes, notamment à partir du Front populaire. Lorsque la guerre éclate et que la France est occupée, il n’y a presque plus personne pour s’opposer en photographie à la déferlante des images national-socialistes. Les derniers journaux dénonçant le régime nazi sont interdits ou « mis au pas », la France occupée devient une antenne de l’Allemagne en matière d’information et toutes les photographies publiées doivent recevoir l’accord des services allemands. La résistance à la propagande nazie ne passe pas tellement par la photographie. D’abord, parce qu’elle était très chère à imprimer clandestinement et que les matériaux sont rationnés, ensuite, parce qu’il est difficile de faire face à l’organisation parfaite de la propagande nazie. Et pourtant, la photographie recommence à être utilisée à des fins de propagande en France à partir de 1940. Mais c’est la propagande personnelle du Maréchal Pétain qui en profite. Après quelques accords avec l’occupant, la France de Vichy parvient à publier et diffuser des photographies pour sa propre propagande. Mais elle n’est pas une propagande de résistance au national-socialisme, elle est une propagande pro-vichyssoise. Au final, on peut dire que la photographie, même si elle servi à combattre le nazisme avant 1940, a surtout été utilisée pour la propagande communiste et ensuite pour la propagande pétainiste. Face à la grosse machine de la propagande national-socialiste, cette propagande anti-nazie n’a pas tellement eu d’influence. Peut-être pourrait-on considérer que la seule contre-propagande national-socialiste qui ait été efficace en photographie, ne l’a été qu’après la guerre, lorsque les photographies prises clandestinement ont enfin raconté l’horreur du régime nazi.

A la fin de la thèse, après le texte français, se trouve un résumé en allemand, tel que cela est prévu dans le cadre d’une cotutelle.

Samedi 29 novembre
9 heures 30
Centre Malesherbes, amphi 117
108 bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Annie URBANIK RIZK soutient sa thèse de doctorat

 Du romantisme à la modernité : écriture mythologique et transfiguration du quotidien dans l’oeuvre de Michel Tournier

 en présence du Jury :

Mme BOULOUMIE (ANGERS)
M. BRUNEL (PARIS IV)
M. CHEVREL (PARIS IV)
Mme FOUCRIER (ROUEN)

Mardi 15 juin
14 h
Centre Malesherbes
Salle 322
108, bd Malesherbes
75017 PARIS

 Mme Sophie NORDMANN soutient sa thèse de doctorat

 Du singulier à l’universel. Religion et éthique, peuple juif et humanité, individu et communauté : Lecture de "Religion der Vernunft aus den quellen des judentums" de Hermann Cohen à la lumière du concept de "spécificité" (Eigenart)

 en présence du Jury :

M. BENSUSSAN (STRASBOURG II)
M. DE LAUNAY (CNRS)
M. MOREAU (PARIS IV)
M. RENAUT (PARIS IV)

Vendredi 12 décembre
14 heures 30
En Sorbonne, salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Rodolphe CALIN soutient sa thèse de Doctorat :

 Du soi et de l’anonyme. Etude de la subjectivité concrète selon Lévinas.

 en présence du Jury :

M. COLETTE (PARIS I)
M. FICHANT (PARIS IV)
M. FRANCK (PARIS X)
M. MARION (PARIS IV)

Jeudi 8 septembre 2005
14 heures 30
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Sabine CHAOUCHE soutient sa thèse d’habilitation à diriger les recherches :

 Du spirituel dans l’art théâtral. Pensées et écritures du jeu en France au siècle des lumières (1753-1801)

En présence du Jury :

M. MOUREAU (Paris 4)
M. COUPRIE (Paris 12)
M. MENANT (Paris 4)
M. COUVREUR (Bruxelles)
MME RUBELLIN (Nantes)

Samedi 9 avril 2005
14 heures
Amphithéâtre Cauchy, Esc. E, 3e ét.
1, rue Victor Cousin
75005 Paris

 Mme Jeanne ROUDET soutient sa thèse de doctorat :

 Du texte à l’oeuvre : la question de l’expression dans les méthodes de piano publiées en France entre 1800 et 1840

En présence du Jury :

M. BARTOLI (Paris 4)
M. CHARRAK (Paris 1)
M. EIGELDINGER (Genève)
M. MEEUS (Paris 4)
M. SABY (Lyon 2)

Samedi 9 décembre 2006
9 heures
A la Maison de la Recherche, Salle D223, 2ème étage
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Jasmine JACQ soutient sa thèse de Doctorat :

 Du texte littéraire au texte cinématographique : l’adaptation des classiques littéraires russes dans le cinéma russe et soviétique (1908-2005)

 En présence du Jury :

M. BOUTEILLE (BESANCON)
Mme BUHKS (PARIS 4)
M. HELLER
Mme KSIAZEK (PARIS 4)
M. ROLET (LILLE 3)
Mme TROUBETZKOY (PARIS 4)

 Résumés :

L’adaptation cinématographique d’un texte littéraire n’est pas une reproduction. Elle n’est pas non plus une illustration de l’œuvre littéraire. Il s’agit d’une réinterprétation productive, participant de la migration du texte dans la culture. Le transfert filmique engage un processus de réécriture, un recodage sémiotique du texte porteur d’un dialogue entre deux œuvres, deux langages, deux époques. Ce transfert déploie en outre un double faisceau d’enjeux : enjeux formels (en quoi consiste le passage du texte à l’image ?) et sémantiques (quel est le sens de la récurrence du texte dans la culture ?). En Russie, l’adaptation cinématographique des classiques littéraires a représenté, dès la naissance du cinéma russe en 1908, une pratique unique par son ampleur et sa diversité. Sur un plan formel, elle a joué un rôle crucial dans l’évolution du langage cinématographique, contribuant à la découverte des potentialités intertextuelles du film, ainsi qu’à ancrer l’importance du texte dans la culture cinématographique russe. Sur le plan sémantique, l’adaptation manifeste un lien référentiel et identitaire des Russes avec leur patrimoine littéraire. Dans le contexte soviétique d’un art cinématographique institutionnalisé, elle représentera alternativement une forme d’instrumentalisation (1929-1954), puis une forme de contournement, via la littérature, du dogme idéologique. L’analyse de deux adaptations d’A.P. Tchékhov (1860-1904) pendant la période du Dégel, proposée en clôture de cette thèse, permet la mise en lumière des fonctions essentielles de l’adaptation des classiques en Russie.

Cinematic adaptation of a literary text is neither a reproduction nor an illustration for a work of literature ; it is a creative reinterpretation that contributes to the migration of a text within a broader culture. Cinematic transference undertakes a process of rewriting, a semiotic “recoding” of the text that carries on a dialogue between two works, two languages, and two epochs. This transference moreover gives rise to two kinds of issues : issues of form (what does the transfer from text to image consist of ?) and issues of semantics (what meaning does the recurrence of a text carry in the wider culture ?). In Russia, cinematic adaptation of literary classics has represented, since the very beginnings of Russian cinema in 1908, a practice unparalleled in its prodigiousness and diversity. In terms of form, it has played a crucial role in the evolution of cinematic language, contributing to the discovery of the intertextual possibilities of film as well as anchoring the importance of “text” as a concept in the culture of Russian cinema. In a semantic sense, cinematic adaptation signals a link of reference and identity between the Russians and their literary heritage. In the Soviet context of institutionalized cinematic art, it represents in turn a form of instrumentalization for ideological purposes (1929-1954), and, later, a means to bypass through literature the official dogma. At the end of the dissertation, an analysis of two Chekov adaptations during the cultural “thaw” of the mid-1950s permits a demonstration of the principle functions of cinematic adaptation in Russia.

 Position de thèse :

Depuis la naissance du cinéma russe en 1908, l’adaptation des classiques littéraires a constitué une pratique constante de la production filmique en Russie. Envisagée a posteriori, elle représente une tradition unique par son ampleur - plus de trois cents films - et sa diversité. Une telle présence de la littérature canonique au cinéma constitue un phénomène sans équivalent dans d’autres cinématographies, et par conséquent spécifiquement russe. Par littérature classique, nous entendrons au sein de cette thèse l’ensemble des œuvres de la littérature russe en prose née, à partir de 1840, du mouvement de formation de la conscience nationale en Russie et de l’émancipation des modèles étrangers. Relèvent de notre champ d’analyse les adaptations cinématographiques russes des œuvres d’Aleksandr Pouchkine (1799-1837), Nikolaï Gogol (1808-1852), Ivan Tourgueniev (1818-1883), Mikhaïl Lermontov (1814-1841), Fiodor Dostoïevski (1821-1881), Lev Tolstoï (1928-1910) et Anton Tchékhov (1960-1904).

Si l’adaptation en Russie suscite légitimement depuis plusieurs années de nombreuses études, aucune ne s’est à ce jour penchée sur le lien reliant la création cinématographique au rapport que les Russes entretiennent avec leur patrimoine littéraire canonique. L’aspect identitaire qui caractérise la littérature russe du XIXe siècle, la fécondité de ses thématiques dans le cinéma russe du XXe siècle et la diversité des formes de transfert du texte à l’image au cours du siècle ont motivé le choix de notre problématique.

Transposition d’ordre intertextuel du texte littéraire, reliant deux œuvres mais aussi deux systèmes sémiotiques, deux univers diégétiques et deux époques, l’adaptation des classiques littéraires représente un objet épistémologique particulièrement dense. Réécriture du classique dans un autre langage, elle engage un dialogue, formel certes, mais également sémantique, voire ontologique entre les cinéastes et les œuvres. Notre thèse propose d’envisager l’adaptation en tant que résurgence (reprise, récurrence). Le classique littéraire se révèlera dans cette optique le lieu d’une identité culturelle en quête de sa perpétuelle réinterprétation. Dans une approche mêlant histoire littéraire, histoire cinématographique, et analyse intertextuelle, notre analyse ouvre les champs d’investigation suivants : quelle fut la pratique de l’adaptation cinématographique des classiques en Russie ?, de quoi est-elle le signe ? Quelle est la nature du transfert formel qu’elle opère ? D’autre part, quel fut le rôle de l’adaptation dans le développement de l’expression cinématographique en Russie ? Comment analyser, enfin, cette référence culturelle permanente du cinéma russe à la littérature canonique ?

Notre travail se compose de trois parties, suivies d’une filmographie regroupant l’ensemble des adaptations réalisées d’après les œuvres des auteurs de notre corpus (305 entrées), de 1908 à 2005.

Notre première partie détermine les enjeux théoriques et culturels de l’adaptation cinématographique des classiques littéraires en Russie.
A ces fins, nous consacrons notre premier chapitre à une réhabilitation de l’adaptation en tant que forme. La reconnaissance critique et théorique de l’adaptation des œuvres littéraires au cinéma - reconnaissance de ses potentialités artistiques - n’est en effet pas allée de soi. En dépit des avancées théoriques menées par le groupe Formaliste en Russie de 1915 à 1930, et jusqu’à l’arrivée du structuralisme dans les années 1960, l’ensemble des études sur le sujet s’accordait à reléguer l’adaptation au rang d’une pratique mineure de reproduction, d’illustration des œuvres, manifestant une conception péjorative persistante du cinéma lui-même. L’adaptation fut longtemps considérée comme une menace du récit littéraire. L’ensemble de ces vues s’inscrivait dans une série ancienne d’oppositions binaires tendant à opposer la littérature au cinéma, comme l’on avait opposé dès le XIXe siècle la « grande culture » à une culture de masse, ou encore l’original à la copie, le vrai au faux. Au XXe siècle, dans la lignée des conservatismes esthétiques et idéologiques décrits par Walter Benjamin dans L’œuvre d’art à l’époque de la reproductibilité technique (1936), le grief récurrent d’« infidélité » à l’œuvre, et, a contrario l’exigence de « fidélité » au texte conçu comme archétype, ont pesé sur la théorie de l’adaptation avec une force rappelant celle du diktat classique de réalisme et de ressemblance au modèle. Aussi, tout l’enjeu d’une théorie de l’adaptation cinématographique a-t-il consisté à progressivement éloigner cette dernière d’un statut de reproduction mécanique du texte (mimêsis), à la libérer d’un rapport de comparaison à l’œuvre initiale, pour lui octroyer une valeur d’œuvre d’art à part entière, de recréation, produit non pas d’un jeu d’équivalences narratives supposées, mais d’une nouvelle subjectivité. Ces évolutions théoriques comportent des nuances spécifiques en Russie et en Europe de l’Ouest que nous analysons. Notre premier chapitre tend à définir l’adaptation en tant que pratique de transposition et de recodage sémiotiques du texte littéraire. A l’appui des théories intertextuelles (R. Barthes, I. Lotman, P. Torop) et de la réception (J-R Jauss et W. Iser), il s’agira de réhabiliter l’adaptation en tant qu’incarnation filmique d’une lecture du texte (une réception), et réécriture dans un autre système sémiotique. Les griefs théoriques de l’adaptation déboutés, et en préambule de l’analyse spécifique de l’adaptation des classiques littéraires dans le cinéma russe, le deuxième chapitre de notre première partie s’intéresse à la sémantique du classique littéraire en Russie au XXe siècle, à ses fonctions symboliques dans la culture russe et soviétique. Cette analyse nous permettra d’appréhender les enjeux d’ordre idéologique de l’adaptation au cours du siècle en Russie.
La notion de classique, a trouvé sa définition autonome en Russie dans la deuxième moitié du XIXe siècle, dans le mouvement général de mise en place en Europe des gouvernements et idéologies dits de conscience nationale. La littérature russe du XIXe siècle s’est formée parallèlement à la naissance de l’idée nationale, elle a participé de la conceptualisation des idées philosophiques en Russie. D’où la notion d’« écrivain-idéologue » (N. Gogol, F. Dostoïevski), d’ « écrivain-guide spirituel » (L. Tolstoï))... Les grandes œuvres littéraires incarnent en Russie l’essence d’un peuple, dans une dimension paradoxalement aussi personnelle, intime, que collective. Récemment - au cours des quinze dernières années -, des études russes menées par les chercheurs A. Reïtblat et B. Doubine, ont mis en cause la notion de classique littéraire en Russie, notion que ces auteurs présentent non pas comme un fait, mais comme une construction sociale, déterminée dans la deuxième moitié du XIXe siècle par les institutions (au sens sociologique du terme) de la culture dominante - les revues notamment. A en croire ces études, les classiques littéraires tels que l’histoire de la littérature les a canonisés en Russie ne correspondent pas à la réalité des pratiques de lecture du XIXe siècle. Ces recherches aboutissent à mettre à caution l’ensemble du système d’évaluation de la culture littéraire en Russie, ainsi, même, que la légitimité du classique littéraire. Elles ont été l’objet de vives discussions en Russie.
Cette idée de classique en tant que « construction sociale » réapparaît néanmoins en période soviétique, au cours de laquelle la sémantique et la symbolique du classique littéraire procèdent d’une déformation volontariste et dirigée des œuvres canoniques par la culture dominante, désormais socialiste. A partir des années 1930 en effet, s’amorce en Russie un processus dit de « classicalisation » (Nikolaï Kirsanov), qui, relayé notamment par l’institution scolaire, va contribuer à ancrer le classique littéraire en tant que valeur objective, héritage d’un passé glorieux dont l’URSS aurait constitué le prolongement symbolique. Les classiques soutenaient, dans les développements d’une intelligentsia elle-même instrumentalisée, une légende historique du pouvoir, descendant légitime des meilleurs aspects du passé national, voire de l’histoire mondiale. L’auteur de cette thèse cherchera à démontrer que ces mécanismes de « classicalisation », et l’idée du classique en tant que construction sociale, semblent également valides à l’analyse de la période post-soviétique. En effet, en dépit du déclin symbolique des classiques en tant que textes référentiels, ceux-ci ont continué d’être valorisés par les pouvoirs politiques successifs, (instauration d’un « Jour Pouchkine » par le Président Poutine en 1997, subventions ministérielles à l’édition des classiques...), non sans faire penser à une nouvelle tentative de légitimisation du pouvoir, par la valorisation des valeurs passées que le classique littéraire inclut dans une continuité historique positive. L’ensemble de ces analyses a pour objectif de définir le classique littéraire russe en tant que porteur d’une sémantique double. La réception personnelle, individuelle des œuvres s’augmente en effet au XXe siècle en Russie d’une sémantique officielle instrumentalisante. Ces développements, relevant d’une sociologie de la littérature, d’une sociologie de la réception littéraire, ont pour but d’éclairer l’analyse qui suit, des rapports du cinéma avec le patrimoine littéraire classique en Russie puis en URSS, et jusqu’à nos jours.

La seconde partie de notre thèse consiste, dans une démarche chronologique, à retracer l’évolution de l’adaptation au cours du siècle. Ce tant d’un point de vue formel (quelles furent les différentes pratiques de transfert filmique de l’œuvre classique ?), que d’un point de vue sémantique (quel est le « sens » de la reprise du texte classique dans la culture contemporaine ? comment se manifeste-t-il dans le corps du texte filmique ?). Notre premier chapitre aborde la période 1908-1929. En 1908-1909, le cinéma russe naît avec l’adaptation. « De » l’adaptation pourrait-on dire, puisque la production russe s’amorce en cette veille des années 1910 (suite au succès de l’importation du « Film d’art » français en Russie) par les premières adaptations inspirées des classiques littéraires russes (Gogol, Pouchkine, Tchékhov...) de Piotr Tchardynine, Vassili Gontcharov ou Iakov Protazanov. Ce rapprochement initial du cinéma et de la littérature est traditionnellement imputé au « littérarocentrisme » de la culture russe. Toutefois, il importe de rappeler que dès l’origine, le recours à la littérature répond également à la recherche de sujets « nationaux », et se situe dans le flot de productions inspirées de l’histoire et du folklore national. L’adaptation des classiques littéraires au cinéma est précisément toujours à envisager de deux points de vue. D’une part en tant que forme - expérimentale au départ - cherchant à réunir les narrativités littéraire et cinématographique ; d’autre part, en tant que résurgence culturelle d’un texte de nature identitaire. Jusqu’en 1915, l’adaptation des classiques au cinéma représentera un phénomène inédit par son ampleur (environ 90 films). D’un point de vue formel la primitivité des moyens d’expression cinématographiques, limités à une esthétique statique et théâtrale, limitent l’adaptation à une illustration en images des passages les plus saillants de l’œuvre. Œuvre par ailleurs connue des spectateurs, ce qui offre une solution heureuse au problème de la pauvreté des moyens narratifs du cinématographe. Cette esthétique illustrative des premières adaptations portera largement préjudice à la reconnaissance de l’adaptation en tant que forme, et au cinéma en général en Russie. Rappelons que le cinéma fut dénigré jusqu’au milieu des années 1910 par les milieux intellectuels et les avant-gardes en Russie, lesquels ne reconnaissent en lui qu’un procédé technique et objectif de reproduction naturaliste du réel, sans rapport avec l’expression artistique. Dans ce contexte, l’adaptation joua un rôle positif. Malgré sa primitivité formelle, elle créa au début des années dix un pont symbolique entre le jeune cinématographe et le grand art littéraire, le succès des adaptations offrant progressivement au cinéma une sorte de caution intellectuelle indispensable à sa reconnaissance artistique. La réussite de plusieurs adaptations inspirées d’œuvres classiques fit naître l’idée du « scénario d’écrivain », qui devient à partir de 1912 pour le public un préalable prestigieux pour un film. L. Andreïev, A.Kouprine écriront à l’époque plusieurs scénarios, et le scénario littéraire, en tant que forme, allait se développer de telle manière en Russie qu’il y devint un genre. En partie grâce à l’adaptation, qui offre donc au cinéma ses premières lettres de noblesse, l’intérêt naissant à l’égard du cinéma incitera les milieux littéraires et théâtraux à s’interroger sur ses potentialités narratives, et à formaliser ses rapports avec les autres arts, le théâtre notamment qui traverse une crise grave en Russie (polémique soulevée dans la célèbre revue Maski).
Vers 1915, c’est par l’adaptation que les futuristes et les milieux théâtraux d’avant-garde viendront au cinéma, s’impliqueront dans la recherche expressive cinématographique, V. Meyerhold adapte Le Portrait de Dorian Gray (1915), V. Maïakovski se lance à son tour dans l’écriture de scénarios. Des cinéastes comme I. Protazanov et V. Gardine continuent d’expérimenter, à l’appui d’une imitation du théâtre réaliste, les capacités narratives du film (Le Père Serge (1918) ; Polikouchka (1919)). Plus important encore sera l’implication pratique et théorique, de 1915 à 1930 du groupe formaliste (B. Eikhenbaum, I. Tynianov, V. Chklovski) à l’élucidation des rapports de la littérature et du cinéma. L’adaptation des classiques consistera dans les années 1920 en une sorte de forme expérimentale, un laboratoire des découvertes du langage cinématographique. La réalisation d’adaptations par des réalisateurs eux-mêmes théoriciens permet des avancées cardinales dans la compréhension de ces rapports et dans la découverte, soixante ans avant la lettre, des potentialités intertextuelles du cinéma . Notons qu’Evgueni Bauer, en 1914, avec L’enfant de la grande ville présentait un film radicalement surcodé de références à la littérature réaliste du XIXe siècle. Notre second chapitre décrit l’évolution de l’adaptation de 1929 - année marquant l’entrée de l’art soviétique sur la voie du Réalisme socialiste - à l’éclatement de l’Union soviétique, en1991.
Comme pour l’ensemble des arts, l’année 1929 représentera un tournant et une rupture pour la création cinématographique. La concomitance de l’arrivée du son au cinéma (1931) et des nouveaux objectifs imposés par l’institution culturelle, correspondra à l’avènement d’une esthétique verbale au cinéma. La parole, le verbe, dans le cinéma réaliste socialiste et notamment pendant la période dite du Jdanovisme (1946-1953), ne constitue pas une composante narrative « parmi d’autres » du film, mais se situe hiérarchiquement au premier plan de ses modes d’expressions. Il s’agit alors de renforcer le rôle pédagogique et didactique assigné au cinéma, proclamé art de masse par Lénine. La parole au cinéma devient le vecteur privilégié du texte officiel. Son rôle (à l’inverse, en quelque sorte du cinéma muet) consiste à illustrer l’image, à la saturer sémantiquement. L’URSS était également depuis les années trente sous l’influence du canon de « popularisation par les masses » et du processus de « classicalisation » évoqué précédemment. Dans ce contexte, l’adaptation des classiques littéraires, bien que supplantée quantitativement par celle des best-sellers soviétiques et malgré le contexte d’ « anémie cinématographique » [malokartin’e] qui caractérisera la fin des années 1940, occupera une place importante en tant qu’instrument d’une interprétation actualisée des œuvres canoniques.
En 1954 en revanche, l’adaptation représentera au cinéma une forme annonciatrice du Dégel. Le dialogue avec la littérature classique donne le départ d’un renouveau formel. Le Dégel en Russie correspondra en effet à un retour étonnant des œuvres littéraires classiques dans le cinéma soviétique avec A. Kouprine, I. Lermontov (mentionnons également la première adaptation de Shakespeare, l’Othello de S. Ioutkevitch), mais surtout F. Dostoïevski et A. Tchékhov. Ces adaptations marquent le retour au cinéma d’une nouvelle suggestivité, et le renouement avec des procédés intertextuels d’adaptation, sensibles à travers l’utilisation à nouveau optimale de l’ensemble des moyens filmiques : son, montage, composition. Cependant, si souffle le vent de la détente, la prudence et encore de mise. Et il s’agit précisément d’analyser les adaptations de cette période en tant que « forme refuge ». L’utilisation de l’œuvre classique dans les années 1950-1960 constitue un paravent à la censure permettant le retour de thématiques proscrites et d’une esthétique allusive d’ailleurs rapprochable des recherches menées en Europe de l’Ouest par P. Antonioni ou J-L Godard. Au début des années 1920 déjà, l’adaptation avait joué ce rôle de paravent pour les studios cinématographiques privés, récalcitrants aux thèmes socialistes. Dans les années 1950-1960, l’adaptation devient le signe discret du renouement d’un dialogue identitaire au cinéma, qui se poursuivra au cours des décennies suivantes.
Le troisième et dernier chapitre de notre seconde partie se consacre à la période postsoviétique (1991-2005). Marquée par la déstructuration des structures de production, ainsi que par d’importantes modifications sociologiques en Russie (et notamment le rejet des valeurs du passé), la période postsoviétique voit paradoxalement se maintenir la présence du classique au cinéma. La période est marquée par un changement dans le choix des œuvres et dans la manière de les traiter, démontrant la volonté non plus de se « cacher » derrière les classiques, mais d’explorer les liens profonds qui les relient à la période contemporaine. L’après-1991 correspond l’apparition d’adaptations d’un genre nouveau, situant l’univers des œuvres à l’époque actuelle. C’est le cas de Katia Izmaïlova (V.Todorovski, 1994, adaptation libre de Lady Mac Beth de N. Leskov) ou de Down House (R. Katchanov, 2001, adaptation libre de L’Idiot). « Décontextualisées », ces adaptations manifestent ouvertement le transfert filmique en tant que réception subjective de l’œuvre littéraire, le classique se fait alors métaphore. L’adaptation use des thématiques classique et identitaire pour éclairer les questions existentielles et sociologiques actuelles. Beaucoup d’adaptations s’adressent par ailleurs au classique dans une démarche d’exultation du passé soviétique, telle La fille du Capitaine, d’A. Prochkine en 1999, qui accentue la question des rapports de l’homme au pouvoir, comme mise en abîme de la violence du pouvoir soviétique.
Enfin, ce dernier chapitre consacre d’importants développements à l’intérêt croissant, depuis une dizaine d’années, des institutions et groupes télévisuels à l’égard de l’adaptation des classiques littéraires. Les adaptations, aujourd’hui en Russie sont en effet davantage produites par la télévision que par le cinéma (Le Maître et Marguerite (M. Bortko, 2006), L’Idiot (M. Bortko, 2003), Le Docteur Jivago (A. Prochkine, 2006)... Ce glissement a deux conséquences essentielles. Premièrement, d’un point de vue formel, il est à l‘origine d’un nouveau genre de lecture audio-visuelle du texte, lequel se rapproche de la réception littéraire. Par ailleurs, ces adaptations destinées à un public extrêmement nombreux et que le cinéma n’aurait jamais rêvé atteindre, participe d’un processus de nouvelle canonisation du classique.

Notre troisième partie, analytique, se consacre à l’adaptation d’A. Tchékhov dans le cinéma russe et soviétique, avec pour objectif d’expliciter par l’analyse l’ensemble des évolutions théoriques et formelles décrites au sein de nos deux premières parties. L’analyse de la transposition des récits de Tchékhov au cinéma nous paraît en effet la mieux à même d’exposer les défis formels du transfert filmique, ainsi que la subtilité du dialogue intertextuel se nouant entre les deux œuvres. Tchékhov fut le plus adapté des auteurs classiques au cinéma (80 films sont recensés, mais il s’agit d’évaluations très certainement inférieures à la réalité). Fait important, les adaptations de ses récits représenteront près de la moitié des adaptations réalisées pendant le dégel (1956-1964).
D’une manière générale, et à l’image de l’adaptation dans son ensemble, le transfert filmique des récits de Tchékhov engage un double faisceau d’enjeux. Enjeux formels d’une part : en quoi consiste le transfert de la prose dans le langage filmique ?, enjeux sémantiques de l’autre : quel est le « sens » de la présence comme de l’absence de l’auteur de la production ?, quelle est la nature du « troisième texte » né de l’adaptation, en tant que relecture subjective de l’œuvre littéraire. Démontrant une fois de plus le caractère illusoire consistant à vouloir dissocier le « fond » de la « forme » d’une œuvre, nous montrerons que c’est précisément la forme de l’adaptation, qui s’avère créatrice de sens.
Au sein de notre premier chapitre, nous observerons dans quelle mesure, par sa structure même, le récit tchékhovien consiste, à l’inverse du roman réaliste, en une sorte de synopsis idéal. Des procédés d’écriture tels que le point de vue unique ou la focalisation interne, caractéristiques de l’objectivité de Tchekhov, invitent à une expression cinématographique symbolique et abstraite. Les formes narratives telles que la comparaison, procédé omniprésent des récits, permettent au cinéaste l’expression libre et éclatée de sa propre réception du texte. Les nouvelles de Tchékhov, construites sur un réseau d’allusions et d’échos, présentent une structure et des caractéristiques narratives très proches du langage et de l’écriture cinématographiques. Concises et suggestives, leur adaptation incite à un étirement, à une extrapolation, une recomposition filmique sur la base des propositions du texte. L’adaptation du récit de Tchékhov permet également la mise au second plan de l’action dramatique traditionnelle, autorisant dans le passage filmique un abord différent du temps de l’œuvre. Notre second chapitre propose l’analyse de trois adaptations de Tchékhov dans le cinéma du dégel. Les trois films retenus pour notre corpus sont La Croix de Sainte-Anne [Anna na šee] (Izidor Annenski, 1954), La Cigale [Poprygunja] (Samson Samsonov, 1955), et La Dame au petit chien [Dama s sobačkoj] (Iossif Kheïfitz, 1960). Sur le plan formel, l’adaptation de Tchékhov permettra dans les années 1950 la redécouverte de connivences nombreuses liant la prose et la narration filmique. Au même titre que les récits de Tchékhov s’inscrivaient à la fin du XIXe siècle en rupture radicale avec la littérature qui les avait précédés, ces trois adaptations, déploient une narrativité cinématographique implicite et allusive nouvelle dans le cinéma soviétique. Privilégiant, très schématiquement, “l’esprit à la lettre”, elles rompent avec un cinéma réaliste uniquement fondé sur la parole et mettent à profit l’ensemble des potentialités narratives du support filmique. Le recours des cinéastes à d’autres arts (musique, peinture) les situe dans une démarche intertextuelle qui les rapproche des recherches formelles menées par le cinéma occidental à la même époque, de même qu’elle réintègre les découvertes cinématographiques russes des années 1920.
Dans les années cinquante ces propositions formelles s’inscrivent en URSS en contradiction avec l’esthétique réaliste socialiste qui les précédait. Sur les plans thématique et sémantique, les nouvelles de Tchékhov réintroduisent une vision de l’humain, de ses sentiments, de ses travers, non plus sur un mode emphatique et manichéen, mais d’après un point de vue individuel et objectif, sans complaisance ou jugement social. Elles recèlent en cela, dans les quelques années suivant la mort de Staline, une importante charge subversive.

Conclusions :
L’adaptation cinématographique des œuvres littéraires matérialise le lien le plus évident des relations de la littérature et du cinéma. Toutefois, elle s’inscrit au cœur de leur dialectique complexe. En Russie, les relations de la littérature et du cinéma ont évolué d’une perception négative des milieux littéraires à l’encontre du cinéma vers un phénomène d’influences respectives d’une étonnante fécondité. L’adaptation des classiques littéraires en Russie a représenté depuis les années 1910, une forme extrêmement importante du point de vue de l’évolution de l’expression cinématographique, qui ne s’est formalisée en Russie que par imitation puis émancipation de la narration littéraire.
La pratique de l’adaptation des classiques littéraires, depuis sa naissance à l’époque tsariste jusqu’à ses formes actuelles, nous mène à une double conclusion. D’un point de vue formel d’une part, l’adaptation a évolué d’une fonction primitive d’illustration du texte littéraire à une forme dialogique de réinterprétation subjective des œuvres, incarnant la réception des cinéastes. Elle s’inscrit à ce titre dans le prolongement d’une tradition russe de réinterprétation des classiques, existant en musique et au théâtre depuis le XIXe siècle. Aussi, et d’un point de vue sémantique, l’adaptation matérialise au cinéma la pérennité du rapport identitaire des artistes russes avec leur patrimoine littéraire national.

Mercredi 1er décembre
14 h 15
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Jean-Philippe BOUILLOUD soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Du vécu au concept : histoire de vie et trajet intellectuel des sociologues

 en présence de M. BERTAUX (CNRS)
M. BERTHELOT (PARIS IV)
Mme CARROY (EHESS)
M. CASTEL (EHESS)
M. CHAZEL (PARIS IV)
M. DE GAULEJAC (PARIS VII)
M. ENRIQUEZ (PARIS VII)

Samedi 17 janvier
14 h
En Sorbonne, bibliothèque d’Histoire des Religions,
Esc. I, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Elisabeth BERLIOZ-FARINA-BE soutient sa thèse de doctorat :

 Ecole et protestantisme dans le pays de Montbéliard de 1769-1833

 en présence du Jury :

M. CASPARD (PARIS)
M. ENCREVE ((PARIS XII)
Mme MAYEUR (PARIS IV)
M. VION-DELPHIN (BESANCON)

Mardi 28 novembre 2006
9 heures
Rectorat, Salle Louis Liard
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme Nathalie DUVAL soutient sa thèse de Doctorat :

 Ecoles des Roches, une "école nouvelle" pour les élites (1899-2006)

 En présence du Jury :

M. BARJOT (PARIS 4)
M. CASPARD (PARIS)
M. CHALINE (PARIS 4)
Mme CHALINE (AMIENS)
M. LUC (PARIS 4)
Mme SAVOYE (PARIS 8)

 Résumés :

Notre thèse est une monographie sur l’Ecole des Roches. Elle s’intéresse à l’éducation des élites à travers l’étude de ce lieu emblématique de l’ « éducation nouvelle ». Il s’agit d’un internat situé à la campagne, dans l’Eure. Nous avons suivi son histoire, de 1899 à nos jours, selon les trois axes de recherche suivants : pédagogique, économique et sociologique. Le plan adopté est chronologique. L’Ecole des Roches est singulière par son inspiration britannique, son fondateur, Edmond Demolins, ayant créé le prototype de l’ « école nouvelle » en France (première partie). Elle s’est imposée comme un creuset d’ « éducation nouvelle » (deuxième partie). Comparativement au Collège de Normandie, son voisin, qu’elle finira par absorber, elle est une entreprise commerciale mieux gérée. Dans l’entre-deux-guerres, elle apparaît comme un modèle d’ « école nouvelle » ; son audience touche les sphères de l’enseignement public mais aussi privé à l’échelle nationale et internationale (troisième partie). Après 1945, elle ne répond plus vraiment au vocable d’ « école nouvelle » mais elle reste originale dans le paysage scolaire français. « Ecole des riches », « couvoir des élites » ? Telle est la question à laquelle s’efforce de répondre une étude sociologique des « Rocheux ». Ceux-ci forment un réseau que l’on tente de définir (quatrième partie). Enfin, la thèse s’attache à décrypter la mémoire de l’école et son évolution compte tenu des mutations du recrutement des élèves, depuis les traditionnelles familles de la haute bourgeoisie et de l’aristocratie jusqu’aux actuelles élites dorées de la mondialisation.

Our thesis deals with the education of the elites through a study of an institution emblematic of the « new education », the Ecole des Roches, a boarding school in rural Normandy. We have followed its history from 1899 to the present, and done so from three different viewpoints : educational, economic and sociological. Deliberately British-inspired, the Ecole des Roches was established by Edmond Demolins as the prototype of the « new school » in France (first part of our thesis). It became the recognized crucible of the new educational approach (second part). Compared with the neighbouring Collège de Normandie, the Ecole des Roches is a better-managed business venture which enjoyed its heyday between the two world wars as the model « new school ». Its reputation and influence extended, both within France and internationally, to public and private educational circles (third part). After 1945, the term « new school » was no longer appropriate, but the Ecole des Roches still remains original in the landscape of French education. A school for the wealthy or an incubator for the elites ? A sociological study of the « Rocheux » (as the school’s alumni are known) seeks to address this question. We shall attempt to set the outline and operating methods of their network (fourth part). Finally, our thesis looks at the school memory and the way it has evolved through the shifts in student recruitment, ranging from traditional families of the upper bourgeoisie and aristocracy to the current gilded elites of globalization.

 Position de thèse :

L’Ecole des Roches : ce nom évoque un établissement huppé, fondé sur le modèle britannique, dont la réputation reposait sur la notoriété des familles qui y inscrivaient leurs fils. Son prestige s’est toutefois amoindri au fil du temps. Aujourd’hui internat mixte et international, elle a parfois la réputation moins flatteuse d’être à la fois une école d’héritiers de vieilles familles françaises souvent fâchés avec les études et une école de nouveaux riches issus de la mondialisation. Bref, l’Ecole des Roches ne serait plus ce qu’elle était. Encore faut-il, pour en juger, la connaître en ce qu’elle est réellement. En effet, l’Ecole des Roches est restée longtemps ignorée tant des sciences de l’éducation que de l’histoire de l’enseignement en France alors qu’elle s’avère être un établissement très original, né du projet ambitieux d’un intellectuel en sciences sociales, Edmond Demolins. Celui-ci a voulu créer une école dite « nouvelle » capable de former de nouvelles élites pour le pays dans un contexte d’anglomanie mais aussi de rivalité coloniale avec la Grande-Bretagne au tournant des XIXème et XXème siècles. En effet, en 1897, à la suite de la publication de son ouvrage qui fit sensation, A quoi tient la supériorité des Anglo-Saxons ?, il passe à l’acte en ouvrant, en 1899, un internat situé en pleine campagne normande, près de la petite ville de Verneuil-sur-Avre, dans l’Eure. Il baptisa cette école du nom de l’ancien domaine où elle était installée. L’Ecole des Roches, longtemps réservée aux garçons, s’est ouverte à la mixité en 1968-1969 et son recrutement s’est fortement internationalisé à partir des années 1970. Elle a non seulement fêté avec faste son centenaire, mais elle affiche, de nos jours, une bonne santé, financière autant que scolaire. Après avoir frôlé la faillite en 1989-1990, elle connaît un remarquable redressement : elle compte environ 360 élèves allant de la 6ème à la Terminale et présente désormais des résultats au baccalauréat, supérieurs à 90% . Notre thèse est une monographie qui, s’il existe des publications sur d’autres établissements, comble une carence en ce qui concerne des exemples précis d’ « écoles nouvelles » suivies tout au long de leur existence. Nous avons quadrillé l’histoire de l’Ecole des Roches selon les trois axes de recherche suivants : pédagogique, économique et sociologique. Pour ce faire, il nous a fallu avoir recours à des méthodes relevant de la sociologie, telle que l’observation participante. Nous avons constitué des archives orales grâce aux interviews d’élèves, d’enseignants et d’administrateurs. Il a fallu également se livrer au dépouillement systématique des archives écrites que l’on a pu trouver dans des fonds publics et, le plus souvent, privés. Ainsi notre principal fonds a été celui constitué par l’association des anciens élèves de l’Ecole des Roches et de Normandie (AERN). Le traitement de ces informations, qu’elles aient été lues, écoutées ou observées, a demandé de notre part une polyvalence constante puisqu’il nous a fallu utiliser des outils de recherche et d’analyse relevant tout à la fois de l’histoire et de la sociologie. Il a fallu faire preuve d’objectivité tout en manifestant une réelle empathie, sans complaisance ni hostilité, pour connaître le milieu des « Rocheux » et justifier ainsi la confiance avec laquelle les acteurs concernés par notre étude nous ont fourni archives et témoignages.

Indissociable d’une Histoire du XXème siècle dont l’Ecole des Roches a subi les aléas, le plan adopté est chronologique. Il s’articule en quatre grandes parties. Dans une première partie, nous cherchons en quoi l’Ecole des Roches est singulière par son inspiration britannique : nous avons passé en revue tout ce qui concerne son fondateur Edmond Demolins, les modalités de sa genèse et sa finalité d’« école nouvelle » pour former de nouvelles élites, enfin son écho dans le paysage scolaire français au tournant des XIXème et XXème siècles. Dans une deuxième partie, nous nous attardons sur l’Ecole des Roches en tant que creuset d’éducation nouvelle, de 1899 à 1944. Nous nous interrogeons sur les pratiques du milieu éducatif rocheux et sur le fait que la communauté familiale maîtres-élèves constitue le fondement de « l’esprit des Roches ». Etablissement éducatif, l’Ecole des Roches est aussi une entreprise commerciale. C’est pourquoi, dans une démarche comparative avec un établissement voisin, le Collège de Normandie, nous nous livrons à une étude financière de ces deux écoles privées ; nous terminons cette troisième partie, où les Roches connaissent d’abord une période faste au point d’apparaître comme un modèle d’école nouvelle avant d’affronter les difficiles années 40, en nous efforçant de mesurer son audience dans les sphères de l’enseignement public mais aussi privé à l’échelle nationale et internationale.
Nous consacrons la quatrième partie à l’histoire de l’Ecole des Roches depuis 1944 en nous demandant en quoi elle reste une école différente, certes par rapport à ce qu’elle était dans l’entre-deux-guerres mais aussi en fonction de son image et de sa réputation. Il s’agit de confronter le mythe des Roches avec la réalité de l’école vécue par ses élèves et les directions successives qui ont dû faire face aux changements inévitables liés à l’évolution de la société française et aux événements historiques, des lendemains de la Seconde Guerre mondiale aux débuts des années 2000. « Ecole des riches », « couvoir des élites » ? Telle est la question à laquelle nous essayons de répondre. Les Roches, jusqu’au début des années 1970, restent une école expérimentale, puis, au cours des années 1970 et 1980, deviennent une école-refuge avant de connaître une véritable réinvention à partir des années 1990. Dans un dernier point, nous entreprenons une étude sociologique des Rocheux en recherchant à quelles élites ils correspondent au sein de la société française mais aussi sur le plan mondial, d’autant qu’ils forment un réseau dont on tente de définir les contours et les modalités de fonctionnement. Il est, enfin, intéressant de décrypter comment les anciens élèves, en tant que mémoire de leur école, témoignent de l’évolution de la population « rocheuse » depuis les familles de la haute bourgeoisie et de l’aristocratie jusqu’aux élites dorées de la mondialisation.

Notre réflexion porte ainsi sur la difficulté de transposition d’un modèle culturel d’un pays à un autre, en l’occurrence de la Grande-Bretagne vers la France et ce dans le domaine particulier de l’éducation et des valeurs qui y sont liées. Nous nous intéressons à la mise en pratique des principes de l’ « éducation nouvelle » et à leur évolution au gré des générations d’élèves qui se succèdent au sein d’une même école. Ce qui définit l’éducation nouvelle, c’est le fait qu’elle se veut « active », c’est-à-dire centrée sur l’enfant, ses besoins, ses intérêts, en opposition à un enseignement abstrait, uniforme et distribué sous forme de cours magistraux par un maître lui-même représentant objectif du savoir. Son objectif : préparer l’enfant à la vie concrète en le rendant acteur de sa propre éducation. L’accent est mis sur la formation du caractère de l’enfant, de sa personnalité et de l’homme social. L’éducation nouvelle vise moins à former un bachelier qu’un homme dans sa globalité. Elle dépasse les questions liées à l’instruction d’un enfant pour s’intéresser pleinement à son humanité : à l’ambition de construire un homme complet, perçu dans ses trois dimensions que sont l’intelligence, le corps et l’âme, se surimpose la volonté de former un être sociable, sur les plans social et moral, en phase avec la société et les évolutions de son époque. C’est pourquoi, en plus de la formation scolaire et de la pratique sportive, les activités culturelles et spirituelles sont prises en compte dans ce mode d’éducation que l’on appelle le plus souvent « complète », mais aussi « globale » ou « intégrale ». Dans tous les cas, sa raison d’être se détermine d’après sa finalité profondément humaniste et repose sur une réflexion philosophique fondamentale : Qu’est-ce qu’être un Homme ? Et partant de là, quelle est la meilleure éducation à offrir pour permettre de s’adapter à un monde en perpétuelle évolution ? Comment rendre l’élève capable de construire le monde de demain ? Tous ces questionnements relèvent de la philosophie de l’éducation. Qu’en est-il pour l’Ecole des Roches ? D’autant plus que c’est un établissement réservé à une clientèle qui, si elle a sensiblement évolué d’un point de vue sociologique, de 1899 à nos jours, a pour caractéristique principale d’être privilégiée financièrement. Nous nous intéressons ainsi à ce mode particulier d’éducation des élites dans le cadre précis d’un internat situé à la campagne.

A l’issue de nos recherches, nous arrivons à la conclusion que l’Ecole des Roches, de prototype de l’ « école nouvelle » en France, en 1899, est devenu un lieu de mémoire de l’éducation nouvelle. Nous résumons ci-après les grandes étapes de son histoire. Son fondateur s’inspirait de la théorie leplaysienne du particularisme selon laquelle les sociétés de type anglo-saxon qui favorisent l’initiative privée des individus sont supérieures aux sociétés de type communautaire, caractérisées par la tendance des individus à s’appuyer sur l’aide du groupe qui les entoure, de la famille à l’Etat. Elle se présentait comme un laboratoire pédagogique d’avant-garde, indépendante de l’Eglise et de l’Etat, puisqu’à la fois laïque et libre. Certes, la transposition du modèle d’éducation britannique, inspirée des deux « new schools » Abbotsholme et Bedales, ne se fit pas sans difficultés auprès des familles de la bourgeoisie française. Elle nécessita quelques adaptations, mais l’essentiel fut conservé à savoir la culture chez les élèves d’un esprit d’entreprise alors qu’à cette époque l’enseignement secondaire français est vivement critiqué : on lui reproche de préparer essentiellement aux diplômes et aux concours de la fonction publique. Dans l’entre-deux-guerres, l’Ecole des Roches s’impose, grâce à l’action militante de son directeur Georges Bertier, comme un phare de l’éducation nouvelle. Elle répond à la majorité des trente points définis par Adolphe Ferrière, tout en ayant réussi à trouver l’équilibre entre les avancées novatrices de l’éducation active et les exigences de la culture scolaire française attachée aux humanités classiques. L’obtention du baccalauréat reste la condition posée par les parents pour inscrire leur rejeton dans cette école dont la réputation est d’être celle des « 200 familles ». Mais, bien qu’elle soit un lieu de rendez-vous des fils de dynasties bourgeoises et de l’aristocratie, notamment de la H.S.P., l’école apparaît comme un laboratoire pédagogique dont les méthodes d’éducation, en particulier celles portées par le scoutisme, peuvent contribuer à la modernisation de l’Instruction publique. Grâce à son prosélytisme au sein de la Ligue internationale pour l’éducation nouvelle (L.I.E.N.) et en direction de l’Université française, Georges Bertier passe outre les clivages politiques et idéologiques afin de diffuser le modèle éducatif « rocheux » vers les milieux populaires. Son but : former des élites dans toutes les classes et, dans une optique leplaysienne hostile au marxisme, assurer la paix sociale. L’éducation rocheuse consiste alors moins à former des entrepreneurs prêts à en découdre sur les champs de bataille économiques que des patrons sociaux qui se placent au service de la cité et sont soucieux, en particulier, du sort de leurs ouvriers. D’inspiration particulariste, l’esprit rocheux se teinte de sillonnisme ; il propose une réponse éducative aux questions posées par le christianisme social. Les liens que des acteurs éducatifs de l’Ecole des Roches ont parfois pu tisser avec le gouvernement de Vichy s’expliquent par leur volonté de participer à la création d’un Homme nouveau. Ils croient à la Révolution nationale comme instauration d’une civilisation de l’homme total, esprit, corps et âme étroitement mêlés, dépassant à la fois le marxisme et le fascisme, avec la recherche d’une autre voie ni réactionnaire ni conservatrice, mettant en œuvre une nouvelle politique éducative et la création de mouvements de jeunesse. La confrontation entre utopie et réalité fut particulièrement douloureuse pour Louis Garrone qui, de tous, s’est sans doute le plus investi, uniquement durant l’année 1941-1942, dans cette vaste entreprise de changement des mœurs par la jeunesse. Lorsqu’il succède à Georges Bertier aux commandes de l’Ecole des Roches, à la fin de la guerre, en 1944, il ne reprend pas la pratique du scoutisme et il abandonne le vocable d’ « école nouvelle ». Les Roches se replient sur elles-mêmes. Dans les années 1960, c’est une école en crise qui refuse de passer sous contrat avec l’Etat et, en 1970, menace de sombrer dans de graves difficultés financières. Elle évite la faillite en 1990 mais au prix de profonds changements. L’Ecole des Roches est désormais un internat international doté d’une importante section Français-langue étrangère et passé sous contrat avec l’Etat.

Ainsi l’Ecole des Roches n’est-elle plus une école nouvelle. Néanmoins, elle a conservé les caractéristiques principales de l’éducation nouvelle à savoir : la vie familiale en internat, le capitanat, la confiance dans la relation entre adultes et enfants, l’adhésion des éducateurs et des élèves à un projet commun et à des valeurs communes, l’apprentissage de la liberté (qui associe sens de l’initiative et sens des responsabilités), le respect des règles, le développement de la personnalité grâce à des activités périscolaires. Tous ces éléments perdurent, certes, mais force est de constater que la priorité est désormais accordée aux progrès scolaires et à la réussite aux examens. Le statut actuel de l’école en est la cause principale. Désormais sous contrat, l’Ecole des Roches a sacrifié sa liberté pédagogique à l’alignement sur les programmes de l’Education nationale en échange d’une prise en charge financière de ses enseignants.
Les valeurs à l’origine de la formation de « l’esprit rocheux » auquel sont censés s’identifier de façon commune les élèves actuels et les élèves anciens ont bien sûr évolué au gré des générations passées de 1899 à nos jours. Si les valeurs fondamentales demeurent la liberté, l’initiative et la responsabilité, leur interprétation a varié pendant plus d’un siècle, selon les périodes et les directorats. A la Belle Epoque, au moment de la fondation par Edmond Demolins, elles sont associées à l’entreprise et à la compétition. Dans l’entre-deux-guerres, sous l’influence de Georges Bertier, prévaut la notion de service incarné par un meneur d’hommes au sein de son entreprise et de sa cité. Durant les « Trente Glorieuses », le directeur Louis Garrone insiste sur le respect de l’autorité, des lois morales et de la discipline intérieure ; il met en garde ses élèves appelés, par leurs origines sociales et familiales, à occuper des postes de direction, contre les dangers du matérialisme. Dans les années 1970 et 1980, l’accent est mis sur l’épanouissement personnel. Depuis le début des années 1990, il est question, pour les élèves, de connaître le bonheur d’apprendre et d’être des citoyens du monde. Cependant, le fait que les promotions successives de Rocheux puissent s’identifier au lieu même de leur école avec ses maisons, à l’institution du capitanat associée aux responsabilités de ceux qui l’ont exercée, enfin à l’internat où ils ont appris à vivre en communauté et où ils ont tissé des liens de confiance avec leurs éducateurs et des liens d’amitié avec leurs camarades de dortoir ou de maison, permet d’expliquer l’expression d’une véritable identité « rocheuse ». Tous ces éléments contribuent à ce que l’Ecole des Roches demeure un creuset d’élites, même si elle n’est plus un creuset d’éducation nouvelle.

Mardi 10 mai 2005
15 heures
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences D 035, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

Mme Marie-Laure BASUYAUX soutient sa thèse de doctorat :

 Ecrire après. Les récits "Lazaréens" de Jean de Cayrol

En présence du Jury :

M. MURAT (Paris 4)
M. Alexandre (Paris 4)
Mme COQUIO (Poitiers)
M. RABATE (Bordeaux 3)

Vendredi 28 novembre 2003
14 heures
Institut hispanique, salle Delpy,
31, rue Gay Lussac
Paris 5e

 M. Pierre BIOTEAU soutient sa thèse de doctorat

 Ecriture et diplomatie en Espagne au XVIIe siècle. Juan Antonio de Vera i Figueroa, comte de la Roca : examen d’une ambition littéraire et édition d’une correspondance (1630-1633)

 en présence du Jury :

Mme BLANCO (LILLE )
M. CHEVALLIER (PARIS IV)
M. CONSTANT (LE MANS)
M. ETIENVRE (PARIS IV)

Samedi 5 novembre 2005
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Anne-Cécile LE RIBEUZ soutient sa thèse de doctorat :

 Ecriture et lecture du romanesque à la fin du Moyen-Age. Le petit artus de Bretagne. Meliador. Ysaïe le triste

En présence du Jury :

Mme CERQUIGLINI-TOULET (Paris 4)
M. BOUTET (Paris 4)
Mme FERLAMPIN-ACHER (Rennes 2)
Mme LEFEVRE (Tours)
Mme SZKILNIK (Paris 3)

Lundi 15 décembre
15 h
Bibliothèque de l’UFR de musicologie
3, rue Michelet
Paris 6e

 M. Philippe LALITTE soutient sa thèse de Doctorat :

 Ecriture et perception des grandes formes en musique contemporaine et, en particulier, chez Roger Reynolds

 en présence du Jury :

M. BATTIER (PARIS IV)
M. BIGAND (DIJON)
M. CASTANET (ROUEN)
M. MCADAMS (CNRS)
M. SOLOMOS (MONTPELLIER III)

Mercredi 23 juin
15 h
En Sorbonne
Amphi Cauchy, esc. F, 3e étage
1 rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Catherine MAGNI soutient sa thèse d’habilitation à diriger des recherches (HDR) :

 Ecriture, art et architexture. Analyse de la pensée olmèque. Mexique

 en présence du Jury :

M. BARATTE (PARIS IV)
M. DUVERGER (EHESS)
M. LAMBOLEY (GRENOBLE II)
M. LAVALLE (PARIS III)
M. LEVINE (PARIS IV)
M. PERRIN (CNRS)

Samedi 2 décembre 2006
13 heures
Maison de la Recherche, Salle D223
28, rue Serpente 75006 Paris

 Mme Amaia ARIZALETA soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Ecritures de clergie. De la Charte à la littérature (Castille. XIIe-XIIIe siècles)

 En présence du Jury :

Mme DE LOPE-RIVIERE (AIX-MARSEILLE 1)
Mme DELPORT (PARIS 4)
M. GOMEZ REDONDO (ALCALA)
M. HENRIET (BORDEAUX 3)
M. MARTIN (PARIS 4)
M. MONER (TOULOUSE 2)
M. ZIMMERMANN (VERSAILLES)

Samedi 2 décembre 2006
14 heures
Centre Adminsitratif de Paris IV, Salle des Actes
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Dominique ARRIGHI soutient sa thèse de Doctorat :

 Ecritures de l’Ambassade : les lettres turques d’Ogier Ghiselin de Busbecq (1521-1591). Traduction annotée suivie d’une étude littéraire.

 En présence du Jury :

M. CHARLET (AIX-MARSEILLE 1)
Mme GALAND-HALLYN (PARIS 4)
M. LEVY (PARIS 4)
M. PAPY (LOUVAIN)
M. VEINSTEIN (Coll. de FR)

 Résumés :

Ecritures de l’ambassade : Les Lettres turques d’Ogier Ghiselin de Busbecq (1521-1591). Traduction annotée suivie d’une étude littéraire Les Lettres turques, qui n’avaient pas été traduites en français depuis 1748, sont le récit de la mission diplomatique que l’ambassadeur O.G. de Busbecq effectua dans l’empire ottoman au nom de l’empereur Ferdinand Ier. Cette relation appartient à l’immense littérature que la fascination pour l’empire ottoman a suscitée en Europe. Grâce à la plasticité de la lettre et du récit de voyage qu’il combine dans son oeuvre, Busbecq reprend et adapte librement tous les lieux communs véhiculés au sujet des Turcs. La description des lieux et des hommes, le récit et l’analyse des événements politiques sont présentés sous la forme d’une bigarrure subtile ; la variété des motifs et leur entrelacement créent l’illusion de la représentation de la réalité et dissimulent de fréquentes falsifications des faits. La fictionnalisation de l’histoire répond à des intérêts idélogiques spécifiques, mais aussi à l’élaboration d’un autoportrait flatteur.

Writings of the Embassy : The Turkish Letters of Ogier Ghiselin de Busbecq (1521-1591). Annotated translation followed by a litterary study. The Turkish Letters, which had not been translated in French since 1748, are the story of the diplomatic mission that Ambassador O.G. de Busbecq performed into the Ottoman Empire on behalf of Emperor Ferdinand the First. This relation belongs to the immense litterature that the fascination for the Ottoman Empire has raised up in Europe. Thanks to the plasticity of the letter and that of the travel narrative which he combines in his work, Busbecq re-uses and freely adapts all the commonplaces about the Turks. The description of the places and the men, the narrative and the analysis of the political events are presented under the form of a subtile medley ; the variety of the patterns and their interlacing create the illusion of the representation of the reality and dissimulate frequent falsifications of the facts. The fictionnalisation of History falls in with specific ideological interests, but also with the elaboration of a flattering self-portrait.

 Position de thèse :

L’oeuvre d’Ogier Ghiselin de Busbecq, les Augerii Gislenii Busbequii D. Legationis Turcicae Epistolae quatuor, plus connue sous le titre de Lettres turques n’a été traduite que deux fois en français en 1646 et en 17481. Le premier objectif de cette thèse a donc été de réparer l’oubli dont a souffert Busbecq en France pendant si longtemps ; en effet, cet auteur est bien connu, notamment, dans le monde anglo-saxon et les éditions et les rééditions de ses oeuvres ont été nombreuses à l’étranger, la dernière datant de 20052. Par ailleurs, la spécificité du texte de Busbecq est d’être considéré comme une source historique et documentaire fiable sur l’empire ottoman au XVIe siècle. Il est cité en référence dans des travaux historiques sur la dynastie ottomane, dans des recherches sur des aspects très divers de la société turque tels que l’organisation de la société, l’armée, les querelles de succession au sein de la famille régnante, la nourriture, l’homosexualité féminine, la culture de la tulipe, ou encore sur la langue gothique dont il fait un relevé. Il était donc important de fournir une traduction française récente qui puisse servir de support à des recherches dans des champs disciplinaires très différents les uns des autres, alors que jusqu’à présent seuls des travaux en langue anglaise étaient facilement accessibles. Les Lettres turques sont au nombre de quatre et ont été publiées du vivant de Busbecq ; leur publication s’est étalée entre 1581 et 1589. De multiples éditions et rééditions en latin ont été réalisées jusqu’à ce que l’édition de Leyde de 1633 devienne l’édition de référence pour les éditions et traductions ultérieures en latin ou en vernaculaire. En 1994, Zweder von Martels et Michel Goldsteen ont fait paraître une édition scientifique du texte des Lettres qui a servi de support à ma traduction3. Les travaux critiques sur l’oeuvre de Busbecq sont peu nombreux. Les Lettres turques ont seulement fait l’objet de trois thèses, d’un colloque et de quelques articles dans le monde entier. R. A. Dalle, dans sa thèse parue en 1975, a fait la recension des thèmes des Lettres, mais ce travail s’appuie sur la traduction de Gaudon qui, malgré ses qualités, demeure une infidèle4. Zweder von Martels a analysé les Lettres sous l’angle historique5. Il a dépouillé environ 470 lettres de la correspondance que Busbecq a échangée avec les empereurs germaniques. Il a pu ainsi retracer toutes les étapes de la vie de Busbecq et établir une chronologie précise des événements décrits dans les Lettres turques. Jean Lebel, enfin, a 1646 : Ambassades et voyages en Turquie et Amasie de M. Busbecquius, nouvellement traduites en françois par S. G. Et divisées en quatre livres, Paris, P. David, traduction : S. Gaudon ; 1748 : Lettres du baron de Busbec, Ambassadeur de Ferdinand Ier Roy des romains, de Hongrie etc auprès de Soliman II empereur des Turcs. Traduits en François par M. l’Abbé de Foy, chanoine de l’Eglise de Meaux, Paris, Bauche d’Houry. Turkish Letters, 2005, Louisiana State University Press, (introduction de K. A. Roider). Vier brieven over het gezantschap naar Turkije, Hilversum, Verloren, 1994. R. A. Dalle, Auger Ghislain de Busbecq, humaniste et homme de la Renaissance, miroir de son siècle, Thèse de l’université de l’Arizona, 1975. 5 Z. von Martels, Augerius Gislenius Busbecquius, Leven en werk van de keizerlijke gezant aan het hof van Süleyman de Grote, groningen, Rijksuniversiteit, 1989. consacré sa thèse à une étude littéraire des Lettres 6 . Il s’est appuyé sur une étude narratologique et a mis en évidence l’importance de la réflexion esthétique chez Busbecq ; il a, notamment, montré ce que l’agencement des Lettres devait au maniérisme. Le colloque organisé par A. Rousseau en 1991, Sur les traces de Busbecq et du gotique, représente selon son organisateur « la première manifestation scientifique française sur Busbecq ». Les actes sont divisés en deux parties : la première éclaire la vie, la personnalité de Busbecq et certaines facettes de son oeuvre ; la seconde étudie l’apport de Busbecq à la compréhension de la langue gothique, dont il a établi un petit lexique7. Les travaux modernes sont donc très peu nombreux et quantité d’aspects des Lettres ont jusqu’à présent été ignorés.
Il m’a paru important de mettre en lumière ce que l’écriture des Lettres devait à l’idéologie de leur auteur, à la personnalité qu’il entendait y représenter et à la littérature de voyage dans l’empire ottoman qui, dès la moitié du XVIe siècle, s’est constituée autour d’un nombre restreint d’isotopies. Le genre de la littérature de voyage a commencé de devenir un genre autonome au XVIe siècle en s’affranchissant des modèles que constituaient les récits de pèlerinage. L’empire ottoman, parce qu’il était la première puissance mondiale et qu’il était, aux yeux des Européens, l’incarnation de la barbarie, a suscité une curiosité inextinguible ; elle s’est traduite tout au long du siècle par la multiplication de récits dont la caractéristique la plus saillante est la réitération de motifs identiques. Très rapidement, des topiques propres à la réalité turque ont été constituées par les Européens au point que dans le dernier tiers du XVIe siècle, il n’était plus possible de décrire les Turcs sans se référer de façon plus ou moins explicite aux textes rédigés auparavant. Lire Busbecq et le comprendre implique donc de tenir compte de la littérature de voyage préalable afin d’apprécier chez lui les parts respectives de l’imitatio et de la variatio, et il m’a paru indispensable de faire apparaître dans la traduction et dans l’analyse littéraire les sources nombreuses auxquelles Busbecq a pu puiser. En effet, Busbecq reprend nombre de motifs développés par les voyageurs avant lui, et ce n’est ni dans la nouveauté, ni dans l’exhaustivité des informations qu’il faut juger de son apport. Comme d’autres avant lui, il égrène les motifs de la topique constantinopolitaine : sainte Sophie, l’hippodrome et ses monuments antiques, la ménagerie du sultan, le cortège qui accompagne ce dernier dans ses déplacements, les diverses curiosités du Bosphore, les bains turcs ; mais l’analyse comparée des textes antérieurs et du sien montre que l’imitatio est toujours partielle et que la variatio, considérable, répond à des visées très différentes. Dire la réalité turque pour Busbecq, c’est très rarement faire oeuvre scientifique ou documentaire. Il s’agit le plus souvent pour lui de mettre en avant ses talents de conteur, un èthos rhétorique de bonus vir, et de défendre des positions idéologiques particulières. La narration dans les Lettres turques progresse suivant les méandres d’un subtil agencement de motifs différents, ce qui donne tout J. Lebel, Augerius Gislenius Busbecquius : une conscience littéraire en action, thèse dactylographiée, Lille 3, 1998.
A. Rousseau, Sur les traces de Busbecq et du gotique, Lille, Presses universitaires de Lille, 1991. le loisir à leur auteur de présenter à son gré les réalités turques. L’enchâssement des anecdotes, des realia, des différents épisodes de l’histoire turque, combiné à une tonalité le plus souvent humoristique, lui permet de modifier discrètement les faits ou de les présenter de façon à faire valoir un autoportrait discret et une propagande active. Busbecq relate la mission diplomatique dangereuse et difficile qu’il effectua à Constantinople à l’époque de l’apogée de l’empire ottoman. Les faits historiques, les différents aspects des négociations qu’il rapporte sont rarement complets ou exacts. L’empereur que Busbecq servait, Ferdinand Ier, était en position de faiblesse devant Soliman le Magnifique ; ses armées étaient régulièrement battues par celles du Turc et Vienne ne devait d’être préservée qu’à son éloignement géographique. La mission que mena Busbecq auprès des Turcs ne fut pas un succès ; il rapporta à Vienne le texte d’un traité qui consacrait l’infériorité de Ferdinand Ier et faisait de lui le tributaire de la Porte. Cependant, le texte des Lettres ne fait jamais apparaître cette faiblesse ; Busbecq laisse dans l’ombre tout ce qui pourrait nuire aux Habsbourg et procède à une réécriture de l’histoire. La vision des faits qu’il rapporte est le plus souvent flatteuse pour sa cause et lorsqu’il est dans l’impossibilité de déformer les faits, il les ignore. Il est impossible de lire les Lettres turques pour se forger une idée exacte des événements politiques et militaires de cette époque ; ils sont systématiquement déformés. Cette particularité de son écriture a rarement été mise en évidence, car, à l’inverse de beaucoup de ses contemporains, Busbecq ne procède pas à des attaques violentes ni sectaires des réalités turques ou musulmanes. S’il critique certains aspects de la société turque, il le fait toujours de façon mesurée. Cette modération lui a valu de passer pour un chroniqueur fidèle des événements. De même, il lui arrive fréquemment de décerner des éloges aux coutumes turques et il en fait le contre-exemple idéal des usages européens. La description de l’altérité renvoie souvent aux déficiences remarquées de l’Europe et permet à Busbecq d’adopter des points de vue relativement indépendants pour le serviteur de l’État autrichien qu’il était. Cela étant, l’analyse de la puissance turque a pour visée de pousser les Européens au réarmement et à l’union contre les Turcs. Busbecq s’emploie de façon systématique, quoique discrète, à montrer à ses lecteurs européens le danger qu’ils encourent à négliger la menace ottomane au profit de leurs discordes intestines et de leur tropisme américain. La défense des intérêts européens passe également par une description très partiale des membres de la famille régnante ottomane et des divers événements qui ont émaillé la succession du souverain en titre, Soliman le Magnifique. Les querelles entre les héritiers présomptifs de Soliman, les guerres et les assassinats qu’elles occasionnèrent ont été pour Busbecq le prétexte de reconstituer l’histoire, et le plus souvent sous forme romanesque. A la fin du XVIe siècle, alors que le roman en est encore à ses prémisses, Busbecq déploie les artifices de la fiction pour rendre compte d’une réalité historique parfaitement établie. Ce choix narratif s’explique par le désir de rendre compte de la perception nouvelle qu’ont les Européens de l’univers turc. La cruauté turque est un topos du XVe siècle qui apparaît dès la prise de Constantinople. Mais cette représentation des moeurs turques ne s’est pas accompagnée d’une vision négative des institutions ottomanes. La définition du despotisme ottoman ne se fera que bien plus tard, au XVIIIe siècle, sous la plume de Montesquieu dans l’Esprit des lois. Cependant, un imaginaire du despotisme apparaît bien avant la conceptualisation qu’en donnera Montesquieu ; et Busbecq fait partie de ceux qui contribuent à dessiner les contours de ce fantasme du despote. La représentation dans les Lettres turques des aspects les plus sanguinaires du règne répond à des objectifs idéologiques évidents de la part d’un grand commis de l’Etat autrichien, mais dans la mesure où les institutions turques n’étaient entachées d’aucune réprobation, Busbecq a choisi la fiction afin d’exprimer sa condamnation du régime. L’émergence du roman et de la fiction coïncident donc avec la polémique idéologique.
Enfin, la description, dans les Lettres turques, des realia et des événements politiques est toujours mêlée à une représentation précise des actes du diplomate que fut Busbecq. La relation de son voyage et de sa mission lui permet, vingt ans après les événements, de se représenter sous les traits d’un parfait ambassadeur, d’un érudit distingué et d’un aristocrate raffiné. Les Lettres sont donc également le vecteur d’un discours autobiographique. Busbecq choisit de se dépeindre de façon élogieuse et affiche les différents stéréotypes de la réussite sociale à la fin du siècle. L’humaniste soucieux de préserver l’héritage antique, le lettré doté d’une infatigable curiosité pour les choses de l’esprit, l’aristocrate fier de ses possessions et de son art de vivre, l’ambassadeur fidèle à son empereur et dévoué pour ses nationaux sont tous représentés au travers des différents épisodes des Lettres. De plus, le récit des négociations offre à Busbecq la possibilité de se présenter sous les traits d’un diplomate habile et ferme quelles que soient les difficultés qu’il a rencontrées. Dans les Lettres turques, Busbecq a relaté un voyage entrepris pour le bien de l’empire et derrière le paravent de la véracité se cache le désir d’obtenir gloire et dignité. Le récit de voyage, pour Busbecq, est moins l’occasion de rendre compte de découvertes et d’explorations que d’affirmer une identité spécifique : celle d’un serviteur de l’État de culture humaniste, et de défendre les idéaux de la dynastie dont il était le serviteur. La déformation des événements historiques et la fictionnalisation des faits réels contribuent à créer une image de l’univers ottoman qui perdurera longtemps après la publication des Lettres turques.

Samedi 9 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Descartes
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

 Mme ELISABETH PINTO MATHIEU soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Ecritures médiévales du sacré

 En présence du Jury :

M. BOUTET (PARIS 4)
M. DALARUN (CNRS)
M. GALDERISI (POITIERS)
M. GROS (AMIENS)
M. STANESCO (STRASBOURG 2)
M. TILLIETTE (GENEVE)
M. ZINK (Coll. de FR)

Samedi 5 mars 2005
9 h
Sorbonne
Salle des Actes, Centre administratif de Paris IV
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Raphaël MOBILLION soutient sa thèse de doctorat :

 Edition et compilation à partir de l’oeuvre de Jorge Luis Borges

 En présence du Jury :

M. MATTEI (NICE)
M. PODGORNY (PARIS IV)
M. TZITZIS (PARIS II)

Samedi 5 mars 2005
9 heures
Salles des Actes Centre administratif de Paris IV 1, rue Victor Cousin 75230 Paris Cedex 05

 M. Raphael MOBILLION soutient sa thèse de doctorat

 Edition et compilation à partir de l’oeuvre de Jorge Luis Borges

 en présence du Jury :

M. MATTEI (Nice)
M. PODGORNY (Paris IV)
M. TZITZIS (Paris 2)

Samedi 12 mars 2005
14 heures
En Sorbonne, amphithéâtre Chasles
Esc. E, 3e étage, 17 rue de la Sorbonne
75005 Paris

 Mme Françoise LE PEZRON soutient sa thèse de doctorat :

 Edition, texte et traduction d’Oedipe à "Colone" de Sophocle

En présence du jury :

M. JOUANNA (Paris 4)
M. FARTZOFF (Besançon)
Mme MAUDUIT (Lyon 3)

Samedi 4 décembre 2004
14 h
INHA
Carré Colbert, salle Ingres
Galerie Colbert,
4-6 rue des Petits Champs
75002 PARIS

 Mme Stavroula KEFALLONITIS soutient sa thèse de doctorat :

 Edition, traduction et commentaire du Livre VII des Antiquités romaines de Denys d’Halicarnasse

 En présence du Jury :

M. BRIQUEL (PARIS IV)
M. FOULON (CLERMONT II)
Mme FROMENTIN (BORDEAUX III)
M. JOUANNA (PARIS IV)

Mardi 6 décembre
9 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences D 035, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Melina LEVY soutient sa thèse de doctorat :

 Édition,traduction et commentaire du livre X des Antiquités romaines de Denys d’Halicarnasse

En présence du Jury :

M. JOUANNA (Paris 4)
M. BRIQUEL (Paris 4)
Mme FROMENTIN (Bordeaux 3)
Mme MARIE-ROSE (Besançon)

Mardi 4 avril
IULM Milan

 Mme Isabelle MARTELLI soutient sa thèse de doctorat :

 Egée et Italie méridionale dans la deuxième moitié du second millénaire av. J.-Chr. : l’archéologie d’un mythe à travers la mémoire d’anciennes écritures

En présence du Jury :

M. FARNOUX (Paris 4)
M. NEGRI (IULM Milan)
M. CARLIER (Paris 10)
M. CONSANI

Position de thèse et Résumés

Dresser un bilan archéologique des recherches de ces vingt dernières années nous a semblé nécessaire tant les données de terrain sont en constante évolution en Italie méridionale. Le point de départ a été la Sicile du Bronze Moyen avec le site de Monte Grande (riche en minerai de soufre) qui se trouve à une quinzaine de km d’Agrigente ; les trouvailles de céramique égéenne sur ce site, nous pensons par exemple aux rondelles et aux tessons gravés, ne seraient-elles pas un témoignage de navigations commerciales ? Et si oui, l’épisode de Minos en Sicanie pourrait se placer à la période finale de la culture de Castelluccio comme le suggérait L. Bernabò Brea. Ne faudrait-il pas entrevoir dans le protagoniste du mythe raconté par Hérodote, des Égéens entreprenants, arrivés sur l’île dés le Bronze Moyen ? La documentation céramique agrigentine nous semble constituer un appui à la ‘légendaire’ thalassocratie crétoise ; une cause commerciale en serait, selon nous, la meilleure explication.
La céramique égéenne de Monte Grande a comblé la lacune que nous avions pour la période de Castelluccio, mettant ainsi la côte méridionale sicilienne en concurrence avec le pôle des îles Éoliennes : les routes maritimes égéennes prévoyaient sans doute des escales successives dans leur périple occidental.
Nous avons analysé les tessons épigraphiques agrigentins et éoliens dans un contexte d’échange méditerranéen (archives de Mari), contexte qui nous semble justifier au mieux ce semblant d’écriture, ces « ignorant copies » retrouvées loin des côtes égéennes.
Complémentaires à ce cadre d’échanges nous disposons des trouvailles du village préhistorique de Portella. Les nouvelles marques de potier (« contrassegni ») viennent confirmer les connaissances du corpus céramique de l’archipel. Les deux tessons de pithoi égéo-chypriotes retrouvés dans le village de Portella permettent d’insérer ces contenants « égéo-chypriotes » dans un circuit occidental : ils sont présents notamment en Sardaigne (Antigori), en Sicile (Cannatello) mais aussi en Crète (Kommos).
Les tessons égéens et levantins de Monte Grande, les tessons égéo-chypriotes et les « contrassegni » de Portella que l’on a vu dériver non seulement du monde égéen, mais aussi de la Méditerranée orientale, vraisemblablement de Chypre, nous amèneraient donc à situer ce cadre d’échange « occidental » du Bronze Moyen dans une « koiné méditerranéenne ». L’expression « koiné mediterranea » que nous avons empruntée à L. Bernabò Brea est celle qui nous semble le mieux adhérer à ce nouveau cadre culturel mis en surface par les données des fouilles de ces vingt dernières années.
La découverte d’un sceau en cornaline de « type minoen » à Briatico attesterait pour la Calabre également des échanges avec le monde égéen. La possession de biens de luxe serait donc déjà documentée à partir du BM1-2, non seulement dans les communautés insulaires habituées aux échanges tels que l’archipel éolien, les côtes orientales et méridionales de la Sicile et l’archipel phlégréen avec Vivara, mais aussi dans les communautés pastorales de Calabre situées le long de la côte tyrrhénienne.
Cette récente découverte viendrait donc se placer en corollaire des trouvailles de Monte Grande et de Portella, témoignant de contacts bien établis en Italie méridionale. Les relations entre partenaires égéens et indigènes ont dépassé de toute évidence le seul cadre des échanges : nous avons eu l’occasion d’en illustrer des exemples pour l’âge du Bronze ; il semble que l’on puisse affirmer la même chose pour les périodes successives. En effet, une attestation d’écriture datée du premier quart du VIIIe siècle av. J.-Chr. « forse la più antica in assoluto » témoignerait de la célérité de transmission des modèles culturels. L’inscription provient de la nécropole de l’Osa, à proximité de l’ancienne Gabii non loin de Rome. Ce sont cinq lettres eulin graffites sur un vase indigène ; la proposition d’intégrer l’expression eulin[os] ‘qui file bien’ est à interpréter comme un anthroponyme « parlante » en référence à un rôle féminin.
A ce propos, la présence de certaines figurines dites à cloche avec fusaïoles de la période Protogéométrique et Géométrique (Attique et Eubée) nous porte à croire à l’existence d’une divinité dédiée au tissage. Cette divinité tutélaire qui serait documentée dans le monde grec (figurine « à cloche » provenant de Béotie) nous conduit à retenir l’hypothèse proposée par M. Maaskant Kleibrink d’une « House of Weaving » et d’une divinité du tissage à Francavilla Marittima (Calabre) à la fin du VIIIe siècle av. J.-Chr. Nous avons par ailleurs retrouvé des traces écrites et peut-être matérielles de ce culte aux époques mycénienne et minoenne.
Concernant l’aspect mythique, peut-on dire que les rivages italiens ont été fréquentés par des héros homériques durant le nostos de la guerre de Troie ?
Ulysse navigue à Scylla, Philoctète dans la région de Crimisa, entre Sybaris et Crotone, Epéios aborde à Lagaria et Diomède aurait eu un culte en plusieurs cités de l’Apulie. Les sources nous disent qu’une première Métaponte, antérieure à la cité historique, aurait été une création de Nestor et de ses Pyliens et Siris aurait connu une colonisation mythique pour ce qui est des Troyens, et historique pour ce qui est des Grecs venus de Colophon (Timée et Aristote apud Athénée, XII 523c ; Strabon VI I, 14 ; BÉRARD 1957 : 187-198).
Nous nous rangerons parmi ceux qui pensent que l’élément historique crée le mythe et non l’inverse. Doit-on ignorer une tradition littéraire, la soumettre à une analyse hypercritique ou bien penser qu’« elle est susceptible, cette tradition, de comporter des souvenirs historiquement fondés dont il faut seulement admettre d’avoir à décrypter les représentations » (SCHNAPP-GOURBEILLON 2002 : 133).
L’observation de J. Bérard selon laquelle les principaux centres légendaires, la plupart des localités assez obscures qui n’ont pas été directement colonisées, et il citait le cas de Lagaria, n’a-t-elle pas, aujourd’hui un fondement historique, si nous considérons le sanctuaire d’Athéna à Francavilla Marittima, non loin de la grecque Sybaris ? C’est donc en périphérie des cités que le souvenir de héros homériques comme Epéios et Philoctète, a été localisé. Il est significatif qu’une grande partie de ces légendes de nostoi concerne précisément l’arrière pays ou les périphéries des cités achéennes. Le nom d’Epéios, compagnon de Nestor et constructeur du cheval de Troie, est associé au site italique de Lagaria, entre Siris et Métaponte. La légende de Philoctète, héros gardien de l’arc d’Héraclès, s’est fixée entre Crotone et Sybaris, dans l’arrière pays du Cap Crimisa et de son sanctuaire d’Apollon Alaios.
En conclusion de son ouvrage La colonisation Grecque de l’Italie méridionale et de la Sicile dans l’antiquité (1957), Bérard écrivait : (...) ces légendes ne peuvent être regardées comme une préfiguration poétique de la colonisation historique, non plus que comme l’effet d’une imaginaire précolonisation, de peu antérieure à la fondation des premières cités italiotes et sicéliotes au VIIIe siècle av. J.-Chr. Par cette analyse même, nous avions été conduit à supposer que de lointains échanges entre le monde égéen et les pays de la Méditerranée centrale et occidentale pouvaient avoir été à l’origine de ces légendes. De fait, les données de l’archéologie préhistorique confirment que ces traditions reposent sur un substrat historique. Les découvertes d’objets mycéniens en Sicile, en Italie méridionale et surtout à Lipara prouvent que le monde mycénien, c’est à dire le monde grec de l’âge héroïque, eut avec les pays italiens des rapports directs, et il apparaît que ces rapports sont à l’origine des traditions relatives à la colonisation légendaire. Ce point, croyons-nous, peut être considéré comme acquis » (BÉRARD 1957 : 507-508). La documentation agrigentine et éolienne nous conduit à considérer comme acquis le point de Bérard.
Mémoire de Mycéniens navigateurs, traders ou potiers comme le suggère la céramique mycénienne de fabrication locale (datée de l’HR IIIC : 1200-1050 av. J.-Chr.) retrouvée à Termitito (Basilicate) et à Punta Meliso (Pouilles) ? Il n’y a pas dans les données de terrain de « menteur » : les fouilles de Monte Grande et de l’archipel éolien illustreraient à travers les « signes » de la culture égéenne, le substrat historique de ces légendes. Ces légendes sont-elles une première forme de l’histoire, comme le dit Bérard ?
La lecture intégrée des données archéologiques et littéraires d’un site comme celui de Francavilla Marittima serait, en fait, dépendante de l’adhésion ou pas, de chacun, à l’historicité du mythe. L’interprétation de l’archéologue hollandaise est bien sûr contrastée : Francavilla Marittima ne serait pas Lagaria. Mais pourrait-il en être autrement ? Je ne pense pas. La sensibilité, l’école à laquelle a été formé chacun d’entre nous et l’accroissement des instruments de recherches portent naturellement à la formulation de diverses interprétations. Néanmoins, il me semble que les données des fouilles italiennes de ces vingt dernières années accréditent ces relations avec le monde égéen, dès le Bronze Moyen ; ces rapports dont parlait Bérard, seraient à notre avis, à l’origine des traditions relatives à la colonisation légendaire de ces légendes de nostoi. Les réflexions de G. Maddoli, lors d’un récent Convegno di Studi sulla Magna Grecia, seraient celles d’une critique, qui nous paraît aujourd’hui, moins réticente aux suppositions de Bérard.
Un bilan des trouvailles italiennes ? Je citerais pour en illustrer les résultats féconds l’exemple des poids de tisserands de Francavilla Marittima avec leurs labyrinthes ; labyrinthes qui témoigneraient de la richesse et de la complexité de ces échanges culturels entre Égéens et indigènes de la péninsule.
Nous avons abordé au cours de cette étude (Les marques de carriers de Rhégion) le problème tant débattu : continuité ou rupture ? Un autre terrain propice à ce débat est celui de Francavilla Marittima : nous sommes confrontés à une divinité du tissage laquelle nous a dérouté sur le monde égéen et grec, nous amenant ainsi à trancher pour la continuité d’un culte.
Les données illustrées pour la divinité du tissage ne sembleraient pas démentir la mémoire des pratiques religieuses. « La mémoire passe par le chant épique au moins autant que par les pratiques religieuses » (SCHNAPP-GOURBEILLON 2002). Une divinité vénérée tout au long de l’âge du Bronze survivrait donc aux Dark Ages.
I. Lemos dans son étude The Protogeometric Aegean écrit : « It has become clear in the present study that these early Greek communities were not isolated and it has been suggested that some of them had closer links than others, especially those forming the so-called Euboean koine. Recognizing that exchange and interaction in a variety of aspects were in full operation during this period completely dismisses the idea of a ‘Dark Age’ and makes clear that this is the period of the beginning of Early Greece » (LEMOS 2002 : 225).
Il y aurait donc « à la fois continuité et renouveau ; en aucun cas on ne constate une véritable rupture. Les dieux du panthéon classique étaient déjà ceux des palais et des populations du second millénaire. Le système religieux a seulement été repensé, réorganisé, et cela essentiellement à partir des XIIe et XIe siècles » (SCHNAPP-GOURBEILLON 2002). A Érythrées, nous dit Pausanias (VII 5, 9) se trouvait un temple d’Athéna Polias et une statue en bois, de grande taille, représentant la déesse avec une quenouille et un fuseau.
Les longues périodes silencieuses en Histoire sembleraient révolues : de l’âge du Bronze à notre époque, la scène méditerranéenne a été constamment occupée : l’expédition militaire (et économique) du roi Yahun-Lim de Mari s’est vraisemblablement terminée sur les rives de la Méditerranée : on pense aujourd’hui à la possibilité que nous avons là, attestées, des offrandes rituelles à la mer Méditerranée.

SUMMARY

Summing the archaeological achievement of these last twenty years seemed necessary to us as field-work data are in constant evolution in Southern Italy. The initial vantage point was Sicily of the Middle Bronze Age period with the site of Monte Grande that has been revealed as the arrival point of the Aegeans in the West.
These recent findings, for example roundels and engraved potsherds could be the "realia" of Aegean maritime trade. If so, the adventure of Minos in Sicany would seem to have taken place in the final period of the Castelluccio Culture as furthermore suggested by L. Bernabò Brea.
Should not we see by this famous protagonist of myth (Minos) that the Aegeans arrived in the island as early as during Middle Bronze era ? The agrigentine ceramic documentation seems to support this “legendary” Cretan talassocracy ; trade would be for us the best explanation : a development of a commercial activity, import of raw goods, essential in Crete and exchange controls in the Aegean basin up to the East could be the most credible reason of this “pluriform thalassocracy” of the HR I.
The Aegean ceramic found in Monte Grande has filled up the gap that was missing for the Castellucciano Period, putting the Western Sicilian coast in competition with the Eolian islands.
We have analysed the epigraphic Agrigentine and Eolian potsherds in a context of Mediterranean international trade that seem to justify at best these "ignorant copies" which were found far from the Aegean coasts.
Complementarily to this framework of exchanges, we dispose of the findings of the prehistoric village of Portella’s excavation campaign.
The new marks of pottery (“contrassegni”) come to confirm the knowledge of the archipelago ceramic corpus ; the meander mark that seemed at first sight misleading has finally found a Cretan parallel. Both Egeo-Cypriot potsherds pithoi found in Portella’s village allow inserting them inside the traffic towards the West of these containers already attested as well in Sardegna (Antigori) in Sicilia (Cannatello) and in Crete (Kommos).
The Portella’s potsherds testify for a diffuse circulation of pithoi probably used as containers.
The Aegean and Levantine potsherds of Monte Grande, the Aegeo-Cypriot ones and the “contrassegni” of Portella that have been seen, deriving not only from the Aegean world but also from the Eastern Mediterranean certainly from Cyprus, would lead us to situate this work frame of exchanges of the Middle Bronze era, in a “Mediterranean Koine”. The “Mediterranean Koine” expression, borrowed from Bernabò Brea, is the one that seems to watch at best this new cultural framework which surfaced, thanks to the excavation findings of these last twenty years.
The important discovery of funerary furniture in Briatico with its Minoan type seal would attest for Calabria as well the precocity of these links from such emergent group with the Aegean world.
Possession of luxury goods would then be already documented from the BM 1-2, not only in the island communities used to exchange such as in the Eolian archipelago, the eastern and southern coasts of Sicily, and Phlegrean archipelago with Vivara, but also in the pastoral communities of Calabria situated along the Tyrrhenian coast. This recent discovery would then take place corollary to the discoveries of Monte Grande and Portella testifying of well established contacts in Southern Italy.
Relationships between Aegean and indigenous inhabitants have evidently gone beyond trade : we had the occasion of illustrating examples for the Bronze Age period ; it seems that we can assert the same for the successive periods of time.
Effectively, the attestation of writing, dated in the first quarter of the VIIIth century B.C., probably the most ancient in absolute, would testify the speed in the transmission of cultural models. The inscription comes from the necropolis of Osteria dell’Osa near to ancient Gabii, not far from Rome : these are five letters engraved on an indigenous vase ; the expression eulin (os) "who weaves well" is to be interpreted as a "talking" anthroponymous in reference to a feminine role.
In this respect, the presence of Protogeometric and Geometric bell-shaped figurines with spindle whorls in funerary context (Attica and Eubea) leads us to believe in the existence of a divinity dedicated to weaving (Beotian bell-shaped figurine). Therefore we maintain the M. Maaskant Kleibrink hypothesis of a House of Weaving and a weaving divinity in Francavilla Marittima in the late VIIIth century B.C. Furthermore we found possible traces of this worship in Mycenaean and Minoan periods.
Weaver weights of Francavilla Marittima with their labyrinths testify the complexity of these cultural exchanges. The Bérard observation following which principal legendary centres (Lagaria), most of them obscure localities that were not directly colonized may have today a historical base if we consider the sanctuary of Athena in Francavilla Marittima (not far from the Greek Sybaris).
Concerning the mythic aspect, can one say that the Italian shore were frequented by Homeric heroes during the nostos of the Trojan war ?
Ulysses sails to Scylla, Philoctete in the Crimisa region, between Sybaris and Crotone, Epeios lands at Lagaria and Diomede would have had a cult in several cities of Apulia. Sources tell us that a first Metaponte, before the historic city was built, would have been a creation of Nestor and Pylians, and Siris would have been a mythic colonization concerning Trojans, and a historic concerning the Greeks coming from Colophon (Strabo VII, 14 ; BÉRARD 1957 : 187-198).
We shall side with those who think that the historical element creates the myth and not the opposite. Must we ignore a literary tradition, submit it to a hypercritic analysis or perhaps thinks that it is susceptible, this tradition to allow for historically founded recordings that one really has to admit to have to decrypt their representations (SCHNAPP-COURBEILLON 2002 : 133).
This is therefore at the periphery of the cities that the memory of heroic heroes such as Epeios and Philoctete were localized. It is significant that a great part of these legends of nostoi precisely concern the hinterland or the periphery of the Achaean cities ; the name of Epeios, companion of Nestor and builder of the Trojan horse, is associated to the italic site of Lagaria, between Siris and Metaponte. The legend of Philoctete has been located between Crotone and Sybaris in the hinterland of cape Crimisa and its Apollon Alaios Sanctuary.
In conclusion of its work Greek colonization of Southern Italy and Sicily in the antiquity times (1957), J. Bérard wrote : “ These legends can neither be considered as a poetic prefiguration of the historic colonisation, nor as an effect of imaginory pre-colonization just before the fondation of the first italiot and siceliot cities in the VIII th Century BC. But this same analysis we have been led to suppose that ancient exchanges between Aegean and Mediterranean central and westerns countries could have give birth to these legends. Effectively, the data of prehistoric archaeology confirm that these traditions rest on a historical basement. The discovery of Mycenaeans objects in Sicily, in Southern Italy and most of all in Lipara, prove that the Mycenaean world, that is to say the Greek world of the Heroic Age, had directly relations with Italian lands, and it appears that these relation gave birth to traditions relatively to this legendary colonization. This point we do believe, can be considered as acquired”. Agrigentine and Eolian documents lead us to share Bérard’s opinion : this point seem to us today as acquired.
The memory of Mycenaean sailors, traders or potters as suggested by the Termitito and Punta Meliso ceramic ? There is no liar in the findings excavations : Monte Grande and eolian archipelago excavations would illustrate through Aegean cultural “signs” the historical substratum of these legends. Are these legends a first form of history ad Bérard says ?
The comprehensive reading of the archaeological data of a site like Francavilla Marittima would be in fact, dependant of the agreement or not by each one, to the historicity of the myth.
The interpretation of the Dutch archaeologist is of course contrasted : Francavilla Marittima would not be Lagaria. But could it be otherwise ? I don’t think so. The sensibility, the teaching that has formed each one naturally leads us to the formulation of diverse interpretations. Nevertheless, it seems to us that results of Italian excavations of these last twenty years, accredit these relations with the Aegean world, since the Middle Bronze Age.
Reflexions from G. Maddoli at the time of a recent Convegno di Studi sulla Magna Grecia, would be those of a critic that appears to us today less reticent to the Bérard supposition.
A sum of the Italian findings ? I would cite to illustrate its prolific result, the example of weaver weights of Francavilla Marittima with their labyrinths ; labyrinths that would testify of the richness and complexity of these cultural exchanges between Aegeans and indigenous populations of the peninsula.
We have approached during the Rhegion mason’s marks, the discussed problem : continuity or rupture ? Another field to this debate is the one of Francavilla Marittima with its weaving divinity. This divinity attested in the Aegean and Greek world has lead us to favour for continuity of a worship : “La mémoire passe par le chant épique au moins autant que par les pratiques religieuses” (SCHNAPP-GOURBEILLON 2002 : 322).
The illustrated facts for the weaving divinity would not seem to demy the memory of religious practice. A venerated divinity of weaving during the Bronze Age would then survive beyond the Dark Ages. Memory is before all, a memory of worship, a religious memory, as well as so well said by A. Schnapp-courbeillon.
I. Lemos in his study The Protogeometric Aegean writes : « It has become clear in the present study that these early Greek communities were not isolated and it has been suggested that some of them had closer links than others, especially those forming the so-called Euboean koine. Recognizing that exchange and interaction in a variety of aspects were in full operation during this period completely dismisses the idea of a ‘dark age’ and makes clear that this is the period of the beginning of Early Greece » (LEMOS 2002 : 225).
Thus there would be « à la fois continuité et renouveau ; en aucun cas on ne constate une véritable rupture. Les dieux du panthéon classique étaient déjà ceux des palais et des populations du second millénaire. Le système religieux a seulement été repensé, réorganisé, et cela essentiellement à partir des XIIe et XIe siècles » (SCHNAPP-GOURBEILLON 2002 : 319). In Érythrée (Pausanias VII 5, 9) there was a temple dedicated to Athena and a wooden statue of big size figured the goddess with a distaff and a spindle. Would it be risky to see a continuity of popular belief in a practice that one could still observe in Athens, in the church ‘Ayios Joannis tis Kolonnas’ at the Euripide street crossroads ?
The long silent periods in History seemed by now over : from the Bronze Age period to today the Mediterranean scene was constantly occupied. The military and economic expedition of king Yahun-Lim of Mari probably ended on the Mediterranean shores : one thinks today the possibility that we have ritual offerings to the Mediterranean Sea.

Jeudi 9 décembre
14 h 30
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. Pierre DUBOIS soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Eléments pour une théorie du paradigme musical dans l’Angleterre des Lumières

 En présence du Jury :

M. CARRE (PARIS IV)
Mme DECONNINCK-BROSSARD (PARIS X)
M. GUINLE (LYON II)
Mme HALIMI (PARIS III)
Mlle MARTINET (PARIS IV)
M. NOIRAY (CNRS)

Mercredi 7 juin 2006
14 heures 30
Bibliothèque Ascoli
Esc. C, 2e étage
17, rue de la Sorbonne
75005 Paris

 Mme Émeline MOSSÉ soutient sa thèse de doctorat en cotutelle avec l’Université de Berlin :

 Ellipses, blancs, silences : le langage de l’implicite dans l’oeuvre de Crébillon fils

En présence du Jury :

M. DAGEN (Paris 4)
M. ENGLER (Berlin)
M. HERMAN (Louvain)
Mme KRUSE (Hambourg)
M. MENANT (Paris 4)

Résumés

Alors que le langage constitue l’action unique des romans de Crébillon fils (1707-1777), son étude a été longtemps injustement écartée du discours des Lumières, et ce en raison de l’importance accordée à la thématique du libertinage et de l’érotisme. Le caractère prolifique de cette écriture a été très largement étudié par les critiques, tandis que le langage de l’implicite n’a donné lieu qu’à quelques allusions. Le présent travail montre que cette figure de style structure aussi bien l’écriture que la pensée de Crébillon. Il a fallu observer l’implicite en action, le révéler et analyser ce qu’il produit dans le texte, cela sous toutes ses formes. Cette lecture de Crébillon sous un angle neuf replace son œuvre dans la littérature des Lumières, souligne la richesse de la réflexion sur l’homme mondain au XVIIIe siècle en même temps qu’elle soulève des questions sur l’esthétique du roman.

Ellipsises, blanks, silences, the implicit language in the works of Crébillon fils

The study of language, which in the works of Crébillon fils (1701-1777) is the sole action, has superseded the eighteenth century themes of libertinage and erotism, that unjustly kept him a long while away from the literary circles of the Enlightenment. The extent of the prolific characteristics of his writing has been largely studied by critics, whereas the language of the implicit was merely hinted. The present study shows that this figure of speech structures both the writing and the thinking of Crébillon. It has been necessary to observe the implicit at work, to reveal it and analyse its effects in the text in all its different forms. The reading of Crébillon under a new angle repositions his works in the literature of the Enlightenment, underlines the richness of his thoughts on the eighteenth century society man, as well as bringing forward a new questioning on the aesthetics of his novel.
Position de thèse

La démarche qui a été la nôtre tout au long de cette étude a eu pour point de départ une réflexion sur le statut de l’œuvre de Crébillon. Nous avons pris le parti de présenter un travail sur l’ensemble de l’œuvre de Crébillon fils et montré qu’en plus d’instruire et de divertir notre auteur se livre à un long plaidoyer en faveur du roman. En effet chacun des romans de Crébillon répond à cette discussion et entretient ainsi une polémique qui touche au moindre des aspects de son oeuvre pour en devenir une thématique consubstantielle et fondatrice de ses romans. Au cours de ce travail, nous avons montré l’importance de ce débat dans la compréhension de l’œuvre de notre auteur. L’analyse du langage de l’implicite s’est imposée à la suite de cette idée comme le meilleur moyen de rendre compte de la complexité d’une œuvre aussi hétéroclite et controversée. Ce travail propose une analyse de l’ensemble de l’œuvre à la lumière du langage de l’implicite. Ce procédé de langage se laisse apercevoir si souvent chez Crébillon, que nous avons tenté de démontrer qu’il fonctionne comme un véritable système dans cette œuvre. De nombreux travaux consacrés à cet auteur font place à une analyse des procédés d’indirection et des tours elliptiques. Pourtant, l’implicite crébillonien n’a jamais été étudié pour lui-même. Aussi l’enjeu de notre étude a été de le considérer comme un des grands principes de l’esthétique et de l’écriture crébilloniennes. Pour illustrer notre propos nous avons jugé nécessaire d’embrasser l’ensemble de son œuvre et ce choix fait partie aussi du caractère novateur de cette analyse. Nous nous sommes décidés pour une définition de l’implicite fondamentalement littéraire. Toutefois, cette figure se trouve être à la fois une dynamique et un outil d’analyse de nombreuses disciplines qui composent et définissent la langue. C’est la figure de style qui a retenu notre attention bien plus que l’élément linguistique et grammatical. Si les choix méthodologiques au fondement de notre étude nous ont mené naturellement à nous attacher uniquement à l’essence littéraire de cet outil, nous avons eu recours aux précisions des travaux de linguistique, de grammaire et de stylistique chaque fois que leur pertinence tendait à éclairer notre point de vue littéraire. En même temps que cet implicite s’inscrit dans le déroulement syntaxique, le long mouvement des phrases, l’interminable cascade des subjonctives, il se niche au coeur des détours et des indirections textuels dans lesquels se perd le Lecteur. C’est ce nivellement de l’implicite, la place qu’il occupe dans toutes les strates du texte crébillonien que nous avons voulu analyser. L’œuvre présente un cadre littéraire bouleversé par rapport au schème classique, les lois du discours et les codes conversationnels sont transgressés : le roman moderne prend forme. Notre premier chapitre s’interroge sur la représentation des personnages et du milieu dans lequel ils évoluent pour tenter de définir une typologie du « personnage crébillonien » et délimiter un « univers crébillonien ». Crébillon construit un « monde » fictionnel dans lequel il propose une métaphore de l’aristocratie du temps de la Régence et du règne de Louis XV. Cette « mondanité » n’est pas sans lien avec sa représentation réelle mais l’usage de l’implicite permet à Crébillon d’opérer une transformation romanesque. À un premier niveau le héros crébillonien semble posséder tous les traits de l’« honnête homme » du Grand Siècle et en particulier son langage. Le héros crébillonien se révèle dans le texte par un langage indirect aux tours sinueux. Il masque son opinion personnelle, le « je » est interdit dans ce monde entièrement codé. Ne pas respecter les règles de ce « jeu » conduit à s’exclure du « monde ». Cette « société » fictive crébillonienne n’existe que par le langage, les mots et la conversation. L’implicite dont on surveille les manifestations permet à Crébillon de donner naissance à un nouveau type de personnage et de proposer une critique sociale. De cette manière Crébillon se distingue de ses pairs, Marivaux, Diderot, l’abbé Prévost qui eux mettent en scène, en véritable « Modernes », pour la première fois la roture et transforment le paysan en héros. Crébillon, lui, poursuit un travail d’Auteur attaché à l’univers du roman dit classique : il s’approprie les codes et les notions littéraires du siècle passé afin de les dévier de leur sens premier, de les transgresser. Comme il propose une réflexion critique qui s’inscrit dans la lignée des « Modernes », Crébillon participe à sa manière à la révolution du roman au XVIIIe siècle. Dans un deuxième temps notre étude propose une analyse détaillée de la conversation. La société du XVIIIe siècle érige cette pratique mondaine en art et fait d’elle un moteur social, les écrits de Crébillon, eux, font vivre la conversation. On y retrouve partout son mouvement particulier, son rythme, sa musique, sa spontanéité et son « esprit ». Elle s’associe à ce pourquoi la critique a longtemps parlé de l’« écriture prolifique » et « luxuriante » de Crébillon fils. Dans ce deuxième mouvement notre travail porte sur l’envers de cette position qui est l’abondance de la « parlure » crébillonienne. Nous avons choisi l’implicite comme angle de vue à partir duquel nous avons observé la conversation mondaine. La conversation et son art obéissent aux lois du tacite. Le discours mondain s’organise autour de silences et se construit à l’aide de détours. Il est un art du maniement du langage de l’implicite. Il a fallu revenir sur les origines de la conversation depuis l’Antiquité, afin de montrer combien l’héritage des codes et des principes qui régissent cet art subsiste dans l’emploi que fait de cette pratique la fiction crébillonienne. Nous avons analysé les Égarements du cœur et de l’esprit comme le grand roman de la conversation mondaine. Cette œuvre témoigne de l’importance de la conversation pour les mondains et met en perspective la théorie et la pratique de cet art. L’écriture crébillonienne réussit la gageure de transmettre la puissance évocatrice de l’oralité et son caractère instantané. En effet, la temporalité crébillonienne oscille entre l’instantanéité du temps de l’écriture et de la lecture. Le langage de l’implicite permet la « mimesis » de cette spontanéité de l’oralité puisqu’il véhicule des silences, des ellipses, des pauses à travers le discours des personnages et des dialogues à tous les niveaux. Le texte crébillonien devient le lieu où la littérature se fait conversation et la conversation devient littérature. Le deuxième chapitre témoigne de la volonté de Crébillon de poursuivre la critique des mœurs décadentes qui se laisse deviner et condamner grâce à l’humour et au rire. Cette exploitation nouvelle de la conversation, son fondu dans le texte littéraire et sa capture par l’écriture contribuent à la progression et l’avancée du genre romanesque. La littérature est portée par le courant d’un écrivain expérimental, que l’on voit comme un véritable moderne au sens de précurseur en littérature. Le problème que pose le statut du roman au XVIIIe siècle se devait d’être analysé afin que ressorte l’importance que requiert le choix du roman que fait Crébillon pour bâtir son œuvre. Crébillon s’est consacré au roman quand le monde littéraire dans sa grande majorité lui était hostile. Le recours à l’implicite permet d’imposer le roman comme un genre à part entière au sein du monde de la littérature. Pour rendre intelligible la démarche crébillonienne une définition du roman dans le contexte du XVIIIe siècle nous a semblé incontournable. Au vu de son statut controversé, nous avons étendu nos recherches au « récit » pour tenter de définir ce qui n’est pas même un genre au XVIIIe siècle : contes, nouvelles, mémoires, histoires, anecdotes. En effet à cette époque les Auteurs ne se risquent pas à parler de roman pour ne pas nuire à leur ouvrage. Ainsi le troisième chapitre révèle que le recours à l’implicite contribue à la construction d’une œuvre polyphonique et montre bien que le roman crébillonien fait une large part à la réflexion théorique sur la fiction. Au-delà des théories romanesques, Crébillon poursuit son exploration littéraire puisque chaque genre romanesque est en même temps l’objet d’une parodie. Le fruit du roman et de sa version parodique engendre un roman nouveau. Cette parodie du roman s’appuie sur l’implicite dans la mesure où cette figure devient l’outil qui permet de détourner le roman de sa forme initiale. Une étude de la description des différents genres rend compte de façon concrète du travail de recherche sur le roman qu’effectue Crébillon. La parodie du roman constitue un matériau implicite qui participe également de la portée de l’œuvre : un plaidoyer en faveur du roman. La quatrième partie de cette étude a pour problématique la relation de l’implicite et de ce que nous appelons l’édifice textuel. Nous présentons l’univers crébillonien comme le lieu de l’épure et du dépouillement. Le monde crébillonien se reconnaît par une absence de décor ou encore par l’abstraction de celui-ci. Le monde que dessine Crébillon est une esquisse qui renvoie à un univers intemporel et universel. Ainsi il revient au Lecteur de répertorier les signes référentiels implicitement présents dans le récit et de reconstituer un environnement qui lui est familier et dans lequel l’identification nécessaire à la lecture de la fiction est possible. Le Lecteur est mis en présence de quelques éléments référents au monde sensible. Le détail flamboyant auquel le roman baroque habitue son Lecteur se situe à l’opposé de cet espace minimaliste, de ces lieux épurés que renferment les romans crébilloniens. Tout est succinct, ébauché, effleuré. L’absence de décor devient le caractère propre à cet espace fictionnel : l’implicite règne en maître des lieux. De même le portrait des personnages est dominé par la figure de style qui conduit toute cette étude de l’œuvre crébillonienne. Notre travail révèle la transgression des principes et des codes de la littérature classique qu’opère Crébillon. Une typologie des portraits des personnages crébilloniens révèle un héros fantôme et fantoche dont la vacuité offre une prise encore plus grande à l’identification du Lecteur. L’implicite constitue également dans ce détour, un travail indirect des détails psychologiques au profit de la représentation physique. Il est alors question de « physionomie » des personnages. Celle-ci permet de rendre compte des « canons » de beauté à l’œuvre chez Crébillon. La beauté des personnages crébilloniens et cela vaut en particulier pour les personnages féminins passe par le critère de la sociologie et de la moralité. Cette quatrième partie de notre travail a pour visée d’attester l’importance d’une morale crébillonienne qui affleure à travers les portraits. Il appartient au Lecteur crébillonien d’aller extraire la morale au cœur de ce qui paradoxalement se présente comme des successions de débauches ou d’ébats frénétiques. Le détournement du vice en faveur de la vertu fait partie des procédés de cet Auteur pour guider le Lecteur vers une interprétation personnelle. Ce travail de connivence avec le Lecteur, les interventions ludiques du narrateur sous forme de digressions, permettent au lecteur de prolonger la réflexion dans un « au-delà » du texte. La modernité de Crébillon repose également dans cette interaction entre le narrateur, l’œuvre et le Lecteur. Si le Lecteur dans l’œuvre de Crébillon connaît les mêmes fonctions qu’un personnage, son importance au sein de la fiction ne s’arrête pas uniquement à ce rôle. Il offre une dimension particulière au roman crébillonien puisqu’il orchestre de l’intérieur, inscrit dans la lettre du texte son fonctionnement. Il apparaît comme ce Lecteur modèle, il est l’instance vers laquelle tend toute l’écriture fictionnelle crébillonienne. Ainsi une qualité fondatrice de l’écriture crébillonienne provient-elle du rapport qu’il entretient avec son Lecteur. La quatrième partie de notre analyse aboutit sur la complicité entre le narrateur et le Lecteur pour établir une morale. Dans un cinquième et dernier chapitre nous portons notre attention sur le rôle du Lecteur pour traiter de l’importance du phénomène de métafiction propre à l’univers crébillonien. Le couple que forment le narrateur et le Lecteur modèle, ainsi que celui qui unit les personnages entre eux, se prolonge dans le rapport implicite et à jamais inconnu qui s’instaure entre l’Auteur et le « Public » ou son lectorat. Ces trois niveaux de communication font l’objet de cette dernière partie dans l’intention de révéler la propriété autoréflexive du roman crébillonien. La question de la structure du conte conduit naturellement à répondre à celle de l’autoréflexivité du romanesque crébillonien tant le schéma narratif du conte fonctionne comme la mise en abyme de l’art poétique crébillonien. Comme on observe le procédé vertigineux de l’art de conter, l’entreprise littéraire se laisse démonter en même temps qu’elle se déroule sous les yeux du lecteur. Le débat sur l’art de conter qui s’inscrit au cœur du texte donne à voir les rouages de la machine romanesque en marche. Le roman épistolaire entièrement construit sur l’implicite répond également de la manière la plus exhaustive à la question de la métafiction à l’œuvre dans les ouvrages de Crébillon. Nous montrons ainsi que le texte se dénonce comme fiction et invite le Lecteur à trouver la vérité dans un « au-delà » du texte. Si l’art poétique crébillonien fait de l’implicite sa figure de prédilection c’est bien parce qu’il s’applique à révéler l’impossibilité du langage à dire le monde et sa vérité. L’inachèvement crébillonien invite à une réflexion dans un « au-delà » du texte. La fiction a pour fonction de mettre le monde en question et de tendre vers la vérité. C’est dans ce mouvement du roman, dans cette mécanique de la recherche que l’œuvre de Crébillon prend tout son sens. La réponse que Crébillon apporte au roman se trouve dans l’importance de la mixité des genres. C’est la raison pour laquelle, il était essentiel pour cette étude de considérer l’œuvre de Crébillon dans sa totalité. Le roman crébillonien choisit de se nourrir à la fois du réel et de la fiction, le merveilleux côtoie le sérieux d’une réalité prosaïque, celle de la description quotidienne et instantanée d’une vie. De même la structure générique de ses livres a fait le choix de « l’hybride », de la « bigarrure ». Le roman crébillonien parle tant, que son écriture prolifique semble se déverser sans discontinuer. Pourtant, le silence s’inscrit par endroit, le texte laisse place à des ellipses, des détours sinueux et obscurs. L’écriture crébillonienne a des absences. On le voit bien l’implicite régente cette œuvre qui abrite les contraste les plus extrêmes. Vérité et simulacre sont les mots d’ordre qui président au fonctionnement de cette œuvre. En effet, le roman imite le réel mais dans un même mouvement il livre le secret du processus de cette copie du réel. Le texte dénonce le mensonge qui lui permet d’emprunter les formes de la réalité. Cela dans une perspective théorique et édifiante. En ce sens, si Crébillon met en pratique ce que l’on peut nommer « la culture du trompe-l’œil », l’esthétique de ses romans répond à celle du rococo. Phénomène circonscrit à une époque particulière, esthétique, qui ne fait pas l’unanimité en France et plus encore en littérature que dans les beaux-arts, le rococo est un concept difficile à manier. Pourtant, il nous est apparu nécessaire d’analyser l’œuvre de Crébillon à la lumière du rococo. Sa manifestation est par trop visible. L’alliance de la régularité linéaire et de l’insolite des courbes dans l’architecture textuelle nous permet de justifier son esthétique comme appartenant au style rococo. Tous les siècles ont lu l’œuvre de Crébillon comme l’exaltation de la légèreté et des plaisirs. Le caractère composite de son œuvre, les contrastes extrêmes qu’elle renferme à tous les niveaux, les caprices et les mignardises de sa langue jusque dans le grand miroir dans lequel se réfléchit la machine littéraire en action participent de ce que nous appelons ici une esthétique rococo. Elle est l’aboutissement qui donne un sens au roman crébillonien comme recherche. Nous avons prouvé à l’aide de la figure de l’implicite que l’on pouvait interpréter l’œuvre de Crébillon comme une mise en question de l’univers fictionnel, au sens où se détachent très clairement une poésie et une poétique au sein du romanesque crébillonien. La métafiction, à savoir le caractère autoréflexif de l’œuvre de Crébillon fils, ouvre la voie au roman comme un genre littéraire noble dans la mesure où il émane de lui un art poétique à la fois complexe et précis qui annonce l’avènement du roman moderne.

Samedi 21 octobre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Guizot
17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

  M. Charles-François MATHIS soutient sa thèse de Doctorat :

 Emergence d’une pensée environnementale en angleterre au XIXème siècle

 En présence du Jury :

M. BARJOT (PARIS 4)
M. CHASSAIGNE (TOURS)
Mme GARNETT (OXFORD)
Mme GUILLAUME (BORDEAUX 4)
M. PITTE (PARIS 4)
M. POUSSOU (PARIS 4)

Résumés

Dans les années 1830-1840, sous les effets conjoints de l’industrialisation et de l’urbanisation massive de l’Angleterre, et de la naissance d’une vision de la nature comme paysage, une conception particulière de l’environnement, que nous avons appelée "sentimentale", voit le jour. Théorisée par Wordsworth, elle est d’abord marginalisée dans le deuxième tiers du XIXe siècle, qui est pourtant une période importante de gestation du mouvement environnemental. C’est à partir des années 1870 que cette conception s’impose, à travers d’éclatantes victoires et la multiplication d’associations de défense de l’environnement, comme le National Trust. Mais ce succès amène le mouvement à s’interroger sur certaines de ses contradictions, et à se scinder en deux ensembles, celui des utopistes, refusant la civilisation industrielle et urbaine, et celui des réformateurs, qui cherchent seulement à en encadrer les effets sur l’environnement.

Following the industrialisation and urbanisation of England which started in the mid-18th century, and following the new vision of nature as a landscape, a "sentimental" conception of environment emerged in the 1830s-1840s. It was marginalised until 1870, but this period was nonetheless one of gestation of the environmental movement. From the 1870s onwards, the sentimental conception became pre-eminent in the country, due to the success of the environmental movement and the creation of new environmental organisations, such as the National Trust. But this success led the movement to question its own contradictions, and to be divided into two groups : the utopians, who refused the industrial and urban civilisation, and the reformists, who only wanted to check its impact on environment.

Position de thèse

A partir de la deuxième moitié du XVIIIe siècle, l’industrialisation et l’urbanisation massive de l’Angleterre bouleversent le pays : en quelques décennies, de nouvelles structures économiques et de nouveaux rapports sociaux apparaissent, les modes de vie se modifient, les paysages sont parfois radicalement transformés. Une nouvelle Angleterre est en train de naître, suscitant, de la part des contemporains, enthousiasmes, doutes et questionnements. Parmi ceux-ci, un aspect nous a semblé particulièrement intéressant : celui qui concerne les rapports de l’homme à la nature, profondément modifiés eux-aussi et qui ont fini par donner naissance, en Angleterre, à une conception particulière de l’environnement, que nous avons appelée "sentimentale". Ses conditions de surgissement sont doubles. D’une part, un mouvement débute dans le deuxième XVIIIe siècle, qui mène à une meilleure découverte de la nature anglaise et de ses paysages. Le tourisme connaît un essor remarquable, qu’illustre la veine littéraire nouvelle des guides, lesquels se multiplient au point de devenir plus standardisés, moins personnels, afin de toucher le plus grand nombre. Un intérêt croissant pour l’histoire naturelle, notamment au niveau des classes ouvrières - du moins jusqu’au milieu du XIXe siècle - contribue à cette évolution du regard sur le monde de la nature. Ce nouveau regard naissant se caractérise par son extériorité, laquelle favorise désormais une attention scientifique et esthétique aux espaces naturels. Ceux-ci deviennent ainsi objets d’étude, et, ce qui nous intéresse plus particulièrement ici, objets d’admiration, c’est-à-dire paysages. La connaissance des paysages anglais ne se fait pas toujours in situ : elle est encouragée aussi tant par la littérature que par les représentations picturales. Récits de voyages, poésie de la nature, essais d’histoire naturelle, évocation romanesques de lieux magnifiques : il n’est guère de pan de la littérature anglaise qui échappe à cette fascination pour la nature et qui ne contribue à façonner une façon nouvelle de la voir et de l’apprécier. Quant à la peinture de paysage, préparée par le développement d’un art du jardin propre à l’Angleterre, elle œuvre aussi pleinement à cette esthétisation du regard sur la nature. Elle est, dès ses débuts, fortement influencée par la catégorie esthétique du pittoresque, telle qu’elle a été définie par William Gilpin. Si, au cours de la vaste période que nous avons couverte, cette peinture évolue bien entendu largement, s’attachant de manière croissante, par exemple, à un certain réalisme, son histoire est avant tout celle d’une double affirmation, artistique et nationale. Artistique, car il s’agissait, au départ surtout, de donner à la peinture de paysage ses lettres de noblesse. Nationale, car on souhaitait faire de ce domaine un art suprême, et propre à l’Angleterre, ce qui passait notamment par la représentation des lieux les "plus anglais" qui soient. C’est ce mouvement qui a contribué à faire passer le terme pittoresque de son acception initiale - "ce qui est agréable en peinture" - à la signification plus généralement admise dès le premier tiers du XIXe siècle : ce qui est typiquement anglais.
Cette découverte et esthétisation de la nature anglaise en paysage s’accompagne ainsi d’une forme de patriotisme, attaché justement à des paysages particuliers dont on pense qu’ils incarnent les valeurs de la nation. S’élabore de cette manière une image particulière du paysage anglais par excellence : prés vallonnés, bosquets et haies, moutons et vaches paissant, rivières méandreuses et calmes, ruines éparses. Le paysage anglais type est un lieu de paix et d’harmonie, d’ordre et de variété, dont l’homme est le gardien, et qui s’inscrit dans une continuité, une tradition. Des peintres comme Constable ou, plus tard, Birket Foster contribuent à ancrer cette image particulière dans les esprits. Quant à la Région des Lacs, qu’on ne peut pourtant réduire à un simple paysage pittoresque, elle finit par prendre valeur de symbole national pour le pays tout entier. Cet élément de fond, qui couvre toute la période, n’empêche pas le développement d’une tendance lourde, qui mène à une plus grande diversité du goût paysager des Anglais. De nouveaux types de paysages, comme ceux de landes, par exemple, finissent par être appréciés à leur tour, sans pour autant remplacer, dans l’imaginaire national, les spectacles naturels pittoresques. Cette diversification s’accompagne d’une régionalisation des goûts et descriptions, à l’œuvre notamment dans la vogue des romans régionalistes dans le dernier tiers du XIXe siècle, ou dans l’engouement pour l’Ecosse, favorisé par Victoria et Albert, et par Landseer, leur peintre attitré.
La prégnance de la vision pittoresque d’un paysage anglais idéalisé ne peut s’expliquer sans référence à l’urbanisation et à l’industrialisation, qui ont mis en place les structures sociales, physiques et culturelles indispensables à son installation. Pourtant, il a fallu du temps aux contemporains pour percevoir la mesure des changements apportés par ces deux phénomènes. Si, dès la première phase de la révolution industrielle, entre 1780 et 1830, on réagit vivement aux modifications qu’elle apporte, ces résistances restent ponctuelles, et ne conçoivent l’industrialisation que comme un phénomène de même nature que les précédentes innovations techniques. Sa radicale nouveauté, sa pérennité, et surtout la globalité des bouleversements qu’elle porte en son sein, n’ont pas été perçus tout de suite : longtemps, on l’a cru réversible au profit de l’ordre ancien. Ce n’est qu’au tournant des années 1830-1840, alors que la visibilité du phénomène industriel s’accroît, qu’une compréhension plus juste commence à se faire jour, au travers des écrits de Carlyle, Southey ou des réflexions sur le "système industriel" ("factory system"). Les réactions tant du Parlement que des ouvriers chartistes dans les années 1840 témoignent de cette prise de conscience nouvelle. Une crainte s’impose alors, pour qui considère le paysage pittoresque comme l’essence même des valeurs de la vieille Angleterre : celle de l’uniformité. Car l’Angleterre de la modernité s’incarne elle aussi dans des paysages spécifiques, elle impose également sa propre géographie. Un conflit parfois latent, souvent furieux, entre ces deux visages d’une même nation - face rurale contre masque de l’industrie, dont les traits se définissent l’un par rapport à l’autre - se déroule donc tout au long du XIXe siècle. Les modalités de ce combat, et les solutions que les contemporains ont tenté d’y apporter, varient selon les lieux, les moments ou les types de pollution. Différentes stratégies d’acceptation de la modernité ou de conciliation des deux mondes sont proposées : quête de respectabilité pour Coalbrookdale et Manchester, à travers la constitution de mythes fondateurs de la puissance anglaise ; abandon à leur sort des terres perdues que sont le Black Country ou le Merseyside, ces "cœurs des ténèbres" voués à la désolation au nom des intérêts vitaux du pays ; tentatives de conciliation pour Middlesbrough ou Swansea, dont les ambiguïtés - miracle de la croissance et banalité du site original pour la première, beauté des environs et innocuité de sa pollution pour Swansea - servent à amoindrir les critiques portées sur les destructions naturelles dont ces villes sont la cause. L’essentiel reste pourtant dans ce déplacement du regard que ces mouvements ont opéré. L’homme n’est plus dans la nature : il porte désormais sur elle un regard extérieur, qui permet la représentation en art, ou l’analyse scientifique. Cette séparation, souvent douloureuse, s’accompagne d’une puissance de destruction sans précédent : l’ombre de l’uniformité industrielle plane désormais sur les paysages riants de la vieille Angleterre idéalisée. Il peut dès lors être question de la protéger, de sauver ce qui reste d’un monde à la dérive. Cette vigilance nouvelle, qui s’impose à certains en ce tournant essentiel des années 1830-1840, est porteuse d’une conception inédite de l’environnement.

C’est à Wordsworth que revient le soin de l’expliciter le plus clairement. Poète des Lacs, il donne à cette région sa place symbolique dans l’imaginaire national anglais. Il est aussi le penseur de cette séparation douloureuse de l’homme et de son environnement, qu’il sait irréparable. La tâche qu’il se donne pourtant est de réduire autant que possible le fossé nouveau qui s’est établi entre l’humanité et le monde naturel. Pour cela, il veut apprendre à ses contemporains à voir et à ressentir l’infinie beauté des paysages qui les entourent, en particulier dans le Domaine des Lacs. C’est l’objectif premier de son célèbre guide, dans lequel il développe une pensée environnementale déjà relativement élaborée, insistant sur l’harmonie de la cohabitation entre les hommes de cette région et la nature qui les entoure. Son engagement contre la ligne de chemin de fer de Kendal à Windermere s’inscrit donc dans la logique de ses réflexion et écrits antérieurs. Il finit ainsi par poser les bases de ce que nous avons appelé une conception sentimentale de l’environnement. Fondée sur la triple alliance de valeurs spirituelles, nationales et esthétiques, elle considère en effet qu’il convient de préserver certains espaces naturels car, en tant que paysages, ils sont porteurs d’une certaine définition de l’identité nationale anglaise et donnent accès à une forme de transcendance. Parallèlement à cette élaboration intellectuelle, promise à un brillant avenir, les premiers mouvements de protection des espaces verts débutent, autour de la défense des droits de passage sur les sentiers ruraux aux abords des grandes villes. Ce combat s’élargit avec la publication en 1833 du rapport du Select Committee on Public Walks qui fait le constat du manque d’espaces verts pour les populations citadines, et en particulier les plus pauvres. Jusqu’aux années 1860, les tentatives pour pallier ce problème se multiplient, dans un certain amateurisme : créations de squares et de jardins, et surtout ouvertures de parcs dans les grands centres urbains, protection des espaces verts autour des villes, entreprises utopiques soit de réconciliation de la ville et de la campagne, soit de retour à la terre. Avec la création de la Commons Preservation Society (CPS) en 1865 et l’institutionnalisation progressive de la création de parcs par une législation appropriée, ce mouvement entre dans une phase de professionnalisation. La CPS surtout, même si elle ne s’appuie pas ouvertement sur la conception environnementale sentimentale et préfère mettre en avant les raisons sanitaires de son action, joue ainsi un rôle clé dans la sensibilisation de l’opinion publique victorienne aux questions d’environnement, et dans l’organisation du mouvement de protection de la nature. Cette évolution vers une plus grande professionnalisation et efficacité des combats environnementaux se retrouve au niveau des luttes contre la pollution, qui, jusqu’aux années 1870, sont séparées des actions en faveur de l’environnement naturel proprement dit. Les tentatives pour enrayer les pollutions tant atmosphériques qu’aquatiques se heurtent à de multiples résistances : il est parfois difficile de mesurer précisément la pollution, on met en doute la nocivité de certains gaz ou des fumées de charbon, les techniques pour réduire ces nuisances ne sont pas encore au point, les pouvoir publics refusent parfois de s’investir dans ce combat, notamment par crainte d’entraver le développement des industries du pays, et donc la prospérité de la nation dans son ensemble. Certes, le désastre environnemental est souvent tel que des mesures s’avèrent nécessaires : dès les années 1840, quelques règlements locaux sont votés dans certaines municipalités industrielles pour tenter d’enrayer les émissions de fumée, et, en 1853, Palmerston parvient à obtenir le vote d’une loi allant en ce sens pour Londres. En ce qui concerne la pollution aquatique, elle est encore aggravée par les mesures sanitaires visant à l’installation d’égouts dans les villes : les eaux usées se mêlent aux eaux polluées des industries pour transformer les rivières du pays en véritables cloaques. Là encore, les résistances aux mesures d’amélioration sont nombreuses. Il faut attendre le retour du choléra à la fin des années 1840 pour qu’au moins l’on commence à se soucier de la qualité de l’approvisionnement en eau de la capitale. Mais les problèmes majeurs restent irrésolus. Ce n’est donc pas avant la fin des années 1850, voire au cours de la décennie suivante, que les évolutions les plus décisives se produisent. Les grands travaux de Bazalgette à Londres en sont un premier exemple. Plus globalement, l’incroyable multiplication de rapports du Parlement sur la question des pollutions atmosphériques et aquatiques permet de mieux mesurer l’ampleur des ravages et de lever ou de fragiliser certaines des résistances techniques, sociales et culturelles que nous avons notées. Là encore, c’est à une professionnalisation de l’approche du problème que l’on assiste. Il est trop tôt pour que les pouvoirs publics, encore trop attachés aux destinées industrielles du pays, agissent véritablement. Mais au moins les consciences commencent-elles à s’éveiller, et les propositions de solution à gagner en crédibilité. Ainsi, cette période qui s’étend des années 1830 à la fin des années 1860, peut-elle être considérée comme une phase de gestation du mouvement environnemental. Certes, il y est peu question de la conception sentimentale telle que Wordsworth l’a développée. Celle-ci reste pourtant partagée par la majorité des défenseurs de la nature, même s’ils ne la mettent pas forcément en avant, lui préférant l’argument sanitaire, plus porteur. Leurs menées, et celles des réformateurs luttant contre les pollutions, sensibilisent l’opinion publique aux problèmes environnementaux du moment, et préparent le terrain au grand réveil des années 1870.

Cette décennie est en effet celle de l’essor du mouvement environnemental. Avec le succès rencontré par la CPS dans la protection de la forêt d’Epping en 1874, le vote d’un Public Health Act en 1875, le ralliement d’Octavia Hill à la protection des espaces verts et la création de la Kyrle Society qui s’ensuit, les controverses de Windermere et de Thirlmere dans la Région des Lacs en 1876-1878, ou la fondation de la Society for the Protection of Ancient Buildings en 1877, les signes de cet éveil se multiplient. Le mouvement environnemental semble soudain s’affirmer comme jamais auparavant : il gagne des batailles importantes, s’impose aux pouvoirs publics et à ses adversaires "pragmatiques" comme un interlocuteur indispensable, se fait mieux connaître et apprécier de l’opinion publique anglaise, et surtout précise sa position idéologique : c’est alors que la conception sentimentale de l’environnement est remise en avant, les affaires de Thirlmere et de Windermere jouant un rôle absolument capital sur ce point. Elle est partagée par tous les acteurs du mouvement, lequel s’étoffe par la suite. De nouvelles associations apparaissent en effet : la Metropolitan Public Gardens Association est créée en 1882, la Selborne Society en 1886, la Society for Checking the Abuses of Public Advertising en 1893. Ce succès, qui porte aussi en lui un risque de dispersion, mène à la mise en place, en 1895, du National Trust, qui essaye de fédérer ce mouvement et installe plus que jamais la conception sentimentale au cœur de son action. Il n’y a pas jusqu’à l’écologie naissante qui ne soit influencée, beaucoup plus qu’on a voulu le dire, par cette idéologie et par la mouvance environnementale.
Cet essor remarquable est soutenu, jusqu’à la Première Guerre mondiale, et même au-delà, par un rejet de l’idéologie du "tout-industriel", de plus en plus répandu dans la population anglaise. La persistance de problèmes sociaux et environnementaux graves, l’horizon économique qui semble s’assombrir, amènent en effet les Victoriens de la fin du siècle à rechercher à nouveau dans la nature une solution à leurs angoisses du moment. Cette vague de fond s’exprime tout aussi bien dans la littérature que dans des expérimentations politiques de retour à la terre, et elle contribue évidemment aux succès du mouvement environnemental.
Ceux-ci contrastent fortement, du moins dans les années 1870, avec la relative stagnation du combat contre la pollution, qui se heurte toujours à la timidité des pouvoirs publics, et à des résistances culturelles qui ne faiblissent presque pas. Cette constatation, et le décalage croissant entre les deux mouvements, explique sans doute qu’ils aient entrepris, jusqu’en 1914, un début de rapprochement. Celui-ci s’opère également en raison d’une certaine réorientation stratégique de la part des défenseurs de la nature. Jusqu’à présent, l’essentiel du combat reposait sur l’idée d’une possible discrimination spatiale, entre paysages à préserver et lieux à abandonner à l’industrie. Cette idée était elle-même fondée sur un double présupposé : la pollution pouvait être contenue, circonscrite dans des espaces restreints ; certains paysages avaient plus de valeur que d’autres. Or, tant l’évolution du goût paysager anglais que la meilleure connaissance des pollutions et de leur ampleur ont peu à peu miné la validité de ces postulats. La stratégie de sanctuarisation n’est pas abandonnée pour autant, car elle conserve malgré tout une certaine pertinence, comme l’action du National Trust le prouve. Mais elle ne peut plus être considérée comme suffisante, et surtout, il devient impossible pour les défenseurs de la nature de continuer à travailler dans l’ignorance complète de leurs collègues œuvrant pour limiter la pollution. C’est pourquoi ces différents acteurs entament un rapprochement, encore timide, mais qui porte tout de même ses fruits, ne serait-ce qu’à travers l’action du Fog and Smoke Committee, dirigé conjointement par Octavia Hill et Ernest Hart. Tous les obstacles ne se lèvent pas pour autant, et ce n’est qu’au début du XXe siècle que prennent place de timides améliorations dans la qualité de l’air de certaines grandes villes comme Londres, par exemple.

Le succès du mouvement environnemental apporte inévitablement avec lui un certain nombre de remises en question, ou plutôt, il impose des éclaircissements sur des points que la relative marginalité de ce mouvement permettait auparavant de laisser dans l’ombre. De nombreux débats le traversent ainsi. L’un des principaux points de division concerne le type de préservation à adopter, et sépare les plus sentimentaux des plus réalistes : préserver un espace, est-ce y interdire toute interférence de l’homme, ou le maintenir en l’état, ce qui implique nécessairement une intervention anthropique ? Plus généralement, c’est la contradiction entre les différents usages d’un même espace - sportifs, agricoles, récréatifs - qui pose problème. Un autre domaine d’interrogation porte sur la capacité des êtres humains à apprécier l’environnement naturel. Est-elle innée ? Peut-elle être apprise ? Si l’on se partage parfois fondamentalement sur ces questions, tout le monde convient de la nécessité d’une éducation, particulièrement en direction des enfants et des ouvriers, pour raffiner les mœurs anglaises et répandre dans la population le goût et le respect des espaces verts. Vacances, cours du soir, manuels d’histoire naturelle, randonnées organisées, musées, tout est mis à profit pour mener à bien cette tâche. Celle-ci semble d’autant plus nécessaire qu’une dernière aporie semble à même de paralyser le mouvement environnemental : faut-il préserver certains lieux pour le peuple, ou du peuple ? Car on se rend compte bien vite que la fréquentation massive de certains espaces par une population devenue avide de ce type de délassement peut menacer à terme ces mêmes endroits. Ce problème s’avère d’autant plus ardu que certains habitants locaux - dans le Domaine des Lacs, par exemple - sont prêts à courir ce risque au nom du développement économique de leur région, et n’hésitent pas à s’opposer aux défenseurs de l’environnement, considérés en l’occurrence comme des outsiders.
Néanmoins, le débat le plus lourd de conséquences concerne le type d’avenir que l’on souhaite offrir à l’Angleterre. Une ligne de fracture traverse ainsi bien vite l’ensemble du mouvement, autour de l’acceptation ou non de la civilisation industrielle née à la fin du XVIIIe siècle. Les plus modérés et réalistes l’acceptent pleinement, et cherchent seulement à l’amender par leur action, laquelle rencontre dès lors un succès réel ; les plus utopistes, au contraire, refusent absolument une telle compromission avec un âge qu’ils jugent, en son fondement même, destructeur pour l’humanité de l’homme, et appellent au retour à un âge d’or rural largement idéalisé. Cette distinction nous semble tout à fait centrale pour bien situer le combat environnemental dans son temps. Certains historiens, parmi lesquels Peter Mandler par exemple, ont voulu minimiser le rôle des défenseurs de l’environnement, en ne voyant en eux qu’un groupe de marginaux réfractaires à toute modernité et isolés dans une société largement acquise au progrès. Or, si cela est vrai du groupe des utopistes, on ne peut l’affirmer lorsqu’on considère les modérés, parfaitement intégrés à un système social et politique qu’ils dominent largement, et qu’ils parviennent à influencer pour arriver à leurs fins environnementales. En outre, ces deux groupes font preuve en leur sein d’une relative diversité. Les modérés, qui réunissent toutes les associations de protection de la nature dont nous avons parlé, sont unis par des liens géographiques, amicaux, familiaux parfois, par une idéologie partagée, et par une appartenance commune aux classes moyennes et supérieures. Pourtant, des clivages sont sensibles, ouvrant tout un éventail d’attitudes, allant du libéralisme radical de la CPS, qui intervient essentiellement dans le domaine légal, au sentimentalisme de la Selborne Society, plus soucieuse d’éducation et d’information. Des tensions ne manquent pas de surgir entre ces diverses associations, même si elles sont généralement tues ou cachées. La Kyrle Society et la MPGA ont ainsi entretenu des rapports tendus, tandis que la CPS a plutôt retardé que favorisé la création du National Trust. Toutefois, malgré ces divisions, c’est l’union qui prévaut, ne serait-ce que pour s’assurer de faire front commun dans les combats toujours nombreux qu’il faut mener.
Quant aux utopistes, ils sont en un sens plus dispersés, puisqu’ils ne s’organisent qu’autour de quelques figures charismatiques : John Ruskin, fondateur de la Guilde de St George, William Morris, auteur des News from Nowhere, Edward Carpenter, maître à penser de toute une mouvance anarchiste et incarnation du rejet des valeurs victoriennes, ou Robert Blatchford, créateur du journal The Clarion, et théoricien d’un socialisme sentimental qui lui vaut, un temps, les faveurs de la classe ouvrière anglaise.
Entre ces deux groupes, séparés par un fossé idéologique clair et nettement défini, des passerelles existent. Certains parcours individuels, comme ceux de William Morris, de Thomas Hughes ou même d’Edward Carpenter brouillent quelque peu les repères et semblent osciller d’un monde à l’autre. Plus fondamentalement, l’expérience des cités-jardins paraît réunir, dans son inspiration, des héritages à la fois utopistes et réformistes. L’idéal proposé par Ebenezer Howard est aussi remarquable en ce qu’il souhaite offrir une réponse viable au déchirement entre l’homme et la nature qui a tant traumatisé l’Angleterre du XIXe siècle.

Samedi 13 novembre
14 h
Institut d’études ibériques, salle Delpy
31, rue Gay Lussac
75005 Paris

 Mme Corinne CRISTINI soutient sa thèse de doctorat :

 Emergence et rôle de la photographie dans la littérature espagnole de 1839 au début des années 1870

 en présence du Jury :

M. LAKHDARI (PARIS IV)
M. RALLE (PARIS IV)
M. TENA (MONTPELLIER III)
M. TERRASA (AIX-MARSEILLE I)

Lundi 3 octobre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Kyoko YOSHIZAWA soutient sa thèse de doctorat :

 Enseignement de la musique traditionnelle à l’école aujourd’hui - Approche historique et application de terrain à travers l’exemple de l’enseignement du Galoubet

En présence du Jury :

M. MIALARET (Paris 4)
Mme ALTEN (Paris 4)
M. GOSSELIN (Tours)
M. BOUDINET (Paris 8)

Jeudi 1er décembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

M. François MADURELL son Habilitation à diriger les recherches :

 Enseignement musicologique et cognition musicale

En présence du Jury :

Mme PISTONE (Paris 4)
M. BILLIET (Paris 4)
M. CASTANET (Rouen)
M. GOSSELIN (Tours)
M. MIALARET (Paris 4)
M. VECCHIONE (Aix-Marseille 1)

Samedi 6 décembre
13 heures 30
Centre Malesherbes, salle 322
108, bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Anne VIDEAU soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Entre élégie et épopée, l’oeuvre ovidienne

 en présence du Jury :

M. BARATIN (LILLE III)
Mme DANGEL (PARIS IV)
M. DEREMETZ (LILLE III)
Mme GALAND-HALLYN (PARIS IV)
M. LAURENS (PARIS IV)
M. LEVY (PARIS IV)
M. WOLFF (PARIS X)

Mardi 12 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Centre Roland Mousnier, Esc. G, 2ème étage
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Anne LAFRAN soutient sa thèse de Doctorat :

 Entre ciel et terre.Exègèse, symbolique et représentations de la pendaison de Judas Iscariote au Moyen-Age (XIIe-XIVe siècles)

 En présence du Jury :

M. BOUREAU (EHESS)
Mme CROUZET-PAVAN (PARIS 4)
Mme LECLERQ (PARIS 4)
M. LONGERE (CNRS)
M. SOT (PARIS 4)

 Résumés :

Épisode anecdotique du Nouveau Testament, la pendaison de Judas s’est imposée dans la tradition patristique comme un thème récurent. Au Moyen Âge, le suicide est condamné comme péché par l’Église et comme crime par les pouvoirs civils ; il est un tabou, qui n’a pas encore de nom. Le suicide de Judas, au contraire, parce qu’il est symbolique et exemplaire, est commenté, interprété et représenté. Il témoigne de l’hostilité généralisée des mentalités médiévales face à la mort volontaire, la « male mort », mais aussi de la stigmatisation de ceux qui se sont désolidarisés du corps social et des valeurs chrétiennes et qui sont voués à la même mort que Judas, perçue non plus comme suicide mais comme châtiment. Cette étude se propose d’explorer les représentations, les interprétations du suicide de Judas et leur déclinaison et de montrer comment ce thème sert, au-delà de la condamnation du suicide, l’effort de normalisation de la société, la construction des pouvoirs civils, la montée de l’antisémitisme, tout en témoignant aussi d’une meilleure connaissance de l’intériorité, caractéristique de l’Humanisme médiéval.

Judas’ hanging, anecdotal episode from the New Testament, asserted itself as a recurrent topic in patristic tradition. During the Middle Age, suicide is reproved as a sin by the Church and as a crime by civil authorities ; it is a yet nameless taboo. On the contrary, Judas’ suicide, because it is symbolic and exemplary, is annotated, interpreted and pictured. It shows general hostility from medieval mentalities towards self-willed death, the “male mort”, as well as stigmatization of those who have dissociated from social entity and Christian moral values and who are doomed to the same death as Judas, not anymore considered a suicide but a punishment. The present study has in view to explore Judas’ suicide pictures, interpretations and their declensions and to point out how this topic serves, beyond suicide’s condemnation, the society normalisation effort, the civil authorities’ construction, the anti-Semitism rising, while showing a better knowledge of interiority, characteristic of medieval Humanism.

 Position de thèse :

Jamais Judas n’a autant été d’actualité. La « découverte » de l’ Évangile de Judas et sa publication dans le National Geographic en est sans doute le fleuron. Cet événement est à la fois fondateur et révélateur, car les publications qui se multiplient ces derniers mois ne suivent pas seulement l’actualité éditoriale et scientifique, mais aussi un « air du temps ». En effet, l’intérêt actuel que l’on porte à Judas est né avant tout de la nécessaire réévaluation de cette figure aux lendemains de la seconde guerre mondiale. Les publications se sont alors multipliées, plus littéraires, philosophiques, ou théologiques, qu’historiques. Depuis 1945, l’historiographie s’est néanmoins intéressée à Judas comme figure du Juif ou du Bouc émissaire, mais dans une perspective trans-historique. Pour la période médiévale, les angles d’approche et les problématiques ont aussi changé, comme en témoignent la majorité des contributions, éditées ces dernières années dans les revues spécialisées.
La mort de Judas a, quant à elle, peu été étudiée de manière systématique et approfondie, victime sans doute du tabou, qui toucha aussi pendant longtemps l’histoire du suicide. Ce sont les iconographes qui les premiers levèrent l’interdit en se penchant sur ses représentations, non plus dans une perspective exégétique, comme le faisait l’historiographie ancienne, mais comme témoin des mentalités. C’est dans cette approche que nous voulons nous situer en étudiant les représentation, les déclinaisons et les interprétations de la mort de Judas et ce qu’elles révèlent sur les sociétés occidentales des XIIe-XIVe siècles. Curieusement, la mort de Judas n’est évoquée que deux fois dans le Nouveau Testament. Le remords du traître et son suicide n’apparaissent ni dans l’Évangile de Marc, ni dans celui de Luc, ni dans celui de Jean, qui n’a pourtant de cesse de présenter l’apôtre félon sous un mauvais jour. Quant aux deux sources néo-testamentaires, elles ont longuement prêté à discussion, car elles ne sont pas concordantes et semblent même représenter deux traditions indépendantes : en effet, tandis que Matthieu décrit indéniablement un suicide par pendaison (Mt 27, 3-8), les Actes rapportent une mystérieuse éviscération (et suspensus crepuit medius, Actes 1, 18) dont les causes ne sont guères explicites et qui n’implique pas forcément le suicide. De fait, cet épisode anecdotique de la mort de Judas, relaté de façon marginale et sous des versions différentes chez Luc et Matthieu, s’est pourtant imposé dans la genèse du christianisme et par la suite dans la tradition patristique. Par delà la nécessité sotériologique d’un traître, il existe donc une nécessité du suicide et du châtiment de ce traître. Cette mort infâme appartient à la logique de la rétribution : repentir avorté, elle atteste la vérité et la divinité du Christ ; châtiment, elle illustre de manière éclatante l’immanence de la justice divine ; mort sans fin, car elle mène à la damnation, elle apparaît aussi comme l’envers de la victoire du Christ sur la mort. Dès les origines, la mort de Judas apparaît donc comme un épisode nécessaire et fondateur du christianisme. À partir du XIIe siècle, le personnage de Judas connaît une popularité sans précédent, sans doute parce qu’il entre massivement dans la culture profane par le biais de la légende, mais aussi parce que la figure est réinvestie par les préoccupations du moment : normalisation de la société, construction des pouvoirs temporels, lutte contre les déviances, montée de l’antisémitisme. Il s’inscrit aussi dans le renouveau d’une dévotion tournée vers l’Humanité du Christ et sa Passion, dans l’exaltation de la pauvreté ranimée par les ordres mendiants à partir du XIIIe siècle et la pédagogie de la confession et de la bonne mort dispensée par l’Église aux XIIIe et XIVe siècles. Le suicide du traître, symbolique de la double atteinte qu’il porte au divin et au pouvoir, prend une importance particulière à une époque où le lien social est cimenté par la fides. Son prénom devient au XIIIe siècle un substantif et son baiser une expression proverbiale. Judas, parangon du traître, symbolise les ennemis les plus dangereux du corps social : les félons, les ennemis de l’intérieur, que l’on voue à la même mort que Judas, archétype de la mort ignoble et inquiétante. Inquiétante, car au-delà de l’argument augustinien du « non occides », elle est un péché contre la charité que chacun se doit à soimême, péché d’injustice contre la société à laquelle l’homme appartient et péché sacrilège vis-à-vis de Dieu qui donne la vie. La condamnation de Thomas d’Aquin est partagée par toute la société : le suicide est un crime, le désespoir un péché et le suicidé un damné.
L’évocation de la mort de Judas sert donc une double cause : la stigmatisation de ceux qui choisissant la mort, se sont désolidarisés du corps social, mais aussi la pastorale de la bonne mort, invitant les croyants à se repentir, et à se confesser , pour éviter la damnation éternelle. Le suicide de Judas, c’est la rencontre de deux tabous et elle n’est pas fortuite : le pire des pécheurs meurt de la mort la plus détestable qui soit. Une des questions majeures et problématiques de notre travail est de mesurer l’importance des deux thèmes : le suicide est-il condamné, parce qu’il est la mort de Judas ou bien Judas est-il d’autant plus condamné qu’il s’est suicidé ? Quelle est la place de Judas dans la condamnation du suicide ? Et vice-versa, comment s’inscrit le suicide dans le réquisitoire contre Judas ?
Par ailleurs, les représentations de la mort de Judas changent au tournant du XIIIe siècle, intégrant de plus en plus souvent l’éviscération rapportée dans les Actes : ces changements révèlent sans doute un changement profond dans la perception du suicide, mais aussi de Judas, dont l’image se dégrade au cours de notre période. À quoi correspondent ces représentations dans l’inconscient collectif ? Que nous révèlent -elles des mentalités et des pratiques ? Pourquoi et comment les interprétations et les formes de la pendaison se modifient-elles pendant notre période ? Au service de quoi ou de qui ?
Au détriment de l’exhaustivité, j’ai pris le parti d’une étude transversale des représentations de la pendaison de Judas, au carrefour de sources ecclésiastiques aussi diverses que les commentaires exégétiques, les traités doctrinaux, les sommes et opuscules, les sermons, les homélies, les exempla, sans négliger l’iconographie et la littérature, où je me suis limitée au domaine religieux, privilégiant les légendiers, les miracles, les premières Passions. Une étude complémentaire de certaines sources juridiques, concernant le suicide, l’exécution des traîtres, mais aussi les actes de donation ou héritages, souvent protégés par des formules comminatoires rappelant la mort de Judas, l’étude systématique des mentions cursives se rapportant à sa mort dans la littérature épique, les chroniques et même la littérature courtoise, où les héros sont toujours cernés par des traîtres et où la mort est toujours élevée en modèle, aurait apporté un éclairage intéressant à l’étude. J’ai cependant privilégié les sources religieuses, où le motif est plus récurrent, aussi parce qu’au Moyen Âge, la religion est plus que jamais la « manière de penser propre à l’être collectif. »
Judas s’est-il bien suicidé ? Dans le Nouveau Testament, la mort de Judas est déjà présentée comme l’accomplissement des Écritures ; au Moyen Âge, cette prédestination est renforcée par l’exégèse et la légende. Le suicide de Judas s’inscrit donc dans une réflexion théologique et philosophique sur le libre arbitre. Est-on libre de se tuer ? Peut-on penser même cette liberté ? Cette question s’inscrit dans le conflit entre la pensée déterministe et l’émergence d’une nouvelle conscience de l’autonomie humaine à partir du XIIe siècle. C’est tout le problème de la responsabilité de Judas qui se joue ici et qui fait l’objet de notre première partie.
Nous présenterons dans un premier temps un aperçu des mécanismes de cette pensée déterministe, teintée d’augustinisme et de néoplatonisme et nous verrons comment elle s’applique à Judas. Ce dernier est la victime d’un Fatum, une parole fatale, qui n’est autre que l’accomplissement des Écritures. Son « destin » y est inscrit : dans le Nouveau Testament, avec la malédiction christique, mais aussi dans les prophéties de l’Ancien Testament (Jérémie, Zacharie ou le psaume 108) et les correspondances typologiques (Caïn ; Ahitophel) et enfin avec son nom même dont l’étymologie annonce la trahison et la mort. Cette prédestination « savante » est renforcée par le fonds légendaire, en particulier la légende oedipienne apparue au XIIe siècle et popularisée au XIIIe par Jacques de Voragine. Sa naissance sous le signe de la prophétie et le récit incestueux, recours fréquent de l’hagiographie médiévale, ancre son destin et sa malédiction dans la corporéité, faisant de lui un pécheur naturel. Ce destin ne peut alors s’achever que dans une mort exemplaire et par la destruction du corps. La prédestination pose pourtant problème aux docteurs de l’Église : Dieu peut-il prédestiner au Mal ? La Providence dont le but final est le Salut universel peut-elle vouloir le péché ? Les Pères de l’Église, jusqu’à Augustin, répondent par la négative. Avec la redécouverte de l’Éthique d’Aristote au XIIIe siècle, la liberté devient plus que jamais le fondement absolu de toute morale. Ainsi, même si tout concourt à prédestiner Judas à la trahison et au suicide, à le déposséder donc de sa propre mort, les clercs défendent le principe de libre arbitre et donc la responsabilité de Judas. Mais leur effort est concurrencé par la croyance en un Diable tout puissant. Dans le cas du traître, l’emprise démoniaque est d’autant plus forte que Judas a été possédé (Lc 22, 3 ; Jn 13, 12 ; Jn 13, 26), ce qui pose bien des problèmes d’interprétation. Si l’intervention de Satan ne concerne à l’origine que la trahison, dès l’époque patristique et plus encore au Moyen Âge, le Diable intervient activement dans l’épisode du suicide. Celui-ci n’apparaît donc pas comme une mort volontaire, mais comme un piège diabolique, comme le racontent de nombreux exempla et légendes médiévales. Le rôle du Malin est particulièrement manifeste dans l’iconographie, où des démons apparaissent, tirant la corde à partir du XIIIe siècle ou extirpant l’âme de Judas à partir du XIVe. L’apôtre déchu apparaît donc sous une triple emprise (Dieu, le Destin et le Diable), victime de forces obscures qui le dépassent et le manoeuvrent et qui font l’objet de notre première partie. La mort est un miroir : on meurt comme on a vécu. Aussi la mort de Judas apparaîtelle dans la littérature ecclésiastique comme la « male mort ». Deux tendances (qui parfois cohabitent) se dessinent alors : l’une inspirée de la tradition johannique, présente Judas comme un personnage foncièrement mauvais et son suicide comme l’aboutissement d’un processus peccamineux et mortel, l’acmé du péché ; l’autre fait du suicide le fruit du désespoir et le pire des péchés. Dans les deux cas, il apparaît comme une mort archétypale, un châtiment auquel on voue tous les pécheurs. Le réquisitoire contre Judas se décline alors en quatre arguments principaux :
-L’argument moral : la cupidité, véritable racine du mal, entraîne derrière elle une kyrielle de péchés qui aboutissent au suicide. La figure de Judas est associée à celle du simoniaque ou de l’usurier et sa mort est présentée comme le châtiment de l’Avarice, qui détrône l’Orgueil à la tête des sept péchés capitaux à partir du XIIIe siècle.
 L’argument politique : comme prototype du traître, faux ami et faux disciple, Judas a une signification politique évidente. Il est le félon que redoutent les sociétés féodales et les royautés en voie d’élaboration (d’autant plus sacrilège au XIIIe siècle que se construit la notion de Royauté sacrée sur le modèle du Christ). Judas apparaît comme le contrepoint absolu des valeurs chevaleresques et courtoises et sa mort, comme un châtiment mérité et une mort honteuse, antithèse de la mort du héros.
 L’argument psychologique : le remords de Judas apparaît chez Matthieu (27, 3-4) sous la forme d’une confession : « Judas qui l’avait livré, voyant qu’il était condamné, fut pris de remords (poenitentia ductus) et rapporta les trente pièces d’argent aux grands prêtres et aux anciens : « J’ai péché, dit-il, en livrant un sang innocent. » Or, il y a une ambiguïté fondamentale sur le terme même de pa(o)enitentia : le mot qualifie souvent au Moyen Âge le repentir proprement dit, qui implique la possibilité d’un rachat, mais aussi le remords, forme exacerbée du désespoir. La logique du remords mène au désespoir et la logique du désespoir, c’est le suicide ! De nombreux auteurs expliquent, de façon parfois très subtile, ce qui distingue le remords du repentir et affirment très souvent à cette occasion que Judas aurait pu être pardonné s’il n’avait pas désespéré de la miséricorde de Dieu. Le suicide apparaît donc ici, non plus comme l’aboutissement logique d’une vie de péchés, mais comme le pire des péchés, le péché irrémédiable, irrévocable.
 L’argument théologique : en renonçant à la vie et en rejetant le don de Dieu fait à l’homme, Judas commet le pire crime de la hiérarchie peccamineuse : le péché contre l’Esprit, un péché qui associe Judas, ainsi qu’une majeure partie des suicidés, à l’« insipiens » du psaume 52, le fou, l’incroyant, qui « a dit en son coeur : Plus de Dieu ! » (Ps 52, 1). La figure de Judas flirte donc aussi avec l’athéisme et pose la question de l’incroyance médiévale, écornant les conclusions de Lucien Febvre. Cette seconde partie nous permettra d’étudier l’argumentaire contre le suicide, l’analyse de ses causes, que l’Occident médiéval place autant dans la catégorie morale que psychologique, et le système de valeurs que sous-tend cette réprobation et dont Judas incarne l’opposé.
La pendaison de Judas apparaît donc le plus souvent comme une mort « méritée », un juste châtiment. La forme même de son suicide (une pendaison), les circonstances qui l’accompagnent (l’éventration), la damnation éternelle qui s’en suit, en font davantage une exécution qu’une mort volontaire. Bien plus qu’un châtiment, la mort de Judas apparaît comme la mort au sens chrétien du terme, la mort spirituelle, la mort sans fin, la damnation. C’est à cette mort que l’on voue au Moyen Âge tous les déviants, les ennemis de l’Église et de la société, en particulier les Juifs dont le sort ne cesse de s’aggraver au cours du XIIIe siècle. Judas, figure du bouc émissaire, joue à ce titre un rôle essentiel comme archétype.
Sur le plan iconographique, la représentation du suicide est un tabou hier comme aujourd’hui. Néanmoins le suicide de Judas acquiert de plus en plus de visibilité au cours du XIIIe siècle et surtout du XIVe siècle et connaît une évolution très nette dans ses formes. En effet, ce dernier est de plus en plus souvent représenté éviscéré selon la tradition des Actes. Ce n’est donc pas la mort volontaire qu’on a voulu figurer mais la déchéance, l’obscénité, l’infamie d’un corps déchu. Le châtiment divin vient ainsi couronner le suicide, comme si Dieu voulait marquer du sceau de sa justice celui qui, sacrilège, s’est rendu justice lui-même. Le châtiment se poursuit éternellement en enfer, où Judas apparaît au Moyen Âge comme figure du damné. Les sources évangéliques ainsi que les premiers Pères explicitent peu ce châtiment post mortem et son séjour dans la Géhenne est un long processus de maturation nourri des apocryphes et des croyances populaires. Nous suivrons alors les pas de saint Brendan sous la conduite du poète Benedeit, de Dante, d’autres protagonistes de « migratio animae » et d’artistes, qui dans leur Jugement dernier, représentent fréquemment Judas. Son cas nous invite aussi à nous interroger sur les notions de Justice et de Miséricorde divines. Cette dernière étant infinie, Judas ne pourrait-il être pardonné à la fin des temps ? Après tout, Judas s’est repenti et pourrait être, dans une certaine mesure, digne de pitié. Dès l’époque patristique, certains, comme Origène, suggèrent que la bonté infinie de Dieu peut tout laisser espérer. Cette doctrine optimiste de la justice divine sera condamnée par les grands conciles du VIe siècle, mais l’idée d’une réconciliation universelle survivra. Au Moyen Âge, on retrouve très souvent l’idée de la mitigation des peines de l’enfer, dont même Judas bénéficie, signe d’une certaine pitié envers le plus grand des pécheurs. Mais Judas a cristallisé sur lui trop de peurs, de frustrations et de haines : archétype du pécheur, portant lui aussi, d’une certaine manière, tous les péchés du monde, il incarne paradoxalement une autre figure de bouc émissaire. Il cumule tous les signes victimaires établis par René Girard et touche au mythe, parce qu’il est unanimement tenu pour coupable. La mise en scène de sa mort participe d’un rituel de purification, d’expiation ; en rappelant que la justice immanente existe, elle appartient à la logique de rétribution chère aux mentalités judéo-chrétiennes : les méchants seront punis et l’ordre sera rétabli. Judas, c’est celui qu’on expulse de la communauté, comme le corps du suicidé loin du cimetière. À partir du XIIIe siècle, l’évolution des représentations du suicide de Judas n’est donc pas sans rapport avec la persécution des minorités et particulièrement la montée de l’antisémitisme. Le psaume 108, considéré comme la « prophétie de Judas », lui donne comme descendance le peuple juif : il en est le père déicide, mais parfois aussi la personnification. L’errance et la persécution des Juifs sont comprises comme un juste châtiment, mais également comme la conséquence du péché de Judas. Quel rôle a joué la mise en scène de sa mort aux tympans des églises et dans les premières Passions ? Son physique qui le distingue des autres apôtres à partir de la fin du XIIIe siècle ? Sa légende incestueuse qui ancre le peuple juif dans une faute originelle monstrueuse ? La violence symbolique dont il fait l’objet et qui s’accroît au cours de notre période a-t-elle annoncé les persécutions futures ? À l’occasion de cette troisième partie, nous rentrerons dans le domaine de la mise à mort de Judas proprement dite, de ce qu’elle éveille de fascination et de dégoût, de ce qu’elle révèle des peurs et des interdits des mentalités médiévales. En transformant son suicide en châtiment, l’Occident a éradiqué le mal incarné par l’inquiétante figure de Judas, en le mettant paradoxalement au service de l’ordre qu’il a transgressé.

Lundi 11 décembre 2006
9 heures
A Malesherbes, Salle S322
108, Bd Malesherbes 75017 Paris

 M. Maurice ACTIS-GROSSO soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Entre culture du silence et culture de l’oubli. Fulvio Tomizza (1935-1999) l’homme du doute

 En présence du Jury :

M. CASSAC (NICE)
M. FABIANO (PARIS 4)
M. GHIDETTI (FLORENCE)
M. LIVI (PARIS 4)
M. MUSARRA (UNIVERSITE)

Vendredi 18 novembre 2005
13 heures
À la Maison de la Recherche
D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mohamed SASSI soutient sa thèse de doctorat :

 Entre l’État et le marché, Desmarais Frères et la politique pétrolière de la France : de 1861 à 1974 : de l’entreprise familliale à l’entrée dans la CFP

En présence du Jury :

M. BARJOT (Paris 4)
M. BELTRAN (CNRS)
M. CASSIS (Grenoble 2)
M. DARD (Metz)
M. SEURETO (Florence)
M. L’HUILLIER

Résumés

A travers l’exemple de la compagnie familiale Desmarais Frères (1861-1965), l’on assiste dès 1924 à la coexistence de l’entreprise familiale et de la grande entreprise pétrolière moderne (la CFP-Total). C’est à partir de ce paradoxe que la présente thèse tente de retracer le développement de l’industrie pétrolière française en insistant sur diversité de l’histoire, des objectifs fixés et des moyens mis en œuvre. L’approche environnementale adoptée dans cette recherche vise à analyser les différents facteurs internes (personnel, patronat, structure organisationnelle, etc.) et externes, liés au développement d’une industrie (intervention étatique, développement de la technique, concurrence, etc.). Devant les contraintes propres à l’industrie pétrolière et la nécessité de l’intégration verticale, l’on peut apercevoir comment une complémentarité s’impose entre la grande entreprise semi-publique et l’entreprise privée.

Through the example of the family company Desmarais Frères (1861-1965), one attends since 1924 the coexistence of the family company and the large modern oil company (the CFP-Total). Starting from this paradox, this study tries to recall the development of French oil industry while insisting on diversity of the history, the laid down objectives and the means set up. The environmental approach adopted in this research aims at analyzing the various internal factors (employees, employers, organisational structure, etc.) and external ones, related to the development of an industry (State intervention, development of technique, competition, etc). Facing constraints linked to oil industry and the need for vertical integration, we have the example of how a complementarity between the large semi-public company and the private company is essential.

Position de thèse

L’industrie pétrolière est peut-être la première industrie mondiale. Le pétrole reste le produit stratégique numéro un, où l’intervention étatique est une quasi-nécessité. Elle l’est pour les Etats, en l’absence de grandes compagnies mondiales établies sur leur sol. Cela signifie que très tôt dans l’économie pétrolière le modèle de l’entreprise familiale est condamné. Or, l’histoire française offre l’exemple de Desmarais Frères, une entreprise pétrolière atypique née avec le début du pétrole et restée familiale jusqu’en 1965.

C’est à partir de ce paradoxe que la présente thèse tente de retracer le développement de l’industrie pétrolière française. La problématique centrale concerne les rapports entre la compagnie privée et l’Etat notamment depuis la création de la Compagnie Française des Pétroles (CFP) en 1924. L’étude couvre la période allant de 1861 à 1974. L’approche environnementale adoptée dans cette recherche vise à analyser les différents facteurs internes (personnel, patronat, structure organisationnelle, etc.) et externes, liés au développement d’une industrie (intervention étatique, développement de la technique, concurrence, etc.).

Trois périodes chronologiques serviront de cadre aux trois grandes parties de cette étude, de façon à bien mettre en valeur les stratégies des différentes compagnies françaises étudiées, Desmarais Frères d’une part et la CFP de l’autre. La période de 1861 à 1918 concerne la stratégie de Desmarais Frères avant l’intervention massive de l’Etat et devant l’incapacité de faire face à l’offensive d’une compagnie géante, la Standard Oil américaine. La période de 1919 à 1945 correspond à un cycle complet dans le développement de l’industrie pétrolière française : d’une reconstruction pétrolière accélérée et réussie à une guerre totale, que reste-t-il des efforts publics et privés ? Une dernière période, enfin, va de la restructuration à l’intégration totale de l’industrie pétrolière, avec la fusion CFP/Desmarais Frères et ses résultats. Elle englobe la période allant de 1945 à 1974, date de la première crise pétrolière.

Première Partie (1861-1918) DESMARAIS FRÈRES : L’ENTREPRISE PÉTROLIÈRE PRIVÉE FACE À UN ENVIRIONNEMENT HOSTILE

Cette première période est marquée par la défaillance française en matière pétrolière ; pourtant, l’on ne peut nier la présence des efforts des entreprises nationales privées dans ce secteur. La situation semble paradoxale et nécessite une lecture environnementale qui va au-delà de la simple analyse structurelle. La stratégie d’une compagnie privée telle que Desmarais Frères ne peut être étudiée en dehors d’une lecture de la stratégie pétrolière internationale. L’intérêt de cette approche est qu’elle permet d’étudier, dans une perspective historique et théorique, les axes stratégiques de la politique concurrentielle de la compagnie française. Son rôle peut ainsi se définir au sein de l’industrie pétrolière. La rupture de la guerre de 1914-1918 représente une « métamorphose stratégique » pour l’entreprise dans la mesure où son action dépend plus de la politique de l’Etat que de l’action de la concurrence.

Deuxième Partie (1919-1945) L’ÉMERGENCE D’UNE INDUSTRIE PÉTROLIÈRE FRANÇAISE

Au sortir de la Première Guerre mondiale, sont présents tous les ingrédients d’une politique pétrolière réussie. Récupérant la part allemande dans la TPC (23,75%), le gouvernement met en place les différents mécanismes pour la mise en place d’une industrie pétrolière. A partir de 1920, s’engage un programme visant à diminuer la dépendance de la France vis-à-vis de l’étranger. Puis, dès 1924, la Compagnie Française des Pétroles est créée autour d’un noyau dur formé par quelques groupes privés, dont Desmarais Frères. Cet événement sera suivi par le vote d’une loi favorisant le raffinage français (1928) et la création de la Compagnie Française du Raffinage (1929).

La période 1923 à 1931 est celle pendant laquelle se décident les différentes stratégies des compagnies françaises. Les années 1930 constituent, en revanche, celles de l’expansion et des investissements intensifs notamment avec l’arrivée en grandes quantités des pétroles du Mossoul (en Irak), pour ce qui concerne la CFP. C’est l’époque de la mise en place d’une stratégie de marché pour Desmarais Frères avec le développement de la marque Azur. L’interruption provoquée par la Seconde Guerre mondiale (1939-1944) sera, dans une large mesure, à l’origine de ce qu’on appelle aujourd’hui « la stratégie mondiale du pétrole ».

Troisième Partie (1945-1974) APRÈS LA SECONDE GUERRE MONDIALE : LES DÉFIS DE LA MODERNISATION

A l’issue de la guerre, commence alors une période d’expansion pour l’industrie pétrolière française. Grâce à un développement en amont (ouverture des gisements au Moyen-Orient) et l’arrangement institutionnel entre la CFP et Desmarais Frères se crée une complémentarité sur le marché français pour faire face à la concurrence. Toutes les conditions d’expansion se trouvent alors réunies. Tous les moyens de transport quotidiens utilisent plus ou moins le pétrole (automobiles, avions, navires, locomotives, etc.). Puis, bientôt arrive l’âge de la pétrochimie. Avec les dérivés du pétrole, on fabrique des milliers d’objets usuels (plastiques, produits pharmaceutiques, cosmétiques, disques, explosifs, etc.). La CFP diversifie son activité en amont et en aval. D’où la nécessité pour elle de contrôler un réseau de distribution mondial. C’est le moment puissant, inéluctable, irrésistible qui se trouve à l’origine de la grande fusion entre les deux plus grandes compagnies pétrolières françaises la CFP et Desmarais Frères.

Si pour la CFP la sauvegarde d’une capacité d’autofinancement était possible, il n’en allait pas de même pour les compagnies ayant la grande partie de leurs capitaux investis en France, telle que Desmarais Frères. D’où une divergence stratégique majeure, mais qui cache une certaine complémentarité. Très touchée par les destructions (la reconstruction prendra sans doute plus de temps), Desmarais Frères accorde désormais plus d’importance à la reconstruction et au développement de son réseau de distribution. La CFP, en revanche, attache encore plus d’importance à la progression des ressources en brut. Une stratégie d’investissement et de diversification des sources de production, durant toute la période des Trente glorieuses se trouve à l’origine de son épanouissement. La géostratégie et la diplomatie sont l’un des éléments clés dans cette analyse. S’ouvre en effet une course au pétrole, qui met face à face les grandes compagnies américaines et les traditionnelles compagnies européennes opérantes dans la région.

La stratégie de Desmarais Frères repose à la fois sur la dimension sociale et l’efficacité commerciale. La dimension sociale peut révéler des traditions françaises dans la gestion des ressources humaines. La permanence d’un management familial peut aussi se trouver à l’origine d’un management « paternaliste » permettant la stabilité d’une main-d’œuvre hautement productive. Dans un secteur de pointe comme celui du pétrole, les aspects commerciaux reflètent la capacité d’adaptation de la compagnie. Ils reflètent également ses capacités organisationnelles.

La fusion entre Desmarais Frères et la CFP en 1965 peut se donc se justifier. Un processus de rapprochement est entamé dès 1955. D’où la nécessité d’une forme ultime d’intégration permettant d’économiser des coûts de transaction (par rapport à la traditionnelle coordination par le marché entamée dès le milieu des années 1930). Elle offre une meilleure utilisation de l’effet « d’économies d’échelle » et de la mise en œuvre de relations contractuelles plus efficaces et moins coûteuses en information. Cette fusion repose tout à la fois sur une stratégie commerciale innovante et sur un haut degré de motivation du personnel lui-même entretenu par une culture forte d’institution.

Le succès de l’entreprise semi-publique demeure le produit de la rencontre de la stratégie d’une grande entreprise moderne, mais aussi d’une politique vigoureuse et cohérente de l’Etat français ainsi que son alliance avec les intérêts privés nationaux comme l’attente de la collaboration étroite de trois parties prenantes (l’Etat, la CFP et Desmarais Frères) depuis la prise de conscience du retard pétrolier de la France après la première guerre mondiale.

Vendredi 18 février
14 h 30
Maison de la Recherche
Salle D040, RDC
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. Guy JAROUSSEAU soutient sa thèse de doctorat :

 Episcopat et églises en Anjou au haut Moyen Age

 En présence du Jury :

M. BRUNTERCH (PARIS)
M. DUBREUQ (LYON III)
M. GUILLOT (PARIS IV)
M. LAURENSON-ROSAZ (LYON III)
M. OUDART (PARIS IV)
M. SASSIER (PARIS IV)

Mardi 25 novembre 2003
9 heures
Salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Jean-Louis QUANTIN soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Erudition historique et philologique, orthodoxies religieuses et dissidences (XVIe-XVIIIe siècles).

 en présence du Jury

Mme BACKUS (GENEVE)
M. BERCE (PARIS IV)
M. BRIGGS (OXFORD)
M. DOLBEAU (EPHE)
M. NEVEU (EPHE)
M. POUSSOU (PARIS IV)

Jeudi 7 juillet 2005
15 heures
Université de Padoue (Italie)

 Mme Irène MAGON soutient sa thèse de doctorat en cotutelle :

 Espaces fermés et mondes infinis : Savinio (1891-1952) surréaliste

En présence du Jury :

M. LIVI (Paris 4)
M. BORSETTO (Padoue)
M. GENOT (Paris 10)
M. RAMAT (Padoue)

Jeudi 26 janvier 2006
A Tunis

 Mme Neila KHOUJET EL KHIL GHARBI soutient sa thèse de doctorat en cotutelle :

 Esthétique de la création verbale dans l’oeuvre poétique de Jules Supervielle

En présence du Jury :

M. MOLINIÉ (Paris 4)
M. ALI
M. DRISSA
M. GAHA
M. MARZOUKI

Résumés

Nous nous sommes donné comme objectif d’étudier dans cette thèse le procès de création superviellienne qui se définit d’abord comme une appropriation ludique du passé faisant du texte l’espace d’un travail sur les représentations collectives. La récriture distancée du discours collectif est de fait nécessaire à l’émergence de la parole du sujet, située au point de croisement entre le lieu commun et le désir singulier qui se cristallise dans l’image poétique. Le faire poétique superviellien met par ailleurs en scène l’expérience radicale d’une énonciation dont le caractère dialogique entame les frontières conventionnelles entre le sujet et l’objet, entre le je et le tu. Le poème théâtralise en effet la parole du sujet qui ne peut s’appréhender qu’en inscrivant l’Autre dans la configuration énonciative. Cette instance fondamentale peut s’incarner dans la figure du sujet-lecteur, double antinomique du sujet-scripteur, mettant en débat, par le mouvement réflexif de sa parole, le discours du créateur. Les manuscrits de Jules Supervielle nous font ainsi assister à l’inconnu du mécanisme de la production littéraire. L’énonciation poétique superviellienne ouvre à cet égard la voie secrète qui permet d’accéder aux « sentiers de la création », voie que devra alors emprunter le lecteur, qui apparaît comme un élément déterminant du texte superviellien, lui donnant existence et sens, étant en effet impliqué dans la configuration énonciative. Ce travail nous conduit ainsi au cœur de la scène poïétique superviellienne qui se définit à cet égard comme une dynamique traversée par une énonciation en acte.

The central statement of the dissertation is that Jules Supervilien’s poetic vein is essentially a playful re-appropriation of the past that transforms the text into a poetic space and parole destined to re-inscribe the collective representations and foci of universal culture. This distancing is a necessary stance for the subject to emerge at the criss-cross of both the collective substratum and the specific desire crystallized into poetic images. The poetic act displays the radical experience of a dialogy that explodes the conventional boundaries of subject and object, of the subjectvum, I, and alterity, You. Thus poems enact the parole of the subject that would only comprehend itself if it inscribes the Alter in its enunciative configuration. This fundamental enunciative moment may also be incarnated in the subject-reader, a yet another antinomic double of the subject- inscriber, who, by way of the reflexive character of his parole , disrupts the discourse of its author ; for Supervielle’s manuscripts draw us closer to the unknown of the secret ways and alleys of « poetic creation », which in turn are taken by the reader, an essential part of the Supervillian text, who gives it its existence before granting it a meaning ; as he too is a part of the enunciative configuration. Our investigation takes us to the heart of the Supervillian poetics, that metamorphoses the text into a living stage, transversed by the stronghold of the poetic line.

Position de thèse

L’œuvre poétique superviellienne porte en elle de fait l’unicité d’une voix singulière qui cristallise l’expérience du sujet créateur disant l’éclat et la fulguration d’un événement unique, celui de l’émergence de la parole poétique vécue comme une expérience originelle. La poésie superviellienne, véritable « fable du monde », s’inscrit à l’aurore d’une genèse, voyant la naissance au monde du scripteur, créateur de lui-même en ce qu’il crée, autre qu’il n’était grâce à l’épreuve de l’écriture, et créateur d’un univers ouvrant un horizon plus vaste dans le réel, une possibilité nouvelle, nullement fermée, toujours élargie. Accomplissant jusqu’aux plus lointaines limites, le parcours qui le mène à la rencontre de l’origine, le sujet superviellien profère à son tour le discours des commencements, non pas dans une répétition aliénante, mais dans une parole nouvelle, initiale, rejoignant par là-même le geste inaugural de la genèse. Aussi, le verbe superviellien dit-il conjointement l’implication ontologique du sujet créateur, l’énergie de l’énonciation accompagnant l’acte créateur et l’intensité de l’émotion suscitée par cette fécondité créatrice.

Le procès de création poétique apparaît ainsi chez Supervielle comme un acte total essentialisant de ce fait l’expérience de la temporalité en faisant dialoguer le passé, le présent et l’avenir. En effet, le faire superviellien se définit d’abord comme une appropriation ludique de l’origine faisant du texte l’espace d’un travail sur les représentations collectives et sur les lieux de la culture universelle. Le dialogue distancié que le poète établit avec les textes du passé détermine ainsi la démarche réflexive de l’écriture superviellienne : jouant avec les lieux de la culture collective et de la tradition, le poète rompt à ce titre avec le discours monologique et établit, à l’instar des écrivains de la modernité, le texte comme espace polysémique et ouvert, infini, non-fini, échappant à la maîtrise de l’accomplissement. Cette prise de distance est par ailleurs nécessaire à l’émergence de la parole du sujet, située au point de croisement entre le lieu commun et le désir singulier qui s’incarne dans un discours investi par une énergie au travail. Chez Supervielle, c’est l’image poétique qui condense en elle l’énergie de l’énonciation. Dramatisant la pensée du scripteur, l’image superviellienne construit des fictions poétiques qui sont de véritables potentiels sémantiques, rejoignant par leur irréalité et leur polysémie, l’essence du mythe et de la fable.

L’énergie de cette création en acte, témoignant du désir ontologique du sujet créateur, se manifeste en outre dans l’expérience radicale d’une énonciation qui entame les frontières conventionnelles du sujet s’affirmant non pas comme une entité close, éprise de son essence, mais comme un surgissement individuel de l’être qui ne s’éprouve et ne se reconnaît que par le regard qu’il porte et le geste qu’il dirige vers le dehors, vers cette extériorité qui loin de l’annuler, le confirme à travers l’autre que lui-même. Si forte est cette nécessité de se retrouver dans et par l’autre que le sujet superviellien crée l’instance réceptrice de son discours dans l’intimité d’un échange vivant qui met en place une fiction énonciative dont les deux protagonistes sont Moi et Autrui, cette autre figure du Moi, à la fois intime et étrangère, renvoyant au scripteur lui-même et aux « amis inconnus » parmi lesquels le lecteur semble incarner la figure emblématique. Intériorisée par le texte lui-même qui insère le destinataire dans le tissu poétique, cette instance fictive fonde l’écriture superviellienne comme échange, comme interpellation et don de soi. Le procès de l’énonciation superviellienne met ainsi en scène le sujet à l’épreuve du processus scriptural considéré de ce fait comme une dynamique. L’étude de l’invention verbale superviellienne et l’analyse génétique des avant-textes portant en eux les traces d’une énonciation en marche, nous permettront de mettre en évidence la validité des notions fondamentales de mouvement et d’activité, dans la définition du geste créateur superviellien. Loin d’être un système statique et figé, le poème superviellien apparaît alors comme l’actualisation d’un gestus complexe, traversé de formes et de forces conduisant le lecteur au cœur de l’état poétique et du désir créateur. Allocutaire virtuel appelé à l’intérieur de la configuration énonciative, le lecteur participe ainsi à la dynamique du sens qui cesse d’être de ce fait stable et fermé, réductible à une seule interprétation, pour s’affirmer comme un champ de forces antagonistes, suscitant par le trajet qu’il ouvre sur le possible, la quête herméneutique du destinataire et sa jouissance esthétique. Le poème superviellien aménage en effet un lieu interférentiel, un espace liminaire, situant le discours entre le communicable et l’incommunicable, invitant le lecteur à pénétrer dans la zone sensible de la contradiction et du non-dit. Mis à l’épreuve par une dialectique de la parole et du silence, de la présence et de l’absence, de la figuration et de la défiguration, le lecteur se heurte alors au problème du sens et de l’interprétation. Le désir herméneutique du lecteur rencontre ainsi l’intensité liminaire du poème, l’oxymoron fondateur de l’énergie verbale superviellienne, et c’est de cette rencontre que naît le plaisir de la lecture et du texte.

Ainsi, le faire poétique superviellien apparaît comme un « faire être », il est en effet affirmation de présence, à la fois pour le scripteur qui se réalise en tant que sujet grâce à une parole inaugurale, engageant à nouveau un pari avec l’inconnu, et pour le lecteur dont la quête herméneutique est aussi aventure ontologique, expérience et lecture de soi.

L’interrogation de l’œuvre superviellienne du point de vue du faire créateur, de la production verbale et de l’invention, est justifiée par notre conception de la littérature comme un procès, comme une dynamique et un mouvement, orchestrés par la présence d’un énonciateur ayant une histoire et une culture qu’il inscrit dans son discours, faisant de l’œuvre une hétérologie, un carrefour où se croisent plusieurs voix, celle du passé et celle du présent, celle de la répétition et celle de la création, celle du sujet lui-même et celle de ses multiples avatars. Loin d’être prise en charge par un sujet transcendant, la poésie superviellienne révèle la présence d’un sujet labile, d’une instance instable, s’énonçant dans un discours qui dramatise toutes les scissions intérieures du Moi. Cette mobilité du sujet qui se présente comme une puissance d’interrogation fonde le texte poétique comme une productivité, comme une pratique signifiante, ouverte à la pluralité sémantique et à diverses possibilités d’interprétation. La poésie de Jules Supervielle porte en elle ainsi une altérité intrinsèque qui se manifeste à la fois par les différents discours qui la traversent, mais aussi par les diverses postures énonciatives qui l’organisent et enfin par la présence tacite et ultime du lecteur dont l’acte de lecture assure le devenir-œuvre du texte.

Mardi 30 novembre
14 h
Auditorium de l’Institut Finlandais
60, rue des Ecoles
75005 PARIS

 Mme Florence BANCAUD GUILBERT soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Esthétique et poétique dans l’espace germanophone (1750-1914)

 en présence du Jury :

M. BANOUN (TOURS)
M. COLOMBAT (PARIS IV)
M. HEITZ (METZ)
M. VALENTIN (PARIS IV)
M. ZSCHACHLITZ (AIX-MARSEILLE I)

Vendredi 20 janvier 2006
14 heures
À la Maison de la Recherche
Salle D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 Mme Caroline HOULBERT soutient sa thèse de doctorat :

 Etat de la Jéliya Malinké au Mali et en France et ses conditions modernes d’exercice

En présence du Jury :

M. CHEVRIER (Paris 4)
M. BLACHERE (Montpellier 2)
MME CHIKHI (Paris 4)

Résumés

Depuis le choc de la colonisation, le "triomphe" des valeurs occidentales oblige les griots malinké d’Afrique de l’ouest à se repositionner vis-à-vis d’une société fragmentée qui tend à contester l’utilité des repères traditionnels. Dès lors, se pose la question de leur statut et de leur légitimité. Structurée en deux grands points, cette thèse se propose de déterminer ce qu’il reste aujourd’hui du rôle des griots, non seulement au sein de leur contexte socio-culturel mais également en situation de migration, dans un contexte urbain, changeant et multiculturel. Le premier volet, attentif à saisir les griots dans leur "quotidien" ou "réseau" social traditionnel, est exclusivement réservé à l’étude des griots malinké vivant et "exerçant" au Mali. Le deuxième volet traite quant à lui, de ces griots déracinés, qui, désireux de "tenter leur chance", sont partis à la conquête du monde en général et parisien en particulier.

Mots clefs : griot/griotisme, jeli/jeliya, Mali, Malinké, traditions orales, musiciens d’Afrique de l’Ouest, migration, ethnopsychiatrie, déracinement, tradition et modernité, négociation culturelle.

The triumph of occidental values since the shock of colonisation has obliged the Malinke griots of West Africa to reposition themselves in front of a fragmented society that tends to contest the usefulness of traditional values. Thus, the question of their status and legitimacy needs to be raised. This thesis is organised in two main parts and aims to determine the present role of griots today, not only among their original socio-cultural environment but also as migrants, in a changing and multicultural urban environment. The first part intends to analyse Malinke griots who live and "practice" in Mali, in order to understand them in their everyday traditional environment. The second part discusses the "uprooted" griots of Paris in particular who have decided to conquest the world.

Jeudi 24 novembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Bibliothèque de Langue française
Esc. G, RDC
1, rue Victor Cousin
75005 Paris

 Mme Sylvie ROUSSELET-FERRANDO soutient sa thèse de doctorat :

 Ethique et esthétique dans le langage - Approche de l’adjectif gradable par sa polarité et son énonciation en français et en anglais

En présence du Jury :

M. CORBLIN (Paris 4)
M. ANSCOMBRE (CNRS)
M. LE PESANT (Lille 3)
Mme NOAILLY (Brest)

Résumés

L’adjectif gradable, qui se combine sélectivement avec certains modificateurs, qui s’inscrit sur une échelle sémantique scalaire et qui a un pouvoir évaluatif par le biais de la prédication, est ici présenté sous deux aspects : un aspect bipolaire, ou d’antonymie, et un aspect subjectif. En effet, si le comparatif implicite ou explicite qu’est l’adjectif gradable en contexte peut faire l’objet d’une formalisation objective généralisante à l’aide de formules logiques ou mathématiques, en revanche l’adjectif nu (ou micro-prédicatif) y résiste, en raison de sa composante phénoménologique et de son difficile ancrage dans le contexte extra-linguistique, qui inscrivent les propriétés adjectivales (faisceau de propriétés dans le cas du portrait littéraire) dans le cadre d’un ‘nominalisme’ adjectival, d’un mentalisme proche d’une théorie de l’esprit. Une approche compositionnelle ascendante, d’ordre morpho-syntactico-sémantique, se double ainsi d’une analyse descendante, d’inspiration cognitive ou neuronale. L’analyse bipolaire et énonciative des micro-prédications adjectivales des portraits littéraires permet ainsi de dresser les bases d’une théorie de la simulation fictionnelle par le biais du degré d’empathie de l’auteur envers son personnage.

Mots-clés : Adjectif gradable, Polarité, Enonciation, Simulation, Empathie, Narrateur, Micro-prédication, Intentionnalité

Gradable adjectives, which selectively combine with certain modifiers, which map onto a semantic scale and which have an evaluative power through the predication, are presented here from two aspects : a bipolar, antonymic aspect and a subjective aspect. Whereas gradable adjectives in context, as an implicit or explicit comparative, can be formalized by general formulas, either logical or mathematical, nude (or micro-predicative) gradable adjectives resist this generalization, because of their phenomenal component and their problematic indexicality into the extra-linguistic context. This is why the adjectival properties (bundle of properties in the case of the literary portrait) are interpreted within an adjectival ‘nominalism’, a mentalism leading to a theory of mind. The compositional bottom-up approach, made in a morpho-syntactico-semantic line, is enriched by a top-down analysis, inspired by the cognitive sciences and the neurosciences. Thus the bipolar and enunciative analysis of adjectival micro-predications in the literary portraits allow us to lay the foundations of a theory of the fictional simulation by means of the degree of empathy of the author towards his character.

Key-words : Gradable Adjective, Polarity, Enunciation, Simulation, Empathy, Narrator, Micro-predication, Intentionality

Position de thèse

La philosophie analytique a pour objectif d’analyser les phrases du langage de manière compositionnelle à l’aide d’outils logiques, permettant l’émergence de concepts linguistiques. Or, si le comparatif explicite ou implicite qu’est l’adjectif gradable en contexte peut répondre à ce type d’analyse, en revanche l’adjectif gradable nu (ou micro-prédicatif) y résiste, en raison : 1/ de sa composante phénoménologique, qui l’oriente vers l’aspect subjectif du langage, et moins vers celui de la formalisation objective généralisante ; 2/ de son difficile ancrage dans le contexte extra-linguistique, qui l’oriente vers une analyse nominaliste, mentaliste ou cognitiviste, et vers l’expression d’une théorie de l’esprit. Le nominalisme permet d’inscrire l’adjectif dans l’ordre de la description linguistique (faisceau de descriptions dans le cas du portrait) et non celui de la référence dans le monde réel. Le mentalisme dont il est question ici est issu de l’intentionnalité, qui fait des énoncés du langage un objet mental énoncé par et depuis la perspective d’un auteur. Une approche compositionnelle ascendante (bottom-up), d’ordre morpho-syntactico-sémantique (parties 2 à 4), va se doubler ainsi d’une analyse descendante (top-down), d’inspiration cognitive ou neuronale (partie 5), qui prend en compte dans le corpus littéraire les facteurs étudiés par la première, à savoir les différentes marques de l’expression de la polarité et de l’énonciation.

La partie 1 de la thèse s’attache à définir l’adjectif gradable, d’abord de façon positive, puis par contraste avec les emplois et formations approchants. Ainsi, si les combinaisons avec les modificateurs très et peu ont été bien étudiées en français par les travaux antérieurs (Noailly (1999), Goes (1999), Martin (1969), Ducrot (1991)), quelques-uns des autres modificateurs de l’adjectif, surtout en français, ont été ici passés en revue : très très, qualifié d’hyperlatif (Lambert, 2005) ; assez, marqueur de l’intensité moyenne, avec ses deux emplois, l’un relatif, l’autre absolu ; (et) même, opérateur d’intensité qui donne le plus haut degré d’un prédicat adjectival, et qui est un test (even) pour distinguer les adjectifs universels des adjectifs existentiels dans les paires d’antonymes (Yoon, 1996) ; en tout cas, qui introduit un prédicat adjectival argumentativement moins fort que celui qui précède ; à peine/hardly, qui oriente négativement l’adjectif (contrairement à presque/almost qui l’oriente positivement) et qui ne se prête qu’à l’indication d’une qualité extrinsèque objective ; tout, qui dénote, par rapport à très, un sens aspectuel et une propriété extrinsèque subjective ; modérément, passablement, moyennement, marqueurs de degré modéré ou intermédiaire (passablement entraînant parfois un dépassement de la limite interne de l’adjectif, proche de l’oxymore) ; plutôt, qui introduit une préférence entre deux adjectifs, parfois antonymes, dont l’un peut être élidé ; absolument, qui tire l’adjectif vers le bout de l’échelle et en fait un superlatif absolu (absolutely en anglais permet de distinguer quatre classes de gradables inscrits sur des échelles ouverte ou fermées (Kennedy, à paraître)). Pour l’anglais, very, marqueur relatif, sera préféré à quite, marqueur absolu, peu + Adj n’ayant pas de contrepartie. Le gradable se distingue également des autres formations ou emplois adjectivaux : relationnel, adjectif du bout de l’échelle et participe passé ou présent. Trois tests sont valides pour éliminer le caractère relationnel de l’adjectif : 1/ la prédication (la fonction attribut) ; 2/ la combinaison avec la locution comparé à/par rapport à/compared to ; 3/ la complémentation. Toutefois, le français (et l’anglais) évoluant vers une gradabilisation de l’adjectif, de nombreux relationnels autorisent la double lecture, gradable et non gradable. Le test servant à isoler le participe passé statif-résultatif est sa combinaison avec bel et bien (en anglais sa combinaison impossible avec *is being). Trois hypothèses sont en jeu pour autoriser l’emploi gradable d’une formation issue du participe passé : le sémantisme du verbe qui fait état d’un procès continu, son caractère imperfectif et le sens métaphorique de l’adjectif. La définition de l’adjectif gradable repose donc sur les trois caractéristiques suivantes : 1/ la combinaison avec très/very, qui permet de différencier le gradable des formations proprement verbales et des adjectifs du bout de l’échelle ; 2/ la combinaison avec les locutions comparatives explicites comparé à/par rapport à/compared to, qui permet de distinguer le gradable du relationnel ; 3/ la prédication, condition minimale implicite de l’adjectif gradable. Enfin, la subjectivité qui caractérise le gradable incite à une définition large de la polarité : celle-ci ne repose pas seulement sur l’aspect qualitatif, évaluatif ou axiologique (liés aux états mentaux et/ou émotionnels du locuteur et à ses choix langagiers, parfois déterminés par une norme sociale, professionnelle, culturelle ou esthétique), mais également l’aspect dimensionnel et l’apect morphologique, plus objectifs. D’autres critères plus proprement syntactico-sémantiques, comme le critère intersectif, l’antéposition, possible ou non, de l’adjectif français, ou la prédication, première, seconde, ou impersonnelle, peuvent interférer dans l’établissement de cette polarité. Dans le but de cerner ces critères au plus près, et de déterminer les conditions d’énonciation de la prédication adjectivale, j’opterai pour quatre niveaux d’analyse, correspondant à la longueur du segment de phrase/texte étudié : 1/ le mot (partie 2) ; 2/ le groupe nominal (partie 3) ; 3/ la phrase (partie 4) ; 4/ le texte/discours (partie 5).

La partie 2 s’attache à mettre en évidence les marques morphologiques de l’adjectif négatif (marqué) en français et en anglais. Après avoir décrit les modèles dérivationnels possibles des adjectifs français (Adj. à N (adjectifs primaires), N à Adj. ou radical commun) et anglais (adjectifs primaires, dénominaux/noun-based ou déverbaux/verb-based, overt ou inherent negative markers), la différence entre antonymes contradictoires et antonymes contraires (Zimmer, 1964) et la définition du principe d’antonymie (Ljung, 1974), sont listés les préfixes (6) et suffixes négatifs (1) en anglais et les préfixes négatifs en français (6). Si le préfixe in- est quantitativement le plus important en français, c’est le préfixe un- qui domine en anglais, ces deux préfixes ayant un sens intensif qui annule le caractère de gradabilité de l’adjectif (surtout ceux qui sont combinés avec les suffixes -able/-ible). Le passage du privatif à l’intensif s’explique par la transformation de Ø N de propriété hyperonyme de l’adjectif à très + Adj. (sans limite , ou illimité, étant proche de très grand, par exemple). Le cas du suffixe -esque (Melis-Puchulu, 1993) introduit la première marque énonciative, puisque les adjectifs construits ainsi -tous ne sont pas gradables- ne peuvent former de sous-appellation par rapport au N d’origine (éléphantesque, par exemple) et marquent donc le jugement de l’énonciateur en emblématisant certaines des propriétés du N. Pour l’anglais, cinq suffixes adjectivaux supplémentaires issus du corpus ont été recensés par rapport à la liste de la grammaire de Quirk et al. (1985) : -ing, -ar, -ent, -ant, -ate. Les listes comparatives des adjectifs préfixés négativement en français et en anglais montrent : 1/ la plus grande productivité du préfixe dis- en anglais, et l’inégale avancée du processus de grammaticalisation dans les deux langues (dispensable/indispensable, par exemple) et parmi les gradables (distingué-dismal vs dissymétrique-discontinuous) ; 2/ le test permettant de déterminer si la contrepartie positive d’un gradable préfixé négativement existe ou pas/plus : P, car si Ø P, Q (ainsi, inquiet est lexicalisé en français [*quiet], alors que unquiet ne l’est pas [quiet]) ; 3/ les 17 types de construction morphologique des adjectifs gradables anglais préfixés en -un ; 4/ la confirmation de la différence entre négation morphologique contraire (préfixe in-/un- servant à qualifier un jugement, ex. inhumain/unhuman) et négation contradictoire (préfixe non-, très objectif, ex. non-humain). La distinction dimensionnel/évaluatif oriente ensuite la réflexion vers la distinction jugement de fait/jugement de valeur ou énoncés descriptifs/énoncés subjectifs. Putnam (1984) soutent que le jugement (prédication adjectivale) est internaliste, dépendant de l’état interne du sujet, et les émotivistes (Price, 1988) adoptent une position non-factualiste, où les croyances du sujet prennent le pas sur les fonctions de vérité des énoncés. Toutefois, la rationalité est ce qui prime pour Searle (1972) et Putnam (1984), par le biais du raisonnement et de la justificaion. Sur le plan linguistique, la théorie argumentative des topoï (Ducrot et Anscombre) permet de rationaliser la plupart des inversions de polarité, ainsi que le montrent les corpus scolaires étudiés : petit (-) s’inverse avec effort, belles (+) s’inverse avec catastrophes. Le classement de Searle (1972) entre les verbes qui permettent de classer/juger et ceux qui permettent d’évaluer/apprécier, lorsqu’elle est appliquée aux adjectifs, met en évidence une composante ironique marquée lorsqu’il y a inversion de polarité avec un gradable permettant d’apprécier ou de déprécier (et dont la polarité est établie sans nom relié).

La partie 3 s’attache à mettre en évidence les propriétés linguistiques tendant à départager les gradables en positifs et négatifs, dans le syntagme nominal, et à leur conférer une plus ou moins grande objectivité. Toutefois, s’il s’agit là d’adjectifs dits ‘épithètes’ en français et ‘attributive’ en anglais, leur interprétation sémantique est parfois proche de celle des adjectifs en prédication, en raison de la forme suivante : Sue est une bonne danseuse/Sue is a good dancer, où le GN porte la fonction attribut, sans présupposé existentiel. Le contexte, linguistique ou extra-linguistique, en restaurant les complémentations possibles, les ellipses, en spécifiant l’étendue de la classe de comparaison, a également une part dans l’établissement de la polarité et de la subjectivité dans le langage (Gendler Szabó, 2001), tout comme le partitif et l’indéfini (Kleiber, 2003) dans le syntagme déterminant (le et du sont contrastés). Le critère intersectif, qui permet de distinguer le sémantisme de l’adjectif de celui du nom, n’est possible en français que pour les adjectifs postposés. Dans certains cas, l’antéposition ou la postposition du même adjectif en modifie la polarité (rare, cher). L’adjectif antéposé a une valeur intensive, les adjectifs primaires antéposés portant un sens d’inverseur ou d’atténuateur de l’argumentation (Lenepveu, 2004). Eléments d’objectivation de la phrase, le complément de mesure d’un dimensionnel (pouvant se combiner seulement avec certains gradables de polarité positive) et le parangon d’une comparaison fournissent un constituant spécifié ou quantifié. Si la coordination ou la juxtaposition de gradables est possible avec des adjectifs des deux polarités, en revanche un ordre des types d’adjectifs a été proposé par Cinque (1994), et la mise en évidence d’une tête adjectivale en HPSG ou d’un constituant extraposé dans les juxtapositions d’adjectifs orientent l’analyse vers l’expression d’une micro-prédication adjectivale. La prosodie (longueur des constituants) entre en jeu dans les acceptabilités et influe sur la place et le choix de l’adjectif, ainsi que les extraits de poèmes le montrent, ce qui permet de prendre en compte la notion de point de vue auctorial, de perspective. Enfin, l’étude des adjectifs de couleur permet de poser le problème du caractère plus ou moins objectif et conceptuel de la perception visuelle. Sur un plan physiologique, si l’encodage de la couleur est d’ordre conceptuel et verbalisé, sa reconnaissance est perceptuelle (Pylyshyn, 2004). Sur un plan anthropologique transculturel, on remarque une grande différence entre les peuples et les catégories d’individus à propos de la nomination des couleurs (de trois minimum -blanc, noir, rouge- à plusieurs dizaines, voire centaines). Sur un plan philosophique, la position fonctionnaliste est celle qui domine (Paul Churchland, 1984) : il y a adéquation entre la sensation phénoménale de rouge de chacun et la croyance de tous en une sensation-de-rouge, quel que soit le caractère qualitatif intrinsèque des états mentaux des individus. Sur le plan linguistique, la couleur fait partie du rôle formel de l’objet (dans les quale-structures de Pustojevsky, 1995), au même titre que la grandeur, la forme, la dimension, et la distinction entre les adjectifs de couleur catégorisateurs (bleu, rouge, vert, orange...) et les adjectifs de caractérisation générale de la couleur (clair, foncé, vif, pâle...) permet d’appréhender le fonctionnement syntaxique de ces termes (Molinier, 2005). Enfin, les corpus font apparaître la composante métaphorique ou symbolique, à valeur de parangon, des noms conjoints aux adjectifs de couleur.

La partie 4 prépare le terrain à la mise en évidence du 2e aspect subjectif du gradable, l’énonciation, et à sa correspondance neuronale (conscience en acte ou conscience réfléchie). Après avoir déterminé ce qu’est la relation attributive ou prédicative pour le gradable (lectures référentielle ou attributive, attributs essentiel ou accessoire, sens intersectif privilégié), une distinction est effectuée, à partir de Carlson (1977) et Kratzer (1989), entre les individual-level predicates (dénotant soit une propriété permanente soit une propriété transitoire) et les stage-level predicates, dénotant une propriété ou un événement transitoire, distinction plus fine que la distinction aristotélicienne entre propriétés accidentelles ou nécessaires et s’inspirant plutôt de celle de la psychologie cognitive entre traits, indicateurs stables de la personnalité (Question : Comment est-il ?) et états, propriétés liées à des événements instables et non liées à la personnalité (Question : Dans quel état est-il ?). La prédication adjectivale impersonnelle, lorsqu’elle autorise ses deux transformations possibles, la montée du sujet et l’extraposition, est, paradoxalement, un indicateur de subjectivité : Marie est heureuse d’êre la prochaine présidente/Que Marie soit la prochaine présidente est heureux/Il est heureux que Marie soit la prochaine présidente (avec sous-spécification ou ellipse du complément donnant le point de vue de l’énoncé dans les deux derniers cas). Il est remarquable que certains opérateurs épistémiques entrent dans ce cas de figure (likely, certain/certain), introduisant une dimension de probabilité subjective dans le langage. Les relations entre comparatif implicite et comparatif explicite sont ensuite étudiées, en particulier l’asymétrie de leur équivalence inférentielle (s’il y a inférence du comparatif implicite vers le comparatif explicite, le contraire n’est pas vrai) et le concept de norme (il apparaît que lorsqu’on parle de norme sous forme de moyenne, il s’agit plutôt de médiane, qui reproduit plus fidèlement les inégalités de distribution dans les données). Les emplois figurés ou métaphoriques des gradables ne relèvent, eux, jamais de la norme. A propos de la polarité croisée (Kennedy, 2001), phénomène linguistique paradoxal, le caractère elliptique du 2e segment est mis en évidence. Une façon de comprendre et d’interpréter de tels énoncés, où deux échelles de comparaison et deux classes de comparaison sont parfois en jeu (La table est plus longue que le fauteuil (n’)est court, Carmen est plus lente que Pierre (n’)est beau), consiste à proposer une formalisation mathématique relative et objectiviste de ces énoncés, sans valeur de référence fixe et sans tenir compte du caractère plus objectif ou subjectif des adjectifs (Ferrando, 2005). La négation de la comparaison en prédication pose, elle aussi, quelques problèmes : la négation explétive du 2e segment des comparatives est expliquée de façon logique depuis Seuren (1973), de façon plus subjective par Damourette et Pichon (1911-40), et la négation descriptive des antonymes contraires conduit à dépasser la logique pour introduire des interprétations rhétoriques (litote, antiphrase, ironie : Lilti, 2004). Dans les mêmes conditions d’énonciation, la négation métalinguistique fait passer l’énoncé antonymique en présupposition et entraîne des enchainements concessifs (Garcia Negroni, 2002). La prédication adjectivale porte le nom de prédication seconde lorsqu’il existe une relation circonstancielle entre la prédication adjectivale et la prédication essentielle de la phrase (test : si l’extraction de la prédication adjectivale est possible, il ne s’agit pas d’une prédication seconde, mais d’une simple construction détachée). Enfin, Ducrot (2004) propose un modèle descriptif de l’opposition entre adjectifs contraires et contradictoires à partir de la théorie des blocs sémantiques (Carel, 1993).

La partie 5 s’attache à déterminer comment se dessine une isotopie de polarité plutôt positive ou plutôt négative dans le discours de fiction (portraits de personnages) en analysant le point de vue de l’auteur (texte en production) et le point de vue du lecteur (texte en réception). C’est ici l’occasion de faire une mise au point sur un certain nombre de concepts propres à l’analyse narratologique (focalisations, points de vue, voix narrative, narrateur, monologue intérieur...) en les enrichissant des récents apports des sciences cognitives (concepts de conscience, d’empathie, de neurones miroir), de la sémantique (rôles thématiques, polyphonie, énonciation) et de la philosophie de l’esprit (croyances, états mentaux, simulation). Une brève histoire de la description littéraire permet de rappeler les principales caractéristiques de ce type de texte et les jugements portés à son propos. Les différentes marques de distinction du discours oral et du discours intériorisé sont ensuite décrites : focalisations de Genette, consonance et dissonance discursives de Cohn, indexicaux chez Banfield (qui peuvent se rapporter soit aux temps et lieu du discours enchâssant, soit aux temps et lieu du discours enchâssé dans le discours indirect, et qui dans le discours direct permettent le mensonge du narrateur-personnage), point de vue narrateur et point de vue personnage chez Rabatel. De leur côté, certains linguistes (Nolke et Olsen, 2000, Banfield, 1995 - c’est aussi la position théorique de Kamp (1993) et Corblin (2002)) affirment que dire et pensée sont indistincts dans le langage puisqu’en tant que représentée la pensée est verbalisée et que le verbe think/penser, se dire est le seul verbe qui appartienne sémantiquement aux verbes de conscience tout en ayant le comportement syntaxique d’un verbe de communication. Toutefois, à partir des rôles thématiques (Dowty, 1991), issus des actions volontaires ou non dont la première classification a été établie par Aristote, il semble que certains adjectifs, dont les adjectifs de l’émotion, sont classés parmi les non agentifs, le procès, s’il semble dépendre du sujet grammatical, n’étant pas sous le contrôle du sujet thématique (sauf si feintise). Ceci recoupe de récents travaux sur la conscience et le libre-arbitre, qui, à la suite de ceux de Vygotski ou Libet, dissocient pensée et langage ou intention et action : la conscience neuronale est sous-classifiée en conscience phénoménale (ou conscience en acte, pré-réfléchie, celle des sentiments et des émotions) et en conscience d’accès (liée à l’expérience et au langage, à la pensée verbalisée, sorte de conscience de second ordre), qui peut précéder la première ; selon Haggard (2003), la liberté de mouvement (libre arbitre) du sujet ne tient que par le refus d’exécution d’une action simple, et les théories motrices du langage, tout comme la mise en évidence des neurones-miroir (Rizzolatti et al., 1996) reposent sur l’hypothèse que l’action (qui relèverait de la conscience en acte) précède la conscience réfléchie. La production de texte, contenu intentionnel, fait appel à la responsabilité de l’auteur, conscient des enjeux linguistiques qu’il domine, et cherchant à se projeter dans ou autour de la conscience de son personnage à qui il donne, souvent, la parole. Le narrateur, instance intermédiaire, devient, dans ce processus de création auctoriale, une représentation mentale du lecteur critique, qui interprète le texte. Du côté de la réception du texte/discours, les travaux sur la réception proprement dite (Jauss, Iser) se doublent de ceux sur la posture de lecteur (Picard, Jouve, Eco, Ryan), alors que d’autres auteurs comme Dennett ou les cybernéticiens assimilent les activités de production/réception. Damasio (2003) montre que les régions cérébrales activées lors d’un affect positif (joie) et d’un affect négatif (tristesse) sont différentes (elles sont plus nombreuses lors de sentiments positifs), et relèvent d’une conception spinoziste de l’éthique, tandis que Schneider (1999) propose un modèle mental de construction du personnage à partir de la catégorisation (modèle mental holistique) ou de la personnalisation (engageant l’empathie du lecteur). Sur le plan émotionnel, si le lecteur ressent les mêmes émotions que celles du personnage, sa croyance en l’univers de la fiction, feint, est plus grande encore et bloque les réactions de fuite, l’action, ce qui apparente la réception de la fiction (tout comme sa production) à une simulation. Les gradables sont également en jeu dans le jugement de goût porté à propos d’une œuvre esthétique, que ce jugement puisse être positif ou négatif, comme le pense Danto (1989), ou seulement positif, selon Schaeffer (1992), qui stipule une théorie spéculative de l’Art différente de l’expression des propriétés descriptives de l’œuvre, d’ordre symbolique au sens de la théorie des symboles de Goodman (1990). La catégorisation des portraits littéraires (64 œuvres représentatives, du XVIIe siècle au XXe siècle) à l’aide des polarités positives ou négatives des micro-prédications adjectivales et des trois sortes d’énonciateurs (sujet transcendant, sujet phénoménal X et sujet phénoménal Y) établis à l’aide des ellipses restaurées des micro-prédications adjectivales et/ou du degré de fusion ou d’empathie de l’auteur avec le personnage, fait apparaître les résultats suivants : préférence des écrivains pour un portrait positif-intérieur et réticence à écrire un portrait négatif-extérieur, donc préférence pour les portraits positifs (éloges) et pour l’intériorité du personnage, qui engage l’empathie de l’auteur. L’empathie de l’auteur et du lecteur à l’égard du personnage, théorie de l’esprit implicite, n’est cependant pas de même nature dans l’un et l’autre cas : m’inspirant de Gordon (1995), il apparaît que si l’auteur devient lui-même en quelque sorte son personnage lors du processus de création verbalisée (projection ou simulation active), le lecteur demeure lui-même lors de la réception de texte (il se contente d’être l’autre dans la situation fictionnelle), le pas inférentiel étant possible uniquement dans le premier cas.

Samedi 18 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Michelet, Escalier A
46, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 Mme Catherine LANGLOIS PEZERET soutient sa thèse de Doctorat :

 Etienne Dolet ou la couronne d’Hercule : Edition, traduction et étude littéraire des Carmina (1538)

 En présence du Jury :

M. CHARLET (AIX-MARSEILLE 1)
M. FORD (CLARE)
Mme GALAND-HALLYN (PARIS 4)
M. LEVY (PARIS 4)
M. MAGNIEN (PARIS 3)

Résumés

Etienne Dolet (1508-1546), bien connu pour sa mort tragique sur le bûcher, est aussi un intellectuel et un poète néo-latin. Après ses célèbres Commentaires de la langue latine, il publia un recueil d’épigrammes intitulé Carmina en 1538, pièces de circonstance aux sujets les plus divers. Adepte d’un genre mineur et partisan d’une métrique souple, Dolet n’oublie pas, en humaniste civique, de doter sa plume d’une mission politique, vengeresse ou moralisatrice. Cicéronianiste patenté, il se révèle assez libre dans le domaine de l’imitation, tout comme dans son traitement de l’épigramme, qui oscille entre tradition et innovation. Ses poèmes, ainsi que deux recueils ultérieurs, le Genethliacum Claudii Doleti (1539) et les Francisci Valesii Gallorum Regis Fata (1539), reflètent l’attirance de leur auteur pour différentes mouvances philosophiques mais semblent surtout témoigner de l’influence du libre-penseur Pomponazzi.

Etienne Dolet (1508-1546), renowned for his tragic death on the stake, is also an intellectual and a Neo-Latin poet. After his famous Commentarii linguae latinae, he published a collection of epigrams entitled Carmina in 1538, which are event poems about various subjects. Follower of a minor genre and of a flexible metric, Dolet does not forget, as a civic humanist, to give to his pen a political, avenging or moralizing mission. Ciceronianist, he reveals free in the field of the imitation and in his treatment of the epigram, which oscillates between tradition and innovation. His poems, as well as two later collections, Genethliacum Claudii Doleti (1539) and Francisci Valesii Gallorum Regis Fata (1539), reflect the attraction of their author for various philosophic spheres of influence but especially seem to testify of the influence of the free thinker Pomponazzi.

Position de thèse

Etienne Dolet (1508-1546) est surtout connu aujourd’hui pour son trépas tragique sur le bûcher. Après le traditionnel voyage en Italie (1526-1530), où il suivit des cours de rhétorique à l’Université de Padoue, puis une expérience de secrétaire d’ambassade auprès de Jean de Langeac (1530-1532), il fut poussé par ce dernier à entreprendre des études de droit à l’Université de Toulouse (1532-1534). L’Orléanais ne termina pas ces études car, après avoir prononcé deux discours aux accents cicéroniens contre le Parlement de Toulouse et son intolérance (Orationes duae in Tholosam), il fut emprisonné et dut ensuite quitter la ville. C’est à cette date qu’il élut domicile à Lyon ; en même temps qu’il corrigeait des épreuves chez le célèbre imprimeur Sébastien Gryphe, il édita une somme érudite sur le lexique cicéronien, les Commentaires de la Langue latine (1536-1538). Après avoir obtenu du roi François 1er un privilège général pour dix ans, il acquit ses propres presses en même temps qu’il composait ses premières poésies : les Carmina en 1538, le Genethliacum Claudii Doleti à l’occasion de la naissance de son fils Claude en 1539, les Francisci Valesii Gallorum Regis Fata la même année, deux oeuvres dont il donna la paraphrase en français. A partir de 1542, l’imprimeur se tourna vers des éditions, en français, d’ouvrages le plus souvent d’obédience évangélique. La même année, il commença à connaître quelques déboires, puisque l’Inquisition condamna certaines de ses publications évangéliques, ses Carmina et ses Fata, parce qu’il y aurait évoqué le destin, le fatum, dans un sens païen ; Dolet fut encore poursuivi l’année suivante (1543) pour avoir envoyé à Paris des livres prohibés. Emprisonné en 1544, il fut brûlé sur la place Maubert le 3 août 1546.

Le présent travail porte sur le recueil des Carmina (1538). Dolet y réunit, dans quatre livres comportant cent quatre-vingt-seize épigrammes, des pièces poétiques écrites en 1534 contre Toulouse et les Toulousains, et les complète par de nouveaux poèmes, pièces de circonstance à vocation épidictique, parfois même politique et polémique. Dans le tome I, je propose l’édition du texte, suivie d’une traduction accompagnée de notes qui concernent la prosopographie, la métrique et les sources. Dans le tome II, je m’efforce de dégager les conceptions littéraires et métaphysiques de ce poète méconnu.

On constate ainsi que Dolet offre une conception de la poétique assez analogue à celle de ses contemporains, notamment de Nicolas Bérauld : plus que le résultat d’un ingenium particulier, la poésie dépend, à ses yeux, de l’ars ; l’humaniste suit la veine de la poésie alexandrine : ses créations sont le fruit d’un travail minutieux et la métrique sophistiquée qu’il pratique assez souvent en constitue une preuve incontestable ; comme ses contemporains (Macrin, Bourbon, Visagier), il affirme aussi sans cesse son choix d’un genre mineur tout en simplicité, même s’il dément parfois ces recusationes par des affirmations orgueilleuses ou se laisse tenter, un moment, par des accents épiques. L’Orléanais ne se contente pas de voir en son oeuvre un bel objet ciselé ; fidèle au rôle d’humaniste civique qu’il a endossé dès l’époque toulousaine, il nourrit pour ses travaux poétiques une ambition idéologique puisqu’il y traite de la condition du poète, de sa supériorité sur les autres hommes, de la polémique franco- italienne ; il évoque aussi les guerres d’Italie, stigmatise la politique de Charles Quint ou du Pape Paul III ; il n’hésite pas à emprunter la voie de l’invective dans sa satire des Toulousains qui l’ont forcé à quitter la cité palladienne en 1534.

Etienne Dolet est aussi très réputé pour sa prise de position véhémente contre Erasme en matière de style. Dans son Ciceronianus (1528), le savant hollandais caricaturait, à travers la figure de « Nosopon », les partisans de l’imitation cicéronienne, dépeints comme des maniaques occupés à singer la manière d’écrire de l’Arpinate ; en 1535, Dolet lui répliqua dans son Erasmianus en l’insultant copieusement. En théorie, Dolet considère que Cicéron est bien le modèle stylistique à choisir et à suivre ; mais il faut aussi adopter son èthos d’écrivain au service de la cité, se faire ainsi totalement cicéronien. L’humaniste applique ces principes en de nombreux endroits des Carmina, dans le choix du vocabulaire et des thèmes, dans la démarche intellectuelle, souvent engagée, qu’il adopte. Mais l’Orléanais n’est pas pour autant Nosopon : moins extrémiste qu’on l’a souvent dit, il pratique une imitation éclairée, n’hésitant pas à butiner parmi les Elégiaques latins et chez ses contemporains quand la circonstance ou le sujet du poème le requièrent. Aussi Dolet s’avère-t-il plutôt un « cicéronien souple » (C. Mouchel), dont la pratique stylistique semble parfois se rapprocher des frontières bien mouvantes de l’éclectisme.

Dans le domaine de l’épigramme, Dolet oscille entre tradition et innovation. Le poète revient à la fonction épigraphique de l’épigramme dans les pièces funéraires qui composent tout le livre IV des Carmina. Il se nourrit ailleurs des deux modèles majeurs de la Renaissance, Catulle et Martial ; la première Renaissance s’était délectée de la suavitas du Véronais tandis que les théoriciens et écrivains de la seconde, dont Jules-César Scaliger constitue l’illustration, commençaient à lui préférer Martial pour son mordant ; Dolet se situe au confluent de ces deux modes : il reprend les thèmes catulliens les plus en vogue tout en montrant sa maîtrise de l’epigramma duplex, cher au poète de Bilbilis, dans un échantillon de poèmes. Dolet développe aussi des formes poétiques et des thématiques propres à la Renaissance, telles que l’hydropyrique, la poétique du bel objet, la coloration autobiographique du recueil tout entier. En revanche, certains choix atypiques semblent traduire une tentation pour l’innovation, ou même la licence poétique ; ainsi, Dolet omet certains aspects typiques de l’écriture épigrammatique, telle qu’on la connaissait par l’Anthologie de Planude : son recueil ne possède pas de cycle érotique ; ses épigrammes sont le plus souvent longues ; aussi certaines de ses pièces ressemblent-elles plutôt, par leur thème et par leur forme, à des odes à la manière d’Horace, poète lui aussi très en vogue et dont la métrique éolienne était bien connue en France depuis l’édition des Carmina chez Simon de Colines en 1528.

Dolet est mort sur le bûcher, accusé d’hérésie par l’Inquisiteur Mathieu Orry. Ses Carmina permettent aussi de discerner certains aspects de sa métaphysique. Le poète, à la différence de ses contemporains, n’hésite pas à endosser la posture, pourtant suspecte aux yeux des chrétiens, du satiriste, quand il s’en prend aux Toulousains, aux moines, aux médecins, aux débauchés. Par ailleurs on note que seules deux pièces de l’ensemble constituent un corpus chrétien, les prières à la Vierge (III, 34 et 35) : c’est bien peu par rapport à ses contemporains Bourbon ou Macrin. Ces deux pièces contaminent d’ailleurs monde chrétien et monde païen en un subtil jeu d’intertextualité. Du reste, le poète orléanais mêle dans son oeuvre de nombreux courants de pensée : l’épicurisme, quand il doute de l’existence de sensations après la mort -il avait eu un aperçu de cette doctrine en suivant les cours d’Egnazio sur le De Rerum Natura à Venise vers 1530- ; le stoïcisme, puisqu’à ses yeux le Destin régit l’univers et les hommes, et que seuls le travail et la vertu peuvent conférer la liberté en s’opposant à cette puissance supérieure ; le rationalisme, qui transparaît dans son doute affirmé de l’immortalité de l’âme, visible entre autres dans sa quête intense de la gloire ici-bas. Or, à Padoue, Dolet avait certainement eu des échos de l’enseignement du philosophe Pietro Pomponazzi, mort quelques années plus tôt ; ce Padouan, commentateur d’Aristote, avait abordé dans son De immortalitate animae (1516), son De Fato (paru de façon posthume) et son De incantationibus (posthume aussi) des sujets brûlants : il y démontrait par exemple que l’âme est mortelle selon la raison, mais immortelle selon la foi ; que l’efficacité des prières tient surtout à la psychologie des orants et ne tend pas à prouver le charisme des saints ou l’existence de Dieu ; il mêlait aussi dans ses oeuvres différents courants de pensée, P. O. Kristeller a pu parler à son propos de « syncrétisme ». Peut-être est-ce chez lui que Dolet a puisé son propre éclectisme. En outre, certains chercheurs comme M. Pine ou A. Maurer se sont demandé si le Padouan ne pratiquait pas une rhétorique de la dissimulation, en s’appuyant sur le commentaire d’Aristote pour saper les fondements de la foi ; de même, Dolet, sous couvert de cicéronianisme et de pureté stylistique, adopte souvent le vocabulaire et les modes de pensée d’une époque païenne. Plus qu’une imitation des idées, c’est une manière d’être que l’Orléanais semble copier en Pomponazzi.

Ces différentes analyses permettent de montrer que Dolet se laisse guider par un principe majeur, la liberté : liberté du prosateur qui se confronte à la poésie pour y obtenir sa couronne ; liberté du cicéronianiste qui pratique l’éclectisme quand la réalité de la langue et sa variété s’imposent à lui ; liberté de l’épigrammatiste qui préfère traiter d’amitié plutôt que d’amour, en des mètres éoliens plutôt qu’en distiques élégiaques ; liberté du penseur face aux usages et aux dogmes, soucieux de ne pas se laisser contraindre par les habitudes de la majorité et habile créateur d’une littérature affranchie du carcan de la religion. Aussi V.-L. Saulnier avait-il raison d’écrire : « un jour, il faudra faire de cet éveilleur d’esprits l’une des quatre ou cinq figures de proue de toute notre Renaissance ».

Lundi 11 décembre 2006
9 heures
A l’INHA, Salle Perrot, Galerie Colbert, 2ème étage
4-6, rue des Petits Champs 75002 Paris

 M. Emmanuel LURIN soutient sa thèse de Doctorat :

 Etienne Dupérac, graveur, peintre et architecte (vers 1535 ?-1604). Un artiste-antiquaire entre l’Italie et la France

 En présence du Jury :

M. GUILLAUME (PARIS 4)
M. HOCHMANN (EPHE)
M. MIGNOT (PARIS 4)
M. MÉROT (PARIS 4)
M. SCHNAPP (PARIS 1)
M. ZERNER (HARVARD)

 Résumés :

Etienne Dupérac est un artiste français de la seconde moitié du XVIe siècle qui fut à la fois peintre, aquafortiste, architecte et spécialiste des jardins. Il a commencé sa carrière à Venise et à Rome où il séjourna pendant environ vingt ans (vers 1560-1578), avant de rentrer en France où il devint vers 1596 l’un des architectes d’Henri IV. Nous avons cherché à reconstituer l’ensemble de l’œuvre de Dupérac, qui était mal connu, mais aussi la complexité de son parcours, caractérisé par une forte ascension sociale. Notre thèse met l’accent sur la polyvalence de l’artiste, sa connaissance de l’antique et l’originalité de ses estampes - en particulier les vues de ruines, les planches d’architecture et les restitutions antiques. Elle montre que l’historien Onofrio Panvinio a joué un rôle déterminant dans son initiation aux sciences antiquaires. Elle suggère enfin l’existence d’un lien étroit entre ses restitutions archéologiques et son œuvre architectural, profondément influencés par les travaux de Pirro Ligorio.

Etienne Dupérac is a French artist of the second half of the sixteenth-century, who was active as a painter, an etcher, an architect and a specialist of garden design. He began his career in Venice and Rome, where he passed nearly twenty years (ca. 1560-1578), then he turned back to France where he became, about 1596, one of Henri IV’s court architects. In our study, we tried to describe the whole work of Dupérac, which was quite unknown, but also the different stages of his life and of his social ascent. We have emphasized Dupérac’s versatility, his knowledge of roman antiquities and the interest of his prints, especially his views of roman ruins and modern buildings. and his reconstruction drawings of roman scenes and monuments. We proved that the historian Onofrio Panvinio played a major role in Dupérac’s initiation to antiquarian studies. We have also compared his architectural projects with his reconstruction drawings, which are very influenced by the work of Pirro Ligorio.

 Position de thèse :

Combien de maîtres de la Renaissance française sont venus se former ou travailler à Rome, sans que nous puissions décrire aujourd’hui les circonstances de leur séjour, ni évaluer l’importance de l’Italie dans leur carrière artistique ? Parmi les « romanistes » français du XVIe siècle, Dupérac est désormais l’un des mieux documentés, grâce à l’importance de son œuvre graphique et aux différents documents que nous avons pu réunir. La diversité de son travail et la longueur de son séjour à Rome, où il résida pendant plus de dix-huit ans (1560-1578), permettent de suivre l’évolution de sa personnalité artistique, qui est particulièrement riche. Graveur à l’eau-forte, Dupérac fut aussi peintre et décorateur ; architecte, il se fit ingénieur, dessinateur de jardins et quelque peu archéologue. En effet, Dupérac est l’auteur de nombreux dessins d’après l’antique et de plusieurs restitutions archéologiques qui lui ont valu une réputation d’artiste-antiquaire, à la manière de Pirro Ligorio ou de Jacopo Strada. Si les débuts de Dupérac à Venise furent plutôt modestes, il a connu par la suite une lente ascension professionnelle : d’abord à Rome où il s’est fait connaître par ses estampes, mais aussi par ses travaux de peinture et d’architecture, puis en France où il fut l’un des principaux architectes de la fin du XVIe siècle.
Notre enquête a porté à la fois sur l’œuvre de Dupérac, que nous avons tenté de reconstituer et d’analyser dans son ensemble, mais aussi sur son parcours individuel, dont nous avons cherché à comprendre l’articulation, l’unité et la représentativité. Sachant que la plupart des travaux de peinture et d’architecture de Dupérac ont disparu, nous avons étudié principalement ses estampes gravées à l’eau-forte, ses dessins d’après l’antique, ainsi que de nombreux documents d’archives qui concernent l’artiste, ses collaborateurs et les chantiers où il est attesté. Trois grandes questions ont soutenu notre réflexion : la formation et les compétences réelles de l’artiste-antiquaire ; la polyvalence du peintre-graveur et sa conversion à l’architecture ; la construction et la réussite de sa carrière, menée entre l’Italie et la France.

PREMIÈRE PARTIE LA COLLABORATION D’ETIENNE DUPÉRAC AVEC L’ANTIQUAIRE ONOFRIO PANVINIO (VERS 1565-1566)

L’historien Onofrio Panvinio a joué un rôle déterminant dans l’initiation de Dupérac aux études antiquaires. Entre 1565 et 1566, l’artiste a réalisé d’importants travaux de documentation et d’illustration destinés aux traités de Panvinio sur les antiquités romaines. La première partie du mémoire est fondée sur une analyse détaillé du Codex Orsini et des estampes de Dupérac publiées dans le De triumpho (1571) et le De ludis circensibus (1600).

CHAPITRE PREMIER
ONOFRIO PANVINIO, UN ÉRUDIT À LA COUR DU CARDINAL _ ALEXANDRE FARNÈSE

Du séminaire de Vérone à la publication des Fastes (1558) - Nous retraçons la formation intellectuelle et les premiers travaux du grand historien Onofrio Panvinio (1530-1568). Sa conversion à l’Histoire ecclésiastique, sous l’influence de Marcello Cervini, ne l’a pas empêché de poursuivre des recherches très érudites sur les antiquités romaines.

La place de Panvinio dans l’entourage du cardinal Farnèse - Panvinio fut à la fois le bibliothécaire, le théologien et l’historien du cardinal Alexandre Farnèse. En tant que conseiller artistique, il a participé à la conception des programmes iconographiques du palais Farnèse de Caprarola. Nous revenons également sur le décès de Panvinio (1568) et sur l’hommage tardif que lui ont rendu les historiens du XVIIe siècle.

CHAPITRE II
LES ANTIQUITÉS ROMAINES D’ONOFRIO PANVINIO

L’Epitome Antiquitatum (1567-1568) et son élaboration - Tous les travaux de dessin et de gravure réalisés par Dupérac pour Panvinio sont liés à un grand projet en cent livres sur les antiquités et l’histoire de Rome. Avant sa mort, l’historien a eu le temps d’en rédiger une description détaillée, l’Epitome Antiquitatum, que nous présentons en nous appuyant sur les recherches de J.-L. Ferrary.

La question des illustrations scientifiques dans les travaux de Panvinio - L’historien a développé une réflexion assez originale sur l’importance et l’usage des illustrations scientifiques. Nous montrons que Panvinio considérait l’image comme un véritable moyen de connaissance, complémentaire de l’écrit.

Les illustrations du De antiqua Romanorum religione - Dans son grand traité en cent livres, Panvinio avait inclus un projet plus ancien sur la religion romaine, qui devait être entièrement illustré. La plupart des estampes de Dupérac furent gravées en prévision de cet ouvrage, que l’historien a cherché à publier en 1567-1568. Nous analysons la conversion de Panvinio à la topographie et à l’étude des vestiges antiques, en faisant l’état de ses connaissances iconographiques.
La publication du De triumpho (1571) et du De ludis circensibus (1600) - Après le décès de Panvinio en 1568 furent publiées deux sections de son traité sur la religion romaine, qui étaient consacrées respectivement aux jeux du cirque et aux cérémonies de triomphe. Toutes les illustrations avaient été gravées par Dupérac. Nous présentons les démarches infructueuses de l’historien auprès de plusieurs éditeurs, le devenir des planches et leur parution posthume.

CHAPITRE III
COPIER ET RESTITUER L’ANTIQUE : LA COLLABORATION DE _ PANVINIO ET DE TROIS DESSINATEURS

Les dossiers iconographiques de Panvinio - Le Codex Orsini est un grand album de dessins d’après l’antique qui fut légué à la fin du XVIe siècle à la Bibliothèque Vaticane par l’antiquaire Fulvio Orsini. L’analyse codicologique et paléographique nous a permis d’établir que la quasi totalité des dessins provenaient des dossiers d’Onofrio Panvinio, qui étaient passés après sa mort dans la bibliothèque d’Orsini.

Trois artistes en campagne vers 1565-1566 - Le contenu du Codex Orsini est analysé d’un point de vue documentaire et stylistique. La majorité des dessins a été réalisée vers 1565-1566 par trois artistes engagés par Panvinio : Etienne Dupérac, Ercole Setti et un dessinateur anonyme que nous appelons L’Anonyme de l’Ara Pacis. Leur travail est extrêmement varié : relevés d’après l’antique, copies de manuscrits illustrés, restitutions de scènes antiques, dessins préparatoires à des estampes. Dupérac et Setti furent notamment responsables de la copie d’une partie du Libro dell’antichità de Pirro Ligorio. Nous étudions les méthodes de travail de chaque artiste, en déduisant des liens de collaboration au sein de l’équipe. Les autres dossiers du Codex Orsini sont décrits plus rapidement.

CHAPITRE IV
LA REPRÉSENTATION DE L’ANTIQUE DANS LES DESSINS
PRÉPARATOIRES DU CODEX ORSINI ET DANS LES PLANCHES DE DUPÉRAC

Onofrio Panvinio, inventeur d’images scientifiques - Nous présentons une cinquantaine d’illustrations, conçues par Panvinio, qui sont des dessins du Codex Orsini ou bien des planches gravées par Dupérac. Une première analyse de ces images met en évidence les limites de la distinction entre les œuvres de reproduction et les œuvres d’invention.

L’illustration du De ludis circensibus et du De triumpho - Les planches gravées par Dupérac sont analysées du point de vue de leur contenu et de leur fonction par rapport aux traités de Panvinio. Les illustrations du De triumpho appartiennent à un projet entièrement abouti, à la différence du De ludis circensibus. Nous montrons que toutes les images ont été conçues de manière autonome par rapport au texte : les commentaires iconographiques sont rares, tandis que les légendes sont extrêmement développées. L’historien a choisi avec le plus grand soin les images, dont nous analysons la valeur épistémologique en distinguant les planches strictement documentaires, les vues topographiques et les restitutions.

La construction des planches d’illustration - Les estampes résultent d’un travail d’invention très complexe, effectué par Panvinio en collaboration avec Dupérac. Nous étudions d’abord la composition des planches de médailles, en détaillant leurs sources iconographiques ainsi que la composition des légendes et titulatures. Puis nous décrivons la construction des images de restitution (vues de monuments et scènes figurées), qui contiennent de nombreuses citations de fragments archéologiques. Nous soulignons aussi le travail de synthèse documentaire et d’imagination qui a été accompli par l’historien et le dessinateur.

Conclusion - Elle porte sur l’importance des restitutions de Panvinio et Dupérac pour l’histoire des études antiquaires.

DEUXIÈME PARTIE
LES PLANCHES D’ARCHITECTURE ET LES VUES GRAVÉES DE RUINES (VERS 1565-1578)

Notre travail sur l’œuvre gravé de Dupérac s’inscrit dans une réflexion plus large sur l’évolution de l’estampe romaine dans la seconde moitié du XVIe siècle. Selon D. Landau et P. Parshall, l’estampe aurait été réduite, après 1540, à un simple moyen de diffusion des images ; la gravure serait devenue à Rome un métier de spécialiste, pratiqué en entreprise à des fins essentiellement commerciales. Nous critiquons cette analyse en étudiant les relations de Dupérac avec ses différents éditeurs et en montrant la diversité et la qualité de son œuvre gravé, qui est étroitement lié à sa personnalité de peintre et d’architecte.

CHAPITRE PREMIER
LA CARRIÈRE DE GRAVEUR D’ETIENNE DUPÉRAC

Stefano Duperac, graveur français à Rome - Le métier de graveur de Dupérac est d’abord envisagé à partir de documents contemporains : quelques sources d’archives concernant l’artiste et le témoignage de Karel Van Mander, qui a rédigé une notice biographique sur Dupérac. La “spécialisation” de Dupérac au cours des années 1560 - Nous dégageons les principales orientations de l’œuvre gravé de Dupérac, qui couvre l’ensemble du champ de l’estampe romaine. Nous montrons néanmoins que l’artiste s’est peu à peu spécialisé dans les vues de cérémonies, les planches d’architecture et les vues de ruines. La collaboration de Dupérac avec ses éditeurs - Antoine Lafréry n’est pas le seul collaborateur d’Etienne Dupérac, qui a aussi travaillé avec Lorenzo Vaccaro et d’autres éditeurs de moindre envergure. Nous proposons quelques éléments de réflexion sur les relations entre le graveur et ses éditeurs, notamment pour le choix et la conception des sujets. Le milieu de l’édition de l’estampe dans les années 1550-1580 à Rome - La diversité de l’édition de l’estampe à Rome est évoquée à travers la vie et l’œuvre d’une dizaine d’éditeurs, actifs dans les années 1550-1580. Toutes les personnes présentées ont publié des estampes de Dupérac. Nous insistons sur l’importance des frères Tramezzino pour les images de restitution, sur le dynamisme de Lorenzo Vaccaro, et enfin sur l’activité d’Antoine Lafréry et de Claude Duchet, que nous étudions à partir de nombreux documents, partiellement ou entièrement inédits.

CHAPITRE II
UNE SPECIALITÉ DE DUPÉRAC À ROME : LES VUES DE CÉRÉMONIES ET LES PLANCHES D’ARCHITECTURE

Les vues de fêtes et de cérémonies - Dupérac est l’auteur de six représentation de fêtes et de cérémonies, dont le contenu documentaire est particulièrement riche. Ces estampes reflètent l’intérêt des contemporains pour les vues d’architecture et pour la représentation des grands événements de la vie publique. Nous avons étudié la construction, le contenu et la lettre de ces estampes, en montrant qu’elles appartiennent souvent à plusieurs catégories d’images (vues de Rome, documents d’architecture, souvenirs religieux, etc). Les planches d’architecture - Les estampes d’architecture de Dupérac ne sont pas des illustrations de livres, mais des planches publiées séparément. Elles sont d’une très grande importance pour l’histoire de l’architecture et la connaissance du goût. Ces estampes sont analysées à différents niveaux : choix du sujet, commande des planches, construction des dessins, fonction des images et profil du public, du dédicataire aux utilisateurs. Nous avons accordé une importance particulière aux estampes d’après les projets de Michel-Ange, dont nous analysons le contexte de production et les sources. Les vues de fontaines et de villas romaines sont étudiées selon la même approche. Les restitutions de monuments antiques - Les restitutions archéologiques de Dupérac forment la partie la plus originale de son œuvre gravé. Le grand plan de la Rome antique et sa dédicace sont étudiés en détail. Nous montrons que Dupérac a beaucoup utilisé les recherches de deux antiquaires, Onofrio Panvinio et Pirro Ligorio : ses restitutions sont tantôt des copies de leur travail, tantôt des œuvres de compilation, qui contiennent une part plus ou moins grande d’invention.

CHAPITRE III
LES VUES DE RUINES GRAVÉES PAR DUPÉRAC

Les dix éditions d’un best-seller - Dupérac a publié en 1575 une série de trente-neuf vues de ruines, intitulée I Vestigi dell’antichità di Roma, qui a connu une immense fortune. Nous étudions d’abord l’histoire du recueil et ses éditions successives, jusqu’aux dernières impressions datant de la fin du XVIIIe siècle. Le recueil de Dupérac était destiné en premier lieu aux touristes étrangers visitant Rome. Les différentes copies des planches, parues à Prague et à Rome, sont un autre signe de leur succès. La conception des vues - Les planches des Vestigi sont des vues de paysages, dessinées avec une sensibilité de peintre, qui sont d’une grand précision architecturale. Elles s’inspirent de deux modèles très différents : les vues de ruines de Jérôme Cock et le recueil de vues mixtes de Giovanni Antonio Dosio. Dupérac a composé ses propres planches à partir d’études très détaillées des sites antiques et de quelques estampes. Les Vestigi donnent une représentation déjà distanciée et très variée des antiquités et de la ville.

Les fonctions touristiques des Vestigi - Le recueil de Dupérac n’est pas un traité d’architecture, mais un livre touristique, qui pouvait être utilisé à la fois comme un guide illustré et un album-souvenir. Les vues, qui sont légendées, offrent un panorama commenté des antiquités romaines, qui sont décrites selon un ordre cohérent, correspondant approximativement aux parcours des visiteurs. Nous donnons un exemple d’utilisation du recueil, vers 1582, par un dessinateur flamand séjournant à Rome.

TROISIÈME PARTIE
LES ŒUVRES DE DESSIN, DE PEINTURE ET D’ARCHITECTURE EN ITALIE ET EN FRANCE (VERS 1560-1604)

Jusqu’à une époque récente, l’œuvre peint et l’œuvre architectural d’Etienne Dupérac n’étaient pratiquement pas documentés. Nous présentons nos propres découvertes ainsi que celles de Cr. Bragaglia Venuti, C. Grodecki et S. Deswarte-Rosa, en les approfondissant sur certains points. Cette partie du mémoire contient aussi l’étude de l’album de dessins d’après l’antique d’Etienne Dupérac, qui est un manuscrit de luxe, destiné à des amateurs, mais aussi l’une des œuvres les plus personnelles de l’artiste-antiquaire.

CHAPITRE PREMIER
DUPÉRAC PEINTRE ET ARCHITECTE À ROME (1560-1578)

Les amis et collaborateurs de Dupérac à Rome - A partir de sources très fragmentaires (actes notariés, lettres et témoignages contemporains), nous tentons de reconstituer une partie de l’entourage d’Etienne Dupérac à Rome. Sont évoqués successivement le menuisier Nicolas Mirandal, le marbrier Jean Ménard, les sculpteurs Claude Loisonnier et Claude Grantin, et le pâtissier Pierre Franconneau. Nous analysons également une commande de mobilier passée à Dupérac par le secrétaire de la famille Caetani, Giovanni Francesco Peranda.

Les paysages de la Loggia de Pie IV - Dans une récente publication, Cr. Bragaglia Venuti a attribué à Etienne Dupérac une frise de treize paysages peints à fresque entre 1561 et 1563 au Vatican. Nous rendons compte de ses recherches, tout en effectuant de nouveaux rapprochements entre les estampes de paysages de Dupérac et les peintures de la loggia. Les travaux du conclave de 1572 - Dupérac a dirigé avec Bartolomeo Gritti la fabrique du conclave de 1572. Les circonstances de leur nomination et la nature de leur travail n’avaient encore jamais été analysées. Nous les étudions en nous appuyant principalement sur les archives de la Chambre Apostolique, qui donnent une idée assez précise de la gestion du chantier et du recrutement des différents artistes et artisans.

Les travaux de peinture et d’architecture au palais Caetani de Cisterna - Au début des années 1570, Dupérac a été employé par la famille Caetani pour des travaux de peinture et sans doute aussi d’architecture. Nous attribuons à l’artiste français le décor de la grande salle du palais Caetani de Cisterna, en nous appuyant sur des photographies encore inédites. L’histoire et l’architecture du palais, qui fut reconstruit dans les années 1570-1580, sont encore très mal connus. Nous montrons que l’intervention vers 1578 de l’architecte Francesco Cipriani da Volterra suit une première phase de travaux. Dupérac semble avoir participé aux projets d’agrandissement de l’aile méridionale, décidés au début des années 1570 par le duc Bonifacio Caetani.

Les travaux de décoration de San Salvatore in thermis - A partir de documents d’archives inédits, nous décrivons une commande passée en 1574 à Dupérac par la confrérie de Saint-Louis-des-Français. L’artiste a réalisé des travaux de stucs et de peinture dans l’ancienne église de San Salvatore in thermis à Rome.

CHAPITRE II
L’ALBUM DE DESSINS D’APRÈS L’ANTIQUE DE DUPÉRAC (VERS 1575)

Les deux versions de l’Illustration des fragments antiques - Dupérac est l’auteur d’un album de dessins d’après l’antique, conservé en deux exemplaires, l’un au Louvre et l’autre à la Bibliothèque nationale de France. Nous montrons que les deux albums sont autographes : le premier a sans doute été réalisé vers 1575 à Rome, tandis que le second est une copie plus tardive et moins soignée. Nous étudions en détail le classement original des manuscrits et leur enrichissement par des collectionneurs, entre la fin du XVIe et le début du XVIIIe siècles.

Un « livre-corpus » de dessins d’après l’antique - Le contenu documentaire de l’album de Dupérac, ses sources iconographiques, et le programme intellectuel auquel il répond sont analysés de manière approfondie. Nous montrons que l’artiste a eu accès, vers 1575, aux dossiers iconographiques de Panvinio, alors possédés par Fulvio Orsini. Il a aussi utilisé les manuscrits de Ligorio achetés par le cardinal Farnèse.
Le traité de Dupérac sur les religions antiques - L’exemplaire de la Bibliothèque nationale de France contient un petit traité, portant sur les religions égyptienne et romaine, qui a été composé par Dupérac. Nous analysons sa composition et une partie des sources imprimées utilisées par l’artiste (écrits de Du Choul et estampes de Dupérac).

CHAPITRE III
LE SUCCÈS DE L’ARCHITECTE EN FRANCE (1578-1604)

Le retour de Dupérac en France - Le retour de l’artiste en 1578 est étudié selon trois angles d’approche : le décès de l’éditeur Antoine Lafréry (1577), les relations de Dupérac avec la cour de France, et un projet non abouti d’installation à Malte en compagnie de Karel Van Mander (vers 1576-1577). Dupérac, architecte des princes de Guise et de Lorraine (1578-1588) - En nous appuyant essentiellement sur des documents d’archives, nous décrivons les travaux d’architecture effectués par Dupérac pour le duc d’Aumale (vers 1582), le duc de Mercoeur (1588) et le duc d’Elbeuf (vers 1595). L’ouvrage le mieux connu est le tombeau du cardinal de Vaudémont à Nancy. Nous évoquons les liens d’amitié et de collaboration entre Dupérac et une grande famille de marbriers, les Ménard.

Le projet de villa pour Catherine de Médicis à Chaillot - Nous revenons sur l’attribution à Dupérac d’un projet de villa pour Catherine de Médicis, tout en proposant une nouvelle datation aux alentours de 1588. Notre analyse met en évidence les sources antiquaires et l’inspiration italienne du projet, en effectuant de nombreux rapprochements avec l’œuvre gravé de Dupérac et l’architecture des villas et des jardins maniéristes du Latium.

Les travaux d’architecture au palais et au jardin des Tuileries - La tradition qui présente Dupérac comme un spécialiste des jardins mérite d’être reconsidérée. A partir de 1596, l’artiste semble avoir été le principal architecte du roi Henri IV aux Tuileries, où il participa à la décoration du palais et à l’aménagement des jardins. Dupérac fut un ami proche du jardinier Claude Mollet, avec qui il a travaillé à Anet et peut-être aux Tuileries. Le témoignage de Mollet, concernant son apprentissage auprès de Dupérac, est analysé et replacé dans l’évolution générale du jardin, en France et en Italie, dans la seconde moitié du XVIe siècle. Les jardins en terrasses du Château-Neuf de Saint-Germain-en-Laye - Dupérac est présenté traditionnellement comme l’auteur des grands jardins en terrasses de Saint-Germain-en-Laye. L’architecture des galeries et des escaliers, l’histoire du chantier et l’attribution du projet final à Dupérac sont reconsidérés à partir de pièces d’archives, de dessins et de témoignages qui sont en grande partie inédits. Nous montrons que le projet des terrasses dépend peut-être d’une restitution par Pirro Ligorio du site antique de Préneste, que Dupérac avait copiée vers 1565 pour Panvinio.

CONCLUSION

Etienne Dupérac fut un artiste très polyvalent de la Renaissance, dont l’œuvre intéresse de nombreux domaines de recherche, tant en histoire qu’en histoire de l’art : l’estampe vénitienne et romaine, le livre illustré, les sciences antiquaires, l’architecture française et italienne, ou encore le goût pour l’antique et pour l’architecture dans la seconde moitié du XVIe siècle. Notre monographie apporte un grand nombre d’œuvres et de documents, qui ne comblent certainement pas toutes les lacunes, mais qui complètent et corrigent sur bien des points l’image très floue que l’on avait gardée de Dupérac. Elle permet aussi d’évaluer l’importance du voyage à Rome dans les carrières d’artistes à la Renaissance, en déplaçant certaines idées reçues sur la durée des séjours en Italie, la place des peintres étrangers sur les chantiers romains, les relations entre les graveurs et les éditeurs, ou encore le classement des artistes par « Ecoles » nationales. L’œuvre de Dupérac nous offre également des exemples, parfois étonnants, de transferts intellectuels et artistiques entre l’Italie et la France. La copie et la restitution de l’antique semblent avoir constitué un terreau d’invention extrêmement fécond pour ses projets d’architecture, qui présentent un caractère très antiquisant. Au-delà de sa diversité, qui est réelle, c’est dans la soif des contemporains pour l’antiquité que l’on perçoit le mieux la signification de l’œuvre de Dupérac, ainsi que les raisons de son succès.

FONDS D’ESTAMPES ET DE DESSINS ; ARCHIVES ET MANUSCRITS Liste détaillée des fonds d’arts graphiques (estampes et dessins), des manuscrits et des archives que nous avons consultés à Paris, Rome, Naples, Florence, Londres, Berlin et Munich.

ANNEXES
Les annexes sont divisées en quatre sections. Les trois premières contiennent essentiellement des documents d’archives, qui sont en partie inédits : documents concernant Etienne Dupérac (Annexe 1 ; doc. 1-56) ; documents concernant les éditeurs Antoine Lafréry, Claude Duchet et Giacomo Gerardi (Annexe 2 ; doc. 57-89) ; documents concernant la construction des terrasses du Château-Neuf de Saint-Germain-en-Laye (Annexe 3 ; doc. 90-105). Dans la dernière section est édité le traité manuscrit de Dupérac sur les religions égyptienne et romaine (Paris, BnF, Ms, fr. 382, f° 1 r°-3 r° et f° 32 r°-35 v°).

INDEX Index des noms propres cités dans le premier tome de la thèse.

TOME SECOND : CATALOGUE DES ESTAMPES

Estampes gravées par Etienne Dupérac à Venise et à Rome Le catalogue de l’œuvre gravé décrit cent quarante-quatre estampes attribuées à Etienne Dupérac. Il mentionne en outre les cent illustrations du livre de fables de Gabriele Faerno qui, faute de temps, n’ont été traitées que dans une seule notice. Notre travail confirme, sauf dans deux cas, la totalité des attributions et des rejets proposés en 1963 par Henri Zerner. Nous avons ajouté onze nouvelles pièces, qui n’avaient encore jamais été répertoriées dans l’œuvre de Dupérac. Les estampes ont été classées dans un ordre chronologique qui reste parfois approximatif. Chaque œuvre est accompagnée d’une notice analytique complète, qui décrit les états successifs et les modifications apportées à la lettre des estampes. Les regravures sont indiquées lorsqu’elles sont importantes. Pour chaque état sont indiquées les références des épreuves consultées dans différents fonds d’estampes conservés à Paris, Rome, Florence, Londres, Berlin et Munich. Les copies des estampes de Dupérac font l’objet d’une rubrique, qui n’est pas exhaustive. En outre, nous citons les extraits des traités d’Onofrio Panvinio qui correspondent aux illustrations gravées par Dupérac. Enfin, chaque notice comprend un commentaire détaillé, qui analyse le contexte de création de l’image, sa composition, son contenu, et dans quelques cas ses usages.

Estampes d’attribution incertaine A la suite de l’œuvre gravé de Dupérac sont présentées quatre eaux-fortes anonymes, que nous proposons d’attribuer à l’artiste à titre d’hyptothèse.

Estampes rejetées Huit eaux-fortes, qui ont été attribuées précédemment à Etienne Dupérac, ont été classées parmi les œuvres rejetées. Cet ensemble comprend des œuvres de Titien, Cornelis Cort, G. B. Angolo del’Moro et plusieurs planches anonymes. Les notices suivent la même grille d’analyse que le reste du catalogue.

La quasi totalité des œuvres étudiées dans le catalogue sont reproduites en vis-à-vis des notices.

TOME TROISIÈME : CATALOGUE DES DESSINS

Le catalogue des dessins contient cinq sections : les quatre premières sont consacrées à l’œuvre de Dupérac et la dernière aux dessins rejetés. Les notices documentent non seulement les dessins, mais aussi les objets antiques qu’ils reproduisent, les textes épigraphiques, ainsi que les annotations écrites sur les feuillets. Dans le cas des copies d’après les manuscrits de Pirro Ligorio, nous avons parfois cité des extraits des textes relatifs aux illustrations. Les copies des dessins de Dupérac ont été signalées aussi souvent que possible.

I Dessins préparatoires réalisés pour Onofrio Panvinio Cette section porte sur les dessins préparatoires réalisés par Dupérac pour Onofrio Panvinio : relevés d’après l’antique ; restitutions de scènes antiques ; dessins préparatoires aux planches du De ludis circensibus. Tous ces dessins proviennent du Codex Orsini (Vatican, Bibliothèque Apostolique Vaticane, Ms., Vat. Lat. 3439).

II Dessins de copie d’après les manuscrits de Pirro Ligorio La seconde section décrit les dessins de copie, réalisés par Dupérac pour Panvinio, qui sont conservés dans le Codex Orsini (Vatican, Vat. Lat. 3439). Il s’agit de deux cent quarante et un feuillets, dont les dessins dérivent principalement des illustrations du Libro dell’antichità de Pirro Ligorio (Paris, Bibliothèque nationale de France, Ms., Ital. 1129 ; Naples, Bibliothèque Nationale, Ms., Cod. XIII. B. 4, 6-8 et 10). Notre catalogue suit le classement des manuscrits de Ligorio, dont l’ordre est essentiellement thématique (statues et reliefs inscrits, monnaies, vases, restitutions architecturales, etc).

III L’Illustration des fragmens anticques appartenant à la religion et cérémonie des antiens romains Cette partie du catalogue documente soixante-quatorze dessins d’après l’antique provenant des deux exemplaires de l’album de Dupérac (Musée du Louvre, Département des arts graphiques, Inv 26385-26477 et Bibliothèque nationale de France, Ms., Fr. 382). Nous avons privilégié dans notre description l’album du Louvre, qui est le plus ancien et le plus beau. L’album contient trois livres consacrés respectivement aux antiquités égyptiennes (ou égyptisantes), aux antiquités et à l’architecture romaines. Les dessins sont tantôt des copies élaborées des dessins du Codex Orsini, tantôt des copies d’estampes, tantôt des dessins construits à partir d’études réalisées sur le motif.

IV Dessins de ruines et projets d’architecture Nous avons réuni dans cette section cinq dessins isolés que nous attribuons à Dupérac (D 1-5) : un projet d’agrandissement du palais Caetani de Cisterna (vers 1570) ; deux dessins préparatoires aux planches 32 et 36 des Vestigi dell’antichità di Roma (vers 1575) ; un plan et une vue à vol d’oiseau appartenant à un projet de villa sur la colline de Chaillot (vers 1588).

V Dessins rejetés La dernière section du catalogue réunit soixante-cinq dessins dont nous rejetons l’attribution à Dupérac. Les œuvres, qui sont classées dans un ordre chronologique approximatif, ont été analysées selon les mêmes critères que les autres dessins. Elles comprennent une vingtaine de vues de Rome, quelques dessins de figures, et un grand nombre de dessins d’après l’antique ajoutés à l’album du Louvre par différents collectionneurs. La quasi totalité des dessins analysés sont reproduits dans le catalogue.

samedi 5 décembre 2009
14h30
A l’institut de Géographie, petit amphithéâtre,
191 rue Saint Jacques 75005 Paris

Etienne GRESILLON soutient sa thèse de doctorat :

Une géographie de l’au-delà ? Les jardins de religieux catholiques, des interfaces entre profane et sacré.

En présence du jury :

M. AMAT (Paris 4)
M. ARNOULD (ENS Lyon)
M. BERTRAND (Le Mans)
MME HOTYAT (Paris 4)
M. SAJALOLI (Orléans )

Samedi 22 octobre 2005
9 heures
À la Maison de la Recherche
Salle de conférences, D 040, Rdc
28, rue Serpente
Paris 6e

 M. Bruce JNO-BAPTISTE soutient sa thèse de doctorat :

 Etre anglophone en Caraïbe. Les stratégies identitaires dans les petits Etats : l’exemple de la Dominique

En présence du Jury :

M. REDONNET (Paris 4)
M. BARBICHE (Le Havre)
Mme BODY-GENDROT (Paris 4)
M. DAVIDAS (Antilles)

Vendredi 10 juin 2005
15 heures 30
À la Maison de la Recherche
Salle D 116
28, rue Serpente
Paris 6e

M. Akos CSEKE soutient sa thèse de doctorat :

 Etre capable de Dieu, le concept de l’imitation chez Bonaventure et Thomas D’Aquin

En présence du Jury :

M. IMBACH (Paris 4)
M. BASCO
M. CHRETIEN (Paris 4)
M. SOMLYO

Jeudi 11 décembre
14 heures
Institut océanographique, petit amphithéâtre
195, rue Saint Jacques
Paris 5e

 Mme Isabelle ISNARD soutient sa thèse de doctorat :

 Etude architecturale de l’abbatiale de la Trinité de Vendôme : le chantier gothique

 en présence du Jury :

M. KURMANN (FREIBURG)
M. RECHT (Coll de Fr)
M. SALAMAGNE (TOURS)
M. SANDRON (PARIS IV)

Lundi 6 novembre 2006
14 heures 30
Maison de la Recherche, Salle D040
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Gilbert LOMBALE-BARE soutient sa thèse de Doctorat :

 Etude comparative et interculturelle de la littérature africaine de la langue française au sud du Sahara : unité littéraire et identités régionales

 En présence du Jury :

Mme CHEMAIN (NICE)
Mme CHIKHI (PARIS 4)
M. HALEN (METZ)
M. JOUANNY (PARIS 4)
M. KADIMA NZUJI (BRAZAVILLE)

Résumés

Cette étude se propose d’expérimenter la classification de la littérature africaine sudsaharienne à partir des « aires culturelles », perspective qui voit le jour au Colloque International « Aires Culturelles et Création Littéraire en Afrique » organisé par l’UNESCO. De ce point de vue, l’Afrique équatoriale, zone de culture bantoue, et l’Afrique occidentale, zone de culture soudanaise et sahélienne, consacrées par la critique comme un ensemble littéraire homogène, constituent deux cadres de référence. Dans une première partie sont abordées des questions de méthodes. Les tendances principales actuelles de la critique africaine se fondent sur l’approche historique liée au contexte colonial et des indépendances africaines. Elles présentent toutes un caractère commun : la vision monolithique des faits littéraires. Dans la vision globale, l’unité est postulée comme une évidence. La problématique des littératures nationales supposée refléter la diversité et la pluralité, se conforme au partage colonial de l’Afrique qui a engendré la balkanisation du continent. La classification par zones linguistiques procède elle du cloisonnement de l’Afrique en zones d’influences européennes. La comparaison interculturelle est une perspective nouvelle qui présente l’avantage d’aborder la littérature africaine dans son double aspect de l’unité et de la diversité. En quoi consiste l’unité littéraire africaine est une question à laquelle tente de répondre la deuxième partie. L’étude transversale de deux thématiques : l’impact de la mémoire spirituelle négro-africaine sur l’écriture, et la représentation du pouvoir politique moderne, s’appuie sur des faits qui donnent une perception objective de l’unité. La spiritualité ancestrale de laquelle se justifie la vision africaine du monde est une source prodigieuse d’un imaginaire spirituel qui féconde abondamment la littérature à travers des formes variées et différentes modalités et techniques de l’écriture. Elle coexiste dans un rapport d’interférence avec le discours rationnel. Dans une troisième partie, l’analyse porte sur la « conscience littéraire » des œuvres, notion à partir de laquelle se dégagent la conscience d’une identité commune africaine, mais également la conscience d’appartenance bantoue en ce qui concerne les œuvres des écrivains originaires d’Afrique équatoriale, et la conscience d’appartenance soudanaise et sahélienne pour les œuvres des écrivains originaires d’Afrique occidentale. Des différences entre une écriture d’inspiration "équato-bantoue″ et une écriture d’inspiration "sahélienne″, aux caractéristiques propres, se dévoilent à travers multiples centres d’intérêt dans une cohérence interne justifiant des spécificités littéraires régionales.

This study is an attempt to experiment with the classification of Sub-Saharan African literature in the light of “cultural areas”, a perspective which was first applied at the international conference “Aires Culturelles et Création Littéraire en Afrique” organised by the UNESCO. From this point of view, Equatorial Africa, which is an area of Bantu culture, and West Africa, which is an area of Sudano-Sahelian culture, make up two distinct frames of reference, even though they are considered as a homogeneous literary group by literary criticism. In the first part several methodological questions are tackled-the main current trends of African literary criticism are based on the historic approach related to the colonial context and the period of independence. They all bear a common trait : the monolithic vision of literary facts. To the global eye, unity appears as something obvious. Problems arising from national literatures, which are supposed to reflect diversity and plurality, conform to the colonial partition of Africa, which has given birth to the balkanisation of this continent. A classification by linguistic areas has emerged from the partitioning of Africa in regions of European influence. An intercultural comparison stands out as a new perspective, which has the advantage of considering African literature as a two-fold entity of unity and diversity. The question that the second part tries to answer is : what does the African literary unity consist of ? The cross-section study of two themes : the impact of Black-African spiritual memory on writing and the representation of modern political power are supported by facts which make unity to be perceived as objective. The primitive spirituality that has traditionally justified the African look on the world is an amazing source of spiritual imagery which pervades literature by means of a variety of forms, genres and techniques. This spirituality coexists with the rational discourse in a relation of interference. In the third part, the analysis focuses on the “literary conscience” of literary works-this notion implies both the conscience of a common African identity and, at the same time, the Bantu tribal conscience, for the works of writers coming from Equatorial Africa, and the Sudano-Sahelian tribal conscience, for the works of writers coming from West Africa. Some differences between an “equato-Bantu”-inspired literature and a Sahelian-inspired literature, both with their own characteristics, are then unveiled through a myriad of centres of interest in an internal coherence which justifies literary regional specificities.

Position de thèse

La littérature africaine moderne est abordée quasi exclusivement en fonction de l’histoire coloniale et des Etats-Nattions que cette histoire a engendrés. J’ai adopté une approche différente qui consiste à étudier la littérature africaine en fonction des peuples et des cultures à partir des aires et des foyers culturels. J’estime que l’histoire coloniale, et notamment les Etats-Nations ne reflètent pas la réalité profonde de l’Afrique noire. Les frontières artificielles des Etats-Nations, les structures et les idées de ces Etats n’ont pas encore atteint un niveau suffisant d’intégration pour être représentatifs des peuples et de la réalité africaine tout entière.

Cette étude se propose donc d’expérimenter la classification de la littérature africaine sud-saharienne à partir des « aires culturelles », perspective qui voit le jour au Colloque International « Aires Culturelles ET Création Littéraire en Afrique » organisé par l’UNESCO, mais qui n’est pas encore suffisamment explorée. Derrière la notion d’« aires culturelles » on trouve les concepts d’« intraculturalité » et d’« interculturalité ». De ce point de vue, l’Afrique équatoriale, zone de culture bantoue, et l’Afrique occidentale, zone de culture soudanaise et sahélienne, ayant le français comme langue d’écriture, consacrées par la critique comme un ensemble littéraire homogène, sont prises pour deux espaces distincts afin de soutenir la comparaison interculturelle.

Dans une première partie sont abordées des questions de méthodes. L’approche globale donne, à travers des théories et des méthodes d’analyse qui concourent à une homogénéisation systématique de l’écriture, une vision uniformisante de l’Afrique. L’unité est postulée comme une évidence. A cette vision s’ajoutent la classification par zones linguistiques et la problématique des littératures nationales. Ces tendances principales de la critique présentent un caractère commun : la vision monolithique des faits littéraires ; une approche propice à nourrir et à entretenir des clichés sur l’Afrique. Dans le cadre des aires culturelles et des foyers culturels, la littérature africaine n’est plus abordée du point de vue idéologique c’est-à-dire de l’histoire coloniale. L’étude du contenu des œuvres devient la méthode principale utilisée afin de découvrir les œuvres de l’intérieur en fonction de leur langage propre et des thèmes qui y surgissent. Cette démarche permet de confronter et d’établir les relations entre les œuvres et entre les auteurs : relations intraculturelles entre auteurs d’une même zone, relations interculturelles entre écrivains de zones différentes. L’interculturalité est une perspective nouvelle d’analyse dans le champ littéraire africain et dont l’avantage est d’appréhender les faits dans le double aspect de l’unité et de la diversité.

Lorsqu’on aborde la littérature africaine du point de vue de l’analyse littéraire, il se dégage un décalage entre le discours des œuvres et le discours de la critique historique et idéologique. Les problématiques principales de la critique historique, notamment la spécificité africaine et l’homogénéité, la langue d’écriture qui a pour corollaire les aires linguistiques, et la problématique des littératures nationales, ne constituent pas les thématiques et les enjeux dans la production littéraire à proprement parler. Ces questions ne constituent pas les préoccupations des écrivains et des personnages des œuvres. Elles ne structurent pas les œuvres littéraires. L’analyse littéraire donne un éclairage différent de la littérature.

En quoi consiste l’unité littéraire africaine est la question à laquelle tente de répondre la deuxième partie à partir de l’étude de deux axes transversaux de l’écriture : l’importance de la tradition spirituelle négro-africaine, et le thème du pouvoir politique. A la base de la littérature africaine on trouve les questions que pose la rencontre de deux visions différentes du monde. La spiritualité ancestrale de laquelle se justifie la vision africaine du monde coexiste dans une "relation″ de télescopage permanent et un rapport d’interférence et de transgression réciproque avec le discours rationnel et la pensée occidentale. La spiritualité négro-africaine se manifeste à travers des formes variées et différentes modalités et techniques de l’écriture : la relation à la nature et aux choses, le culte des morts, les croyances, les rêves, les mythes, le merveilleux spirituel, etc. Le thème du pouvoir politique quant à lui, marqué par le règne de la dictature et l’extrême violence, est un sujet majeur caractéristique de la littérature continentale qui témoigne des monstruosités et de la tragédie de l’Afrique "moderne″.

Dans une troisième partie, la plus longue, l’analyse porte sur la « conscience littéraire » des œuvres, notion à partir de laquelle se dégagent la conscience d’une identité commune africaine, mais également la conscience d’appartenance bantoue en ce qui concerne les oeuvres des écrivains originaires d’Afrique équatoriale, et la conscience d’appartenance sahélienne pour les œuvres des écrivains d’origine d’Afrique occidentale. Le discours littéraire met en relief des groupes de référence des œuvres à partir desquels on parvient à identifier les appartenances régionales, les habitudes, les mentalités et les comportements collectifs respectifs de même que les thèmes et les styles qui déterminent une écriture de sensibilité sahélienne et une écriture de sensibilité bantoue et équatoriale aux caractéristiques propres. L’étude de différents thèmes et expressions littéraires trace avec pertinence les contours palpables des espaces narratifs régionaux d’affinités et de sensibilités littéraires qui particularisent l’Afrique équatoriale d’une part et l’Afrique occidentale d’autre part.

Dans la représentation de la nature, la géographie est un fait majeur. Le Sahel d’une part et la forêt équatoriale de l’autre constituent deux géographies qui influencent différemment l’écriture des écrivains des deux régions. On ne peut pas comprendre la représentation de la nature dans l’écriture africaine en l’abordant du point de vue global et homogène sans dénaturer la réalité littéraire. Car les géographies respectives du Sahel et de la forêt équatoriale exercent des influences qui distinguent fondamentalement l’écriture des écrivains des deux zones, à la fois sur le plan des énoncés narratifs que sur le rapport que les personnages entretiennent avec leur milieu naturel. Le paysage sahélien conditionne un rapport de l’individu à la nature qui ne peut que se distendre du rapport de l’homme à la forêt équatoriale. Ces deux causes principales apparaissent comme des éléments décisifs dans la vision plus localisée et immédiate du monde des auteurs respectifs.

La littérature africaine d’expression française au sud du Sahara n’est pas seulement la résultante de la rencontre de l’Europe avec la civilisation négro-africaine. La pénétration de la civilisation arabo-musulmane dans l’espace soudano-sahélien est essentielle. Elle a engendré une vie spirituelle et matérielle qui, en s’associant aux valeurs autochtones, a modifié le rapport du monde sahélien de celui du monde équato-bantou. En Afrique occidentale la littérature reflète la culture arabo-berbère à travers l’islam et diverses pratiques sociales et économiques. Le corpus littéraire sahélien tire son originalité de la confluence de trois sources qui le distinguent du corpus d’Afrique équatoriale : la source négro-africaine, la source arabo-berbère, la source européenne. Les religions chrétienne et musulmane ont des influences et des interactions sur l’écriture des deux zones et révèlent des comportements religieux et des rapports aux religions qui ne sont pas identiques. L’islam et le christianisme ont des influences sur l’écriture qui révèlent que l’islam, associé aux traditions africaines, est une religion communautaire et de la vie quotidienne en Afrique occidentale, alors que le christianisme est vécu à titre individuel par des fidèles qui ne renient les croyances ancestrales qu’en apparence. Le phénomène de l’occidentalisation et ses implications soulève en permanence la problématique de l’adéquation/inadéquation civilisation occidentale prise comme référence universelle et civilisation négro-africaine, et suscite des interrogations constantes sur le sens du progrès, du développement et de la modernité. L’écriture africaine reflète les enjeux de la rencontre et du rapport entre l’Occident et l’Afrique et montre, au-delà des espaces linguistiques et des Etats-Nations comment la civilisation négro-africaine et les cultures autochtones se comportent dans le jeu des influences et/ou de la réception des influences étrangères et comment celles-ci agissent sur les mentalités collectives au niveau d’ensemble et au niveau régional ou local. L’occidentalisation n’a pas uniformisé de façon systématique les habitudes, les comportements et les mentalités des peuples d’Afrique occidentale et d’Afrique équatoriale, en dépit de l’implantation d’un même système scolaire. La littérature montre en effet comment certaines traditions et certains héritages coloniaux issus de l’Occident ne sont pas vécus de façon uniforme et dans les mêmes rapports entre l’Afrique équatoriale et l’Afrique occidentale. La culture du corps, les expressions traditionnelles de la danse, les habitudes vestimentaires et alimentaires et les habitudes de consommation ne sont pas les mêmes en Afrique équatoriale et en Afrique occidentale. La stylisation du corps voilé dans l’écriture d’Afrique occidentale diffère de la stylisation du corps charnel dans les œuvres d’Afrique équatoriale. La symbolique du "corps-identité″ marque profondément l’écriture sahélienne. La représentation de la culture vestimentaire, de la culture alimentaire, de la culture économique, n’est pas la même dans les textes des écrivains respectifs des deux régions. L’habillement et l’alimentation constituent des attributs identitaires qui font la fierté des personnages sahéliens. En Afrique équatoriale, s’habiller à l’européenne et "manger comme un blanc″ constituent des manières de valorisation qui ne sont que des expressions inconscientes d’une profonde acculturation et du complexe d’infériorité de l’indigène.

Le procès et l’autocritique des intellectuels donnent une perception négative de l’occidentalisation. Les intellectuels représentent un groupe au statut ambigu. Leur "savoir″ s’oppose à leur incapacité d’apporter des réponses et des solutions concrètes aux problèmes dont souffre l’Afrique. Avec l’élite politique, ils entretiennent, à leur profit personnel au détriment de l’intérêt général, un espoir auquel le peuple n’accorde plus de crédit.

La présence/absence de thèmes spécifiques et types de personnages dans le corpus de l’une ou l’autre zone, corrobore la thèse de l’existence de deux espaces littéraires distincts qui par ailleurs sont liés par une unité fondamentale indéniable. La présence des personnages typiques de l’univers socioprofessionnel sahélien comme l’imam, le forgeron, le marchand (ou commerçant), le mendiant, le griot, etc., et la sensibilité de l’écriture à l’économie par exemple, distingue l’écriture du Sahel de celle d’Afrique équatoriale. Celle-ci a aussi ses thèmes et personnages spécifiques. La représentation du personnage Ouest-Africain en tant qu’image de l’Autre, et du personnage du Pygmée, nourrit l’écriture d’Afrique équatoriale de la comparaison interculturelle comme un thème littéraire régional. La permanence de l’humour caractérise fondamentalement l’écriture d’Afrique équatoriale. L’image stéréotypée et figée de la femme africaine que véhicule la vision unitaire monolithique cache des images diversifiées des femmes en tant qu’elles sont femme africaine, femme sahélienne, femme bantoue de l’Equateur. D’une part, dans l’écriture de sensibilité sahélienne se dégage une mise en valeur des qualités socioculturelles et des vertus : la dignité et le sens de l’honneur, la fierté des traditions et des origines, la fierté de soi, l’effort sur soi, la patience et l’abnégation, le savoir-faire artisanal, l’amour du travail, la passion de la terre et la valorisation du travail de la terre, l’esprit des affaires. La littérature sahélienne suscite le goût d’entreprendre et du travail indépendant. Elle exprime des alternatives de progrès et le besoin de la société de se transformer. Elle est remarquable par sa vocation didactique et novatrice de la société. C’est une écriture de l’exemplarité avec des héros, des personnages et des représentations modèles qui consacrent l’art littéraire régional sahélien d’un caractère pédagogique dynamique et performatif. D’autre part, l’écriture de sensibilité équatoriale est marquée par la dénonciation et une constante et profonde critique sociale des fausses valeurs et vices : le mimétisme de l’Occident, la honte et le reniement des traditions et des origines, le mépris et la dévalorisation sociale du travail de la terre, le manque de culture économique et d’esprit des affaires, l’esprit bureaucratique, la propension collective à être fonctionnaire, agent salarié de l’Etat ou agent au service du secteur économique privé étranger, la mentalité d’assisté, l’oisiveté, la paresse, la cupidité, le goût des jouissances L’écriture d’Afrique équatoriale révèle une société élitiste dans laquelle les élites sont préoccupées par les besoins de leur promotion et de leur propre consommation mais à qui il manque la conscience des questions de création des richesses et de production des biens, paradoxalement aux ressources dont regorge leur environnement naturel. C’est une littérature caractéristique de l’absence de modèles représentatifs de l’effort et du progrès socio-économique.

Une approche comparative et interculturelle des aires culturelles et des foyers culturels donne un éclairage différent et une perception différente de la littérature africaine. A travers l’analyse interculturelle, l’Afrique occidentale et l’Afrique équatoriale apparaissent comme des espaces dont les contextes respectifs permettent de légitimer l’existence des littératures régionales africaines aux caractéristiques propres. Entre l’Afrique équatoriale et l’Afrique occidentale, les contextes sont différents et influencent l’écriture des écrivains selon l’origine de chacun. Les mentalités collectives régionales divergent entre les personnages d’Afrique occidentale et les personnages d’Afrique équatoriale. Des œuvres littéraires se dégagent, de façon palpable, en plus de la conscience d’appartenance africaine commune, une conscience d’appartenance sahélienne et une conscience d’appartenance bantoue d’Afrique équatoriale. Par contre les personnages des œuvres, qu’ils soient Africains ou Européens, ne s’identifient pas aux aires linguistiques ou aux appartenances anglophone, francophone ou lusophone, comme le laissent entendre les désignations de la littérature africaine de la critique historique et idéologique.

La diversité littéraire régionale permet d’appréhender plus concrètement la problématique de l’unité à travers des thèmes transversaux qui situent les faits au plan général. La comparaison interculturelle présente l’avantage d’aborder la littérature africaine à travers son double aspect de l’unité et de la diversité. Elle donne une image plus objective de l’Afrique dans la mesure où la configuration de la géographie littéraire s’harmonise avec les structures des espaces géoculturels à la fois au niveau général, au niveau régional et au niveau local. A cet égard l’utilisation d’une même langue d’écriture ne suffit pas à justifier l’homogénéité littéraire entre l’Afrique équatoriale et l’Afrique Occidentale. Le texte africain est un produit composite, complexe et ambigu qui ne peut se réduire à l’homogénéité.

La littérature africaine est telle un miroir à travers lequel se reflète la vie en Afrique dans sa globalité, ses différentes composantes et sa diversité. Elle révèle comment on est "Africain″, comment on est "Sahélien″, comment on est "Bantu″ d’Afrique équatoriale, etc. Les questions simples mais cruciales comme « "Où allons- nous ?″ et "Que sommes-nous, nous autres ?...″ », posées à la conscience africaine, condensent le sens profond du phénomène littéraire en Afrique noire et déterminent la problématique de la littérature africaine subsaharienne. Elles symbolisent des hypothèses de travail pertinentes pour comprendre la littérature et l’Afrique.

Samedi 12 février 2005
14 h
Salle G366, Sorbonne
1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 Mme JUNG-YEON SUH soutient sa thèse de doctorat :

 Etude des valeurs aspecto-temporelles du coréen dans un modèle cognitif -coss- et -teo-

 En présence du Jury :

M. CHEONG
M. DESCLES (PARIS IV)
Mme GUENTCHEVA (PARIS III)
Mme TAMBA (EHESS)
M. TOURATIER (AIX-MARSEILLE)

Vendredi 17 décembre
14 h
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 Mme Stéphane Dorothée THEODOS soutient sa thèse de doctorat :

 Etude sémantique du lat. Signum

 En présence du Jury :

Mme FRUYT (PARIS IV)
M. MOUSSY (PARIS IV)
M. NICKEES (PARIS VII)
M. NICOLAS (LYON III)

Lundi 21 novembre 2005
14 heures
Centre Malesherbes
Salle 322
108, Bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme ASTRID STARCK-ADLER soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 Etudes Allemandes/Etudes Yiddish (XVIe-XXe siècles)

En présence du Jury :

M. VALENTIN (Paris 4)
M. AZUELOS (Paris 4)
M. COLOMBAT (Paris 4)
M. NEUBERG (Trèves)
M. NIBORSKI (INALCO)
M. RAPHAEL (Strasbourg 2)

Mercredi 17 décembre
9 h 30
Bibliothèque de Musicologie
3, rue Michelet
Paris 6e

 M. Yvan NOMMICK soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger Des Recherches (HDR) :

 Etudes de génétique musicale. Une approche de ses applications pour l’analyse et l’édition d’oeuvres du XXe siècle

 en présence du Jury :

M. AGUILA (TOULOUSE II)
M. BONASTRE (BARCELONE)
M. GONNARD (TOURS)
M. JAMBOU (PARIS IV)
M. MEEUS (PARIS IV)

Lundi 11 octobre
14 h
En Sorbonne, salle des Actes

 M. Bernard EMONT soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Etudes des littératures du domaine canadien français centré sur des marques d’affirmation identitaire

 en présence du Jury :

M. BAREAU (VALENCIENNES)
M. BRUNEL (PARIS IV)
M. DOTOLI (BARI)
M. JOUBERT (PARIS XIII)
M. MENANT (PARIS IV)

Vendredi 19 décembre
8 h 30
En Sorbonne, bibliothèque Paul Hazard, Esc. C, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Anne FAIVRE DUPAIGRE soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR)

 Etudes slaves et lecture musico-littéraire en poésie

 en présence du Jury :

M. AUCOUTURIER (PARIS IV°
M. BACKES (PARIS IV)
Mme FINCK (STRASBOURG II)
M. LEROY (PARIS X)
M. MASSON (PARIS X)
Mme PISTONE (PARIS IV)

Jeudi 12 mai 2005
Petit amphithéâtre
Institut de Géographie
191, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Isabelle BIRAUD BUROT soutient sa thèse de doctorat :

 Etudier la ville à travers le prisme de la végétation : nouvelles pratiques, nouveaux apports de la télédétection - Montréal et Paris, terrains d’expérimentation

En présence du Jury :

Mme HOTYAT (Paris 4)
M. CARMONA (Paris 4)
M. CARRIERE (Québec)
M. CHEMLA (Paris 4)
M. GILG (EHESS)
M. HUBSCHMAN (Toulouse 2)

samedi 13 novembre
14 h 30
Carré Colbert, INHA
Salle Ingres, 2e étage
2, rue Vivienne
Paris 2e

 Mme Marie-Eve SCHEURER CELIO soutient sa thèse de doctorat :

 Eugène Grasset (1845-1917), enseignant et théoricien. Edition critique et notes de cours et du traité inédit "Composition végétale".

 En présence du Jury :

M. FOSSIER (LYON II)
M. GAEHTGENS (BERLIN)
M. GRIENER (NEUCHATEL)
M. JOBERT (PARIS IV)
M. RINUY (PARIS X)
M. THIÉBAUT

Mardi 21 juin 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Sonia de LEUSSE soutient sa thèse de doctorat :

 Eugène Ionesco et la peinture

En présence du Jury :

M. GUENOUN (Paris 4)
M. ABIRACHED (Paris 10)
MME HUBERT
MME IONESCO
M. TADIE (Paris 4)

Lundi 21 juin
14 h
Amphithéâtre Michelet
Sorbonne
46, rue Saint Jacques
75005 Paris

 M. Patrice CAILLEBA soutient sa thèse de doctorat :

 Evolution de la position de l’individu chez Marx

 en présence du Jury :

M. BENSUSSAN (STRASBOURG II)
M. BESNIER (PARIS IV)
M. RAYNAUD (PARIS II)
M. RENAUT (PARIS IV)

Lundi 20 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne,Salon de la Présidence, 1er étage
54, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 Mme Sumi SHIMAHARA soutient sa thèse de Doctorat :

 Exgèse et politique dans l’oeuvre d’Haymon d’Auxerre

 En présence du Jury :

Mme DE JONG (UTRECHT)
M. DOLBEAU (EPHE)
M. IOGNA-PRAT (CNRS)
M. LAUWERS (NICE)
M. SOT (PARIS 4)
M. VERGER (PARIS 4)

 Résumés :

Haymon vit et enseigne à l’abbaye Saint-Germain d’Auxerre au milieu du IXe siècle. Nous établissons l’authenticité et l’édition critique de l’Annotation brève sur Daniel, jusqu’à présent inédite, en donnons une traduction, puis montrons que l’exégèse d’Haymon témoigne de la réussite du renouveau carolingien. La pensée patristique est assimilée, ce qui permet à Haymon d’élaborer des commentaires personnels. Attentif à la correction du texte biblique, il utilise la révision réputée peu diffusée de Théodulfe d’Orléans. Pillé par la Glose ordinaire, il est lu durant tout le Moyen Age jusqu’à l’époque humaniste. Commentateur des prophètes, il actualise leur admonition en exaltant une sainteté monastique. Il minore la responsabilité du pouvoir séculier au profit de celui des religieux. Le mouvement réformateur carolingien, encouragé par les rois, se retourne contre eux dans l’œuvre d’Haymon : le point de vue ecclésiologique qu’il défend prépare celui de ses confrères des Xe-XIe siècles.

In this dissertation, we first state the authenticity and establish the - previously unpublished - text of the Adnotatio breuis in Danielem. We then provide a French translation and at last show how the fruitful achievements of the Carolingian revival are enlightened by Haimo’s practice of exegesis. Indeed, since the thought of the Fathers eventually became part of the common background by that time, Haymo was able to build and shape personal commentaries on biblical texts. As his consistent use of the theodulfian recension shows - a text that was hardly available at all -, he was deeply concerned with accuracy in the Bible. Later, he was plundered by the Glossa ordinaria and constantly read from the Middle Ages to the early modern period. The main lines of thought we stress here are the following. As a commentator upon the Prophets, he adapts their admonitio to his own time by exalting monastic holiness. When it comes to the relationships between secular and spiritual power, Haymo understates the responsibility of the secular power while emphasizing the religious one. The Carolingian reforming movement that was encouraged by the kings thus finally turns against these in the works of Haymo. Therefore, the ecclesiological point of view already defended by Haymo can be seen as a forerunner of his Xth- XIth century colleagues’ thought.

 Position de thèse :

L’exégèse biblique explicite la Loi par excellence, le message adressé par Dieu aux hommes. Le Livre est ambigü, à toutes les époques. Son interprétation est une prise de position en vue de fournir prescriptions et modèles à une société donnée. L’exégèse est donc une source riche pour l’histoire des représentations, en particulier politiques. Nous choisissons un point de vue particulier, celui d’Haymon d’Auxerre, moine qui vécut au milieu du IXe siècle et enseigna à l’abbaye Saint-Germain et montrons en quoi sa culture et ses représentations témoignent d’une certaine originalité parmi les lettrés carolingiens. L’exégèse du haut Moyen Age est marquée par le poids très important de la tradition patristique. Pour cerner les inflexions d’Haymon, ce qui fait sa personnalité, nous adoptons une démarche comparatiste à la fois synchronique et diachronique, faisant nôtre la maxime employée par différents spécialistes de l’exégèse et formulée comme suit par Philippe Buc : « Tout écart, même minime, dans la reproduction des textes reçus, est potentiellement significatif ».
Cette minutie dans la comparaison exigeait que notre étude reposât sur un texte fiable. Nous établissons donc l’édition critique de l’Annotation brève sur Daniel, jusqu’à présent inédite, ainsi que sa traduction. Pour fonder une analyse plus générale de la pensée d’Haymon, nous élargissons ce corpus selon deux cercles concentriques. Le premier englobe trois textes proches du commentaire sur Daniel : les expositions d’Haymon sur Joël, Amos et Abdias. Nous avons systématiquement comparé ces traités à leur source majeure, les expositions de Jérôme. Notre corpus principal est ainsi suffisamment cohérent pour autoriser de fréquentes comparaisons et comprend quatre textes, ce qui permet de déterminer des constantes dans l’exégèse haymonienne, par-delà les particularités inhérentes à un texte biblique donné. Le deuxième cercle englobe le reste de l’œuvre d’Haymon, que nous avons interrogé sans en faire une étude exhaustive ni en rechercher systématiquement les sources. Nous y avons puisé des confirmations d’idées qui avaient émergé à partir de notre corpus principal et dont nous voulions vérifier l’importance dans l’œuvre d’Haymon mais aussi des compléments d’informations. Nous définissons le terme politique au sens large comme tout ce qui a trait au mode de gouvernement d’une société donnée, plutôt que dans le sens restreint de construction d’un État. A l’époque carolingienne, la société est l’Église visible, tendue vers son achèvement eschatologique. Le politique se situe essentiellement dans une relation verticale, celle de la médiation humaine entre la royauté absolue, celle du Christ, et de son corps, l’Église. Nourri des premiers fruits de la renaissance et de la réforme carolingienne, Haymon déploie une pensée relativement novatrice au milieu du IXe siècle. Comme les autres lettrés carolingiens, il considère que le savoir doit réformer le monde ; la science, alliée à la sagesse, est un outil politique. Nous déclinons successivement trois traits de sa personnalité au cours de quatre parties. Les deux premières parties de cette étude sont en effet consacrées à l’écrivain, moine de Saint-Germain d’Auxerre. Dans un premier chapitre, nous rappelons le contexte dans lequel il écrit : Auxerre est un des pôles décentré du pouvoir royal. Nous procédons dans le deuxième chapitre à une mise au point de ce qu’on sait de sa biographie, récemment discutée, et de ses ouvrages. Le troisième chapitre apporte de nouveaux éléments sur son œuvre : nous établissons l’authenticité de l’Annotation brève sur Daniel, montrons quelles sont les recensions haymoniennes des commentaires sur Joël, Amos et Abdias et fournissons quelques éléments neufs pour affermir l’attribution du traité sur Jérémie. La deuxième partie de notre travail est consacrée à l’élaboration de notre source principale, c’est-à-dire à l’édition critique de l’Annotation brève sur Daniel dont nous donnons également une traduction annotée.
Dans la troisième partie, nous nous attachons au maître influent dans l’histoire culturelle de l’époque carolingienne et, plus généralement, du Moyen Age. Un premier chapitre rappelle à la fois le rôle moteur de l’exégèse dans la réforme carolingienne et sa place dans la société : c’est à la fois une science monastique et un savoir d’élite. Nous montrons également que l’évolution de l’exégèse carolingienne témoigne de la réussite du renouveau culturel carolingien, en particulier à partir de l’exemple de l’interprétation de Daniel. Le deuxième chapitre est consacré à Haymon en tant que maître en exégèse. Nous nous interrogeons sur le degré d’assimilation des auteurs redécouverts à l’aube du IXe s. et des méthodes élaborées alors, afin d’évaluer, à partir du moine d’Auxerre, la réalité du mouvement de renouveau. Un cas particulier fait l’objet de tout le troisième chapitre : nous y étudions le texte biblique utilisé par Haymon ainsi que ses principes philologiques afin de montrer comment l’entreprise de correction du Livre, encouragée par les souverains carolingiens, a été reçue dans l’exégèse. Cela permet de compléter les travaux sur ce sujet, fondés davantage sur les manuscrits bibliques conservés que sur leur usage. Enfin, nous montrons dans le quatrième chapitre les grands traits de la postérité médiévale d’Haymon en suivant sa trace non seulement dans les témoins subsistants mais aussi dans les catalogues de bibliothèques médiévales et, surtout, dans les écrits de toute la période. Dans la dernière partie, nous traitons d’Haymon en tant que penseur et nous abordons son exégèse sous l’angle de l’histoire des représentations. Nous montrons dans le premier chapitre le rôle structurant de l’histoire du salut dans sa pensée, toute orientée vers l’attente et la préparation du jugement. Dans la lignée augustinienne, Haymon développe une conception de l’histoire qui lui permet de lire la Bible comme un guide pour ses contemporains. Le Livre est aussi miroir du monde. Cela nous permet, dans un deuxième chapitre, de préciser les responsabilités que le moine d’Auxerre attribue aux dirigeants de l’Église à travers les jugements qu’il porte sur la description des actions de leurs types bibliques. Nous pouvons ainsi cerner les valeurs qu’il exalte, les prescriptions qu’il donne. Dans le dernier chapitre enfin, nous étudions les moyens de gouvernement, de réforme de la société, tels qu’ils sont préconisés et mis en pratique par Haymon dans son exégèse. Il s’agit ainsi de mieux cerner la pensée d’un savant en retrait du monde mais qui s’adresse malgré tout à l’Église universelle.

Nos résultats peuvent se regrouper selon trois thèmes : Haymon est avant tout un moine, ce que l’historiographie avait minoré. C’est un savant ; l’étude précise de son œuvre renouvelle ce qu’on savait du renouveau carolingien. C’est aussi un réformateur qui élabore une idéologie alternative à celles des rois et des évêques. Dans ces trois aspects, Haymon est annonciateur de mouvements ultérieurs qui ont puisé à son exégèse. Si l’emprise réelle de sa prédication sur la société carolingienne elle-même est difficile à évaluer, son influence est incontestable dans la culture et dans les représentations médiévales.

1. Un moine

Un moine en retrait du siècle

Haymon, avant tout, est un moine. On le sait depuis les travaux d’Eduard Riggenbach mais on a eu tendance à minorer ce fait, à voir en lui essentiellement un maître. Tout son œuvre renvoie pourtant à cette réalité sociale et spirituelle. L’homme est en retrait du monde, de la cour et des honneurs. Il n’intervient pas dans les affaires de son temps, il n’est pas le conseiller proche ou lointain des rois contrairement à d’autres moines exégètes, Angélome de Luxeuil ou Raban Maur par exemple. Il ne compose aucune dédicace, pas même pour des frères. Ses commentaires nous sont transmis sans cette gangue de paratexte où l’écrivain, habituellement, parle de ses desseins et de lui-même. Ils sont nus comme l’est l’homme détaché des biens terrestres. Cet anonymat est d’autant plus remarquable qu’Haymon est un exégète prolifique. Après Raban Maur, c’est le carolingien qui a commenté le plus de livres bibliques et l’un de ceux dont l’œuvre a été le mieux diffusée tout au long du Moyen Age. En outre, Haymon enseigne et écrit dans un milieu situé dans l’orbite royale au IXe siècle. Sous Charles le Chauve, les honores auxerrois sont attribués à des proches du souverain, l’abbaye Saint-Germain est richement dotée, le roi s’y rend régulièrement. Il s’y recueille à l’occasion d’événements décisifs pour lui, par exemple après la bataille de Fontenoy en 841 ou avant d’affronter son frère Louis le Germanique, envahisseur de son royaume en 859. Charles le Chauve est suffisamment présent et attaché à Saint-Germain pour qu’Heiric, élève d’Haymon, lui dédie le récit des miracles du patron de l’abbaye. Cependant l’activité culturelle, polarisée sur la cour de Charlemagne, se déconcentre dès le règne de Louis le Pieux puis se trouve éclatée en multiples pôles sous celui de Charles le Chauve. L’impulsion centrale est peu à peu relayée à la périphérie, signe de la réussite du renouveau carolingien. L’œuvre d’Haymon, comme celui de ses contemporains Paschase Radbert ou Christian de Stavelot, témoigne de ce déploiement dans tout l’espace carolingien du savoir d’élite qu’est l’exégèse biblique. Il révèle le fonctionnement autonome de centres de culture dispersés. Paschase, Christian et Haymon écrivent librement et non sur commande royale ; tous trois, davantage que leur prédécesseurs, impriment leur marque personnelle sur la tradition herméneutique de la Bible. Mais seul Haymon livre des textes nus, sans dédicace, justifiés par leur seul contenu.

Exégèse et lectio diuina

Moine, Haymon l’est aussi en ce qu’il commente la Bible avant tout pour ses frères, professionnels de la prière, ruminants de l’Écriture voués à la lectio diuina. Il leur offre le fruit de sa réflexion pour enrichir la leur, pour les aider à faire croître en eux la parole divine, pour leur révéler l’infinité du texte saturé de sens. Son exégèse est à l’image de cette méditation individuelle et linéaire du Livre : elle épouse les contours du texte, s’arrêtant plus longuement sur les passages qui frappent l’auteur, en évoquant d’autres de manière allusive, choisissant souvent la lecture historique, l’augmentant parfois d’une explication spirituelle. Il n’y a rien de systématique dans l’interprétation haymonienne mais toute la souplesse d’une pensée personnelle. En cela, le moine d’Auxerre se différencie de son inspirateur majeur, Jérôme, et plus encore de son contemporain Raban Maur qui s’applique à présenter avec régularité la lettre puis l’esprit. Il se distingue surtout des commentateurs du XIIe siècle : l’exégèse scolaire s’insérera alors dans un cadre assez strict, par exemple celui de séquences organisées par des quaestiones chez André de Saint-Victor ou celui du sens historique chez Pierre le Mangeur. L’explication monastique adoptera elle aussi un fil directeur plus visible que chez Haymon, souvent tropologique. La liberté du moine d’Auxerre reflète au contraire les aléas d’une réflexion spontanée, quoique pétrie de science patristique. La pensée d’Haymon est pourtant structurée par l’idéal de perfection sur lequel il a les yeux rivés : c’est la Jérusalem céleste, la cité de Dieu que le moine cherche à rejoindre en s’arrachant à sa condition d’homme terrestre. L’Église ici-bas est mixte, les deux cités y sont inextricablement mêlées, mais Haymon rappelle avec force leur existence réelle, leur distinction définitive et visible, promise pour le jugement dernier. L’histoire des hommes est celle de leur salut, celle de la lutte entre corps du Christ et corps du diable. Tout fait sens dans le monde car tout est voulu par Dieu. Mais les raisons de ce dernier sont impénétrables, sauf par la Bible. C’est là que se concentre le message que Dieu a confié à l’humanité par la voix d’élus inspirés. C’est dans le Livre que se trouve la clé de lecture permettant de comprendre l’univers et les modalités de la lutte récurrente entre les deux cités. En soulignant ce qui, dans l’histoire biblique, montre l’appartenance à l’une ou l’autre, motive les actions de l’une et de l’autre, signifie les attentes et le jugement de Dieu, le moine d’Auxerre fait de la Bible un miroir reflétant la dichotomie du monde et un guide de conduite pour ses contemporains. Ses commentaires constituent donc une exhortation permanente à la quête de perfection, à l’imitation des élus réunis au ciel.

Un idéal monastique

De l’exégèse d’Haymon émerge un idéal que les moines sont supposés incarner au mieux. La vertu qu’il exalte avant toutes les autres est l’humilité, prégnante dans les représentations carolingiennes. Il lui associe la sagesse, la chasteté et la piété, toutes alliées dans un même dessein, celui de se détacher des choses terrestres. C’est au nom de l’humilité qu’Haymon appelle à une conversion permanente. La pénitence sauve en lavant des péchés, elle est le moyen par excellence du salut dans la mesure où le libre-arbitre, la décision d’accepter la grâce miséricordieuse du pardon divin, est la seule marge de liberté dont les hommes disposent sur terre. La pratique pénitentielle exaltée par Haymon est une conversion quotidienne, intense, absolue : il s’agit de se tourner vers Dieu, de s’offrir en sacrifice à lui en se purifiant par une ascèse faite de jeûne, de componction, de larmes et de prière. Tout le culte, l’alliance renouvelée jour après jour avec Dieu consiste en cette offrande de soi ; sa qualité réside dans l’intention du fidèle et non dans les seuls gestes. La spiritualité qu’Haymon propose à ses contemporains est donc profondément monastique. La valorisation très appuyée de l’homme intérieur au détriment de l’homme extérieur, façonnée par l’esprit bénédictin tout autant que par les écrits d’Augustin et de Grégoire, conduit Haymon à fustiger avec vigueur le comportement des hommes du siècle. Il critique particulièrement les puissants et leur exercice du pouvoir, visant surtout les rois mais aussi les évêques et, parfois, les abbés. Sa méfiance et sa réprobation vont plus loin que celles de ses contemporains religieux et lettrés dans la mesure où elles ont des conséquences sur son ecclésiologie. Haymon minore la responsabilité du pôle temporel de gouvernement dans l’Ecclesia, le cantonnant à un rôle de coercition et de défense des fidèles. Il rend plus étanche la frontière entre les deux sphères de pouvoir. Seules les autorités religieuses régissent la société, l’admonestent. Parmi elles, les moines ont un rôle capital : ce sont les prédicateurs par l’exemple, ils incarnent un modèle que tous les fidèles sont invités à imiter. Haymon offre ainsi une idéologie politique alternative à celles que défendent les rois, les évêques et le pape au milieu du IXe siècle et prépare l’élaboration d’une conception monastique de l’Église.

Un inspirateur de la pensée et de l’exégèse monastique médiévales

Les idéaux d’Haymon ont en effet influencé Heiric, son disciple : ce sont eux, probablement, qui l’ont poussé à remodeler le schéma des trois ordres afin de formaliser la prépondérance des moines dans la société. De même, les mouvements clunisiens et grégoriens ont sans doute puisé chez Haymon une part de leurs valeurs : la lecture du moine d’Auxerre est attestée dans ces milieux. On avait jusqu’alors considéré qu’Haymon était un précurseur de l’exégèse scolaire. En réalité, il est également influent parmi les moines, comme l’atteste la présence de ses traités dans les catalogues de leurs bibliothèques au Moyen Age. Nombreuses sont les œuvres émanant du cloître qui s’inspirent des commentaires d’Haymon, surtout ceux sur le Cantique des cantiques, Isaïe ou l’Apocalypse, mais aussi sur les Epîtres pauliniennes. Williram d’Ebersberg et Robert de Tombelaine se réapproprient sa pensée : ils utilisent ses expositions comme trame des leurs. Rupert de Deutz et Hildegarde de Bingen lui empruntent plus ponctuellement. Moine, Haymon est en effet aussi un homme de science qui instruit l’Église universelle et écrit pour toucher, au-delà de l’époque carolingienne, toute l’humanité.

2. Un savant

Le savoir, distinctif de l’élite

Alors que pour Haymon, l’idéal monastique de sainteté est théoriquement accessible à tous, la sainteté savante, la plus prestigieuse, distingue une élite d’élus inspirés par Dieu. La connaissance de toutes choses est réservée à Dieu, répète inlassablement Haymon. Mais à chaque époque Dieu inspire quelques élus, leur octroie une compréhension exceptionnelle du monde, un charisme prophétique qui leur confère une position de médiateur entre le roi unique, Dieu, et ses fidèles. Seuls ceux qui bénéficient de cette intelligence supérieure des desseins divins peuvent guider les autres vers le salut. Pour avoir la fermeté nécessaire à cette tâche, ils doivent en outre être mûris par une certaine expérience de la vie et des hommes. Haymon valorise la composante intellectuelle de la sagesse et de la sainteté, se démarquant en cela d’un de ses inspirateurs majeurs, Grégoire le Grand. Il affirme la supériorité de l’admonition doctorale, écrite, donc destinée à un auditoire plus vaste, dans l’espace comme dans le temps, que la prédication orale. Nul doute que cette inflexion vient d’un esprit façonné dans une atmosphère de renouveau des études. Nous pensons qu’Haymon a probablement été oblat ; il aurait été élevé au monastère, à une époque où les lettres refleurissent à l’ombre du cloître.

Un maître en sciences scripturaires

Haymon est lui-même devenu maître en sciences scripturaires, les plus prestigieuses dans la pyramide du savoir. Volontiers didactiques, ses commentaires sont relativement brefs et manifestent une recherche de clarté. Le prédicateur et l’enseignant ne font qu’un : Haymon délimite avec précision les contours de l’orthodoxie, s’attardant sur les passages difficiles, pointant les interprétations erronées qu’il faut éviter. C’est une sentinelle, un veilleur qui anticipe les dangers et corrige les fautes. Par touches légères mais régulières, il rappelle les principaux éléments du dogme, évoque surtout les fins dernières et la toute-puissance de Dieu, sa prescience et la prédestination au bien, la permission qu’il accorde à tout ce qui se fait. Haymon insiste aussi sur la théologie trinitaire et l’unicité de la divinité dans le sillage des controverses carolingiennes. La présentation alternée et parfois hiérarchisée de plusieurs autorités sur une même question exégétique ou dogmatique a fait la célébrité du moine auxerrois. Cela se produit surtout dans son Commentaire sur les Épîtres pauliniennes. Sur les prophètes, Haymon est plus bref mais son exégèse a indéniablement une dimension catéchétique. Ses expositions démontrent la réussite de la renouatio culturelle mise en œuvre par les carolingiens. D’une part, Haymon dispose manifestement d’une bibliothèque assez riche : il a accès à des œuvres patristiques mais aussi à des glossaires et à des ouvrages de l’antiquité classique, telle l’Histoire naturelle de Pline. D’autre part, le moine d’Auxerre a profondément assimilé un enseignement patristique qu’on s’est efforcé de redécouvrir et de comprendre depuis un demi-siècle. En cet espace de temps, le genre exégétique évolue notablement. Au début, la redécouverte des Pères conduit à la constitution de florilèges comprenant des extraits plus ou moins longs de leurs œuvres. L’étape suivante voit la juxtaposition de plusieurs interprétations d’un même verset dans des compilations anthologiques à but encyclopédique, par exemple celles de Claude de Turin ou de Raban Maur. Cela débouche sur l’élaboration de synthèses personnelles, où l’auteur reformule ses sources, synthétise la pensée de plusieurs Pères. Les commentaires d’Haymon sur Daniel, Joël et Amos témoignent de cette assimilation profonde de l’esprit d’Augustin et de Grégoire le Grand ; c’est elle qui conduit le moine d’Auxerre à modifier la trame hiéronymienne, sans qu’il ait besoin de s’appuyer sur une compilation exhaustive. Haymon a sans doute eu accès dès sa jeunesse à la pensée patristique ; il a réellement pu se l’approprier au fil des ans.
Haymon est également philologue : il s’intéresse à la correction du texte biblique, indique des leçons variantes et la valeur qu’il faut leur accorder. L’établissement de l’édition critique de l’Annotation brève sur Daniel nous permet de mieux approcher le texte qu’il privilégie. La plupart des indices montrent qu’il s’agit de la révision théodulfienne, sans doute dans une recension tardive, donc assez aboutie. Ce fait est remarquable pour deux raisons. D’une part, l’édition de Théodulfe s’apparente à un travail critique hiérarchisant un grand nombre de variantes. C’est une entreprise scientifique à la pointe de la recherche carolingienne. D’autre part, et peut-être en raison de ce caractère, l’œuvre philologique de l’évêque d’Orléans a la réputation d’avoir été peu influente, contrairement à celle d’Alcuin. Seul Jean Scot aurait recouru à la révision théodulfienne. L’étude du texte de Daniel utilisé par Haymon remet en cause à la fois le monopole de la correction alcuinienne et l’échec de celle de Théodulfe. Il faudrait bien entendu étendre l’enquête à d’autres expositions du moine d’Auxerre et à d’autres traités exégétiques carolingiens pour mesurer la réception réelle de ces versions dans les expositions carolingiennes. D’autres indices, chez Raban ou chez Paschase, montrent que le texte d’Alcuin ne semble pas avoir été aussi répandu qu’on l’a dit. Le comportement philologique d’Haymon révèle en outre les rapports entre exégèse, liturgie et philologie : le moine d’Auxerre privilégie la leçon qui donne le meilleur sens à ses yeux mais il lui arrive de la gloser en la « traduisant » dans le texte liturgique vieux-latin. Il choisit donc de commenter le texte le plus savant mais recourt parfois pour cela à celui que les moines utilisent quotidiennement, ou encore aux leçons transmises par la tradition patristique. La correction biblique, dans son esprit, n’exclut donc pas la plupart des variantes : ces dernières, quand elles ne sont pas des erreurs qu’il condamne sans appel, reflètent l’infinité de la parole divine, imparfaitement traduite dans le langage des hommes. Elles constituent autant de tentatives pour approcher la plénitude du sens du Livre. Cela peut en partie expliquer la résistance que semble rencontrer la diffusion du psautier gallican, souhaitée notamment par Alcuin. Notre enquête sur le psautier utilisé par Haymon repose sur des indices trop peu nombreux pour autoriser des conclusions définitives mais elle corrobore ce qu’Andrea Macaluso observe à la même époque à Fulda : la version romaine semble résister, probablement en raison de la place des psaumes dans la vie quotidienne des moines. Il était naturellement difficile d’imposer des modifications à un texte aussi incorporé à la liturgie monastique que le psautier. Dans l’ensemble cependant, l’œuvre d’Haymon témoigne d’une incontestable réussite du renouveau scolaire carolingien.

Une autorité médiévale reconnue

Transmis sans dédicace et souvent de manière anonyme, les textes d’Haymon posent des problèmes d’attribution. Dès le Xe siècle, il leur arrive de circuler sous le nom de Remi d’Auxerre. Ce fait, joint aux recensions variées du texte d’Haymon, a conduit à voir dans ces états différents des remaniements rémigiens. L’étude de notre corpus principal, composé de cinq commentaires sur les prophètes, ne corrobore pas cette interprétation. Il est possible qu’Haymon ait lui-même régulièrement amendé ses textes, tout en autorisant leur diffusion à des états intermédiaires, au gré des voyages d’études de ses élèves par exemple. La comparaison entre les vestiges de son enseignement et ses commentaires authentiques montre que ces derniers ont bénéficié d’un degré d’élaboration supérieur : il ne s’agit pas de la simple mise en forme de ses leçons, mais bien d’œuvres réfléchies, méditées, mûries. Si le nom de Remi a remplacé celui d’Haymon dans certains manuscrits, c’est probablement parce que le premier a largement contribué à la diffusion des traités anonymes du second. Il fallait un nom ; on a donné celui de Remi qu’on connaissait et qu’on rattachait au texte, même s’il ne l’avait pas modifié. Pourtant Haymon est reconnu en tant qu’autorité au Moyen Age. Heiric célèbre la science de son maître en constituant deux recueils inspirés de son enseignement. L’un est sans doute un uademecum ; il s’agit de gloses bibliques. L’autre en revanche est une véritable publication qui assemble les scolies des leçons d’Haymon et de Loup de Ferrières et fait leur éloge. C’est cependant l’exégèse scolaire du XIIe siècle qui élève définitivement Haymon au rang d’autorité. Abélard recourt explicitement et abondamment au commentaire d’Haymon sur les Romains. La Glose ordinaire puise largement dans l’œuvre du moine d’Auxerre, sans toujours le citer. Directement ou non, d’autres savants lisent Haymon, tels Pierre Lombard et Pierre le Mangeur. Il est ensuite mentionné en tant qu’autorité par de prestigieux universitaires, tels Albert le Grand, Thomas d’Aquin, Alexandre de Halès. Les correctoires bibliques du XIIIe siècle, par exemple celui d’Hugues de Saint-Cher, utilisent ses remarques philologiques. A l’aube des temps modernes, les humanistes Laurent Valla et Érasme font également référence à Haymon, de même que Jean Hus. Selon les cas, on lui emprunte des notices savantes ou une argumentation théologique. La brièveté, le ton didactique, l’esprit synthétique de ses commentaires séduisent les maîtres dès la fin du XIe siècle et jusqu’au XVe siècle. Chaque époque de renouveau de l’exégèse, le XIIe puis le XVe siècle, vivifie la lecture et la réception de l’œuvre d’Haymon. Quelle meilleure preuve de succès, pour celui qui se voulait docteur de l’Église universelle, que cette reconnaissance de son autorité ?
Un des transmetteurs les plus efficaces de l’exégèse haymonienne est la Glose ordinaire. C’est elle en effet qui accompagne généralement la lecture du texte biblique dans les milieux scolaires puis universitaires : le Livre est désormais corseté dans son interprétation. Or Haymon occupe une place prépondérante dans cet apparat herméneutique, même s’il n’y est pas toujours cité. Le noyau dur de la Glose ordinaire sur les prophètes est façonné par Gilbert l’Universel. Un temps clerc à Auxerre, il y trouve l’œuvre d’Haymon et la pille. Il est possible que son entreprise ait phagocyté la diffusion directe de l’Annotation brève sur Daniel. Quoi qu’il en soit, la faible transmission manuscrite du traité haymonien éclaire la genèse de la Glose ordinaire sur Daniel. Il est en effet improbable que le commentaire d’Haymon ait été directement connu par les responsables du modelage définitif de la Glose : il n’est pas attesté à Paris et sa région. Les variantes qu’on observe dans les manuscrits précédant « la standardisation » de la Glose montrent que plusieurs abréviations du noyau gilbertien ont alors été confectionnées : certaines gloses d’origine haymonienne sont absentes des manuscrits anciens et présentes dans des témoins plus tardifs. Il nous paraît donc impossible de soutenir la thèse d’une genèse de la Glose par accumulation linéaire de matériel interprétatif. C’est à partir d’un noyau dur, diversement remodelé au cours du XIIe siècle, que se constitue ensuite le texte « standardisé » de la Glose sur Daniel. La réception de l’œuvre du moine d’Auxerre contribue donc à clarifier un élément important de l’histoire culturelle du XIIe siècle. La science d’Haymon, qui lui octroie à ses yeux une fonction de recteur dans l’Église universelle, a été appréciée tout au long du Moyen Age. Mais la force du message réformateur qu’il adresse aux chrétiens a également contribué au succès de l’œuvre d’Haymon.

3. Un réformateur

Au XIe s., à l’ouest de l’Europe, Robert de Tombelaine, l’ermite grégorien intransigeant réfugié sur un îlot normand en signe de protestation contre la simonie de son abbé, s’inspire du commentaire d’Haymon sur le cantique des cantiques pour composer le sien. Au XVe s., à l’est de la chrétienté, l’universitaire tchèque Jean Hus puise abondamment à l’exégèse haymonienne. Comme eux, le moine d’Auxerre est en effet un réformateur. Nous avons montré qu’il est bien l’auteur de l’Annotation brève sur Daniel et très probablement celui du Commentaire sur Jérémie. Ce n’est pas un hasard si, à la différence de ses contemporains, il choisit de commenter tous les prophètes de l’Ancien Testament et l’Apocalypse. Il se considère comme leur successeur, c’est-à-dire comme un prédicateur inspiré par Dieu, chargé d’admonester son peuple. L’histoire est récurrente, l’actualité du récit biblique est permanente. En clamant la parole révélée à Daniel, Joël, Amos et Abdias, Haymon en actualise avec vigueur les lamentations, les injonctions, les menaces, les accusations à l’encontre de ses contemporains. L’interprétation essentiellement littérale qu’il donne d’Amos équivaut à une reprise absolue de son discours, celui de la critique sociale. Au cœur d’une époque troublée, marquée par les conflits voyant les frères s’affronter, les honneurs changer de mains au gré de la faveur des souverains, les trahisons et complots se multiplier, le moine d’Auxerre renouvelle les visions de Daniel et la parole d’Abdias. Dénonçant les luttes fratricides, soulignant l’impermanence de la gloire terrestre et des alliances pour le second, il enjoint de se préparer au vrai royaume, immuable et parfait, celui du ciel. Il transpose dans le présent de l’Église carolingienne les exhortations de Joël et ainsi appelle à la conversion de tous, à l’expiation collective du peuple pécheur, à la réforme de l’homme par la pénitence. C’est un message d’avertissement, de condamnation parfois, mais aussi de réconfort et d’espoir qu’il délivre. Membre de l’élite savante, Haymon s’adresse prioritairement à ses frères, aux lettrés, aux grands. De même que les livres prophétiques mettent en scène l’admonition de l’homme de Dieu et les résistances qu’elle rencontre, l’exégèse d’Haymon est motivée par la distorsion entre son idéal monastique et la réalité de l’exercice du pouvoir. Il dénonce la superficialité des valeurs aristocratiques, l’importance accordée à l’apparat et à l’apparence, le système du don qui favorise les puissants et viole la justice, l’appât du gain qui conduit à opprimer les plus faibles. À propos de la vision de l’arbre coupé en Dn 4, Haymon rappelle que la sanction qui frappe le pécheur détenteur d’une charge publique est sa destitution, fut-il roi. Il fait peut-être allusion, alors, à la déposition de Louis le Pieux en 833 . La peine est assimilée à un ensauvagement ; seule une pénitence sincère, profonde, rend forme humaine au souverain. L’instrument par excellence de la réforme, de la purification qui restaure l’homme dans l’état de son baptême et le débarrasse de la bestialité du pécheur est en effet la pénitence, entendue comme une conversion perpétuelle.
De même qu’Haymon a bénéficié du renouveau carolingien des études puis l’a fait fructifier, de même sa pensée témoigne de la réussite du mouvement de réforme religieuse de l’Empire. Son enfance, probablement dans un monastère où les préceptes conciliaires sont à peu près respectés, pourrait lui avoir inculqué les valeurs dont sont si fortement empreints ses commentaires. On ne sait dans quelle mesure il incarne l’idéal qu’il exalte. Sa science est certaine ; son retrait des affaires, son anonymat relatif suggèrent un détachement des choses terrestres. Il exprime surtout une idéologie qui, finalement, se retourne contre ceux qui en sont les initiateurs : les rois. C’est grâce à ces derniers et à l’impulsion centrale du palais que la discipline est améliorée dans les monastères, que les lettres y sont cultivées. Mais Haymon, pétri des valeurs du cloître, dénie aux souverains la responsabilité pastorale, l’admonestation qui en avaient fait des réformateurs. La recherche de la perfection monastique et du savoir ont pris chez lui un tour suffisamment puissant pour qu’il rejette toute association avec les hommes du siècle, qu’il leur refuse toute participation à la vraie fonction de gouvernance, celle des âmes. À la différence de Raban qui défend un idéal de coopération entre les pôles spirituel et temporel de la société, Haymon adopte et exalte le modèle du prophète, ce prédicateur « extérieur » à la société, cet homme de Dieu sans cesse affronté à la société terrestre.

Le moine, le savant et le réformateur sont ainsi unis dans la figure du pasteur idéal de l’Église universelle qu’Haymon s’efforce d’incarner, rejoignant ceux qui « auront eu une sagesse complète et qui auront instruit les autres non seulement en personne, mais aussi par leurs écrits, chaque jour, dans l’Église, comme les apôtres et leurs successeurs, Augustin, Jérôme, et beaucoup d’autres docteurs » : ceux qui « BRILLERONT, comme le soleil et la lune ou bien comme le firmament entier avec toutes les étoiles ».

Samedi 25 novembre 2006
9 heures 15
En Sorbonne, Amphithéâtre Michelet, Esaclier A
46, rue Saint-Jacques 75005 Paris

 M. Guilhem LABOURET soutient sa thèse de Doctorat :

 Félicité de Lamennais : Parole prophétique et écriture poétique

 En présence du Jury :

M. BOUTRY (PARIS 1)
M. MARCHAL (PARSI 4)
Mme MÉLONIO (PARIS 4)
M. REGNIER (LYON 2)

 Résumés

Prêtre, Lamennais est aussi homme de presse et, condamné par Rome, il a recours au pamphlet puis à la poésie en versets. Le parcours de Lamennais représente un modèle d’évolution poétique, glissant de la parole du prêtre vers une parole prophétique, puis une parole poétique. Signifiant tout d’abord l’échec du sermon après la Révolution, il tente de renouveler la parole ecclésiale sans y parvenir réellement. La parole prophétique lui convient mieux. Puisant aux sources de l’Ancien Testament, il construit la figure du prophète romantique aux caractéristiques bibliques précises : isolé, incompris, cherchant avant tout à établir une nouvelle communication sur terre, il ouvre un « temps des prophètes » original. Pour donner une voix à cette figure prophétique, c’est vers la poésie que Lamennais va finalement se tourner. Bâtis sur une esthétique du fragment et sur l’utilisation du verset, les recueils publiés après 1832 répondent à une vision nouvelle de l’écriture qui fait éclater les cadres anciens pour inventer une parole libérée de ses carcans formels. Révolutionnaire, l’expérience mennaisienne connaît une fécondité mitigée : les proches de Lamennais sombrent dans une poésie mystique. La véritable innovation de son parcours demeure toutefois sa conception d’un art total aux codes sans cesse revisités.

As well as being a priest, Lamennais is a man of the press. After being condemned by Rome, he uses pamphlets and versed poetry. Lamennais’ progression, from a preacher’s role to a prophet’s, and on to a poet’s, represents a model of poetic evolution. Initially highlighting the failure of preaching after the revolution, he tries to renew ecclesiastical discourse without succeeding fully ; he turns to prophesying, which suits him better. Drawing on the Old Testament, he creates the image of a romantic prophet along precise biblical characteristics : isolated, misunderstood and looking to establish a new communication on earth, he initiates a new and unusual “time of the prophets”. He eventually turns to poetry to give this prophetic figure a voice. The collections published after 1832 portray a new vision of writing : the fragmented aesthetics, combined with his use of verses, break out of the older framework and display a voice liberated from the stranglehold of form. While revolutionary, Lamennais’ ideas do not fall on such fertile ground : those close to him slump into mystical poetry. However, the true innovation of his legacy resides nonetheless in his invention of an absolute artform where the rules are eternally revised.

Position de thèse

Félicité de Lamennais (1782-1854) est surtout connu pour être l’auteur des Paroles d’un croyant, considéré comme le plus gros succès de librairie du siècle. Les incohérences de son parcours n’ont pas fini d’étonner : passant de la contre-révolution au catholicisme social, héritier de Joseph de Maistre devenu proche de Pierre Leroux, il mène une longue carrière de journaliste, de polémiste et d’écrivain, qui commence avec les Réflexions sur l’état de l’Église en France pendant le XVIIIe siècle et sur sa situation actuelle (1808) et s’achève avec l’Esquisse d’une philosophie en passant par le célèbre Essai sur l’indifférence en matière de religion (1817-1823). Ce qui frappe au premier abord, c’est la variété des écrits de Lamennais : pamphlets pour défendre la liberté de croyance, articles de journaux brefs et violents, ouvrages de piété publiés dans des collections pour les « dames chrétiennes », traductions de Dante et des Évangiles, somme philosophique, et enfin recueils poétiques dont Paroles d’un croyant (1834), Le Livre du peuple (1837) et Une voix de prison (1846) sont les exemples les plus aboutis. Or ce que la critique a retenu, c’est souvent le « prophétisme » de l’auteur des Paroles, autour des années 1830, sans vraiment savoir d’où venait ce prophétisme, ni ce qui le motivait. Qu’y a-t-il au fond de « prophétique » chez Lamennais ? Et surtout, pourquoi Lamennais, si prophétisme il y a, choisit-il une telle parole au terme d’un parcours d’écrivain pendant lequel il a déjà expérimenté l’article de presse, le pamphlet, l’écrit théorique et le livre de prière ? Quelles sont enfin les conséquences de ce prophétisme sur la suite de son œuvre, articulée autour de l’Esquisse d’une philosophie (1840-1846) ? On pourra également s’interroger en dernier lieu sur la perception de ce parcours littéraire original - des écrits théoriques aux recueils poétiques en passant par des textes prophétiques - par l’entourage de Lamennais. À partir des années 1830, en effet, Lamennais s’entoure, dans sa propriété bretonne de La Chênaie, près de Saint-Malo, d’écrivains, de poètes et d’artistes qui suivent son enseignement ou viennent tout simplement rendre visite à un homme respecté pour ses prises de position en faveur d’une Église régénérée et d’une union des peuples à l’échelle européenne. En dehors des écrivains bretons réunis dans la propriété voisine du Val de l’Arguenon chez Hippolyte de La Morvonnais, ont séjourné ou se sont rendus à La Chênaie des poètes comme Maurice de Guérin et des compositeurs comme Franz Liszt. Comment le prêtre qui donnait dans l’apologétique dans les premières années de son ministère a-t-il pu engendrer un tel bouillonnement social, spirituel et artistique ?

Répondre à la question en termes d’analyse littéraire méritait d’être tenté, car si le parcours historique de Lamennais déjà bien étudié rejoint en partie celui d’autres grandes figures du siècle, c’est sur le plan du discours que Lamennais se singularise, en raison de son ministère de prêtre : « D’autres que lui, sans doute, ont passé aussi de la cause de l’autorité à celle de la révolution : Lamartine, Victor Hugo, Chateaubriand lui-même, malgré sa fidélité d’office à la légitimité ; mais aucun d’entre eux n’était prêtre, apôtre, prophète ; [...] c’est pourquoi la vie de Lamennais est un drame dans lequel se concentre tout un siècle », a écrit Paul Janet en 1890 dans sa Philosophie de Lamennais. Contrairement à ses contemporains, en effet, Lamennais occupe une place originale, qui le situe à l’intérieur de l’Église au début de sa carrière. Même s’il prend ses distances avec Rome, au point de ne plus dire la messe à la suite de sa condamnation par les deux encycliques Mirari vos et Singulari nos en 1830 et 1832, Lamennais demeure sinon un homme d’Église du moins un homme de Dieu, marqué par une ordination intervenue tardivement en 1816. Du point de vue de l’énonciation, ses textes sont donc nécessairement éloignés des articles de Lamartine ou des études historiques de Chateaubriand. C’est cette particularité qui nous servira alors de point de départ et qui doit nous offrir une entrée dans son prophétisme. Il semble qu’en faisant l’expérience de la prêtrise et en usant des différents types de discours que le prêtre a à sa disposition, Lamennais fasse aussi l’expérience des limites de la prêtrise, au point d’inventer un prophétisme aux fondements vétéro-testamentaires solides. Point d’arrivée, le prophétisme mennaisien répond donc aux limites des discours religieux, de l’homélie et du sermon en particulier. Mais s’il est un point d’arrivée, le prophétisme mennaisien est aussi un point de départ : c’est après les encycliques romaines que Lamennais se lance dans l’écriture de recueils en versets, renouvelant une forme poétique jusqu’ici peu travaillée. À la fin de sa carrière, enfin, il publie un ouvrage aussi volumineux qu’étrange, Amschaspands et Darvands, dans lequel génies du bien et génies du mal correspondent, sur font de luttes pour le contrôle de la société humaine. Est-ce à dire que le prophétisme lui aurait ouvert un horizon imaginaire insoupçonné ? Sans doute, si l’on sait combien la littérature prophétique biblique a recours aux images, à la variété des tons et au mélange des genres, alliant récits, dialogues, descriptions, et argumentation. Aussi l’analyse du parcours littéraire de Lamennais peut-elle être menée en trois temps.

I. « Prêtre ».
Lamennais prend la plume et la parole avant son ordination : ses Réflexions sur l’état de l’Église sont publiées en 1808. Pourtant, il ressent la nécessité d’accéder à la prêtrise. Ce choix semble moins guidé par un souci personnel de spiritualité que par une volonté d’ancrer sa parole dans l’institution, et de lui donner ainsi du poids. Homme d’Église, Lamennais devenu prêtre possède une parole qui fait autorité. Sa parole repose sur une rhétorique bien rodée : héritier de Bossuet et de Fénelon, Lamennais connaît ses classiques et fait fonctionner ses textes selon les mêmes principes : références bibliques et citations d’auteurs qualifiés, inspiration affichée qui place le prêtre dans la continuité du passage de Jésus sur terre, mais aussi vivacité et énergie des formulations puisées chez les orateurs politiques latins. C’est une définition de l’art oratoire que propose ici Lamennais, introduite par des rappels historiques choisis. Il expose une éloquence originale, ambitieuse et ouverte qui sera reprise pour partie plus tard par Lacordaire. Cependant un point pose ici problème : s’il a semble-t-il théorisé l’éloquence, Lamennais l’a beaucoup moins pratiquée. D’abord parce qu’il était, aux dires de ses proches, piètre orateur. Ensuite parce que l’art oratoire tel qu’il le voit pratiqué autour de lui relève plus, à ses yeux, d’effets de manche et d’audace rhétorique, que de réels effets : peu nombreux sont ceux qui se convertissent à l’issue des conférences de Lacordaire à Notre-Dame. Enfin parce que l’éloquence religieuse est selon lui discréditée par les mensonges débités par les orateurs. L’oral est sujet à bien des défauts : Lamennais se réfugie alors dans l’écrit.
Les genres religieux de l’écrit auxquels s’essaie Lamennais sont des genres chargés d’histoire : le sermon, l’homélie et les commentaires des écritures, dès lors qu’ils relèvent de l’écrit, acquièrent une dimension supérieure aux discours faits exclusivement pour être proférés, dans la mesure où ils échappent à l’artifice du geste et du regard échangé avec l’auditoire. C’est ici que Lamennais donne toute sa place à son art de la citation. Écriture de « seconde main », la citation joue de multiples rôles tant dans ses ouvrages théoriques que dans des recueils comme Paroles d’un croyant où elles abondent. Mais là encore, cette technique trouve ses limites dans le retour à la Bible qu’elle opère parfois de manière très répétitive. En citant abondamment le matériau biblique pour donner de l’autorité à son témoignage, Lamennais prend le risque de retourner à la Bible ou de poétiser ses textes sans pour autant bien utiliser sa citation. Souhaitant renouveler les genres religieux, en touchant au sermon, à l’homélie et aux commentaires, et s’inscrivant de la sorte dans une tradition du discours théologal, Lamennais aboutit à la lecture de l’Écriture, au commentaire de texte. La citation biblique, au fil des œuvres, montre le passage d’une rhétorique religieuse à la poésie (Paroles d’un croyant) ou à la Bible elle-même. C’est dire, une fois de plus, l’échec d’un discours religieux dans ce début troublé du XIXe siècle : Lamennais ne trouve pas de genre littéraire religieux idéal, capable de répondre à la fonction enseignante du prêtre et à sa mission d’évangélisation dans un monde où tout est fait pour réduire les prêtres au silence. Devant ce sombre constat, c’est naturellement qu’il va avoir recours à l’écriture polémique et au pamphlet.
« Écrire, prêcher, administrer, c’est combattre », explique Félicité à son frère Jean en mai 1818. Cette affirmation, dès 1818, du lien étroit entre les paroles du prêtre et une écriture agonique, répond aux difficultés rencontrées par Lamennais à trouver un modèle de discours à proposer aux prêtres de France sous la Restauration. Ce sont avant tout les résistances au discours du prêtre qui empêchent la prédication, le sermon, l’homélie ou les commentaires d’être parfaitement opérants. Prenant conscience de ces résistances depuis ses premiers écrits, Lamennais s’engage contre elles en les combattant frontalement. Ainsi rédigera-t-il des écrits à valeur pamphlétaire répondant à la typologie dressée par Marc Angenot dans La Parole pamphlétaire. Certes, Lamennais fait entendre alors le scandale qu’est à ses yeux l’Évangile, et en particulier sa dimension sociale, négligée par Rome et par les évêques de France. Mais il reconnaît aussi un risque à cette posture : le message d’amour et de paix du Christ risque de s’effacer derrière une parole décidément trop violente.
Tout en élargissant le domaine des discours religieux auxquels il s’essaie, Lamennais tente, dans la même perspective, d’élargir le domaine de connaissance des prêtres. Il en va selon lui de la perception du monde que peut en retirer le prêtre. Son ministère se trouve ainsi occupé par de vastes écrits scientifiques et philosophiques qui tendent à accroître les compétences du prêtre. Son discours en ressort enrichi : avec Lamennais, ce sont les débuts d’une encyclopédie catholique qui sont mis en place. Se pressent alors l’élargissement du champ poétique auquel va contribuer Lamennais : comme les discours du prêtre deviennent multiples, de la même manière le discours du poète tendra à s’élargir, au point de donner naissance à une poésie sociale ou scientifique.
C’est enfin une certaine écriture de l’histoire que le prêtre établit. Parce qu’il est prêtre, Lamennais pose un regard sur le monde, sa création et son histoire, que ne peuvent pas poser Chateaubriand, Lamartine et encore moins Hugo. Ce regard est un regard religieux au sens étymologique du terme, qui re-lie les temps entre eux, passé, présent et futur, dans une même direction. Progressive, l’histoire vue par Lamennais s’accompagne d’une histoire de la langue qui suit le même chemin : en se faisant philosophe de l’histoire, Lamennais propose une histoire de la langue qui part des origines pour viser l’avenir. Quelle sera la langue de demain ? s’interroge en substance Lamennais prêtre, conscient qu’il peut apporter sa pierre à ce progrès de la langue qu’il devine.

II. « Prophète ».
L’échec de la parole du prêtre étant constaté, tant au niveau des genres religieux retravaillés qu’au niveau du rapport à l’auditoire institué, Lamennais inaugure une forme nouvelle de parole qui connaît un large succès à l’époque romantique. Paul Bénichou a largement contribué à la constitution de cette famille littéraire des prophètes en établissant les lignes de force qui lui permettaient de grouper autour de plusieurs points communs les « prophètes » romantiques, mais il entretient lui-même le flou : l’avant-propos du Temps des prophètes ne contient pas une seule fois le nom « prophète ». Il semble que l’appellation « prophète » vaille à ses yeux pour tous ceux qui, de Lamartine à Quinet en passant par Sainte-Beuve ou George Sand, ont en commun « une espérance de progrès ou de régénération », le souhait de « l’instauration d’un ordre nouveau », plus généralement ceux qui ont à la bouche les mots d’ordre « liberté, progrès, sainteté de l’idéal, dignité de la science, foi dans la Providence et religion de l’avenir humain. » L’assemblage légitime de Ballanche, Chateaubriand, Comte, Leroux, Michelet, vaut pour la question du progrès. Mais là encore, Lamennais s’illustre par sa position particulière d’homme d’Église. Si prophétisme il y a chez lui, c’est dans un rapport précis à ce que cela représente pour un lecteur de la Bible et un exégète comme lui.
En étant prononcée comme une parole prophétique, la parole mennaisienne devient tout d’abord une parole venue de Dieu et communiquée aux hommes à la demande de Dieu : poser la question du lieu de la parole prophétique, c’est la définir comme une parole de l’entre-deux. En usant des citations bibliques et prophétiques en grand nombre, ou en concluant ses chapitres et ses ouvrages par des élans prophétiques, Lamennais met ensuite en place une parole d’autorité : poser la question des moyens de la parole prophétique, c’est en montrer la puissance et la forte résonance chez les lecteurs. Enfin, la parole prophétique s’inscrit dans l’histoire et à ce titre pose problème : apparaissant comme une parole du présent, en vue de l’avenir, elle se distingue des autres discours littéraires mais trouve pourtant place dans une histoire littéraire : poser la question du moment de la parole prophétique, c’est chercher à comprendre une parole qui embrasse l’histoire en ayant une vision de haut sur l’humanité et son histoire, tout en s’inscrivant dans une époque donnée.
En rupture avec la profusion de l’éloquence de la chaire, et en lien avec la simplicité qu’il cherchait à opposer à la rhétorique pompeuse de Lacordaire, c’est un combat entre la parole et le silence qu’ouvre précisément Lamennais en adoptant dans les années 1830 une posture prophétique proche des sources bibliques. Loin de poser l’unique question de l’avenir, qui n’est pas la question principale posée par les prophètes, le prophète est celui qui interroge les possibilités du langage, confronté directement aux risques du silence et du balbutiement. Étudier la difficulté à dire inhérente à la fonction prophétique, c’est d’abord évoquer le problème de la réception de la parole prophétique : parole souvent rejetée, la parole prophétique fait appel à la confiance de l’auditeur et du lecteur, elle en appelle à l’autorité du témoignage sur laquelle Lamennais fait reposer une grande partie de ses écrits. C’est ensuite préciser la définition de la parole dans ce contexte de réception difficile : réduit à ne pas être entendu, le prophète mennaisien risque de glisser de la parole vers la voix, de la voix vers le son, puis vers le son inarticulé. Une hiérarchie des phénomènes sonores et langagiers est établie par Lamennais qui voit dans le prophétisme un moyen de sauvegarder la parole quand le contexte social et religieux tend à l’étouffer. C’est enfin s’opposer à toutes les paroles qui viennent brouiller la parole prophétique : le vrai prophète est à distinguer des faux prophètes, bien plus nombreux, qui trompent l’opinion en la guidant à travers de fausses voies et en lui délivrant des paroles mensongères.
Reste alors pour Lamennais prophète à résoudre la difficulté que représentent les signes. Déchiffrer et interpréter apparaissent comme les activités principales du prophète, si l’on en juge par la lecture des livres bibliques. La recherche des signes est en effet une occupation permanente pour Lamennais, qui observe autour de lui les mouvements de la société française, depuis La Chênaie où il séjourne régulièrement, ou depuis Paris. Mais cette recherche des signes est une quête originale, qui n’a que peu de rapport avec les mouvements illuministes qui appuient eux aussi leurs raisonnements sur l’interprétation de signes du ciel qui tournent parfois à l’absurde. Lamennais apparaît en fin de compte bien isolé face à la vague illuministe qui déferle sur la France dans tout ce demi-siècle de révolutions, et son isolement peut se retourner contre lui : comment croire en son interprétation des signes s’il est le seul à les voir et, pire encore, s’il reconnaît qu’ils demeurent le plus souvent opaques et difficiles à déchiffrer ? Là réside sans doute l’une des limites majeures de son prophétisme qui, s’il est avant tout construction d’une relation de communication entre les hommes et Dieu d’une part, et entre les hommes eux-mêmes d’autre part, renforce l’isolement de son locuteur. De cette situation de solitude et d’isolement, Lamennais peut tirer bénéfice : il est l’égal de Jonas ou d’Isaïe. Mais il peut aussi en souffrir : comment faire entendre ce qu’il a à dire s’il demeure ce personnage solitaire et étranger à tous les courants et à toutes les écoles artistiques et intellectuelles qui existent alors ?

III. « Poète ».
C’est dans la poésie que Lamennais trouve sa dernière posture. Après Paroles d’un croyant, les recueils en versets et les ouvrages de fiction se succèdent, comme si, après l’expérience du prophétisme, Lamennais avait compris comment toucher le plus de lecteurs et surtout comment atteindre le peuple. C’est bien comme véhicule démocratique que la poésie est tout d’abord envisagée. Cependant cet aboutissement ne va pas de soi. Certes, Paroles d’un croyant a reçu le succès que l’on sait, et Le Livre du peuple a largement inspiré socialistes et utopistes ; toutefois la fécondité poétique de Lamennais pose problème. Rares sont en effet les poètes qui se sont inspirés des recueils mennaisiens pour produire les leurs, et la première réaction est de conclure sur un échec de la poésie mennaisienne, incapable d’avoir su féconder le mouvement néo-catholique. Hippolyte de La Morvonnais et Édouard Turquety, pour ne citer les plus connus, plongent par exemple dans des vers mystiques convenus, délaissant l’audace formelle du verset mennaisien.
Si le verset n’a guère été retenu par l’entourage artistique de Lamennais, en revanche son écriture de l’utopie propose des ouvertures sur l’avenir qui, comme celles des saint-simoniens dont beaucoup sont des amis de Lamennais, envisagent un espace et un temps meilleurs. Teintée d’élans prophétiques et utopiques, l’œuvre de Lamennais est en effet bâtie sur une unité de temps et de lieu : tous ses textes décrivent le même espace rêvé - auquel la Bretagne natale sert de support magnifique - dans un temps mal défini mais qui reste le même. Surtout, Lamennais développe, tant dans ses premières publications que dans ses derniers écrits - les Amschaspands et Darvands, bien sûr, mais aussi l’introduction à La Divine Comédie de Dante publiée de manière posthume en 1855 -, un sens de l’imagination qui fait passer ses textes par la voyance, la rêverie, le merveilleux. Les accumulations d’images sont nombreuses, et Lamennais dynamise ses descriptions de paysages pour leur donner une dimension spirituelle mais aussi utopique. Comprenant, comme l’a bien analysé Gaston Bachelard qui nous sert ici de soutien, que « les images littéraires correctement dynamisées dynamisent le lecteur », Lamennais s’emploie à éveiller son lecteur sans doute moins par un discours théorique abrupt que par un travail sur l’imaginaire dans lequel il sera rejoint par Maurice de Guérin. Éloigné du catholicisme et du mennaisianisme lorsqu’il rédige ses plus célèbres poèmes en prose, Le Centaure et La Bacchante, Guérin trouve en effet une source d’inspiration dans le travail que Lamennais a effectué depuis longtemps sur la description et dont les Affaires de Rome sont sans doute le meilleur exemple. Grand lecteur de littérature classique, Lamennais, convoquant aussi bien Eschyle qu’Aristophane, Molière que Racine, sans oublier Rousseau, exigeait de ses élèves une lecture assidue des grandes œuvres littéraires tout en leur laissant une grande liberté de lecture et de travail. De cette liberté naît un « nouvel esprit humaniste » qui règne alors à La Chênaie, un élan vers plus de liberté d’esprit, de ton, et de représentation. C’est donc vers le renouveau du genre de l’utopie qu’il faut nous tourner.
Convaincus alors de la fécondité de l’esthétique mennaisienne, c’est sur sa théorie des correspondances que nous pouvons finalement achever notre propos. Car Lamennais ne s’en tient pas à un renouvellement de la poésie. Il ne s’est certes pas mis à la peinture, et n’était que médiocre musicien, s’adonnant plutôt à l’accordéon des campagnes qu’au piano sur lequel Liszt joua lors de sa visite à La Chênaie. Néanmoins, sa volonté de libérer les formes, qui transparaît dans son utilisation du verset dans ses trois recueils poétiques prophétiques - Paroles d’un croyant, Le Livre du peuple et Une voix de prison - trouve un écho encore plus grand dans le domaine des autres arts. Théoricien de l’art au tome III de son Esquisse d’une philosophie, Lamennais fait exploser les cadres formels et bouscule les barrières qui cloisonnent à l’époque les différentes pratiques artistiques. Certes, il se fait ici le lecteur et l’héritier des esthéticiens allemands dans la mesure où son séjour à Munich lors de son retour de Rome l’a conduit à en côtoyer un certain nombre, mais il bâtit surtout une théorie originale des correspondances qu’il tâche de mettre en pratique avec son entourage : Liszt n’a-t-il pas mis en musique certains de ses poèmes ? Parce qu’il a su faire résonner les arts entre eux, sans pourtant avoir su apprécier l’opéra mais en réhabilitant les danses populaires, Lamennais, loin de ne rester pour la postérité qu’un prophète isolé, sorte de comète dans l’histoire troublée du romantisme, trouve sa pleine mesure dans une théorie moderne qui entraînera Baudelaire et Rimbaud - qui faisait des Paroles d’un croyant son livre de chevet - vers des prolongements esthétiques des plus aboutis, pour ne pas parler de la théorie de l’art chrétien menée par Alexis-François Rio. C’est en ce sens qu’il nous faut alors dévoiler la troisième fonction de ce David moderne : prêtre condamné par Rome, prophète isolé sur la scène politique et sociale, n’est-ce pas en poète, père du poème en prose ou de la prose prophétique, qu’il connaît la plus grande fécondité ?

Vendredi 10 février 2006
14 heures 30
Institut National d’Histoire de l’Art
Carré Colbert, Salle Ingres
4-6, rue des petits champs
Paris 2e

 Mme Marie LAUREILLARD soutient sa thèse de doctorat :

 FENG ZIKAI (1898-1975), peinture et litterature, image et texte

En présence du Jury :

Mme BLANCHON (Paris 4)
Mme CHEN ANDRO (IHECB)
M. KNEIB (INALCO)
M. SIMONET (Bruxelles)
M. ZHANG (Paris 3)
M. ZHU (Pekin)

Résumés (Pdf)

Position de thèse (Pdf)

Vendredi 17 décembre
9 h 30
Centre Malesherbes
Salle 322
108 Bd Malesherbes
75017 PARIS

 M. Mladen KOZUL soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Fiction et hétérodoxie (XVIIeme - XVIIIe)

 En présence du Jury :

M. DELON (PARIS IV)
M. FRANTZ (PARIS IV)
M. HERMAN (LOUVAIN)
M. MASSEAU (TOURS)
Mme POULOUIN (ROUEN)
M. WAGNER (CLERMONT I)

Samedi 10 juillet 2004
14 heures
En Sorbonne, salle des Actes
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Matthias VOGT soutient sa thèse de doctorat :

 Figures de califes entre histoire et fiction. Al Walid b. Yazid et al-Amin dans la représentation et l’historiographie arabe à l’époque abasside.

 en présence du Jury :

M. CHEIKH MOUSSA (PARIS IV)
M. GILLIOT (AIX-MARSEILLE
M. LEDER (Halle)
M. PAUL (Halle)

Mardi 9 décembre 2003
15 h 30
ISHA, salle des conférences, 2e étage
96, bd Raspail
Paris 6e

 Mme Shahnaz BEHNAMI soutient sa thèse de doctorat :

 Filtrage automatique et appariement des segments textuels associés aux images à partir de documents électroniques : réalisation du système Filimage

 en présence du Jury :

M. ABBOU (PARIS XIII)
Mme ABRAHAM
M. DESCLES (PARIS IV)
M. HASSOUN (ENSSIB)

Jeudi 26 janvier 2006
14 heures
À la Maison de la Recherche
Salle D 323
28, rue Serpente
Paris 6e

 M. Oscar FARKOA soutient sa thèse de doctorat :

 Flaveurs et féerie ou cinq sens gourmands pour des contes de fées classiques (1691-1756)

En présence du Jury :

M. MOUREAU (Paris 4)
M. ALVAREZ MOLINA (Oviedo)
M. COUVREUR (Bruxelles)
M. MENANT (Paris 4)

Résumés

Perspective gourmande et importance des cinq sens dans les contes de fées entre 1691 et 1756. Dimension littéraire du genre, né de la transmission orale, réfractaire à toute forme d’enfermement, rapport à la nourriture, à l’érotisme. Les chemins du merveilleux, le décor, l’influence de Louis XIV, le rapport au péché, étude contextuelle, temporelle et géographique de la gastronomie et rapprochement avec les contes de fées. Si la recherche des raffinements et des améliorations culinaires semble avoir toujours fait partie des préoccupations de l’homme dès lors qu’il commençait à manger à sa faim et n’avait plus à s’inquiéter de sa simple survie, le XVIIe siècle a clairement marqué un tournant dans l’esthétique gourmande et fait le premier pas vers la modernité. Double objectif : d’une part, tâcher de réhabiliter les contes de fées et donner envie d’aller plus loin dans leur connaissance du patrimoine légué par des auteurs injustement méconnus ; d’autre part, faire prendre conscience de l’importance de l’éclosion de la sensibilité gastronomique à cette époque-là, particulièrement présente dans ce genre littéraire et témoin de son importance à l’âge d’or des contes de fées.

Culinary and “gourmand” perspective of the five senses in the fairy tales between 1691 and 1756. Literature dimension of the genre, born and transmitted by spoken language, refractory to any confinement, connection to food and eroticism. The path to the wonderful, the décor, the influence of Louis XIV, the relation to the sin, the study of the context, time and geography of gastronomy and the links with fairy tales. If the search for refinements and culinary improvements seems to always have been part the human being preoccupations since he could eat all his soul without feeling concerned for his survival, the 16th century clearly stood out as turning point in the food aestheticism and made the first step towards modernity. Double purpose : firstly, intend to restore the interest in fairy tales and create the desire to go deeper in the knowledge of the legacy of unfairly underestimated authors ; secondly, emphasize on the importance of the blossoming of gastronomic sensibility at that time, particularly meaningful in this literary genre and witness of its importance at the golden age of fairy tales.

Position de thèse

Il était une fois... le conte de fées

Le conte est probablement la première histoire « fausse » qu’un homme a racontée à un autre homme, le premier ayant une intelligence suffisante pour la construire et le second, pour la comprendre. Cette histoire, qui transgressait pour la première fois de l’humanité la réalité, était produite par le truchement de l’imaginaire. Au cours des siècles, les différentes civilisations ont progressivement élaboré un genre nomade sur lequel s’est greffée la notion de merveilleux pour arriver en France à la fin du XVIIe siècle. Toutes les conditions étaient alors réunies pour donner naissance à une variante qui prendra le nom de conte de fées et dont la particularité repose sur sa dimension littéraire. Par la suite, le genre continue son évolution mais avec toujours ces sources comme références fondatrices, élevant les récits publiés entre la toute fin du XVIIe siècle et la première moitié du XVIIIe au rang de classiques.

On sait l’effervescence de la France au XVIIe siècle, son rayonnement dans toute l’Europe, son influence et le modèle qu’elle représente dans bien des domaines aussi divers que la science, la diplomatie, les arts... Sous le règne de Charles II d’Angleterre, Dominique Michel souligne dans sa biographie de Vatel que :

dans la noblesse, avoir un cuisinier, un maître-écuyer français est du dernier chic.

Or, le Siècle de Louis XIV voit aussi naître à la fois une nouvelle conception de la cuisine et un nouveau genre littéraire dont la notoriété se pérennisera aux siècles suivants et qui s’interpénètrent mutuellement. C’est précisément la rencontre entre ces deux nouveautés que je me propose de présenter ici. Si rien ne semble de prime abord plus éloigné de la réalité de la cuisine que l’imaginaire du conte, monde du concret, de l’ordre et de la rigueur, contre monde du merveilleux, de l’irrationnel, de tous les possibles, le niveau technique auquel se hisse l’art culinaire défie l’imagination. Quant aux contes de fées, que seraient-ils sans l’inspiration que leur offre la simple évocation de mets et de plats savoureux ?

Que serait la cuisine sans le pouvoir de suggestion que lui apporte la littérature ? et quelle meilleure littérature que celle des contes de fées dont le système métrique est précisément la démesure ? Même si le propos de cette thèse n’est pas tant la réalité historique que le regard littéraire porté sur les textes et comment l’imaginaire féerique s’est emparé de la vision du réel que lui offraient les arts culinaires, l’intérêt des historiens et les découvertes récentes dans le milieu de la recherche en gastronomie historique m’ont apporté de précieux renseignements dont je me ferai l’écho. Car c’est bien à la naissance de la gastronomie moderne que l’on assiste au XVIIe siècle, tout comme à celle du premier conte de fées qui porte ce nom, écrit par Mme d’Aulnoy en 1690 : L’Île de la Félicité.

Le conte de fées prend aussi souvent l’allure de revendications sociales, féministes, les conteuses distillant leur frustration de vivre dans un monde misogyne où la réalité n’est pas à la hauteur de leurs idéaux. Les auteurs de ces bagatelles ont tellement insisté eux-mêmes sur le peu de cas qu’ils faisaient à leurs écrits, qu’il semble déplacé de leur reprocher leur légèreté, compte tenu qu’ils étaient les premiers à ne considérer l’écriture de ces contes que comme un simple divertissement. Ils étaient aussi le moyen de lancer des discussions et des débats dans les salons comme le montre la mise en scène qui sert de réceptacle à plusieurs d’entre eux, notamment chez Mme d’Aulnoy et Mlle Bernard qui incèrent certains de leurs contes dans des romans cadre.

les contes que j’ai retenus, chronologiquement limités à la fin du XVIIe et à la première moitié du XVIIIe siècle, vague « classique », marquée par la première génération de conteurs qui servent de modèle aux contes de fées parus à leur suite, répondent aux critères suivants : ils sont de qualité par leur richesse et leur pertinence, nourrissent le lecteur et se démarquent de l’extraordinaire quantité de contes plus ou moins féeriques écrits et publiés entre 1691 et la veille de la Révolution.

Historiquement, c’est sous la plume de Mme d’Aulnoy que le premier « conte de fées » voit le jour, en 1690, avec L’Île de la Félicité. Ce récit merveilleux qu’elle insère dans son roman L’Histoire d’Hypolite, comte de Duglas, indique déjà son goût pour les contes. Mais il faut attendre 1697 pour que des volumes de contes paraissent sous l’appellation de « contes de fées ». Dans l’épaisse forêt des contes parus tout au long du XVIIIe siècle, c’est une extrême minorité qui retient l’attention et mérite qu’on s’y arrête. C’est peut-être la surproduction d’œuvres mineures qui a occulté les quelques joyaux qui méritent tous les égards. On a cru que les contes de fées n’étaient qu’une mode, tout le travail consiste aujourd’hui à rendre à ces petits chefs-d’œuvre la place qu’ils méritent dans l’histoire de la littérature française, et de faire la part entre ceux qui n’eurent que le mérite d’assouvir cet appétit sans précédent pour la féerie et ceux qui, indépendamment de cette mode, sont le témoignage d’une qualité et d’une valeur pérenne, qu’il est juste de léguer à la postérité. Plaire et faire rêver, voilà les clefs qui préludent à l’écriture des contes de fées. Ce jeu de salon devient vite un jeu de séduction entre le conteur et son public, où la magie des mots acquiert un pouvoir aussi grand que celui des fées.

En opposition à la définition du dictionnaire qui veut que l’adjectif merveilleux qualifie ce qui « étonne au plus haut point » , le merveilleux, c’est ce qui enchante, c’est un monde ou rien n’étonne dans la mesure où tout y est possible. C’est un univers dans lequel le lecteur est prêt à tout accepter, où les chariots des fées sont tirés par des dragons ailés, où les citrouilles se font carrosses et où les belles, que seul un fils de Roi peut réveiller, dorment cent ans... La magie et le surnaturel s’y côtoient sans que l’unité narrative en soit affectée ; au contraire, ces éléments participent pleinement à la définition du genre. L’étrange, le bizarre, en tant que genres, n’ont pas leur place au sein du conte de fées, alors que le merveilleux y est parfaitement adapté. Mais, Perrault l’a déjà démontré, ce n’est pas la quantité de merveilleux qui fait la qualité d’un conte ; la débauche de féerie, la facilité à laquelle certains auteurs céderont, ne rendra pas leurs contes meilleurs, à l’exception de Mme d’Aulnoy, peut-être parce qu’elle inaugure le genre, mais aussi parce que le talent avec lequel elle dispense les éléments surnaturels qui parsèment ses contes, le caractère tellement ludique qui imprègne ses écrits, font d’elle un auteur à part qui sera beaucoup imité par ses contemporaines sans qu’elles atteignent jamais sa dextérité en la matière.

Si la recherche des raffinements et des améliorations culinaires semble avoir toujours fait partie des préoccupations de l’homme dès lors qu’il commençait à manger à sa faim et n’avait plus à s’inquiéter de sa simple survie, le XVIIe siècle a clairement marqué un tournant dans l’esthétique gourmande et fait le premier pas vers la modernité. Seulement, comment expliquer une telle curiosité pour une plus grande connaissance de ces plaisirs que l’Église et la pensée janséniste s’évertuaient tant à combattre ? Les cinq sens s’avèrent les meilleurs instruments pour témoigner de l’harmonie implicite qu’entretient la gastronomie avec les contes de fées. La gastronomie fait elle-même l’objet d’une étude contextuelle temporelle et géographique, point de rencontre avec l’effervescence des contes de fées. L’instrumentalisation sensuelle de la gastronomie à des fins plus charnelles relayée par les contes de fées et soutenue par le recours aux aphrodisiaques et leur symbole. Mais l’expérience des autres ne suffit pas, et il faut goûter personnellement aux plaisirs des sens pour pouvoir se faire sa propre opinion. Comment jouir du simple plaisir de cultiver son jardin et y discerner un paradis terrestre si l’on n’a rien vu d’autre ? Fénelon est d’ailleurs le premier à reconnaître qu’avant de retourner à ses austères activités, il a bien profité de son petit séjour dans les îles.

Cette thèse a deux objectifs : d’une part, tâcher de réhabiliter les contes de fées et donner envie à mes lecteurs d’aller plus loin dans leur connaissance du patrimoine légué par des auteurs injustement méconnus ; d’autre part, faire prendre conscience de l’importance de l’éclosion de la sensibilité gastronomique à cette époque-là, particulièrement présente dans ce genre littéraire et témoin de son importance à l’âge d’or des contes de fées.

Il apparaît, en parcourant les sentiers que tracent pour nous les conteurs insatiables, qu’il n’y a pas une mais des féeries, et que trop chercher à uniformiser le conte de fées revient à le réduire comme une peau de chagrin. Né de la transmission orale, réfractaire à toute forme d’enfermement, ce genre a encore de beaux jours devant lui.

Lundi 29 novembre 2004
14 h
En Sorbonne, salle des Actes
Centre administratif de Paris IV _1, rue Victor Cousin
75005 PARIS

 M. Hervé MIMOUN soutient sa thèse de doctorat :

 Foi, éthique et piété chez Abraham Maïmonide (1187-1235) : une étude suivie par une traduction de son Compendium du dévôt.

 En présence du Jury :

M. BALLANFAT (LYON III)
M. BLUMENTHAL (EMORY)
M. FENTON (PARIS IV)
M. ROTHSCHILD (EPHE)

Lundi 12 décembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Mikaël COZIC soutient sa thèse de doctorat :

 Fondements cognitifs du choix en rationalité limitée

En présence du Jury :

M. ANDLER (Paris 4)
M. BRADLEY (LSE)
M. ENGEL (Paris 4)
M. GILBOA
M. MONGIN (CNRS)
M. WALLISER (EN PONTS CHAUSSÉES)

Résumés

Elaborée par des économistes, des mathématiciens et des philosophes, la théorie du choix rationnel est un modèle puissant, fécond et élégant de la prise de décision. Ces vertus en font l’un des piliers de la modélisation en économie contemporaine. Pourtant, la théorie du choix rationnel n’est pas épargnée par les critiques. L’une des critiques les plus fortes a été formulée par H. Simon dans les années 1950 : elle affirme que les hypothèses de la théorie sont incompatibles avec les limitations cognitives qui pèsent sur les individus, individus qui exhibent tout au plus une rationalité limitée. De cette critique émerge un projet, celui de modéliser la rationalité limitée. Aujourd’hui, le projet est plus vivant que jamais, mais de nombreux désaccords persistent : des divergences sur la façon de le mener à bien, mais aussi sur le bien-fondé du projet lui-même. Il est donc besoin de procéder à une clarification fondationnelle de la rationalité limitée, qui articule les justifications méthodologiques et les possibilités de modélisation. C’est à cette clarification que la présente thèse est consacrée. Après avoir présenté les modèles classiques de choix (chapitres 1 et 2), nous proposons une reconstruction méthodologique de la rationalité limitée comme un projet de désidéalisation cognitive des modèles classiques (chapitre 3). A partir de ce fondement méthodologique, nous analysons les principaux modèles de rationalité limitée et défendons l’idée d’un modèle de sélection procédurale (chapitre 4). La dernière partie est constituée de deux essais sur l’utilisation d’outils logiques : logique épistémique d’une part (chapitre 5), et théories de la calculabilité et de la complexité d’autre part (chapitre 6).

Devised by economists, mathematicians and philosophers, the theory of rational choice is a powerful, elegant and fruitful model of decision making. Such virtues make it the core of formalization in contemporary economics. Yet, rational choice theory is widely criticized. One of the most recurrent criticism has been formulated by H. Simon in the fifties. According to him, the theory’s hypotheses are incompatible with agents’ cognitive limitations. People exhibit at best bounded rationality. From this critic, a project came out : the project of modelling bounded rationality. Today, the project is more lively than ever, but lots of disagreements remain : there are divergences on how to lead the project, and, more importantly on whether the project is well-founded. Consequently, there exists a true need of foundational clarification, which should integrate methodological justification and modelling’s possibilities. The aim of our dissertation is to lead such a clarification. First, we expound classical models of choice and set up an epistemological framework (chapters 1 and 2). We propose a methodological reconstruction of bounded rationality as a project of cognitive unidealization of classical models (chapter 3). Starting from this foundation, we analyse the main models of bounded rationality and defend the idea of a procedural selection model (chapter 4). The last part is made of two essays on the use of logical tools : the first on epistemic logic (chapter 5), the second on computability and complexity theories (chapter 6).

Position de thèse

Mercredi 6 décembre 2006
15 heures
A l’INHA, Salle Ingres, Galerie Colbert, 2ème étage
4-6, rue des Petits Champs 75002 Paris

 M. Jean-Pierre VAN STAËVEL soutient son habilitation à diriger des Recherches :

 Formes et normes de l’habitat dans l’occident musulman médiéval

 En présence du Jury :

Mme BARRUCAND (PARIS 4)
M. CRESSIER (CNRS)
Mme DENOIX (CNRS)
M. FARNOUX (PARIS 4)
M. MUELLER (CNRS)
M. PICARD (PARIS 1)

Jeudi 30 juin 2005
10 heures
Institut National d’Histoire de l’Art
Carré Colbert, Salles Ingres
4-6, rue des petits champs
Paris 2e

 Mme Elodie LERNER soutient sa thèse de doctorat :

 François Gérard peintre d’histoire

En présence du Jury :

M. FOUCART (Paris 4)
M. BOUDON (Paris 4)
M. CUZIN
M. JOBERT (Paris 4)
Mme LE MEN (Paris 10)
M. ROBICHON (Lille 3)

Samedi 7 janvier 2006
14 heures 30
En Sorbonne
Amphithéâtre Michelet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Aurélie JULIA soutient sa thèse de doctorat :

 Frédéric Lachèvre et le renouveau des études dix-septièmistes

En présence du Jury :

M. MOUREAU (Paris 4)
M. DARMON (Versailles)
M. FRAISSE (Strasbourg 2)
M. JARRETY (Paris 4)

Samedi 7 janvier 2006
14 heures 30
En Sorbonne
Amphithéâtre Michelet
Esc. A
46, rue Saint-Jacques
Paris 5e

 Mme Aurélie JULIA soutient sa thèse de doctorat :

 Frédéric Lachèvre et le renouveau des études dix-septièmistes

En présence du Jury :

M. MOUREAU (Paris 4)
M. FRAISSE (Strasbourg 2)
M. DARMON (Versailles)
M. JARRETY (Paris 4)

Quatrième de couverture, au format Pdf

Position de thèse

Homme aujourd’hui relégué dans la foule des inconnus du XXe siècle, Frédéric Lachèvre n’est plus cité que par un petit nombre d’érudits. Et encore ! Les références à ses travaux appellent souvent des commentaires négatifs : Blot, Saint-Pavin, Claude Le Petit « attendent toujours leur réhabilitation littéraire et critique depuis Lachèvre, qui les étudiait sous l’angle peu gratifiant de l’exécration morale et idéologique », écrit Jean-Pierre Cavaillé en février 2003 ; « Or, on constate le rôle néfaste des historiographes du libertinage tel Frédéric Lachèvre », accuse Antony McKenna dans un ouvrage à paraître . À ces reproches s’ajoute une rumeur qui ternit un peu plus le personnage : elle refuse à Frédéric Lachèvre la paternité de ses recherches. Inquisiteur des temps modernes, sorte de « Garassus redivius » , voleur de mots, voilà un aïeul bien malmené ! Petite-fille de la quatrième génération, nous éprouvions depuis quelques années une vive curiosité à l’égard de cet être mystérieux. Les beaux ouvrages classés dans la bibliothèque familiale avaient d’ailleurs éveillé cet intérêt : les grands formats, les imposantes reliures, les titres aux noms obscurs, tout nourrissait ce désir de savoir. Le souvenir oral véhiculait une histoire bien différente de la réalité : comment cet homme aux actes bien pensants, fervent catholique, lecteur de l’Action française, avait-il pu consacrer une partie de son existence à l’étude du libertinage ? Comment cet individu au jugement sévère avait-il pu mener une enquête sérieuse et publier, à ses frais, une quinzaine de monographies sur un sujet d’avance condamné ? L’entreprise revêtait un caractère assez paradoxal : éditer les manuscrits de ces poètes oubliés n’était-ce pas leur redonner vie, leur rendre hommage ? Autant de questions qui nécessitaient une lecture approfondie de l’œuvre. Une documentation privée, non négligeable, facilita les premières démarches : des archives avaient été conservées, des coupures de journaux, gardées et des lettres, soigneusement rangées dans des chemises. Appréhender la carrière de Frédéric Lachèvre exigeait un bref regard sur sa biographie : des éléments devaient nous aider à comprendre la teneur de certains propos. Des commentaires glissés au hasard des pages permettaient de mieux saisir l’idéologie du cet ancien financier. Lorsque la guerre de 1870 éclate, le futur bibliographe a quinze ans, un âge où l’on commence à saisir le sens de l’actualité. L’affaire Dreyfus, la Première Guerre mondiale, la Belle Époque, les scandales judiciaires et politiques, rien n’échappe à cet œil autoritaire qui parle, en 1930, « de l’état de décomposition intellectuelle » de son époque. Ses phrases sont sans appel et ses condamnations, de la dernière violence : « L’Allemand, quel qu’il soit, devra être l’objet d’une haine qui restera toujours en-dessous de la vengeance de ses victimes » ; la France « a sacrifié sa propre indépendance à une chimère : la sécurité collective, autrement dit au corps mort dénommé Société des Nations » . Diplomatie, Économie, Religieux, Social : Frédéric Lachèvre aborde à différents degrés les thèmes de l’histoire contemporaine. Quant est-il de l’art ? Né en 1855, mort en 1943, ce Parisien de vieille souche normande voit défiler des mouvements artistiques aussi divers que l’impressionnisme, le cubisme, le surréalisme... Son silence est éloquent : rien sur la modernité d’un Manet, ni sur le génie d’un Picasso, ni sur les multiples expérimentations d’un Marx Ernst. L’avant-garde le laisse de marbre. Amateur d’art, il l’est, mais il ne côtoie que des peintres académiques. Aux visions révolutionnaires, il préfère la permanence des valeurs traditionnelles assurées par des artistes qui confirment les modes des siècles passés. La « poésie pure » l’interpelle cependant : le verbe mallarméen et valéryen lui inspire la publication d’une petite plaquette . Cette « infidélité » à son cher XVIIe siècle n’est que de courte durée : bien vite, il retrouve les règnes de Louis XIII et Louis XIV. Ce n’est pas avant les années 1898-1899 que Frédéric Lachèvre se tourne vers la République des lettres. Cette entrée tardive se compense par une imposante production : l’œuvre comprend une vaste étude sur le libertinage du XVIIe siècle, des recueils de poésies des XVIe et XVIIe siècles, des bibliographies, des Keepsakes et de nombreuses publications relatives à l’histoire littéraire. Deux prix de l’Académie française, deux décorations et une mention très honorable de l’Académie des inscriptions et belles-lettres récompensent son labeur. Quelle est la genèse de cette vocation ? C’est en travaillant sur l’identification de pièces anonymes que Frédéric Lachèvre découvre des vers de Jacques Vallée des Barreaux. La reconstitution de sa vie le mène rapidement à Théophile de Viau, son ami intime, et au procès intenté contre le poète des Broussères par le jésuite François Garasse et le procureur général Mathieu Molé. Tout s’enchaîne : Saint-Pavin, Blot, Dehénault, Le Petit, Blessebois, Chaulieu, La Fare, Foigny, Veiras ressurgissent d’un univers depuis longtemps éclipsé. Des longues heures passées à éplucher les manuscrits de la Bibliothèque nationale résultent beaucoup d’inédits, d’interrogatoires, de legs, de dépositions, de pièces sur la libre-pensée. Frédéric Lachèvre accumule les connaissances et les preuves irréfutables. Mais il ne suffit pas de trouver ces informations, il faut les organiser, les ordonner de façon à exposer des éléments aussi clairs que possibles. Certaines monographies réclament une présentation rigoureuse. Le biographe soigne donc les notes de bas de pages et la typographie ; il n’hésite pas à revenir sur ses textes afin de leur apporter les corrections et les suppléments nécessaires ; il jongle également avec la censure. Qui dit collections, amour des livres, poursuite de la perle rare, dit bibliophilie. En même temps qu’il devient le « chercheur bénédictin » et s’applique à remettre en lumière des noms sombrés dans l’oubli, Frédéric Lachèvre rejoint la communauté des fameux amateurs du XXe siècle. Il prolonge par là une vieille tradition : la passion de la chose imprimée ne date pas en effet d’hier ; les nobles figures des Jean Groslier, Jacques-Auguste de Thou, François Grudé, sieur de la Croix du Maine ont ouvert la voie ; les siècles qui suivent proposent, tous, des visages habités par le même engouement. Les goûts singuliers des uns et des autres comme les caprices du temps et la folie de certains hommes jouent sur l’évolution de ce monde curieux. La Révolution française, la Commune, l’incendie de la Bibliothèque du Louvre portent un coup fatal aux richesses nationales. Il était important de revenir sur ces faits marquants pour comprendre la progression de l’histoire et pour repérer cette lente prise de conscience d’un patrimoine fragile. Pénétrer la communauté bibliophilique nous emmènera aussi loin que vers les divagations des bibliomanes. Comment se manifeste cette prédilection du livre chez notre auteur ? Par une incroyable bibliothèque et par le désir d’embellir les ouvrages qu’on lui dédicace. Cet ancien banquier ne boude ni les belles matières ni les fioritures. Ses propres publications connaissent le luxe des maroquins repoussés et des tranches dorées. Les reliures sont confiées aux mains habiles de Lucie Weil, Blanchetière, Bretaut ; sa femme, Madeleine Lachèvre, incise et colore les cuirs. Les choix des compositions, très personnelles, surprennent par l’agencement du matériau. Un super-libris apposé sur le plat supérieur et un ex-libris collé sur le contre-plat marquent définitivement les ouvrages : il devient dès lors difficile d’ignorer le distingué possesseur du serpent enserrant une plume et de la tête de mort ! L’essor du mouvement bibliophilique des années 1830 s’accompagne d’un autre phénomène tout aussi important : l’avènement de la bibliologie. Là encore, la discipline n’est pas nouvelle : Guillaume de Bure, l’abbé Duclos, plus tard, Gabriel Peignot, Charles-Jacques Brunet, Antoine-Alexandre Barbier, Joseph-Marie Quérard comptent parmi les grands bibliographes. Chacun apporte sa touche personnelle et la bibliographie adopte des statuts différents selon les objectifs fixés. Frédéric Lachèvre tient en haute estime cette science, source indispensable, selon lui, à l’appréciation de la production intellectuelle. C’est d’ailleurs par ses Bibliographies de recueils collectifs de poésies qu’il s’est taillé une honorable réputation chez les lettrés. Le dépouillement des florilèges du XVIIe siècle mène notre chercheur à Pierre Louÿs. L’auteur d’Aphrodite détient l’un des plus beaux cabinets de spicilèges satyriques édités sous Louis XIII. Celui-ci projette d’en établir une nomenclature détaillée. Seulement mille autres occupations le détournent de sa tâche initiale. Lorsque Frédéric Lachèvre lui annonce son désir de réaliser un répertoire analogue, l’esthète lui ouvre sans difficulté sa bibliothèque et lui offre l’intégralité de ses notes. Une fidèle amitié intellectuelle s’instaure entre les deux érudits : ces hommes partagent leurs remarques, soumettent des hypothèses, font part de leurs interrogations. L’un écrit, l’autre relit, et de cette collaboration naissent les Recueils collectifs de poésies libres et satiriques publiés depuis 1600 jusqu’à la mort de Théophile (1626). Fréquenter Pierre Louÿs permet à Frédéric Lachèvre de saisir plusieurs facettes du personnage. Loin de critiquer son « envoûtement » pour Pierre Corneille, celui-ci écoute les arguments de son confrère et tient à publier, après sa mort, des notices retrouvées dans ses tiroirs. L’admiration qu’il porte à l’écrivain se traduit par une fervente ardeur à servir la vérité. Une autre affaire, celle-là tenue cachée, lie l’existence des deux bibliophiles. Il s’agit des manuscrits Legrand. La découverte de passages entièrement recopiés par Frédéric Lachèvre et la mention « Ce Ms ne doit être ni ouvert ni feuilleté par une honnête femme ou une jeune fille » méritait de s’y arrêter ! « Nous avons choisi de préférence le XVIIe parce qu’il n’existait pour ce “Grand Siècle”, celui de notre littérature classique, aucune bibliographie des ouvrages de ses écrivains. » En une phrase, Frédéric Lachèvre synthétise les principaux clichés transmis depuis des décennies : le XVIIe ou siècle des majuscules, des superlatifs, du sublime ; le XVIIe ou siècle des écrivains parfaits, des chefs-d’œuvre, du Roi Soleil. Équilibre, ordre, harmonie, tout y est. Pourquoi chercher ailleurs ? De Désiré Nisard à Gustave Lanson, la vision se trouble, cependant. Une communauté de jeunes chercheurs commence à redistribuer les rôles ; elle sort le XVIIe de son état figé et se penche sur une société bigarrée qui ternit l’image dorée, presque ennuyeuse, du « Grand Siècle ». Ce sont alors les minores qui surgissent, les mœurs baroques qui se découvrent, une verve gaie et colorée qui s’apprécie. Des amateurs s’emparent du sujet au grand dam des universitaires. Les attaques sont brutales. Si Frédéric Lachèvre participe à cette nouvelle perspective de l’histoire, il ne vise nullement à détrôner les idoles. Son idée du libertinage se résume à une vision manichéenne du mouvement : il réduit la libre-pensée à l’indiscipline, à la licence des mœurs et refuse d’y percevoir une quelconque philosophie. L’écoute attentive qu’il prête aux critiques amères du père François Garasse dessert les malheureux poètes, et une thèse assez singulière se dégage de toutes ses investigations : Frédéric Lachèvre voit des athées partout, même là où ils ne sont pas ! Il ne manque jamais de fustiger les « yvrognets », les « moucherons de tavernes » , tous ces capitans à la Callot qui, à l’entendre, gaspillent leur talent en des jeux futiles. Ses reproches vont jusqu’à faire du libertin un être malade, presque fou : la dépravation morale et physique conduit le pauvre hère à un état d’abrutissement avancé ! On le voit, notre auteur n’a pas peur des mots... Ce discours intransigeant pourrait aujourd’hui surprendre et pourtant, rien de plus logique dans la bouche du personnage : Frédéric Lachèvre construit sa vision du XVIIe autour d’un seul point de fuite, la perfection classique ; il se réclame du Trône et de l’Autel, ses deux valeurs sûres ! Sauf le cercle très restreint des « grands noms », la communauté littéraire ne compte pour lui que des ratés, des attardés, des avortons. Certains félibres trouvent grâce à ses yeux mais leur nombre reste limité. Les libertins ne sont pas les seules victimes de cette rhétorique cinglante. Beaucoup de critiques contemporains essuient la mauvaise humeur du bibliographe. Chacune des attaques assénées est néanmoins une riposte : à la moindre agression verbale flairée, Frédéric Lachèvre prend sa plume et se défend. La lecture de sa truculente correspondance permet de saisir sur le vif un caractère bien trempé. Chatouilleux sur la forme, Frédéric Lachèvre n’en demeure pas moins un être intègre, d’une grande honnêteté intellectuelle, toujours prêt à protéger son honneur comme celui de ses relations qu’il juge bafoué. Son commerce semble avoir été apprécié à différents degrés. Ami ou ennemi, l’imposante stature de « maître » Lachèvre ne laisse personne indifférent.

Lundi 27 juin 2005
14 heures 30
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Carla FERNANDES soutient son Habilitation à Diriger les Recherches :

 Frontières de la littérature
En présence du Jury :

Mme EZQUERRO (Paris 4)
M. CLEMENT
Mme FEEL (Tours)
M. FISBACH (Angers)
M. GILARD (Toulouse 2)
M. MORENO (Poitiers)

Mercredi 16 mars 2005
9h30
Maison de la Recherche
Salle D 223, 2e étage
28, rue Serpente
75006 Paris

 M. Joseph MOUKARZEL soutient sa thèse de dotorat :

 Gabriel Ibn Al-Qiba’i (+1516) : approche biographique et étude du corpus

En présence du Jury :

M. BERCE (Paris 4)
M. DESRUMEAUX (Coll de France)
M. HEYBERGER (Tours)
M. TALLON (Paris 4)
M. TROUPEAU (EPHE)

Vendredi 10 septembre
16 heures
Université de Bologne
Département de langues et cultures étrangères
Via Cartoleria 5
40100 BOLOGNE

 Mme Germana SCHIASSI soutient sa thèse de doctorat

 Gautier d’Epinal. Edition critique et commentaire

 en présence du Jury :

M. ASPERTI (LASAPIENZA)
Mme CERQUIGLINI-TOULET (PARIS IV)
M. FORMISANO (BOLOGNE)
Mme LEFEVRE (TOURS)

Vendredi 10 décembre
14 h 30
Institut Hispanique, salle Serrano
31, rue Gay Lussac
75005 PARIS

 M. Jean-Luc PUYAU soutient sa thèse de Doctorat :

 Génétique textuelle : recherches sur la production du discours poétique chez Jorge Guillen (études des brouillons de "Cantico")

 En présence du Jury :

M. CHEVALLIER (PARIS IV)
Mme DELPORT (PARIS IV)
Mme LY (BORDEAUX III)
M. SALAÜN (PARIS III)

Samedi 26 novembre 2005
9 heures
En Sorbonne
Amphithéâtre Milne Edwards
Esc. E ou F, 2e étage
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Virginie CAZES-DUVAT MAGNAN soutient son Habilitation à diriger les recherches :

 Géomorphologie, aménagement et gestion des littoraux coralliens des petites îles de l’ouest de l’Océan Indien

En présence du Jury :

M. HUETZ DE LEMPS (Paris 4)
M. BART (Bordeaux 3)
Mme BATTIAU-QUENEY (Lille 1)
M. CARRE (Paris 4)
M. GAY (Montpellier 3)
M. SEVIN (Paris 4)

Lundi 19 décembre 2005
14 heures
En Sorbonne
Salle des Actes
Centre administratif de Paris IV
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 M. Hubert BORDE soutient sa thèse de doctorat :

 Gérard de Bologne, O.Carm.(+1317) : sa conception de la théologie et de la puissance de Dieu

En présence du Jury :

M. IMBACH (Paris 4)
M. BATAILLON (CL)
M. BONINO (Catho Toulouse)
M. KALUZA (CNRS)
M. OLIVA (CL)
M. PORRO (Università)
M. SCHABEL

Résumés

Gérard de Bologne - Prieur général de l’Ordre du Carmel durant vingt-et-un ans au tournant du XIVe siècle - est le premier théologien parisien de son Ordre (1295). Sa personnalité intellectuelle demeure encore peu connue. Le but de cette étude est de présenter la figure de Gérard de Bologne, sa conception de la doctrina sacra et de la puissance de Dieu, et de proposer une édition critique de quelques textes majeurs de l’auteur concernant la potentia Dei. L’angle de vue ou la clef de lecture consiste à relire, dans leur contexte, quelques questions soulevées par Gérard de Bologne, à la lumière de l’articulation entre philosophie et théologie. Cette articulation est, en effet, représentative des transformations de la pensée médiévale dans les deux premières décennies du XIVe siècle, époque à laquelle Gérard enseigne et écrit. La conception de la sacra doctrina et la doctrine de la potentia Dei sont deux lieux d’observation excellents pour repérer les tensions entre théologie et rationalité philosophique au début du XIVe siècle latin. Après un siècle d’historiographie, de recherches et d’éditions, cette étude propose aussi un bilan et une monographie renouvelée et actualisée sur ce théologien carme, auteur de Questions quodlibétales soutenues à Paris et en Avignon entre 1309 et 1312, ainsi que d’une Somme de théologie rédigée entre 1313 et 1317. Replacée dans le cadre d’une « histoire des états de la raison » (Paul Vignaux), la pensée de Gérard de Bologne représente une forme originale de rationalité qui ne relève pas de la simple raison naturelle, une rationalité théologique qui souligne volontiers la relation à la lumière de la foi et à la Révélation. Mots-clefs : Gérard de Bologne - Carmel médiéval - Philosophie du XIVe siècle- théologie - puissance de Dieu - infinité - preuves et raisons - rationalité.

Gerard of Bologna, O. Carm. († 1317) : His conception of theology and of the power of God

Gerard of Bologna-Prior General of the Carmelite order during twenty-one years at the beginning of the 14th century-is the first Parisian theologian of his order (1295). His intellectual personality still remains relatively unknown. The goal of this study is to present the figure of Gerard of Bologna, as well as his conception of the doctrina sacra and of the power of God, and to propose a critical edition of some of his major texts treating the potentia Dei. The proposed methodology is that of rereading within context some of the questions raised by Gerard of Bologna, especially in light of the connection between philosophy and theology. This connection is, in fact, representative of the transformations of medieval thought in the first two decades of the 14th century, the epoch in which Gerard taught and wrote. The conception of the sacra doctrina and the doctrine of the potentia Dei are two excellent view points from which to identify the tensions between theology and philosophical rationality at the beginning of the 14th century. Following a century of historiography, of research and of editions, this study also proposes an evaluation and a renewed and updated monograph of the Carmelite theologian, author of Quodlibeta defended in Paris and in Avignon between 1309 and 1312, as well as a Summa theologiae, written between 1313 and 1317. Relegated to the status of a “history of the states of reason” (Paul Vignaux), the thought of Gerard of Bologna represents an original form of rationality, which does not depend simply upon natural reason, a theological rationality which insists upon the relation to the light of faith and to Revelation.

Position de thèse

1. Le propositum studii

Le but de cette étude est de présenter la figure de Gérard de Bologne, sa conception de la théologie et de la puissance de Dieu, et de proposer une édition critique de quelques textes majeurs de Gérard concernant la potentia Dei. Notre angle de vue ou notre clef de lecture consiste à relire, dans leur contexte, quelques questions soulevées par Gérard de Bologne, à la lumière de l’articulation entre philosophie et théologie. Cette articulation nous semble en effet représentative et emblématique des transformations de la pensée médiévale au tournant du XIVe siècle, époque à laquelle Gérard enseigne et écrit. Nous avons cherché à déceler les accents géraldiens des rapports de la théologie à la rationalité philosophique à travers deux aspects doctrinaux : la sacra theologia et la potentia Dei. Ces deux grandes questions - comme les foyers d’une ellipse - sont deux lieux d’observation excellents pour repérer les tensions entre théologie et rationalité philosophique au début du XIVe siècle, entre théologie et rationalité aristotélicienne, en particulier.

a. Monographie

Pour diverses raisons historiques, biographiques, historiographiques et bibliographiques, il nous a paru utile de proposer une monographie renouvelée et actualisée de Gérard de Bologne dans le cadre de notre introduction générale à cet auteur peu connu.

b. Sacra doctrina

Le premier foyer doctrinal de notre étude est la conception géraldienne de la scientia sacra. La Summa theologiae de Gérard de Bologne s’ouvre, en effet, par un ample préambule de douze questions sur la nature et la méthode du savoir théologique. Les principes directeurs de la théologie géraldienne sont donc perceptibles dès l’ouverture de sa Somme. Ces questions introductives sont un très bon laboratoire pour repérer la compréhension géraldienne du procès tardo-médiéval entre savoir philosophique aristotélicien et originalité chrétienne. La conception aristotélicienne de la science est-elle transposable en théologie ? La théorie de la démonstration proposée par le Stagirite dans les Seconds analytiques est-elle valable en théologie, dans la mesure ou cette dernière s’appuie sur des principes de foi ? La théologie est-elle sagesse au sens aristotélicien du terme ? Peut-on adapter la théorie aristotélicienne de la subalternation des sciences à la relation théologie/sciences ? Ce sont toutes ces questions, et d’autres encore, dont nous tentons de mesurer l’impact dans les écrits de Gérard de Bologne.

c. Potentia Dei

La doctrine géraldienne de la puissance de Dieu constitue l’autre foyer spéculatif de notre étude. La potentia Dei est, en effet, elle aussi, un lieu théologique révélateur des transformations de la pensée médiévale latine au tournant du XIVe siècle, un excellent terrain qui permet d’étudier l’évolution de la rationalité théologique. Il y a une tension entre la toute-puissance divine en théologie - premier article du Credo - et la conception aristotélicienne et philosophique de la puissance. En outre, c’est un nœud théologico-philosophique auquel l’historiographie la plus récente a accordé une grande importance pour mieux comprendre les tenants et les aboutissants de la pensée du XIVe siècle. Peut-on confronter les schémas du Stagirite aux principes fondamentaux de la science sacrée ? Dans quelle mesure les analogies entre les lois physiques ou métaphysiques et la nature divine sont-elles valables ? Par exemple, peut-on transposer ou du moins adapter la notion centrale aristotélicienne de potentia -réservée aux agents naturels-, en théologie, en l’appliquant au mystère divin ? Peut-on, doit-on mêler physique et théologie (miscere physicam theologiae) comme les théologiens ont pu le faire au XIIIe siècle ? Certes, Gérard de Bologne et la plupart des théologiens de cette époque ne sont pas anti-aristotéliciens. Gérard pense d’ailleurs plutôt dans le cadre philosophique proposé par le Stagirite, notamment en métaphysique et en philosophie de la nature (loquens ut naturalis). Il est dès lors fort intéressant de se demander ce que devient ce cadre aristotélicien dans les questions plus spécialement théologiques. Est-il possible d’adapter les classifications aristotéliciennes aux exigences de la théologie ? Peut-on transformer les preuves aristotéliciennes du Premier moteur en preuves du Dieu tout-puissant ou du Dieu immense et infini ? Peut-on attribuer la puissance à Dieu dans la mesure où celle-ci est relative à l’acte, et où Dieu est acte pur et parfait ? La puissance active aristotélicienne conçue comme principium transmutandi aliud inquantum aliud est-elle applicable à la nature divine ? L’attribuer à Dieu, ne serait-ce pas nier sa puissance créatrice à partir de rien ? Peut-on étayer par des raisons scientifiques la puissance active de Dieu, l’absence de puissance passive en Dieu, l’unité de la puissance divine, etc. ? En outre, une théologie aristotélicienne ou philosophique de la puissance infinie de Dieu ou de la toute-puissance de Dieu est-elle encore possible pour Gérard de Bologne ? Peut-on produire des arguments démonstratifs (ou alors seulement probants ou encore probables) soutenant la foi en l’immensité de l’essence divine, l’infinité de la puissance de Dieu, ou la toute puissance divine en se servant des résultats des sciences, en ce fondant sur le transfert du modèle de la rationalité philosophique dans celui de la rationalité théologique ? Peut-on fonder le concept de toute-puissance divine ou celui de puissance infinie de Dieu autrement que sur la foi ? L’étude de la puissance divine permet ainsi à Gérard de Bologne et aux théologiens de son temps d’opérer une clarification terminologique, une articulation entre terminologie scripturaire et terminologie philosophique ou scientifique dont nous tenterons de rendre compte.

d. Editio critica Pour faire progresser les études médiévales en général et les études géraldiennes en particulier, il nous a semblé opportun de proposer une édition scientifique de quelques textes importants de Gérard de Bologne concernant la puissance de Dieu. Les textes sur la nature de la théologie, à savoir les douze premières questions de la Summa, ont déjà fait l’objet d’une édition réalisée par De Vooght en 1954. Nous avons porté, dans la mesure du possible, une grande attention à l’apparat des sources, extrêmement important chez Gérard de Bologne. Comme tous les Médiévaux, mais peut-être plus que d’autres, sa pensée est une pensée interactive, avec des références à des interlocuteurs qui structurent ses doctrines ou ses discussions médiévales.

e. Le plan de l’étude

Ce travail comporte ainsi deux grandes parties : la première est une introduction à Gérard de Bologne ; la seconde, une édition critique des textes géraldiens fondamentaux concernant la puissance divine, son essence et son infinité. La première partie comporte trois sections : une monographie sur Gérard de Bologne, la conception géraldienne de la sacra doctrina, sa conception de la potentia Dei. La première section à caractère monographique, historique et contextuel, présente la politique des études dans l’Ordre du Carmel au début du XIVe siècle, le point sur l’historiographie géraldienne, des éléments biographiques sur le protodocteur du Carmel, une étude critique sur l’authenticité des écrits géraldiens avec la liste complète des questions et des références manuscrites, la réception médiévale de l’auteur. La seconde section, à caractère doctrinal, présente quelques aspects significatifs de la conception géraldienne de la science sacrée dans les questions introductives de sa Somme de théologie, spécialement les deux premières questions. La troisième et dernière section, à caractère spéculatif également, présente les points centraux de la doctrine géraldienne de la puissance divine ainsi que ses discussions médiévales dans les textes édités par nos soins. La seconde partie de notre étude propose une editio critica ad fidem codicum du Quodlibet I, q. 10 et de la Summa theologiae, q. 35, a. 1-6, dont les principes sont donnés dans une introduction au préalable.

PREMIÈRE PARTIE : INTRODUCTION GÉNÉRALE À GÉRARD DE BOLOGNE Section 1 : Gérard de Bologne dans son contexte historique et institutionnel Section 2 : la conception géraldienne de la théologie Section 3 : la conception géraldienne de la puissance de Dieu

SECONDE PARTIE : EDITIO CRITICA TEXTUUM DE POTENTIA DEI Section 1 : Introduction à l’édition critique Section 2 : Édition critique du Quodlibet I, q. 10 Section 3 : Édition critique de la Summa theologiae, q. 35, a. 1-6

Les sources manuscrites utilisées pour l’édition critique sont les suivantes : BARCELONA, Archives de la Couronne d’Aragon, Ripoll 95, ff. 49r-130r. FIRENZE, Bibl. Naz. Centr., II. II. 280. OXFORD, Merton College Library, 149. PARIS, BNF, lat. 17485, ff.85r-188v. PARIS, BNF, lat. 14572, ff. 7-22 ; 47-49. VATICANO, BAV, Borghese 27. VATICANO, BAV, Vat. lat. 829, ff. 58r-61r. VATICANO, BAV, Vat. lat. 932, ff. 88r-101r.

2. Synthèse des résultats

a. Gérard de Bologne

Bien que Gérard de Bologne - Prieur général de l’Ordre du Carmel durant vingt-et-un ans au tournant du XIVe siècle - soit le premier théologien parisien de son Ordre, sa personnalité intellectuelle demeure encore peu connue. Après plus d’un siècle d’historiographie depuis l’exhumation par Hauréau en 1880, de découvertes de manuscrits, d’études et d’éditions parcellaires, il convenait de faire un bilan à caractère monographique pour mieux faire connaître à la communauté scientifique cette figure carmélitaine. Docteur en théologie à l’université de Paris en 1295, Gérard présente l’originalité de maintenir une activité théologique d’enseignement et d’écriture alors qu’il a en charge le gouvernement général de son Ordre, en pleine expansion dans les villes de l’Europe médiévale. Son gouvernement est marqué par l’obtention de confirmations pontificales qui permettent une assimilation de plus en plus forte de l’Ordre du Carmel à un Ordre Mendiant (avec toutes les prérogatives qui y sont rattachées), par l’installation des Carmes plus à l’intérieur des villes et par la promotion de la vie intellectuelle avec notamment l’essor et le développement des studia generalia dans l’Ordre. Il faut situer son activité d’enseignement à la faculté de théologie au moins dans les années 1308-1311. C’est l’époque où Gérard est consulté comme théologien dans diverses affaires et procès (l’affaire des Templiers en 1308, le procès et la condamnation de Marguerite Porète en 1309-1310, la réconciliation des Frères Mineurs conventuels et spirituels). En 1311-1312, Gérard participe au concile de Vienne ; c’est aussi l’époque où il est invité à examiner les écrits du franciscain Pierre de Jean Olieu. À son retour du concile de Vienne, Gérard se retire au couvent des Carmes d’Avignon, où il meurt en pleine charge de gouvernement, le 17 avril 1317. La production écrite qui subsiste aujourd’hui est exclusivement spéculative et théologique, contrairement aux écrits qui nous restent d’autres penseurs du Carmel médiéval comme Guido Terreni ou Jean Baconthorp. Il s’agit des Quodlibeta I-IV et d’une Summa theologiae inachevée. Les Quodlibeta I-III ont vraisemblablement été soutenus à Paris en 1309-1311 ; le Quodlibet IV a, semble-t-il, été soutenu en Avignon à l’Avent 1312, après son retour du Concile de Vienne ; la Summa theologiae a été rédigée entre 1313 et 1317, interrompue par la mort de l’auteur. La réception médiévale d’un penseur du Moyen Âge est assez liée à la diffusion manuscrite de son œuvre. Il subsiste aujourd’hui deux manuscrits de la Summa Gerardi (O et V), trois manuscrits pratiquement complets (B, F et P) et six manuscrits très lacunaires (A, N, R, U, W et X) des Quodlibeta. La Summa semble avoir eu une très faible diffusion manuscrite. Elle est citée par le bachelier carme Paul de Pérouse dans les années 1340. Les Quodlibeta ont eu une meilleure diffusion manuscrite (surtout les Quodlibeta I-II). Ils sont bien sûr cités par plusieurs théologiens Carmes du XIVe siècle (Guido Terreni, Jean Baconthorp, Paul de Pérouse), mais aussi par les Augustins et les Franciscains. Pierre Auriol, en particuier, qui discute les Quodlibeta I-II de Gérard dans sa monumentale Ordinatio, livre 1 de 1316 paraît être un relais important de diffusion des doctrines géraldiennes dans la tradition franciscaine et chez tous ceux qui le discuteront, comme, par exemple, le thomiste dominicain Jean Cabrol dans la première moitié du XVe siècle qui cite donc Gérard de Bologne indirectement. Les Quodlibeta I-III de Gérard, soutenus à Paris en 1309-1311, mériteraient une plus grande attention de la part des médiévistes. À l’image des Quodlibeta de Jean de Pouilly, ils sont le reflet et le témoin des riches débats à la faculté de théologie de Paris, après la mort de Duns Scot (1308), dans la période 1309-1320. Ceci nous amène au point suivant.

b. Le milieu théologique parisien

L’introduction générale mais surtout l’édition critique réalisée nous permettent de mieux connaître les interlocuteurs de Gérard de Bologne et le milieu théologique qui l’entoure. Les interlocuteurs habituels de Gérard sont Thomas d’Aquin, Gilles de Rome, Henri de Gand, Jean Duns Scot, Durand de Saint-Pourçain ; mais celui avec lequel il débat le plus régulièrement est son contemporain, le maître dominicain Hervé de Nédellec, provincial de France à l’époque de ses échanges doctrinaux avec Gérard avant de devenir un peu plus tard Maître général de l’Ordre, et qui représente le promoteur le plus zélé de la cause du thomisme institutionnel au début du XIVe siècle. Nous avons souligné un certain nombre de relations entre le maître séculier Henri de Gand ( † 1293) et Gérard de Bologne. L’usage que fait Gérard de la Summa Henrici atteste la réception médiévale de ce penseur au début du XIVe siècle parisien. Certaines problématiques étudiées par Gérard viennent de questions posées de manière originale par Henri de Gand. Mais, en règle générale, Gérard s’oppose à Henri. Il faut par ailleurs ajouter que Gérard semble être un des derniers théologiens à discuter directement les positions du Gantois. La confrontation régulière de Gérard de Bologne avec les doctrines scotistes, tant dans les Quodlibeta que dans la Summa theologiae est particulièrement évidente. Elle montre clairement que Duns Scot est très présent dans les débats théologiques à Paris dans les deux premières décennies du XIVe siècle. Gérard s’oppose pratiquement tout le temps aux thèses scotistes les plus originales (comme l’univocité de l’être, la distinction formelle ex natura rei ou la connaissance abstractive de Dieu), mais nous avons essayé de dire qu’il emporte avec lui (1) quelque chose du concept scotiste de science avec ses notes caractéristiques d’évidence et de certitude subjective, et (2) cette attention portée à la rigueur des démonstrations et à la force probante des arguments théologiques. De manière générale, concernant la relation de Gérard à ses interlocuteurs, nous avons pu remarquer (les textes sur la puissance de Dieu sont manifestes sur ce point) sa grande capacité de discussion (révélatrice de son humilité théologique) et son attitude critique (révélatrice de son exigence d’intelligibilité et de rationalité dans le sens explicité un peu plus loin). Il faut bien voir qu’une très grande partie de son œuvre théologique est consacrée à discuter les positions théologiques de ses prédécesseurs ou de ses contemporains. Il n’est pas rare que Gérard omette d’indiquer sa détermination personnelle. Cette attitude de discussion et de critique, très prononcée chez lui, est assez caractéristique de sa manière de procéder en théologie.

c. Philosophie & théologie

Concernant les relations entre théologie et rationalité philosophique, nous avons pu repérer une double attitude chez Gérard de Bologne. Pour une part, Gérard semble refuser de faire intervenir la logique aristotélicienne et plus largement la rationalité scientifique ou philosophique dans sa détermination théologique. Nous avons observé ce mouvement à la fois dans sa conception de la doctrina sacra et dans sa doctrine de la puissance de Dieu : le refus du statut scientifique stricto sensu de la sacra theologia, la notion de théologie-sagesse comprise dans un sens augustinien plutôt qu’aristotélicien, la distinction entre la sécurité d’adhésion dans la connaissance de foi ou la connaissance théologique et la notion de certitude dans la connaissance scientifique, le rejet de la transposition en théologie de la théorie aristotélicienne de la subalternation des sciences, le repli du sujet de la théologie sur le thème christologique, enfin, dans le cadre de sa théologie du Dieu vivant, le soutien de la vérité doctrinale de la puissance infinie de Dieu par les données de la foi plus que par la raison naturelle. Magis fide tenetur. Mais pour une autre part, Gérard intègre en théologie des concepts, des notions structurantes, des distinctions qui appartiennent à la rationalité péripatéticienne. Cette intégration se fait dans la ligne de la transposition des notions aristotéliciennes opérée par les théologiens du XIIIe siècle. Nous avons observé cette assimilation dans la doctrine géraldienne de l’essence de la puissance divine (le rapport entre puissance active et actualité divine, le refus d’une puissance passive en Dieu, l’unité et l’unicité de la puissance divine). En outre, Gérard ne cesse de citer, au long de ses Quodlibeta et de sa Summa theologiae, des autorités philosophiques telles qu’Aristote, Avicenne, Averroès dans ses élaborations doctrinales et de discuter rationnellement les doctrines des théologiens de son temps (le cas de la puissance infinie est ici éloquent et révélateur). Le théologien a recours à la philosophie même, fût-ce pour la limiter dans ses prétentions. Le contraste entre ces deux manières d’envisager les rapports entre théologie et rationalité philosophique s’explique sans doute par le contexte historique et la période de mutation doctrinale durant laquelle Gérard écrit. Gérard de Bologne est, en effet, un théologien de transition. Il se situe à la charnière entre une theologia philosophica encore présente à son époque, et une theologia logica déjà naissante, à Oxford tout d’abord, à Paris ensuite. Gérard a suivi l’ensemble de sa formation philosophique et théologique dans les années 1270-1280 avec des maîtres tels qu’Henri de Gand, et peut-être Gilles de Rome et Godefroid de Fontaines ; mais ses écrits théologiques datent de la fin de sa vie (sans doute rédigés dans sa soixantaine), après le « tournant » scotiste, à une époque où se mettent en place de nouvelles épistémologies, de nouvelles théories de la connaissance et une conscience de plus en plus claire du caractère sui generis de la doctrina sacra. Le premier docteur du Carmel garde encore quelque chose de l’enseignement de ses maîtres du XIIIe siècle et, dans le même temps, emboîte le pas à la nouvelle théologie. C’est ainsi qu’à propos du débat sur la puissance divine durant les années 1300-1320, il faut rappeler la coexistence de deux manières d’articuler théologie et philosophie (aristotélicienne), la première s’effaçant de plus en plus devant la seconde au fur et à mesure du XIVe siècle : D’une côté, les théologiens du XIIIe siècle et les « conservateurs » ou « traditionalistes » du début du XIVe siècle cherchent encore à élaborer une théologie philosophique de la puissance de Dieu en assurant une base scientifique et aristotélicienne, dans le sens d’un idéal de concordisme entre la théologie chrétienne d’une part, et la physique et la métaphysique d’inspiration péripatéticienne d’autre part. Henri de Gand, Godefroid de Fontaines, Gilles de Rome, Richard de Mediavilla, Guido Terreni illustrent assez bien cette tendance. D’un autre côté, après Jean Duns Scot, on tente de construire une logica fidei, puisque la logique aristotélicienne est, aux yeux de ces nouveaux théologiens, incapable de soutenir l’intelligibilité des vérités de foi. Les franciscains Jean de Bassoles, Pierre d’Attarabia et Guillaume d’Ockham, les augustiniens Thomas de Strasbourg et Hugolin d’Orvietto, par exemple, attestent ce versant doctrinal, un peu plus tard dans le XIVe siècle. Les écrits théologiques de Gérard de Bologne participent de l’une et l’autre tendances, en proposant une relation diversifiée avec la rationalité aristotélicienne. Ces écrits géraldiens attestent que les « sciences » théologique et philosophique aspirent à se constituer comme autonomes l’une par rapport à l’autre. Mais dans le même temps, Gérard ne cesse de se confronter à la philosophie dans son élaboration théologique, même s’il emprunte sa détermination ultime et son explication dernière aux maximes de la foi et aux sentences des sancti. Pour toutes ces raisons, et d’un point de vue historiographique, nous préférons ne pas utiliser les termes de « scepticisme » et surtout de « fidéisme », qui ne nous semblent pas justes afin de qualifier la personnalité théologique et la pensée de Gérard de Bologne. Il y a en effet chez le premier théologien du Carmel une forme originale de rationalité qui ne relève pas de la simple raison naturelle. Il s’agit d’une rationalité théologique qui insiste avec complaisance sur sa relation à la lumière de la foi et à la Révélation, mais qui ne peut cependant éviter totalement la confrontation avec la rationalité philosophique. La conception suggérée par Vignaux d’une histoire des états de la raison éclaire d’une lumière pénétrante et respectueuse la diversité des pensées et des rationalités du XIVe siècle, cette « diversité rebelle » qui lui était si chère. La raison médiévale est à comprendre dans un double lien avec la notion théologique d’état (pro statu isto) et avec le dynamisme de l’histoire. L’historien des doctrines ne doit pas seulement ni d’abord considérer la raison au singulier, sous l’angle de sa nature, de sa pure essence de lumière naturelle, mais il doit être sensible aux « états » de la raison (thème d’origine bonaventurienne et scotiste), à la diversité même de ces états liés à des événements théologiques singuliers (comme le péché originel et la rédemption), à la raison déclinée au pluriel, à l’inscription historique des rationalités. C’est ainsi qu’une spéculation théologique configure toujours une forme de rationalité. Mais il se peut très bien que cette rationalité théologique ne se donne pas, ne se livre pas, ne brille pas par la voie de la simple raison, comme le souligne la compréhension et la modulation géraldienne de la théologie.

Lundi 15 décembre
13 h 30
ENS, salle des Actes
45, rue d’Ulm
Paris 5e

 Mme Catherine COSTENTIN soutient sa thèse de doctorat :

 Genèse et formes d’une écriture paradoxale dans l’oeuvre complète de La Rochefoucauld

 en présence du Jury :

M. BURY (VERSAILLES)
M. CAHNE (PARIS IV)
M. DARMON (VERSAILLES)
Mme JAUBERT (NICE)
M. SOUTET (PARIS IV)

Vendredi 19 décembre
14 h
Bibliothèque Pierre Léon, esc. F, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Dominique CONFOLENT soutient sa thèse de doctorat :

 Granville et le monde de la mer : 1919-1945

 en présence du Jury :

M. BARJOT (PARIS IV)
M. CORLAY (NANTES)
M. FARON (PARIS IV)
Mme GEISTDOERFER (CNRS)
M. QUELLIEN (CAEN)
M. ZYSBERG (CAEN)

Vendredi1er décembre 2006
14 heures
Maison de la Recherche, Salle D035
28, rue Serpente 75006 Paris

 M. Christophe FEYEL soutient son habilitation à diriger des Recherches

 Groupes sociaux et pratiques institutionnelles dans les cités grecques des époques classiques et hellénistique

 En présence du Jury :

M. BRUN (TOURS)
M. GAUTHIER (EPHE)
M. KNOEPFLER (Coll. de FR)
M. LARONDE (PARIS 4)
M. LEFEVRE (PARIS 4)
M. VILLARD (CLERMONT 1)

Mercredi 26 janvier
16 h
En Sorbonne, salle G 647, escalier G
1er étage
17, rue de la Sorbonne
75005 PARIS

 Mme JIANYING LI XU soutient sa thèse de doctorat :

 Gu Cheng - Un poète chinois contemporain : un Rimbaud chinois

 en présence du Jury :

M. CLAUDON (PARIS XII)
M. ZHANG (PARIS III)

Lundi 29 novembre
14 h 30
Maison de la Recherche, salle D 224
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. Franck DELANNOY soutient sa thèse de doctorat :

 Hans Georg Gadamer et la tradition allemande des sciences de l’esprit

 en présence du Jury :

M. MERLIO (PARIS IV)
M. MONDOT (BORDEAUX III)
M. POULAIN (LILLE III)
M. RAULET (PARIS IV)

Mercredi 16 juin
14 h
Centre Malesherbes, salle 322
108 bd Malesherbes
Paris 17e

 Mme Chantal SIMONIN soutient sa thèse de doctorat :

 Heinrich MANN et la France

 en présence du Jury :

M. AZUELOS (PARIS IV)
M. GRUNEWALD (METZ)
M. MERLIO (PARIS IV)
M. RICHARD (AMIENS)

Samedi 2 décembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Salle F363, esc. F, 2ème étage
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 M. Frédéric TEINTURIER soutient sa thèse de Doctorat :

 Heinrich Mann et la nouvelle. "Zwischenfalle, die manchmal das Beste waren". Pratiques d’un genre entre roman et théâtre

 En présence du Jury :

Mme LARTILLOT (METZ)
Mme LEPELLETIER (BORDEAUX 3)
M. POLLET (ROUEN)
M. VALENTIN (PARIS 4)

 Résumés :

LES NOUVELLES D’HEINRICH MANN SONT UN ENSEMBLE HETEROGENE, QUI RESISTE A L’ANALYSE. LA CATEGORIE GENERIQUE EST LA CLE QUI EN OUVRE L’ACCES : UNE FOIS QUE LA FILIATION DE CES TEXTES AU SEIN DU GENRE DE LA NOUVELLE ALLEMANDE EST DETERMINEE, LA COHERENCE DE CE CORPUS EST EVIDENTE ; L’OPPOSITION ENTRE LES DEUX FORMES DE LA NOVELLE ET DE LA KURZGESCHICHTE PERMET DE DISTINGUER DES PHASES SUCCESSIVES PRECISES DANS L’ENSEMBLE DES NOUVELLES, ALORS MEME QUE LES ANALYSES THEMATIQUES ET STYLISTIQUES SEMBLAIENT CONCLURE AU PLUS GRAND ARBITRAIRE. HEINRICH MANN CONNAIT PARFAITEMENT LA FORME NARRATIVE BREVE ET PORTE UN GRAND INTERET AUX ASPECTS STRUCTURELS DE SES NOUVELLES. SON ATTITUDE VIS-A-VIS DU GENRE NARRATIF BREF DEVOILE EN FAIT TOUTE L’ORIGINALITE DE SA CONCEPTION DE LA LITTERATURE EN GENERAL. L’ETUDE DE LA PLACE DES RECITS DANS L’ENSEMBLE DE SON ŒUVRE MET EN EVIDENCE QUE, CONTRAIREMENT AUX APPARENCES, LA NOUVELLE EN EST LE CENTRE. LA MANIERE DONT HEINRICH MANN UTILISE LA NOUVELLE MONTRE QU’IL REFUSE TOUTE SORTE DE CLOISONNEMENT GENERIQUE. NON SEULEMENT LES NOUVELLES SONT L’EXPRESSION LA PLUS ABOUTIE DE SON ESTHETIQUE NARRATIVE, MAIS LA NOUVELLE SE SITUE EGALEMENT AU CROISEMENT DE TOUTES LES FORMES TEXTUELLES, TANT NARRATIVES, QUE DRAMATIQUES ET NON FICTIONNELLES.

HEINRICH MANN’S SHORT STORIES ARE A BODY OF MISCELLANEOUS WORKS WHICH RESISTS INTERPRETATION. THE KEY TO ANALYSIS IS THE CATEGORY OF GENRE : ONCE THESE WORKS ARE CLASSED ACCORDING TO THEIR RELATION TO THE GENRE OF GERMAN SHORT STORIES, THEIR OVERALL COHERENCE BECOMES CLEAR ; BY DISTINGUISHING BETWEEN THE TWO OPPOSED FORMS OF THE NOVELLE AND THE KURZGESCHICHTE, IT IS POSSIBLE TO DEFINE DISTINCT, SUCCESSIVE PHASES IN THAT BODY OF WORKS, ALTHOUGH IN THEMATIC OR STYLISTIC ANALYSES, A FEELING OF COMPLETE ARBITRARY PREDOMINATES. HEINRICH MANN DISPLAYS A THOROUGH KNOWLEDGE OF THE BRIEF NARRATIVE, AND PAYS CLOSE ATTENTION TO THE STRUCTURAL ASPECTS OF HIS SHORT STORIES. HIS ATTITUDE TOWARDS THE GENRE OF BRIEF NARRATIVE REVEALS THE PROFOUND ORIGINALITY OF HIS CONCEPTION OF LITERATURE. A STUDY OF THE IMPORTANCE OF THESE STORIES WITHIN HIS WORK HIGHLIGHTS THE FACT THAT, APPEARANCES NOTWITHSTANDING, THE SHORT STORY OCCUPIES A CENTRAL POSITION. HEINRICH MANN’S WORK ON THIS FORM CLEARLY SHOWS THAT HE REFUSES ALL KINDS OF GENERIC PIGEONHOLING. NOT ONLY DOES IT EMBODY HIS NARRATIVE ESTHETICS IN THE MOST CONSUMATE WAY, IT IS ALSO A CROSS-ROADS FOR EVERY TEXTUAL FORM, WHETHER NARRATIVE, DRAMATIC, OR NON FICTIONAL.

 Position de thèse :

Cette étude a pour objet les nouvelles de l’écrivain allemand Heinrich Mann (1871-1950), frère aîné de Thomas Mann, et auteur de romans bien connus comme, par exemple, Der Untertan (1914) ou Professor Unrat (1905). Ce rappel permet de souligner d’emblée la difficulté et la position du présent travail : il peut paraître surprenant, même pour un lecteur averti, de s’intéresser aux nouvelles d’un écrivain plus connu aujourd’hui pour ses romans et ses prises des position anti-nazies pendant son long exil à partir de 1933. Les nouvelles d’H. Mann ont toujours été considérées comme des textes mineurs, une partie secondaire de son œuvre et, la plupart du temps, on se penche sur ces récits pour en souligner le caractère d’œuvres intermédiaires et préparatoires.

Notre propos n’est pas d’attribuer aux nouvelles un rôle qui n’est pas, et ne peut pas, être le leur au sein de l’œuvre aussi riche d’un romancier reconnu et célébré de son vivant - jusqu’en 1933, du moins. En d’autres termes, les nouvelles ne sont que rarement des œuvres majeures, déterminantes d’H. Mann. Considérées individuellement, seules quelques unes d’entre elles peuvent prétendre occuper un rang comparable à celui des romans cités précédemment. En revanche, en tant que genre, la nouvelle occupe une place de premier plan, et l’ambition de la présente étude consiste à réévaluer le rôle joué par le genre narratif bref dans l’œuvre d’H. Mann.

La première difficulté réside dans le fait que l’ensemble des nouvelles écrites par l’auteur ne semble pas pouvoir être constitué en véritable objet d’étude : son caractère hétérogène est patent, tant au niveau formel que thématique. Les rares études critiques partiellement ou entièrement consacrées aux nouvelles d’H. Mann se sont heurtées à ce manque de cohérence évident. Au niveau thématique, les nouvelles sont extrêmement variées : elles abordent tous les thèmes déjà présents - ou qui seront présents - dans les romans, et il n’est pas possible de distinguer, de ce point de vue, une quelconque unité. Il est cependant manifeste que certaines nouvelles peuvent être regroupées en fonction de leur sujet. Cette démarche est celle qui a longtemps prévalu, en particulier pour les premières éditions complètes . Mais son intérêt est très limité. Dans la présente perspective, il est plus déterminant de remarquer qu’H. Mann choisit parfois de se concentrer sur un seul et unique sujet, si bien que certaines phases peuvent ainsi être définies dans sa production nouvellistique. C’est en particulier le cas pour les récits écrits entre 1905 et 1907, 1908-1912 et 1914-1945. Toutefois, cette pratique n’est pas systématique, et certaines nouvelles ne peuvent pas être regroupées selon ce critère thématique. La démarche qui consisterait à tenter de regrouper et de classer les nouvelles d’H. Mann en fonction de critères purement formels est également vouée à l’échec : les nouvelles sont très différentes les unes des autres et ne peuvent être classées de cette manière.
La seule façon de reconnaître et de définir la cohérence de cet objet d’étude consiste à déterminer la filiation générique de chaque nouvelle au sein du genre complexe qu’est la nouvelle de langue allemande. Une telle analyse des nouvelles d’H. Mann fait l’objet de la première des deux parties de notre travail. Elle combine plusieurs critères : thématiques, formels et structurels. Le chapitre premier revient sur l’histoire de la nouvelle allemande et sur les différentes définitions successives qui, depuis la fin du XVIIIe siècle, ont été données de cette forme textuelle. Les analyses faites dans ce cadre permettent de définir des critères qui guideront l’étude générique des nouvelles d’H. Mann dans l’ensemble de la première partie. La Novelle, terme ici utilisé pour désigner le type traditionnel de la nouvelle, se caractérise par une structure ternaire qui repose sur la notion d’ordre, qui est détruit ou menacé par l’irruption d’un élément perturbateur, avant d’être restauré. La Novelle se distingue ainsi en premier lieu par la mise en œuvre d’intentions narratives précises, qui font de l’histoire narrée un exemple, et l’illustration d’une thèse ou d’une idée abstraite, plus ou moins nettement exprimée par le narrateur. En outre, la Novelle est structurée par la présence d’un événement central. Par opposition à cette première catégorie générique de nouvelles, on définit la Kurzgeschichte, terme utilisé pour désigner les autres nouvelles : celles qui ne correspondent pas au modèle générique traditionnel qu’est la Novelle, mais se caractérisent au contraire par la modernité de leur structure narrative. La première partie de notre travail présente l’étude des nouvelles d’H. Mann selon les critères génériques ainsi définis. On s’aperçoit alors que la cohérence de l’objet d’étude repose sur le principe discret mais bien réel d’une alternance régulière des modèles génériques mis en œuvre par le nouvelliste. En d’autres termes, H. Mann écrit ses nouvelles par phases précises, au cours desquelles son attitude vis-à-vis du genre nouvellistique évolue régulièrement : entre 1885 et 1894 (chapitre II), il écrit quasi exclusivement des Novellen ; entre 1896 et 1904, il remet en question ce modèle générique traditionnel et compose des récits dont la structure narrative est bien plus moderne ; entre 1905 et 1907, on assiste à un nouveau retournement : le nouvelliste se tourne de nouveau vers la Novelle, alors même que, d’un point de vue formel, ses textes demeurent modernes. Entre 1908 et 1912, il est plus difficile de distinguer un modèle générique dominant, mais la dernière période de production des nouvelles, entre 1914 et 1945, se distingue par le fait qu’H. Mann opère un choix générique clair et définitif : ses nouvelles reprennent la structure et les intentions narratives de la Novelle.
Le résultat de cette analyse systématique et chronologique des nouvelles en fonction de l’opposition entre Novelle et Kurzgeschichte est probant : la catégorie générique est la clé qui permet d’accéder aux nouvelles d’H. Mann et de les définir comme un ensemble cohérent. En tant que nouvelliste, cet auteur semble ne pas prêter attention aux dénominations génériques, mais se distingue en réalité par une grande connaissance des différences entre les différentes formes de nouvelles. Malgré les apparences, il montre donc qu’il a une conscience aiguë des genres et, plus largement, des questions structurelles.

Toutefois, le résultat le plus important, obtenu au terme des analyses génériques des nouvelles, réside dans la prise de conscience que cette partie de l’œuvre d’H. Mann, qui témoigne du grand soin apporté par l’auteur à l’élaboration de ces textes, ne peut plus être considérée comme secondaire ou mineure : la nouvelle occupe, en tant que forme narrative, une place importante dans son œuvre. Cette première conclusion est confirmée et précisée par la seconde partie du présent travail ; elle a pour objet l’étude de l’art du récit dans les nouvelles. Le chapitre VII - le premier de la seconde partie - est consacré à l’analyse détaillée de l’esthétique narrative qu’H. Mann a mise en place progressivement depuis les premières années de sa carrière de romancier, mais qu’il n’a exprimée sous une forme théorique que pendant les dernières années de la République de Weimar. Cette esthétique du récit est explicitement romanesque et repose sur le principe du « sur-réalisme ». Cette notion signifie dans l’univers narratif d’H. Mann que le romancier doit exagérer, constamment « forcer le trait », dans le but de rendre la réalité décrite dans son œuvre plus visible, plus compréhensible. Le but de tout écrivain étant, selon l’auteur de Der Untertan d’éduquer le peuple, il doit lui faire comprendre le réel et, par conséquent, en faire ressortir les traits saillants en les surexposant. Or ces principes narratifs épousent parfaitement les exigences « naturelles » du genre narratif bref : tous deux présentent en effet le point commun de poser la question de la mimesis dans un texte narratif. Le nouvelliste est contraint, étant donné le peu d’espace narratif à sa disposition, de déformer la réalité qu’il représente, afin de mettre en place une illusion mimétique en développant un art du « raccourci ». Il est donc particulièrement important de confronter l’esthétique narrative d’H. Mann et le genre de la nouvelle dans son ensemble.
Trois aspects complémentaires les uns des autres permettent de mettre en évidence la richesse de cette confrontation entre l’esthétique romanesque d’H. Mann et ses nouvelles. Le premier (chapitre VIII) concerne la déformation du réel représenté dans les textes. Grâce à l’exemple des personnages, il est possible de montrer que l’écriture narrative du nouvelliste repose sur une contradiction : l’esthétique romanesque d’H. Mann et l’art de la nouvelle reposent sur les mêmes principes de déformation du réel, mais loin de se compléter, ces deux sphères s’opposent : avant de détruire l’effet de réel, comme le préconise H. Mann, il faut, dans un premier temps, l’avoir créé ; qui plus est, dans un espace narratif volontairement restreint. Or, les moyens narratifs utilisés par l’écrivain pour, d’une part, créer l’illusion d’un monde complet dans la nouvelle - art du raccourci - appartiennent certes à la même palette technique que ceux qui visent à remettre en question cette illusion mimétique - esthétique du « sur-réalisme », mais leurs effets sont opposés. En d’autres termes, le nouvelliste cherche nécessairement à en « dire moins » tout en en laissant entendre davantage, tandis qu’H. Mann demande d’ « en dire plus », d’exagérer. L’analyse révèle que les nouvelles de notre auteur mettent en œuvre en même temps les exigences contradictoires du genre et de l’esthétique narrative « sur-réaliste ». Le deuxième élément à étudier dans le cadre d’une confrontation entre le genre nouvellistique et l’esthétique narrative d’H. Mann est la discontinuité narrative, élément central dans l’univers romanesque de ce dernier (chapitre IX). Ce phénomène est visible également dans les nouvelles, mais à un degré supérieur. La fragmentation anti-mimétique du monde représenté y est très importante, ce qui est particulièrement manifeste dans le cas exemplaire du temps. L’étude du rapport entre temps du récit et temps de l’histoire est riche en enseignements sur ce point. Il est ici particulièrement intéressant de se concentrer sur la variation incessante de la vitesse narrative dans les nouvelles : il s’agit d’un élément essentiel de l’art de la nouvelle chez H. Mann.
Le dernier aspect qui contribue à accréditer la thèse que l’esthétique « sur-réaliste » d’H. Mann se retrouve à un degré inédit dans ses nouvelles est l’écriture dramatique que l’auteur y met en œuvre et, plus généralement, la théâtralité du monde représenté dans ces récits. Le théâtre y est souvent le point de référence du monde décrit dans les nouvelles, remplaçant alors le réel, ce qui remet en cause de manière décisive l’effet de réel. Cela est particulièrement patent dans le cas des descriptions et de la représentation de l’espace. Mais là ne s’arrête pas l’imitation du théâtre dans les nouvelles d’H. Mann : le nouvelliste déforme la réalité au moyen d’une écriture dramatique : la structure des récits est théâtrale, ce qui apparaît surtout lorsqu’on étudie les discours rapportés et la place du narrateur. Celui-ci s’efface au point que, parfois, le récit donne l’impression d’être un drame.

L’étude de l’art du récit dans les nouvelles met en évidence que ces textes sont l’expression de l’esthétique narrative « sur-réaliste » d’H. Mann, à un degré supérieur par rapport aux romans. Tout est plus net, plus tranché dans les nouvelles. C’est pour cette raison que l’ensemble constitué par les nouvelles ne peut plus être considéré comme une partie secondaire dans l’œuvre de cet auteur : les nouvelles occupent une place centrale. Cela est d’autant plus évident que toutes les nouvelles, depuis les premiers récits écrits dans les dernières années du XIXe siècle, jusqu’aux dernières nouvelles, dans les années 1920, mettent en œuvre cette esthétique narrative non-mimétique : les nouvelles sont par conséquent un ensemble cohérent.

Les analyses successives des nouvelles d’H. Mann, sous un angle générique et dans un contexte d’esthétique narrative, ont révélé que ces textes narratifs brefs posent le problème des genres dans l’œuvre d’H. Mann. La catégorie générique est présente et joue un rôle déterminant à tous les stades. Cela est encore plus net, dès lors que l’on cherche à réévaluer la place des nouvelles dans l’œuvre de l’auteur (chapitre XI) : il existe des liens constants entre les nouvelles et les autres catégorie génériques auxquelles H. Mann s’est essayé. Il est même possible de poser le principe d’une certaine « perméabilité générique » chez cet auteur. Et la nouvelle est le point central de ce phénomène, dans la mesure où les nouvelles sont aux croisements de l’ensemble de l’œuvre. On peut en effet observer des phénomènes de glissements entre les genres : entre nouvelles et pièces de théâtre, entre nouvelles et romans et même entre nouvelles et essais. A chaque fois, le centre de ces transferts génériques est constitué par le texte narratif bref, qui se révèle être l’unité de base dans l’œuvre d’H. Mann. La conséquence ultime de ce phénomène consiste en un dépassement de la notion de genre littéraire. H. Mann exprime ainsi une conception très originale de la littérature.

Mardi 3 février 2004
14 h
Salle des Actes, Centre administratif de Paris 4
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 M. Stephan ETCHARRY soutient sa thèse de doctorat :

 Henri Collet (1885 - 1951), compositeur : un itinéraire singulier dans l’hispanisme musical français

 en présence du Jury :

M. BARTOLI (PARIS IV)
M. GUILLOT (PARIS IV)
M. JAMBOU (PARIS IV)
M. LACOMBE (RENNES I)
M. NOMMICK

Samedi 28 mai 2005
14 heures 30
Salle Liard, Rectorat
17, rue de la Sorbonne
Paris 5e

 Mme Anne-Sophie BARROVECCHIO soutient sa thèse de doctorat :

 Histoire de Belisaire dans la littérature française

En présence du Jury :

M. DAGEN (Paris 4)
MME AHRWEILER (Paris 1)
M. CRONCK (Oxford)
M. MENANT (Paris 4)
M. POLET (Louvain)

Samedi 25 novembre 2006
14 heures
En Sorbonne, Amphithéâtre Guizot
1, rue Victor Cousin 75005 Paris

 Mme Anne-Cécile DRUET soutient sa thèse de Doctorat :

 Histoire de la psychanalyse en Espagne (1893-2000)

 En présence du Jury :

Mme BOYER (PARIS 4)
M. GRACIA GARCIA (BARCELONE)
M. LAKHDARI (PARIS 4)
M. LAZARO (Université)
Mme ROUDINESCO (PARIS 7)

 Résumés :

Ce travail étudie la situation de la psychanalyse dans l’Espagne post-franquiste, durant la période qui va de 1975 à 1985. Dans une première partie, nous présentons l’histoire de l’introduction du freudisme en Espagne et celle de la situation de la psychanalyse au sein des domaines psychiatrique et psychologique pendant le franquisme. Ensuite, nous abordons la question des mouvements psychanalytiques à partir de 1975 ; nous étudions l’évolution des groupes liés à l’International Psychoanalytical Association (IPA) et les différentes étapes de la naissance, du développement et de l’institutionnalisation du mouvement lacanien durant la même période. Le rôle des analystes argentins exilés en Espagne, en particulier celui d’Oscar Masotta, est longuement abordé, ainsi que l’histoire de la première institution lacanienne d’Espagne, la Bibliothèque freudienne de Barcelone. Dans une troisième partie, nous analysons les liens entre psychanalyse, culture et société dans l’Espagne de la transition démocratique ; l’introduction du lacanisme dans le domaine culturel et son retentissement social en sont les fils conducteurs.

This work studies the situation of psychoanalysis in the post-Franco Spain in the 1975 -1985 period. In the first part, we present the history of the introduction of Freudism in Spain and the history of the condition of psychoanalysis inside the domains of psychiatry and psychology during Franco Spain. After that, we address the question of the psychoanalytical groups from 1975 on, we study the evolution of the group linked to the International Psychoanalytical Association (IPA) and the various stages of the origin, the development and the institutionalization of the lacanian movement during the same period. The role played by the Argentinean analysts exiled in Spain, particularly Oscar Masotta, as well as the history of the first lacanian institution in Spain, the Biblioteca Freudiana de Barcelona, are dealt with in extension. In the third part, we analyse the bonds between psychoanalysis, culture and society in Spain’s democratic transition ; the main guidelines are the introduction of Lacanism in the cultural field and its social outcome.

 Position de thèse :

Tout au long de ce travail, nous tentons de présenter et d’analyser les éléments pertinents pour une étude de la situation de la psychanalyse en Espagne durant la décennie qui va de 1975 à 1985. La question de l’implantation du lacanisme constitue la part la plus importante de cette thèse, qui cependant ne perd jamais de vue l’ensemble de l’Espagne freudienne. Il va de soi que l’histoire du lacanisme ne peut être étudiée à partir d’une méthodologie établie pour raconter les origines du mouvement freudien. De même, l’historisation du mouvement lacanien ne peut passer, en Espagne, par les mêmes voies que celles qui s’imposent pour la France, où son impact culturel est plus profond et où il concerne un nombre infiniment plus important d’individus. Le caractère récent des événements, d’une part, et les spécificités de la situation espagnole, de l’autre, obligeaient à réfléchir à une méthodologie adaptée au travail entrepris ici. D’une façon globale, nous avons pris le parti de centrer notre étude sur le mouvement psychanalytique lui-même ; elle traite, schématiquement, de « la psychanalyse en Espagne » plus que de « l’Espagne et la psychanalyse ». Ceci implique que les éléments retenus soient avant tout ceux qui rendent compte de la présence du freudisme et non ceux qui décrivent une absence. Celle-ci, comprise comme un espace au sein des divers domaines qui ont connu l’introduction du freudisme, mais sans que celui-ci y connaisse un essor comparable à celui d’autres pays, prend pourtant une importance particulière en Espagne ; la plupart des historiens qui ont abordé le sujet se sont posé la question d’une résistance spécifiquement espagnole aux théories freudiennes. À notre sens, qui dit résistance spécifique dit histoire comparée, et le travail à entreprendre dans ce domaine dépassait les prétentions de notre étude. Par ailleurs, pour parler de résistance, il fallait d’abord mesurer celle-ci, ce qui ne pouvait se faire qu’à partir de la collecte des données positives concernant la présence de la psychanalyse. Pour la période qui nous concerne, ce travail n’avait pas été effectué, malgré des apports partiels importants ; il nous semblait donc indispensable de commencer par le commencement et de présenter une étude qui s’intéresse avant tout à la présence, bien réelle, de la psychanalyse dans le domaine hispanique. Nous espérons ainsi que ce travail permettra d’engager, par la suite, le débat sur une question qui semble passionnante pour la période qui nous concerne, à savoir le rôle de la mémoire et de l’oubli durant la transition démocratique. Si, dans l’expression « Psychanalyse en France », il est peu probable que le terme « France » donne lieu à une glose bien longue, le remplacer par « Espagne » oblige aussitôt à faire une série de remarques. En dehors de toute considération extérieure à l’histoire de la psychanalyse elle-même, la situation du freudisme en Espagne ne peut être présentée comme unique ou unifiée au fil du vingtième siècle. Durant certaines périodes, l’on peut établir une périodisation commune pour Barcelone et Madrid ; c’est le cas, notamment, des années immédiatement postérieures à la guerre civile parce qu’il ne se passe rien ni dans une ville, ni dans l’autre. Il existe d’autres moments de l’histoire où l’on peut envisager cette périodisation commune : il en va ainsi pour la période postérieure à 1985, au cours de laquelle il se produit une sorte d’unification progressive de l’histoire du mouvement lacanien espagnol via Paris. Entre ces deux dates, à l’exception de la réunion de Madrilènes et de Catalans, pour un temps, au sein de la première société espagnole de l’IPA, il n’existe pas de situation espagnole de la psychanalyse, mais une situation catalane d’un côté, et une situation madrilène de l’autre. L’idée de rassembler ces deux situations dans une même étude n’a, certes, rien d’aberrant ; les points communs, notamment pour ce qui est du contexte social, culturel et politique, sont nombreux et fondamentaux. Les renvois d’une situation à l’autre sont même, dans ce sens, très intéressants. Il n’en reste pas moins que, pour la décennie qui fait l’objet de ce travail, il n’y a pas, à notre sens, de périodisation commune possible. Les bornes chronologiques de notre étude se fondent sur la seule histoire catalane : il ne se produit rien de remarquable dans le domaine psychanalytique madrilène en 1975, pas plus qu’en 1985. La conséquence immédiate de ceci est la séparation des récits de ces deux histoires dans la plus grande partie de notre travail.
En outre, l’implantation du lacanisme dans les deux villes, bien qu’elle prenne souvent les mêmes voies, n’a ni la même ampleur, ni les mêmes effets. L’institutionnalisation précoce du mouvement barcelonais qui naît autour d’Oscar Masotta, l’enseignement et les activités organisées par celui-ci posent les jalons d’une histoire animée, colorée, dont les protagonistes se créent parfois une place au sein de la sphère culturelle, et qui rassemble rapidement un petit monde lacanien qui fait parler de lui. Ceci donne lieu à un récit fourni, qui est à l’image de cette histoire. Par ailleurs, le retentissement social et culturel du lacanisme barcelonais, allié aux multiples traces écrites laissées par l’institution elle-même, permet de fonder la recherche sur des archives dont le nombre est sans commune mesure avec la quantité de celles qui sont produites à Madrid à la même époque. Dans la capitale espagnole, l’absence de personnalité de l’envergure de Masotta, le plus grand morcellement du domaine lacanien et l’institutionnalisation plus tardive des groupes offrent un panorama fort différent, qu’il n’est pas possible de reconstruire sur le même mode, ni sur la base des mêmes traces. La place inégale occupée par Barcelone et par Madrid dans ce travail reflète cette situation. Le caractère capital, à plusieurs égards, de Barcelone dans l’histoire qui nous occupe justifie, nous y avons fait allusion, les bornes chronologiques de cette thèse. Hasard du calendrier : Oscar Masotta commence son enseignement à Barcelone le 20 octobre 1975, un mois, jour pour jour, avant la mort de Franco. Le premier événement, et non le second, détermine le choix de l’année 1975 comme date du début de notre étude. Il ne s’agit donc pas de la projection, sur le domaine analytique, d’un critère de périodisation extérieur à ce domaine lui-même. Le bouleversement que supposent à la fois l’apparition du personnage de Masotta, son enseignement et les conséquences de celui-ci dans le panorama psychanalytique espagnol semblaient imposer tout naturellement ce choix. Celui de l’autre limite chronologique de ce travail prêtait davantage à réflexion. Nous avons finalement retenu l’année 1985, qui est celle du premier séminaire du Champ freudien en Espagne, cette fois encore à Barcelone. L’organisation de ce séminaire représente l’aboutissement d’un processus d’expansion du Champ freudien en Espagne, la fin d’une époque et le début d’une autre, tant du point de vue de la formation des analystes espagnols que de celui du panorama institutionnel qui existait alors. À partir de 1985, le séminaire, organisé par la suite chaque année dans d’autres villes d’Espagne, met fin à la période de la formation majoritairement argentine pour inaugurer celle de l’enseignement français ; en outre, il marque le début du travail commun de groupes jusque-là divisés, première étape du chemin vers la réunion qui se produira au moment de la création de l’École européenne de psychanalyse. La fourchette chronologique finalement adoptée, 1975-1985, semblait donc réunir les éléments pertinents à la fois dans une perspective synchronique et pour une compréhension des fondements de la situation postérieure.

Au vu de ce qui a été dit jusqu’ici, le plan de ce travail a été défini de la façon suivante : une division en trois parties, la première sur l’histoire de la psychanalyse en Espagne avant 1975, la deuxième sur les mouvements psychanalytiques entre 1975 et 1985, et la troisième sur les liens, dans la même période, entre psychanalyse, culture et société. Au sein de la première, des divisions de type chronologique et thématique sont établies. La scansion de la guerre civile s’impose pour une répartition initiale entre l’avant et l’après 1936. La période d’avant 1936 débute en 1893, au moment de la parution à Barcelone de la traduction de la « Communication préliminaire » de Breuer et Freud, pour se clore à la veille de la guerre civile. La seconde commence au lendemain de celle-ci et étudie, jusqu’en 1975, les données qui nous ont semblé pertinentes pour une compréhension du contexte dans lequel se produit l’institutionnalisation du mouvement psychanalytique espagnol. Cette institutionnalisation ouvre la deuxième partie, qui retrace l’histoire des mouvements psychanalytiques de l’Espagne post-franquiste. Plus qu’un répertoire de dates, de membres et d’événements de type administratif - orientation de travaux qui miment, en quelque sorte, la bureaucratie ipéiste -, nous avons tenté d’écrire une histoire des sociétés espagnoles de l’IPA dans la perspective de l’analyse de leur rôle durant la période des dernières années du franquisme et dans l’Espagne démocratique. L’essor du lacanisme en Espagne s’inscrit, en effet, dans un processus historique évolutif au sein duquel les caractéristiques du mouvement lié à l’IPA jouent un rôle fondamental.
Outre ceci, l’autre donnée clé de l’histoire de la psychanalyse durant cette période est le « détour argentin » des théories lacaniennes. L’importance d’Oscar Masotta dans ce processus nous a conduite à consacrer à celui-ci un long chapitre, en présentant tout d’abord son œuvre en Argentine, puis en Espagne. Pour cette dernière, après avoir exposé les éléments biographiques et les différentes activités menées par Masotta dans le domaine de la diffusion des théories lacaniennes, nous mettons l’accent sur le bouleversement que suppose l’apparition d’un personnage comme Masotta dans le panorama psychanalytique espagnol, et sur les conséquences de son enseignement, en particulier auprès de ses jeunes élèves espagnols, devenus aujourd’hui les analystes dits historiques du mouvement lacanien. Toujours dans le sillage d’Oscar Masotta, nous consacrons un long chapitre à l’histoire de la première institution lacanienne d’Espagne, la Bibliothèque freudienne de Barcelone, fondée en 1977 à l’initiative de l’Argentin. La mort de celui-ci, deux ans plus tard, marque une nouvelle scansion dans cette histoire ; elle signifie l’entrée de la Bibliothèque dans une période de crise et la modification du panorama lacanien catalan, qui devient plus morcelé qu’auparavant. La situation de la psychanalyse à Madrid, durant la même période, est fort différente. Elle fait l’objet d’un chapitre séparé, qui se fonde sur une chronologie distincte, comme nous l’avons dit, de celle de Barcelone. Le rôle des Argentins, dirigeants de la majorité des groupes, y est présenté. L’arrivée, dans la capitale espagnole, en 1983, de la première représentante du Champ freudien marque la principale scansion de l’histoire du lacanisme à Madrid pendant ces années. L’évolution de la situation madrilène qui en résulte est étudiée. Dernier point abordé dans cette partie : le Champ freudien en Espagne. La Fondation y acquiert une existence à partir de 1983, lorsqu’elle y organise ses premières Journées et qu’est décidée la création d’un bulletin destiné à faire le lien entre les différents groupes lacaniens du pays. Le processus qui se met en place à partir de ce moment est déterminant pour l’évolution des groupes existant à cette date dans toute l’Espagne, dont une grande majorité finira, quelque sept années plus tard, par se dissoudre pour entrer dans l’École européenne de psychanalyse fondée par Jacques-Alain Miller. Les premières activités du Champ freudien en Espagne, la politique de la Fondation et la position des différents groupes vis-à-vis de celle-ci sont étudiées. Le chapitre se termine sur l’événement que nous avons retenu pour déterminer la date de la fin de ce travail, à savoir l’organisation, à Barcelone, du premier séminaire du Champ freudien. La troisième partie de cette thèse, intitulée « Psychanalyse, culture et société », posait davantage de problèmes quant à la sélection des différents points abordés. Les chapitres dont cette partie aurait pu se composer étaient nombreux, et chacun présentait un intérêt particulier. Le principal critère sur lequel se sont fondés nos choix était celui d’un impact mutuel entre les questions culturelles et sociales étudiées et le mouvement psychanalytique. Plus l’interaction entre les domaines était grande, plus l’inclusion de l’une ou l’autre de ces questions nous apparaissait comme importante. L’étude des revues de psychanalyse s’imposait d’emblée, en ce que l’apparition de celles-ci constitue l’une des innovations les plus remarquables du domaine psychanalytique durant la période de la transition, et qu’elle est également l’une des voies d’insertion de ce domaine dans la sphère culturelle. Un exposé du retentissement culturel et social des changements intervenus dans le panorama psychanalytique de cette période nous semblait également incontournable. Pour ce qui est du domaine social, nous avons choisi de fonder notre analyse sur la presse quotidienne, après avoir constitué un corpus que l’on pouvait considérer comme représentatif. S’agissant d’étudier la présence de la psychanalyse dans la sphère culturelle, nous avons privilégié le point qui nous semblait le plus intéressant, à la fois par sa nouveauté et par le fait qu’à notre connaissance aucun travail ne lui avait jamais été consacré, qui est l’introduction de la pensée lacanienne dans ce domaine. En d’autres termes : quand et comment le nom de Lacan apparaît-il dans le panorama culturel espagnol ? La lecture des principaux ouvrages sur l’histoire culturelle de la transition nous a appris qu’aucun des noms d’auteurs et d’intellectuels mentionnés dans ces études n’était associé par les spécialistes à celui de Lacan. Bien qu’il s’agisse, dans certains cas - en particulier dans le domaine philosophique -, d’une omission, la constatation de celle-ci et de ses causes nous ont amenée à abandonner l’idée d’une étude de type monographique sur l’un ou l’autre auteur. La seconde raison de ce choix tient à la ligne directrice exposée au paragraphe précédent : s’il y a bien une production philosophique et artistique dans laquelle on peut déceler l’influence directe des théories psychanalytiques, celle-ci ne garde pas de lien profond avec le domaine psychanalytique espagnol lui-même, qui ne la fait pas naître et ne lui doit pas grand-chose. À ces études monographiques, nous avons préféré la constitution d’un nouveau corpus, de publications périodiques cette fois, au sein desquelles la pensée lacanienne a une présence suffisamment remarquable pour pouvoir parler de l’apparition d’une thématique et analyser celle-ci. Les résultats de la recherche ainsi menée ont prouvé que ce choix était sans doute le plus pertinent. Le dernier chapitre, qui porte sur l’historiographie de la psychanalyse en Espagne, n’avait pas été prévu dans le plan initial ; nous pensions insérer, de façon classique, un état de la question au début de notre travail. Toutefois, à mesure qu’avançaient nos recherches, il nous est apparu de plus en plus intéressant de présenter une étude sur ce point en conclusion de ce qui avait été développé jusque-là. Ceci, bien entendu, n’exclut pas la présentation des principales sources secondaires avant chaque chapitre, mais les rassembler pour les analyser et identifier les différentes lectures qui sont effectuées semblait présenter un plus grand intérêt à partir du moment où l’on pouvait les mettre en relation avec nos propres conclusions.

L’archive écrite était la condition principale de l’existence de ce travail. Quiconque s’est lancé dans le recueil de témoignages sait qu’il suffit souvent de trouver une personne absolument certaine d’un fait pour, aussitôt, en voir apparaître une autre tout aussi convaincue du contraire. Nous avons tenté d’apporter le plus grand nombre d’éléments pertinents pour l’histoire ici retracée à partir des traces écrites qu’il nous a été possible de retrouver. Dans tous les cas, nous avons évité la spéculation concernant les faits sur la seule base des témoignages ; lorsque seuls ceux-ci rendaient compte d’un événement important, nous avons fait état des divergences sans donner à notre récit le fil conducteur du vécu des uns ou des autres. Notre objectif était de rendre compte de ce qui pouvait contribuer à expliquer les particularités de la situation de la psychanalyse en Espagne, en nous fondant sur l’archive écrite, en éclairant celle-ci grâce au témoignage, puis en proposant une analyse à la lumière de l’une et de l’autre. Cette méthodologie était celle qui, à notre sens, s’imposait dans le cas d’une histoire qui n’avait été racontée, de façon partielle, que par ses acteurs. Il était, cela va de soi, illusoire de croire que l’on pourrait retracer une histoire exhaustive, si tant est que l’expression ait un sens. Le caractère récent des faits, le halo de mystère qui entoure parfois l’un ou l’autre de ceux-ci, le respect naturel et indispensable pour des protagonistes vivants dans la plupart des cas déterminaient des limites de tous ordres. En tenant compte de celles-ci, la question initiale qui se posait à nous était celle d’une collecte de traces écrites d’un nombre et d’un intérêt suffisants pour envisager la reconstruction. Une première recherche a montré que, pour la plupart des points abordés, la réponse à cette première question était positive. Dans un deuxième temps, il fallait envisager la part réservée au témoignage. Celui-ci était considéré en lui-même comme un commentaire rendant compte de la façon donc chacun voyait aujourd’hui les événements d’hier. Dans une grande majorité des cas, les entretiens se sont révélés très féconds et ont permis de remplir les objectifs recherchés. L’un de ceux-ci était de déterminer quels étaient les événements et les situations que les protagonistes eux-mêmes mettaient spontanément en avant. Les premiers entretiens n’avaient donc pas de schéma préétabli, en dehors de quelques questions concernant le rôle particulier de chacun d’un point de vue institutionnel. Par la suite, ce qui était recherché était davantage un témoignage sur un moment précis de l’histoire dont les traces écrites faisaient état. À partir de ces données, il était possible, la plupart du temps, d’éclairer les événements par l’expérience que chacun en avait faite.
Pour ce qui est de l’analyse globale des événements ou des situations, nous avons pris le parti de proposer une interprétation chaque fois que les éléments nous apparaissaient comme suffisamment nombreux et solides pour pouvoir le faire. Autant les conjectures semblaient à bannir dans l’établissement des faits, autant l’interprétation paraissait préférable, dans l’analyse, à un résumé ou à une glose insipide « justifiée » par le souci d’objectivité. Ce souci est fondamental, nous l’avons dit, pour le recueil de données, mais il perd son sens dans une étude telle que celle-ci s’il ne mène pas à une interprétation postérieure. Le nombre de points abordés dans ce travail pour lesquels nous ne disposions d’aucune bibliographie secondaire est important. À défaut de pouvoir nous situer par rapport à une ligne critique existante, nous avons préféré risquer la contradiction plutôt que de nous limiter à offrir un répertoire d’événements.

Au moment de conclure, les perspectives ouvertes par ce travail, du moins l’espérons-nous, sont multiples. L’inclusion du mouvement lacanien dans l’histoire de la psychanalyse en Espagne ne semblait pas s’imposer comme une évidence : la plupart des recherches effectuées sur cette histoire, à moins qu’elles ne proviennent de ce mouvement lui-même, s’arrêtaient au seuil du « retour à Freud » ou le contournaient. Nous avons montré combien le lacanisme s’inscrivait dans cette histoire de la psychanalyse en Espagne qui ne veut pas toujours de lui, et dont il ne veut pas toujours. L’analyse historiographique, en particulier, a mis ce dernier point en évidence. Or l’essor du mouvement lacanien ne peut être étudié en dehors d’une prise en considération des spécificités de la situation espagnole de la psychanalyse durant la période franquiste. S’il s’inscrit, par rapport à cette situation, dans une dynamique de rupture, celle-ci n’en est pas moins ancrée dans un processus historique évolutif. De la même façon, on ne peut étudier l’histoire d’un siècle de freudisme en Espagne sans consacrer un chapitre à la naissance du mouvement lacanien. En plaçant celui-ci au centre de notre étude, nous espérons en avoir fait la démonstration.
Pour ce qui est des institutions lacaniennes d’Espagne, nous avons, à partir du travail de dépouillement des archives, retracé une histoire qui n’avait jamais fait, jusqu’ici, l’objet d’une étude de cette ampleur. Personne, en Espagne, ne s’est encore lancé dans cette aventure. Il peut sembler étonnant que, étant donné la propension des acteurs du mouvement à publier des travaux sur son histoire immédiate, l’initiative d’une étude plus large et plus profonde n’ait pas été prise. Lorsque cette histoire immédiate est abordée, elle l’est soit pour la situation du lacanisme dans une seule ville, principalement Barcelone, soit de façon globale, dans une perspective de réflexion qui rassemble peu d’informations précises et n’a nullement recours aux archives. De même, l’Argentine a produit de nombreuses études partielles sur la question espagnole, en particulier sur le rôle joué par Masotta, mais en travaillant à partir de documents publiés ou de souvenirs et de témoignages. Dans tous les cas, le principal obstacle réside dans la difficulté de rassembler les archives existantes, principalement privées et dont personne ne s’est jusqu’ici préoccupé d’établir la liste. La structure du monde analytique étant ce qu’elle est, l’historiographie produite au sein des groupes se fait sur la base de l’information recueillie parmi les membres de chacun d’entre eux, en toute ignorance de ce que possède l’autre. Personne, par exemple, n’avait rassemblé les dizaines de numéros des Hojas de la Biblioteca Freudiana, bulletin interne qui témoigne mois par mois de la vie de l’institution. Ceci explique l’absence de données précises qui ne peuvent être fournies que par le dépouillement de l’ensemble de ces documents. Réunies en vue de l’élaboration de ce travail, ces archives permettaient pour la première fois de retracer l’histoire des institutions à partir d’une grande quantité de traces écrites, de façon précise et documentée, et sans ellipse historique.
Un autre dépouillement indispensable pour l’histoire du mouvement lacanien à cette période est celui du Correo del Campo freudiano en España, bulletin du Champ freudien lancé en 1983, qui regorge d’informations concernant les groupes liés à la Fondation. Ce bulletin joue, pour l’historien, un rôle semblable à celui des Hojas de la Bibliothèque quelques années auparavant. Enfin, de façon plus ponctuelle, nous avons mis au jour des archives qui semblent de premier intérêt pour l’étude de la situation de la psychanalyse sous la dictature, celles de la censure. Aucun historien ne faisait mention d’une recherche sur ce point et l’information diffusée, même partiellement correcte, ne se fondait pas sur les documents de l’administration franquiste. Pour ce qui est de notre troisième partie, le principe même d’une étude de la présence de la psychanalyse dans les sphères culturelle et sociale, durant la période de la transition démocratique, n’avait, à notre connaissance, jamais été envisagé. Certaines informations avaient été diffusées, une fois encore, principalement depuis l’Argentine, concernant les revues qui avaient fait une place au lacanisme dans ces années. D’une grande aide pour engager notre propre recherche, elles n’avaient toutefois pas donné lieu à un commentaire systématique. Le choix d’un corpus défini sur lequel fonder l’étude s’est avéré fécond. On a ainsi pu retracer le parcours des théories lacaniennes au sein de deux types de publications : les revues culturelles, d’une part, et la presse quotidienne, de l’autre. Pour ce qui est des premières, outre les « dossiers psychanalyse » qui ont été présentés, nous avons analysé les caractéristiques des deux revues qui sont au centre de la diffusion du lacanisme, la Revista de Literatura et Diwan.
Dans le domaine des quotidiens, nous avons pu déterminer quels événements du monde psychanalytique avaient attiré l’attention non anecdotique de ce type de presse, et quelle était la façon dont ces événements étaient traités. En outre, nous avons proposé un tour d’horizon qui permettait de prendre en considération, de façon plus large, l’apparition de la thématique psychanalytique, et en particulier les répercussions sociales de la vie du mouvement lacanien, moins effacé sur ce plan que les cercles ipéistes. Malgré l’archivage par certaines personnes ou institutions d’une quantité parfois importante d’articles portant sur cette question, nous n’avons pas connaissance d’une tentative d’analyse globale de cette production journalistique. Effectuer cette analyse permettait de mettre en lumière une facette de la relation entre psychanalyse et société, domaine de recherche qui semble particulièrement difficile à aborder. Ni le dépouillement, ni le recensement des publications périodiques de psychanalyse, telles qu’elles sont définies dans le chapitre que nous leur consacrons, n’avaient été effectués pour l’Espagne entière. Nous avons décrit et défini chacune des publications retrouvées à partir de l’examen direct de celles-ci. Lorsqu’un numéro contenait un article qui, pour diverses raisons, avait fait date dans le panorama psychanalytique, nous l’avons relevé. Le dépouillement de ces revues permettait, en outre, de trouver des informations pour d’autres chapitres de ce travail dont les archives ne gardaient pas trace. De nombreuses dates ont ainsi pu être établies pour des événements ponctuels.
Concernant, enfin, l’historiographie de la psychanalyse en Espagne, plusieurs travaux avaient partiellement abordé ce thème, soit dans la perspective de l’historiographie de la psychiatrie, sans pousser la recherche du côté de la psychanalyse, soit pour rédiger un état de la question avant de proposer un apport personnel. Dans ce dernier cas, nous n’avons trouvé aucune recherche effectuée dans le but de proposer une bibliographie historique de la psychanalyse en Espagne. Nous avons, dans un premier temps, établi celle-ci avec un apport principal au regard des travaux précédents ; nous y avons inclus la production historiographique provenant des revues lacaniennes, dont seuls les principaux articles étaient connus. Au-delà du domaine lacanien, une vue d’ensemble de la production historiographique sur la psychanalyse, malgré les limites chronologiques que nous lui avons fixées, permettait également d’établir des données de type statistique que nous pouvions ensuite analyser. L’étude qualitative venait ajouter à cela l’identification de différentes lectures de l’histoire en fonction des domaines de provenance des textes. La projection idéologique sur l’histoire de la psychanalyse nous semblait être l’un des éléments les plus intéressants à prendre en compte.

Il reste à souhaiter que les perspectives ouvertes par ce travail puissent donner lieu à d’autres études sur le sujet. Les voies dans lesquelles cette recherche pourrait être poursuivie sont nombreuses. On en citera deux principales, que nous avons déjà signalées ; l’inclusion de l’Espagne dans une histoire comparée du freudisme, au début du vingtième siècle et sous les régimes dictatoriaux en particulier, et la réflexion sur le rôle de la mémoire, en relation avec la question psychanalytique, durant la transition démocratique.

Mercredi 15 décembre
15 h 30
Maison de la Recherche, salle D117
28 rue Serpente
75006 PARIS

 M. Laurent CUGNY soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :

 Histoire du jazz, théorie du jazz

 En présence du Jury :

M. BATTIER (PARIS IV)
M. BAUDOIN (PARIS IV)
M. CASTANET (ROUEN)
M. MALSON
Mme PISTONE (PARIS IV)
M. SOLOMOS (MONTPELLIER III)

Samedi 29 novembre
14 heures 30
En Sorbonne, UFR de Littérature
Bibliothèque Georges Ascoli, esc. C, 2e étage
1, rue Victor Cousin
Paris 5e

 Mme Françoise SYLVOS soutient sa thèse d’Habilitation à diriger des Recherches (HDR)

 Histoire et théorie des genres. Poétiques et usages de l’utopie

 en présence du Jury :

Mme CHAMARAT (PARIS X)
M. DIAZ (PARIS VII)
M. MARCHAL (PARIS IV)
Mme MELONIO (PARIS IV)
M. REGNIER (LYON II)
M. VAILLANT (MONTPELLIER III)

Samedi 12 février 2005
14 heures
INHA, salle Ingres
4-6 rue des Petits Champs
75002 PARIS

 Mme Marie-Hélène CARON CONGOU soutient sa thèse d’Habilitation à Diriger des Recherches (HDR) :